Universidad de Los Andes

Facultad de Humanidades y Educación

Escuela de Educación

Asignatura: Educación Estética.

Formación Estética Visual – Trabajo colectivo

Integrantes:

Peña, Gabriela C.I.: 20.431.680

Quintero, Hilce C.I.: 23.499.164

Quintero, Marcos C.I.: 23.302.926

Rojas, Yoendri C.I.: 23.583.516

Rondón, Angela C.I.: 21.183.527

Rivas, Katiuska C.I.: 21.182.193

Rivas, Mileidy C.I.: 22.986.115

MAYO, 2016

INDICE

Temas Pág.

Introducción 2

Formación estética visual 3

Arte en el tiempo medieval 6

Desarrollo integral 16

Tratamiento curricular, aprendizaje integral (4to grado) 20

Estética arte en la Sociología 25

Pensadores filosóficos 30

Conclusión 39

Bibliografías 40

INTRODUCCIÓN

El arte la podemos definir como, una actividad esencial del hombre porque, a través de ella se puede comunicar, ideas, emociones, perspectiva y concepto del mundo y a su vez, es una gran manera de mostrar lo estético de las cosas, la belleza innata de lo que nos presenta el artista y la naturaleza en sí. El arte lo podemos encontrar desde lo plástico, en lo lingüístico, en lo sonoro, en la expresión corporal y en las artes mixtas.

A través del arte también, se puede mostrar la cultura de algún tiempo determinado, por lo anterior, es esencial el arte en la educación porque, no solo se aprende de historia, sino que a través de ella se evalúa la sensibilidad estética del estudiante, sus sentimientos, sus gustos, sus preocupaciones, sus gustos, sus puntos de vista hacia el mundo que lo rodea.

Para Schiller lo primordial era modificar la educación y para eso debían incluir la estética. Expresaba además que la estética es la búsqueda de un hombre como individuo, un ser armonioso y unitario es decir, a través del arte y la estética se van formando personas de grandes espíritu, que amen, que sientan, que sueñen.

Por lo anterior, a través de este trabajo no solo se busca conocer sobre ciertos aspectos del arte en el tiempo, que en este caso es el arte medieval sino conocer a fondo algunos aspectos relevantes que expliquen cierto momento en la historia y como vincularlo en la educación ya que, es en esa rama en la que nos estamos formando y así ser maestros que incluyan la educación estética, como fuente primordial en la educación pero, tomando en cuenta las teorías que hemos aprendido a lo largo de la carrera.

Formación estética visual

Es de comenzar desarrollando cada uno de los términos, como primer punto ¿Qué es el arte? Y ¿Qué es visual?El concepto de arte visual se encuentra formado por dos términos bien diferenciados, que explicaremos a continuación: arte y visual.

Arte es una palabra que sirve para referirse a aquellas creaciones hechas por el hombre, a través de las cuales manifiesta su visión sensible del mundo, ya sea real o imaginario. Para ello, el artista se apoya en una serie de recursos que se encuentran a su disposición; los mismos pueden ser plásticos, lingüísticos o sonoros. El arte nació con una función ritual o mágica y fue mutando hasta convertirse en una cuestión estética y hasta recreativa.

El término visual proviene de un vocablo latino que se encuentra vinculado con lo perteneciente o relativo a la visión (sentido que permite detectar e interpretar la luz y la capacidad propia de ver que tienen los seres vivos del reino animal gracias a sus sistemas naturales).Podemos decir que arte visual es un término relacionado con aquellas obras que pueden apreciarse fundamentalmente por la capacidad de la vista, como la pintura, la fotografía o el cine (aunque éste también incluye sonido).

Las Artes Visuales son formas, expresiones de arte que se encuentran enfocadas preeminentemente a la creación de trabajos que son visuales por naturaleza como ser, la pintura, la fotografía, la impresión y el cine. Es decir, las artes visuales son expresiones artísticas que se aprecian y se disfrutan eminentemente a través del sentido de la vista, por nuestros ojos somos capaces de emocionarnos por un cuadro, con un dibujo o tal película, entre otros.

La pinturaLa pintura es el arte de la representación gráfica que utiliza pigmentos mezclados con otras sustancias orgánicas o sintéticas. La misma emplea y requiere no solamente el conocimiento de técnicas de pintura (óleos, acuarelas, temperas, frescos), sino también conocimientos en materia de teoría del color (aquellas reglas básicas en cuanto a mezcla de colores para poder llegar al efecto deseado combinando colores de luz o de pigmento.

Retrato de la Epifanía (1450)

La esculturaEs un arte de modelar, tallar y esculpir en diferentes materiales como barro, piedra, madero y otros con el fin de, representar figuras u objetos tridimensionales. Es característico en representar volumen, figura de personas, de animales u objetos de la naturaleza misma.

La danza Ópera de París (1865 - 1869)

La arquitecturaLa arquitectura es la disciplina o arte encargado de planificar, diseñar y levantar edificios. Desde esta perspectiva, es correcto decir que la arquitectura influye considerablemente en la existencia humana, al dedicarse a la construcción de las viviendas y espacios donde esta se desarrolla cotidianamente. No obstante, al catalogarla como arte, es menester señalar que además debe considerarse que la arquitectura tiene una finalidad estética y expresiva.

Catedral Naval de kronstadt (Rusia)La fotografíaPor su lado, la fotografía, es el proceso de capturar imágenes y luego almacenarlas en un medio material sensible a la luz, que se basa en el principio de la cámara oscura, con el cual se consigue proyectar una imagen captada a partir de un pequeño agujero sobre una superficie, de modo que el tamaño de la imagen quedará reducido pero aumentará la nitidez de la misma.

Fotografía de la Basílica menor de Mérida - Venezuela

El Cine

El Cine o Cinematografía, una de las artes visuales más populares, no es que las otras no lo sean, pero sin dudas el cine ostenta una participación especial y considerable en la vida de casi todos los habitantes del planeta, es la técnica que consiste en proyectar fotogramas de forma rápida y sucesivamente para crear la impresión de movimiento.

MéxicoLa impresiónEn tanto, la impresión, se trata de un proceso que se emplea para la producción de textos e imágenes, el más típico con tinta sobre papel y utilizando una prensa. Hoy en día la impresión se realiza como un proceso industrial a gran escala y es una etapa fundamental en la edición de los libros.

Arte en el tiempo Medieval

Era principalmente teológica: la belleza está al servicio de la revelación, sirve para expresar las verdades cristianas. El arte medieval se vio influido por la inmaterialidad de Plotino: para los autores medievales la belleza está en la expresión, no en las formas, es una estética subjetiva. Las figuras artísticas pierden corporeidad, se pierde interés por la realidad, las proporciones, la perspectiva. En cambio, se acentúa la expresión, sobre todo en la

mirada; los personajes se simbolizan más que se representan. El arte tenía en esta época una función social, práctica y didáctica.

Se considera como una manifestación artística que se dio durante la edad media. En casi cinco siglos de la plena y baja Edad Media se exhibo en el arte dos estilos claramente definidos, el románico y el gótico. Estos movimientos artísticos tienen su nacimiento en Francia y paulatinamente se van extendiendo por todo el continente.

EI arte medieval pretendía instruir al pueblo, que era analfabeto, sobre las verdades del cristianismo. El arte se convirtió en el principal medio de propaganda de la Iglesia. Sin embargo, el románico no logró esta finalidad: su sentido simbólico y la forma de sus representaciones religiosas eran muy difíciles de interpretar, pues obedecían al gusto de una minoría: la del clero y la nobleza.

Esto sucedía, por ejemplo, con imágenes como la del capitel que se ve en la fotografía: representa la escena denominada molino místico, que indica que el cristianismo recibió y elaboró el contenido de las escrituras antiguas. Con el gótico, en cambio, el arte religioso dejó de ser el lenguaje misterioso de un pequeño grupo para convertirse en un modo de expresión comprendido casi por todos.

Arte Paleocristiano

Este periodo se inicia durante los seis primeros siglos de nuestra era y, es el núcleo de grandes etapas culturales como lo son la Antigüedad Clásica y la Edad Media Cristiana. Esta se inicia en Roma, en la que la religión influyo en el arte del mismo tanto, en simbolismo de los aspectos religiosos.

Arquitectura: Entre las construcciones de más importancia están las catacumbas (galerías subterráneas entrecruzadas, en el que se presentaba decoraciones dependiendo del difunto de la catacumbas. Estas eran las primeras manifestaciones del arte cristiano primitivo.

Catacumbas de San Sebastián (Roma)

Las basílicas también entran en este periodo en el siglo IV, principalmente su función era para los cultos, eran sencillas y muy amplias. Se caracteriza por poseer: un vestíbulo llamado nártex; un patio que le seguía al vestíbulo y era de forma rectangular viéndose

rodeado de pórticos, dicho vestíbulo recibía el nombre de atrio; tres naves siendo la central más elevada y al fondo de esta un ábside, que era un espacio semicircular en el que se encontraba la silla del obispo y de los diversos sacerdotes.

San Sabina (Roma)

Escultura: Son las más importantes por su significado y su simbolismo, las primeras esculturas son de figuras paganas pero de gran simbolismo cristiano. Al pasar el tiempo, se insertan otros temas como el cordero, el pez y otra que simbolizan la representación de Cristo. Las primeras figuras que representaron a Cristo, lo muestran joven y sin barba pero en el siglo IV muestran a Cristo como adulto, cabe mencionar que, en esta etapa no representaban a la Virgen.

Buen pastor de la casa de Pilatos

Pintura: De igual forma, los temas de las pinturas eran relacionados al tema de cristianismo, representaban diversas oraciones con iconos o muy simbólicos. Cuya finalidad, era la decoración en el cual, resaltaba el impresionismo. Los temas: Los misterios de la fe, la representación de Cristo rodeado por los apóstoles, entre otros.

La asunción de la Virgen María

Arte Bizantino

El arte bizantino nace y se desarrolla a partir del siglo IV después de Cristo en el imperio romano de oriente, donde florece hasta el siglo XV. De ahí, se pasa a los países del Este de Europa.

Es un arte subordinado al poder del emperador, y cuando éste adopta la religión cristiana, al poder de la religión también. Este arte manifiesta la presencia de tres influencias: la del cristianismo incipiente, la del racionalismo griego y la del Islam.

Varios eventos afectan su desarrollo. Los más notables son: el movimiento iconoclasta del siglo VIII, y en el siglo XI, la ruptura entre la iglesia de oriente y la de occidente. Este arte produce una arquitectura monumental manifestada en sus iglesias, unos espléndidos mosaicos e impresionantes esculturas

Se caracterizo por tener muchas imágenes religiosas, especialmente talladas sobre tabla. Las representaciones eran sublimadas, con mucho uso del dorado, de los astros, espiritualidad y divinidad. Se representaba mucho a María, los mártires, los santos y, por supuesto, Cristo.

Arquitectura: Entre lo que más resalta entre la arquitectura fueron las cúpulas, el arco y la decoraciones con mosaico. La importancia de las enormes cúpulas significaba la conexión directa entre el cielo y la tierra. Las basílicas son las construcciones más resaltantes de la época, las cuales poseen los elementos constructivos de la iglesia paleocristiana modificada

Basílica de Santa Sofía

Escultura: Buscan la espiritualidad y el simbolismo de una forma rígida es decir, sin movimiento. Entre los materiales más usados esta el marfil, el esmalte, el bronce y el oro.

La Virgen Theotokos

Pintura y Mosaico: Con respecto a la pintura se realizaba con la técnica del mural, cuya decoraciones eran en templos, principalmente en las bóvedas y  cúpulas basado en temas religiosos principalmente como tema principal la biblia, la vida de algún santo, la virgen o de Cristo. Por otro lado, los mosaicos eran la base del mural  bizantino y como la pintura representaba escenas religiosas.

Pintura de la resurrección, juicio final (1381 - 1382)

Mosaico, Emperatriz Teodora.

Arte románico

A partir del año 1000, debido al enorme aumento de los bienes eclesiásticos los campos europeos se llenaron de iglesias y monasterios. Estos edificios se construyeron con un nuevo estilo, el románico, que es considerado el primer gran arte europeo.

El estilo románico fue ideado por los monjes de Cluny para propagar el cristianismo. Fue un arte monástico.

En la Edad Media, los puestos más importantes de la Iglesia se reservaban a los nobles. El románico, que fue un arte eclesiástico, reflejaba, por tanto, la mentalidad de los nobles feudales. Esto quiere decir que el románico fue un arte aristocrático.

Por último, como el arte románico se desarrolló durante la etapa feudal, fue también un arte rural, pues en aquella época la mayoría de la población vivía dispersa en el campo.

Iglesia Santa María de Eunate (España)

Características

Como el románico fue un arte cristiano, sus construcciones más características fueron las iglesias y los monasterios. Las construcciones románicas son edificios imponentes que reflejan el poder de la Iglesia. Se las ha llamado fortalezas de Dios, pues son grandes, firmes y macizas como los castillos de aquella época. Otros rasgos distintivos de la arquitectura románica fueron:

El empleo de semicírculos en arcos y bóvedas, llamados arcos de medio punto. El uso de bóvedas de piedra o bóvedas de cañón, es decir, bóvedas en forma de

semicírculo, para cubrir las naves de la iglesia. La incorporación de torres a las fachadas. La construcción de muros muy gruesos y con pocas aberturas para poder sostener el

peso de las bóvedas.

Pintura: Se desarrolló entre los siglos XI y XIII, teniendo especial protagonismo en el interior de las iglesias: su valor simbólico y narrativo se une al impacto visual del color, que unido a la escasa iluminación del templo contribuye de manera decisiva a crear un ambiente de recogimiento y misticismo.

Función didáctica: representaciones iconográficas destinadas a la instrucción religiosa de los fieles.

Temática religiosa predominante, así como iconografía simbólica. Lenguaje estético: anti naturalismo (se atiende más a la función decorativa y

docente que a la plasmación de la realidad) y deformación de la realidad: Pintura plana, sin profundidad: ausencia de perspectiva y fondos

monocromáticos. Figuras planas y sin volumen: zonas de color uniforme y de tonalidades

intensas delimitándose los contornos con trazos gruesos y oscuros. Falta de movimiento: posiciones rígidas y extrañas. Esquematización de las figuras. Tendencia a la geometrización y simetría de

las formas.

Pintura mural a l’absis de Santa Maria de Taüll

Escultura: En este periodo, las esculturas se destacan en tamaños monumentales, vinculándose a su vez a la arquitectura, para así cubrir los objetos didácticos, fachadas, extremidades y arcos. Se caracteriza por la posición frontal, ojos grandes y abiertos, mirada al frente y los vestidos que caen en forma vertical. Los temas que principales se basaba en figuras del antiguo testamento (evangelios), pecados capitales. 

Apóstoles, pórtico de la Gloria, Santiago de Compostela

Arte gótico

El estilo gótico se originó en Francia. Las primeras construcciones góticas se realizaron en París y en las regiones cercanas durante el siglo XII. En el transcurso del siglo siguiente, el gótico se difundió por toda Europa Occidental.

El gótico fue producto del renacimiento urbano y comercial de la Edad Media: con el comercio y en las ciudades el gusto se refinó. Los burgueses ya no se conformaron con el románico, simple y tosco, y quisieron que el arte fuese un verdadero objeto de valor.

Entonces, los burgueses financiaron un nuevo estilo de construcciones en las ciudades. De esta manera nació el gótico, que volvió a crear obras artísticas verdaderamente bellas. El gótico fue por lo tanto, un estilo urbano y burgués.

Arquitectura:

El empleo de un arco apuntado, el arco ojival, en ventanas y bóvedas. Estaba compuesto de dos arcos que se cortaban formando un ángulo.

El uso de bóvedas de crucería, formadas por dos arcos cruzados diagonalmente. Así el peso de la bóveda se condujo por los arcos a cuatro puntos concretos, los muros se liberaron de su función de soporte, y se los pudo perforar para colocarles vitrales.

La construcción de arbotantes, arcos exteriores que apuntalaban las bóvedas para sostener mejor el edificio.

La elevación de las naves, que le dio un aspecto muy esbelto a sus construcciones.

Edificación gótica: Catedral Notre Dame (París)

Escultura: Se inicia a mediados del siglo XII en Francia y sus últimas manifestaciones fueron en el siglo XVI. En este periodo también existe relación con la arquitectura. Existe la representación de santos, vírgenes, ángeles, reyes, profetas y todo aquello que represente al tema religioso. Pero, es en este periodo donde se destacan las estatuas columnas conservando a su vez, el arte románico.

Grupos de la Anunciación y la Visitación. Pórtico de la catedral de Reims

Pinturas y vitrales: Las pinturas se dividen en dos estilos; el gótico internacional (siglo XIV) el cual se caracteriza por ser figuras muy estilizadas, con curvas, de detalles naturales y con fines simbólicos. Y el segundo que es el estilo flamenco, se basaba en la técnica del óleo y así expresar grandes detalles. Y con respecto, a los vitrales la temática principal era

religiosa, representando figuras y grandes detalles, así como gran colorido, estas se pensaron por el pequeño espacio en las iglesias.

 Pintura Internacional: La coronación de la Virgen.

Pintura flamenco: Adoración de los magos

Vidrial en la Catedral de Nuestra Señora de Friburgo (Alemania)

Desarrollo integral

Aspecto cognitivo

Hablar de cognitivismo es hablar de Jean Piaget, puesto que él autor más resaltante en este tema. Para Piaget, el desarrollo cognitivo es la reorganización progresiva de los procesos mentales como resultado de la maduración mental y la experiencia que tiene el individuo con lo que lo rodea, puesto que a medida que un individuo interactúa con otras personas y con el ambiente va ampliando su conocimiento, utilizando las referencias previas para comprender lo nuevo.

1. Etapa sensomotriz:

Para comprender un poco más este proceso, Piaget en su obra “Seis Estudios de Psicología” hace referencia que los sentidos (tacto, vista, audio, olfato y gusto) son las principales herramientas con la seres humanos comenzamos a configurar nuestro sistema de definición del universo desde el nacimiento.

2. Etapa preoperacional:

En relación con esto Piaget califica que hay dos tipos de inteligencias, las cuales son inteligencia operativa que donde el realiza actividades para ampliar sus conocimientos, y la inteligencia figurativa que es donde el niño representa sus aprendizajes con imágenes y representaciones mentales.

Asimilación y acomodación parte también del desarrollo cognitivo, la asimilación es el momento en el que en individuo relaciona lo nuevo con conocimiento previos, lo contrasta y luego lo acomoda como nuevo, es decir, amplía sus conocimientos. Todo esto se desarrolla en la etapa

preoperacional donde el individuo comienza a configurar su mondo de acuerdo a sus creencias, a sus reflejos, a lo que siente y a lo que percibe, sin embargo, luego cuando descubre que lo que lo rodea es muy amplio es donde comienza a confrontarse con las demás personas y a interiorizar lo que se le dice

3. Etapa de operaciones concretas:

Es donde deja a un lado sus creencias y actúa acorde a lo establecido utilizando la lógica e incorpora la razón, la observación es la técnica más utilizada para la apropiación de conocimientos; aquí tiene la capacidad de dar conclusiones objetivas sin análisis crítico.

4. Etapa operacional formal:

En esta etapa en donde se realizan actividades utilizando la razón y la lógica, donde puede emitir juicios y debatir utilizando un pensamiento crítico, tiene la capacidad de analizar e interpretar de manera objetiva y abstracta.

Relación con la escuela y la formación estética:

Basándose en la teoría de Piaget y en la pedagogía liberadora, la escuela debe ser un espacio para el debatir de ideas, el contrastar los conocimientos, los animadores pedagógicos deben presentarle a los estudiantes los recursos para que en primer lugar tengan una situación inicial natural con lo nuevo, en segundo plano surja la asimilación y acomodación un con la situación genésica conceptual, seguidamente avance con la situación vivencial funcional y situación procedimental porque la ejecuta, la trabaja le aplica la lógica y los conocimientos para que finalice con una situación posvivencial en ser multiplicadores del conocimiento. Otro aspecto importante dentro de lo cognitivo es que no se trata de aprender para satisfacer a un docente, es aprender para la vida, que los conocimientos que el estudiante tenga le sirvan para enfrentar cualquier fenómeno que se le presente o incluso para desarrollar a futuro una indecencia económica.

Aspecto afectivo

Los seres humanos desde el momento del nacimiento hasta su muerte van relacionándose y configurando vínculos afectivos, parte de las experiencias que tienen en esa configuración y desarrollo afectivo es la fase oral, anal y elíptica, en las que va sentir afecto por el seno de la madre porque este satisface sus necesidades de alimentarse (fase oral) y con la madre en su totalidad (elíptica), porque le da seguridad, alimentación y cariño; posteriormente el niño comienza a distinguir que siente rechazo por las cosas malas y afecto por las cosas buena, M. Klein dice que va rechazar al seno que le da menos leche y va amar al que le da más leche, también va llegar a experimentar odio por aquello que impide su relación con lo que ama, como puede ser con el padre cuando lo separa de su madre, lo traslada al otro cuarto y en todo ello el niño expresa sus sentimientos.

El aprendizaje requiere de un vínculo, un afecto, deseo, motivación, algo que incite al sujeto a estudiar, porque nosotros vamos a aprender lo que queremos, lo que realmente llena nuestra expectativas, parte de la teoría de Sigmund Freud es que el vínculo se da entre sujeto y objeto y el campo de la educación el sujeto es el estudiante que juega un rol activo dentro del proceso de aprendizaje y el objeto son las herramientas o el medio que le suministra la información desea que va causar una satisfacción y por ende un aprendizaje positivo.

De acuerdo a lo anterior el animador pedagógico es el encargo de conocer cuáles son los intereses y deseos de los estudiantes para dirigir las estrategias a satisfacer esas necesidades, de igual forma debe ser un motivador para que sientan ganas de querer conocer lo nuevo, debe propiciar un ambiente agradable donde los participantes se sientan alegres y cómodos, así mismo, brindar las objetos (herramientas) con los que los sujetos (estudiantes) van a tener un afecto porque brinda satisfacción.

Parte de los aspectos a desarrollar en la educación, es que los estudiantes tengan ese deseo futurista basándose en eso estudiar desde el presente para lograrlo, los animadores pedagógicos de manera implícita son constructores de proyectos de vida en los

educando, porque de acuerdo a su pedagogía para guiar a un pensamiento complejo esta en crear vínculos futurista.

Aspecto social

El animador pedagógico es una persona que tiene la capacidad de desarrollar diversas interacciones en el aula de clases, parte de eso es incentivar a la integración social, reforzar los tejidos sociales, los valores y en especial el respeto, fomentar una comunicación sana y educada, comportamientos correctos. El aula de clases no solo es un espacio para apropiarse de teorías sino también de praxis y de valores.

El aula de clases es el compartir de experiencias, la ayuda, la colaboración y la unión, como todo grupo diverso van a tener problemas de comunicación, de afiliación, de compañerismo, de pertinencia, de pertenencia y es ahí donde el animador juega un papel fundamental para orientarlos a como solventar esos conflictos, cosa que no solo les va

servir para el aula sino para la vida y de eso se trata el desarrollo integral de los educandos.

Jean Piaget destaca que uno de los pasos fundamentales para que el niño desarrolle su campo cognoscitivo es el lenguaje, porque le permite al niño comunicarse con las demás personas, es decir, socializar para intercambiar ideas, preguntar, descubrir y para la aprensión de cultura, cosa a la que Fernando Savater en su obra “El Valor del Educar” dice que los seres

humanos tenemos una segunda matriz que es la social en donde nos formamos culturalmente. Lev Vygotsky también brinda algo muy importante de la socialización que es la Zona de Desarrollo Próximo, es donde un estudiante aumenta su potencialidad con la ayuda de otros, es decir, cuando un estudiante enseña algo desconocido a otro, teoría que sustenta la Situación Posvivencial, el hecho de ser multiplicadores de conocimientos.

La Pedagogía Social se alimenta también de Jean Piaget, puesto que él no solo habla de un desarrollo cognitivo sino también de un desarrollo social y de ahí es donde salen los proyectos escolares donde se integran todas las áreas y se aplican en la comunidad, en la sociedad, porque una educación no puede estar ajena de la realidad, la educación debe ser la garantía de los avances sociales, un estudiante debe estar preparado para ser egresado con un perfil que necesite la sociedad siempre en vista del bienestar y desarrollo.

Aspecto motriz:

Como buena educación integral se deben brindar también las herramientas para que los educandos tengan una capacidad física acta al igual que la motriz, esto forma parte del hacer. Jean Piaget en sus Seis Estudios de Psicología donde evalúa el desarrollo de los niños dice que es importante en la temprana edad comprobar la coordinación física y mental, entre ellas levantarse, caminar en línea recta, alzar, saltar, gatear y otros, para que en caso de no ser así, sea abordada desde ese momento porque se estaría afectando el desarrollo cognitivo del niño.

En la educación se debe desarrollar que los estudiantes corten de manera correcta, realice figuras geométricas como cuadrado, círculo o rectángulo, que pinte dentro sin salirse de la raya y entre otros. El animador pedagógico debe ser un observador y evaluador de que los educando están cumpliendo con las aptitudes requeridas, y en caso de no ser así, hacer los respectivos chequeos porque algo está pasando en el niño.

Tratamiento curricular: Aprendizaje integral (4to grado)

Cuando se toma el rol de docente, éste debe cumplir un papel fundamental en el proceso de desarrollo intelectual, moral y social de cada uno de los estudiantes, éste debe ser ese guía, ese “puente” de conexión entre la aventura y el conocimiento, debe enseñarle de manera positiva lo viable que puede llegar a ser la escuela para la vida diaria, aludiéndoles y haciéndole saber mediante herramientas, métodos, técnicas y estrategias que la escuela no es una obligación sino una superación y que los tropiezos que se tenga nunca significaran un error sino una experiencia intelectual. Por ello se quisiera destacar por un lado distintos aspectos trascendentales que necesita saber un docente durante su carrera profesional (conectado con el aprendizaje integral), y por otro lado, se señalará la gran conexión que tiene cada área de 4to grado del Currículo Básico Nacional (CBN) con la enseñanza que tiene éste hacia el arte y la estética (sin olvidarnos del aprendizaje integral).

En primer lugar, el docente debe evitar en gran medida producir una enseñanza memorística, mecanicista, repetitiva y aburrida, todo lo contrario éste debe tratar de desarrollar un ambiente armónico, divertido, emocionante, un ambiente donde ellos vean la escuela como un segundo hogar y no como una prisión. Además el docente, debe permitirle a los niños de cierta forma que aprendan sin ningún tipo de tabúes, ni ataduras, es decir, que exista libertad de pensamiento, imaginación y creación.

En segundo lugar, el docente debe saber planificar, haciéndolo con características integrales, es decir combinado varias áreas aprendizaje y utilizando en ésta los tres tipos de contenidos: el conceptual, el procedimental y el actitudinal.

En tercer lugar, hay que decir que el docente nunca debe quedarse “obsoleto” es decir, siempre día a día debe actualizarse, porque si no lo hace estaría brindándoles a sus alumnos un conocimiento

alienado y “vago”, además el actualizarse permitiría de cierta manera aprender nuevas estrategias de enseñanza-aprendizaje, lo cual sería favorable tanto para los estudiantes, como para el profesor, dado que incrementaría la motivación y el entusiasmo en el aula de clases.

En cuarto lugar, hay que acentuar también, que el aprendizaje integral, es un aprendizaje holístico, donde el niño nunca aprenderá las asignaturas por separado, todo lo contrario el docente con su experiencia, trayectoria y saberes, deberá guiar a sus alumnos a que ellos integren todos sus conocimientos de manera sencilla y eficaz, ejemplo: “cuando se aprende historia, puede aprenderse matemática también, dado que se podría calcular el año de nacimiento y fallecimiento de un personaje histórico por medio de operaciones

matemáticas, y al mismo tiempo también se puede aplicar geografía, al investigar el país, ciudad y continente en que nació el personaje. Hay que decir también, que aquí el docente respalda, abre caminos, desafíos y posibilidades y estimula a cada uno de sus estudiantes.

En quinto lugar, el docente jamás debe menospreciar la actividad o creación que el niño/a realice, todo lo contrario debe siempre elogiarla, dado que si no lo hace estaría desmotivándolos y llevándolos a un posible abismo.

En sexto lugar, el profesor debe reforzar la clase (por lo menos dos veces por semana), mediante actividades lúdicas (visitas a parques, realización de juegos, rompecabezas, sopa de letras, poemas, entre otros), ya que esto sería un aliciente más en su proceso de aprendizaje.

En séptimo lugar, es dejar que ellos construyan su propio ambiente en el aula, es decir, que en cualquier evento o fecha patria, éstos creen, piensen, imaginen dibujen, exploren y exploten toda esa creatividad que posean escondida. Hay que destacar, que nunca hay que descalificar ni menospreciar las realizaciones o elaboraciones que hagan los niños, todo lo contrario independientemente de su calidad, hay que elogiarlos siempre.

En octavo lugar, continuamente hay que darle importancia a lo que los niños realicen, ya que ellos mediante su fantasía e inocencia, expresan en sus producciones el estado anímico en el cual se encuentran, recalcando, que éstos de algún

modo construyen o dan conocer su personalidad mediante las mismas.

En noveno lugar, hay que hablar un poco del currículo oculto, ya que en cierta forma tiene algo de conexión con el aprendizaje integral, dado que en éste el docente debe apoyar y sugerirle consejos que le ayuden a superar las adversidades o fortalecer los conocimientos a cada alumno, haciéndoles saber, por un parte, que cualquier aporte de conocimiento que haga en el aula

siempre será positivo y por otra, que en la educación no hay importan las razas, colores o religiones, ya que todos tienen la misma capacidad de digerir cualquier tipo de conocimiento.

Áreas de 4to grado del Currículo Básico Nacional (CBN) conectado con el arte y la estética (sin olvidarnos del aprendizaje integral).

Ciencias NaturalesBloque: Salud IntegralContenido Conceptual Contenido Procedimental Contenido ActitudinalAutoestima, pubertad y reproducción humana.- Autoestima. Atributos definitorios.- Autoconcepto.- Autovaloración.- Autoimagen.- Seguridad de sí mismo.- Autoaceptación.- Sentido de libertad responsable.

- Reflexión y conversación acerca de lo que se entiende por autoestima.- Identificación de cuáles son sus capacidades y limitaciones, para que acepten sus propias características.- Establecer relaciones entre autoestima, comportamiento humano y desarrollo social.- Análisis de los atributos que definen la autoestima.

- Internalización de que toda persona es valiosa por el solo hecho de ser humano.- Reconocimiento de la importancia del amor, la ternura y espeto por las personas del entorno afectivo.-Reconocimiento de la autoestima como factor personal que garantiza el éxito de nuestra vida.

LenguaBloque: El mundo de la imaginaciónContenido Conceptual Contenido Procedimental Contenido Actitudinal- Recursos literarios: símil, hipérbole, humanización.

- Caracterización de algunos recursos literarios presentes en obras leídas: símil, hipérbole, humanización.

MatemáticaBloque: Números RomanosContenido Conceptual Contenido Procedimental Contenido ActitudinalNúmeros Romanos - Identificación de los símbolos y

valores del sistema romano de numeración.

- Escritura de números romanos utilizando los símbolos y las reglas.

Bloque: Medidas de tiempo

Contenido Conceptual Contenido Procedimental Contenido ActitudinalMedidas de tiempo. - Identificación de las medidas de

tiempo. Segundo, minuto, hora, semana, mes, año, quinquenio, década, siglo, milenio…- Diferencia de las fechas anteriores y posteriores al nacimiento de Cristo.- Determinación del siglo al que pertenece un determinado año.

Ciencias sociales

Bloque: La sociedad venezolana y su espacio geográfico.

Contenido Conceptual Contenido Procedimental Contenido Actitudinal

Vestigios del pasado en el presente.

- Identificación de construcciones que pertenecen al pasado (iglesia, monumentos, casas…), que aún se mantienen en la localidad determinando las condiciones de su estructura física.- Indagación sobre el origen y fecha de las construcciones antiguas.- Representación gráfica imaginaria sobre el uso de las construcciones del pasado.

- Muestra interés por conocer los sitios importantes de su localidad.- Valoración de las construcciones antiguas como parte del legado histórico.- Valoración del patrimonio cultural e histórico.

EstéticaBloque: El arte como medio de expresión y comunicación.Contenido Conceptual Contenido Procedimental Contenido Actitudinal

- Medios y técnicas de las artes plásticas, musicales y escénicas.

- Utilización de medios (soportes, pinceles, espátulas…) y técnicas (tempera, acuarela, pastel…) para explorar sus posibilidades expresiva.

- La forma en las artes plásticas musicales y escénicas.

- Observación de los objetos en la escuela y el aula para identificar su forma, tamaño, el color y origen a fin de diferenciar una de otras.- Observación del ambiente para identificar las formas naturales y las creadas por el hombre (formas concretas o figuras y formas abstractas).- Discriminación entre formas modeladas y pintadas para

diferenciar formas bidimensionales y tridimensionales.

- Espacio, tiempo y movimiento en las artes.

- Observación en espacios bidimensionales (soportes) que se emplean en el dibujo y la pintura.- Observación de obras arquitectónicas de su entrono para descubrir el espacio interno habitable y su relación con el tiempo como cuarta dimensión.- Discriminación de espacios internos y externos de construcción urbanística (edificios, plazas, teatros, hospitales, templos…)

- Creatividad al utilizar el espacio bidimensional en composición libre.- Valoración del espacio habitable como representación de la cuarta dimensión. Aprecio por espacios urbanísticos de su entorno y ciudad.

Bloque: Cultura, ciencia, tecnología y arteContenido Conceptual Contenido Procedimental Contenido ActitudinalCultura y arte - Determinación del arte como

producto creativo del hombre- Conversación acerca de los diferentes espacios (museo, plazas, jardines…) que albergan y conservan el patrimonio artístico natural e histórico.

- Reconocimiento de la importancia del producto creativo como aporte cultural del hombre.

Educación física Bloque: vida al aire libreContenido Conceptual Contenido Procedimental Contenido Actitudinal

- Paseos -Identificación de las características y las actividades de los paseos. -Búsqueda de información acerca de parques, plazas y sitios históricos y otros ambientes naturales de la localidad.-Planificación de la actividad a realizar.

-Manifestación de interés por los beneficios que aportan los paseos. -Valoración y respeto a los señalamientos viales del contexto durante los paseos (semáforos,“paso de peatones”,“pasodeanimales”,...). -Valoración de la planificación como elemento clave para el éxito de las aspiraciones personales y sociales. -Responsabilidad individual de las tareas acordadas por el grupo. -Interés por conocer y realizar formas de ocupar el tiempo de ocio en otros entornos diferentes a los habituales

Estética arte en la SociologíaPocos, muy pocos, sociólogos habían colocado en el centro de sus investigaciones, antes de Bourdieu, el arte y la cultura. Más raro, todavía, es que un autor, en el sentido sartreano, alguien que busca refundar la teoría social, elija para sus primeros textos una práctica de valor artístico “menor” como la fotografía y una institución de nobleza cuestionada como los museos

Su rigor sociológico se aplicó a una zona –el gusto, las distinciones simbólicas– donde parecía anidar las actividades menos “sociales”, más ajenas al determinismo económico. ¿Se pueden cuantificar los modos en que los actos creadores participan en la sociedad y se los aprecia, o estamos condenados a dejarlos librados a las intuiciones del subjetivismo idealista? ¿Es posible construir explicaciones sociológicas sobre los comportamientos estéticos que capten su especificidad, sin obligarla, como hizo el mecanicismo marxista, a obedecer a leyes de clase? Entre la ilusión idealista de autonomía y la coacción reductora del marxismo, Bourdieu construye otro camino basado en dos nociones: homología y campo.

Ya en el postfacio al libro de Erwin Panofsky sobre la arquitectura gótica y el pensamiento escolástico, cuya traducción al francés Bourdieu publicó en su colección de Minuit, mostró que la arquitectura no es el “reflejo” o la “superestructura” de la escolástica medieval; entre ambas no hay una relación de causalidad, sino de semejanza analógica. La homología estructural permite tratar sociológicamente las obras de arte sin verlas como efecto de sus condicionamientos.

Al mismo tiempo, la noción de campo establece un ámbito intermedio, o un régimen de mediaciones, entre la sociedad y los individuos. En un tiempo en que se había vuelto inverosímil deducir del modo de producción o de la pertenencia de clase el sentido de una obra de arte, Bourdieu sostiene que la sociología de la creación artística o intelectual encuentra su objeto en el campo especifico, o sea la red de vínculos entre los agentes que hacen posible la existencia de una novela (autor-editor-libreros-críticoslectores) o una obra plástica (artista-galería-museo-críticos-receptores). Cada campo de producción y circulación de los bienes simbólicos posee una lógica propia, dada por

las interacciones específicas entre poseedores del capital cultural y recién llegado. El

campo es autónomo respecto del orden económico general, pero su autonomía es relativa: establece un orden que condiciona a los creadores, en homología con la estructura social, según sus estrategias de distinción y su posicionamiento en los lugares de dominio o de subversión.

La resonancia de la obra de Bourdieu en la investigación cultural se debe a que demostró con estudios empíricos que las prácticas artísticas no son puras ni desinteresadas, pero sin incurrir en la sociologización clásica que remitía a los creadores y los públicos a una instancia demasiado general (la sociedad o la clase). Examinó la producción de las obras y de su valor en sus contextos peculiares, donde los artistas y los mediadores compiten por apropiarse del capital simbólico. Su limitación reside en subordinar las múltiples prácticas realizadas en el campo a un principio general de dominación social, y los muchos sentidos de lo que se hace al hacer arte a una lucha entre legitimidad e ilegitimidad. Ya en La sociología del arte (2002) Heinich proponía “seguir a los actores” en la diversidad de sus interacciones y describir los desplazamientos “de la creación entre lo individual y lo colectivo, de manera de poder reconstruir la genealogía de estas representaciones, estudiar el modo en que se articulan con la experiencia” (Heinich, 2002: 166). En vez de una sociología normativa, una sociología descriptiva. No desmitificar las ilusiones, sino poner en evidencia las lógicas que permiten que los actores se orienten. El arte desafía a los sociólogos a experimentar nuevas vías para comprender la singularidad y para reconocer los límites de sus instrumentos.

 La sociología no es entonces una disciplina o un disciplinamiento del modo correcto de conocer, que acusa a los incompetentes, sino una “antropología de las obras” que “permite restablecer una circulación entre universos separados, contribuir a renovar los lazos ahí donde la gente ha dejado de hablarse, rehacer un consenso en donde sólo quedan fracciones que se enfrentan, se critican o se ignoran” (Heinich, 2001: 66).

Se podría afirmar que, desde hace por lo menos un siglo y medio – esto es, a partir de las inquietudes estéticas realistas de mediados del siglo XIX – haya ido desarrollándose cierta dimensión implícitamente sociológica de las prácticas artísticas. Me refiero a aquella visión del arte como hecho consciente de interacción crítica y “deconstructora” con respecto a la realidad social; o – dicho de otra forma – como lugar material y simbólico dentro del cual desplegar un discurso público y expresar opciones concretas sobre las representaciones de la sociedad misma, sobre sus valores, significados y reglas poniendo en duda sus límites, presupuestos y convenciones. Cabe destacar, por ejemplo, la importancia que, a lo largo de las últimas décadas, se ha atribuido a temas

artísticos de carácter social como la identidad, la otredad, la diferencia, el género, la etnia, la generación, la procedencia geográfica, las minorías, las subculturas etc.

Cuanto dicho resulta muy evidente si consideramos algunas formas concretas de arte emergente, como el street art: etiqueta que, en realidad, suena hoy en día bastante reductiva, ya que abarca manifestaciones artísticas muy distintas entre sí que han salido varias veces de la calle para ingresar en los lugares del mainstream del sistema del arte contemporáneo (museos, galerías, casas de subastas, manuales de historia del arte entre otros). Es, éste, el caso, por ejemplo, de artistas como K. Haring, J.M. Basquiat, R. Pettibon, Banksy, Os Gêmeos etc. A propósito del arte callejero, Johannes Stahl habla de obras que surgen del deseo de ejercer un «derecho estético sobre el espacio público».[1]

Desde esta perspectiva, pues, parece ser que un rasgo típico de nuestros tiempos sea que lo estético y lo sociológico estén cada vez más entrelazados, tanto en la práctica de los artistas como en las elecciones concretas de curadores, instituciones, críticos entre otros… hasta confundirse. Parte de la producción artística actual (al igual que sus representaciones y “presentaciones”) parece abarcar e implicar exigencias, premisas teóricas y experiencias propias de sujetos, grupos o sub-grupos distintos y cada vez más diferenciados; cada uno con su identidad, con sus propios intereses, con su propio imaginario, con su propia propuesta “política” (en un sentido muy amplio del término). En fin, con su cultura y con su contexto de referencia.

La Sociología del Arte puede ser considerada desde el punto de vista doctrinal y desde el punto de vista histórico. Presenta unas bases positivas y una dimensión axiológica. El aspecto social del Arte se manifiesta en la expresión creadora, por parte del artista, de un contenido afectivo o intelectual; en la misma obra de arte, que constituye un logro personal y, al mismo tiempo, ambiental; y en la colectividad, sobre la que produce un Impacto. Las formas artísticas aparecen como el resultado de varios factores so- ciales. Aunque el Arte goza de una relativa autónoma, son innegables sus implicaciones sociales. Los valores artísticos apuntan a algo objetivo y real, pero su objetividad depende de la emoción y del juicio provocado en el grupo social, lo cual hace necesaria una ((conciencia colectiva)) para su estimación. La dimensión social de la obra artística constituye un valor cuya estabilidad depende de la universalidad de la estimación estética. La relatividad del Arte y de la Estética queda así aminorada por tener ambos su fundamentación en la belleza objetiva, que este metafísicamente más allá del hecho artístico y de las emociones artísticas individuales o colectivas. Cabe de este modo considerar, mediante una posición a socrática)), que el valor estético tiene el ca- rácter de una relación, sin negar por ello la objetividad de la belleza.

La principal contribución consiste en señalar la importancia de la relación arte-sociedad como problema estético. El arte es reconocido como vínculo de la sociedad.

En la estética sociológica pasa a primer plano considerar y explorar el arte como fenómeno social.

Los dos puntos de vista más adaptados de la estética sociológica son:

1. La teleológica trata de determinar los fines sociales del arte y su objeto dentro de la sociedad.

2. El otro punto de vista investiga los orígenes sociales del arte. El punto de partida es que las realizaciones artísticas están predeterminadas. El desarrollo de sus dotes y la manera de plasmarlo, depende del ambiente, del estado general del espíritu y las costumbres; a la vez que del clima, de los productos culturales de la raza. Aunque bien es cierto que, esta teoría del medio ambiente es incapaz de explicar lo irracional y vivo en las creaciones de cada época.

Desde la perspectiva sociológica del arte, son innumerables los temas que trata y ello da cuenta de su amplio horizonte disciplinar. Entre estos temas están:

El mecenazgo y el coleccionismo. El mercado del arte. Las instituciones y situación social del artista. La estructura sociocultural del público y de sus gustos. Las relaciones del arte y las diversas plataformas del poder. Las manifestaciones efímeras del arte. La transmisión de las formas a través de los géneros menores de expresión

visual. El estudio de los medios de comunicación visual de masas.

  Autores relevantes

Hippolyte-Adolphe Taine: Su Filosofía del arte (1865-1869), aplicó al arte un determinismo basado en la raza, el contexto y la época (race, milieu,moment). Para Taine, la estética –la «ciencia del arte»–, opera como cualquier otra disciplina científica, según parámetros racionales y empíricos.

Jean Marie Guyau: En Los problemas de la estética contemporánea (1884) y El arte desde el punto de vista sociológico (1888), planteó una visión evolucionista del arte, afirmando que el arte está en la vida, y que evoluciona como ésta; y al igual que la vida del ser humano está organizada socialmente, el arte debe ser reflejo de la sociedad.

La estética sociológica tuvo una gran vinculación con el realismo pictórico y con movimientos políticos de izquierdas, especialmente el socialismo utópico: autores como Henri de Saint-Simon, Charles Fourier y Pierre Joseph Proudhon defendieron la función social del arte, que contribuye al desarrollo de la sociedad, aunando belleza y utilidad en un conjunto armónico.

Por otro lado, en el Reino Unido, la obra de teóricos como John Ruskin y William Morris aportó una visión funcionalista del arte: en Las piedras de Venecia (1851-1856) Ruskin denunció la destrucción de la belleza y la vulgarización del arte llevada a cabo por la sociedad industrial, así como la degradación de la clase obrera, defendiendo la función social del arte. En El arte del pueblo (1879) pidió cambios radicales en la economía y la sociedad, reclamando un arte «hecho por el pueblo y para el pueblo».

Por su parte, Morris defendía un arte funcional, práctico, que satisfaga necesidades materiales y no sólo espirituales. En Escritos estéticos (1882-1884) y Los fines del arte (1887) defendió un concepto de arte utilitario pero alejado de sistemas de producción excesivamente tecnificados.

La obra de Ruskin y Morris coincidió con la época victoriana, donde el arte, principalmente subvencionado por la nueva clase emergente, la burguesía, cobró un nuevo valor relacionado con la ostentación, con el reflejo del estatus social, lo que implicaba un factor comercial que provocó la mercantilización del arte en el  siglo XX y el auge de las galerías de arte, que se convertirían a su vez en centros difusores de nuevas tendencias.

Pero sin duda, el autor más notable es Pierre Francastel (1900-1970). En sus obras lleva a cabo un análisis del medio (es decir, del entorno cultural y social) en el cual crece y trabaja el artista y hacia el destino que tiene el mensaje encerrado en la obra.

Sus obras más conocidas:   Pintura y sociedad (1951).   Arte y Técnica (1956).   La realidad figurativa (1965).   La figura y el lugar (1967).   Sociología del arte (1970)

Su principal aportación es reconocer la estructura del intangible lenguaje imaginario que emerge del entramado cultural y que se constituye en lengua visual que circula por la imaginación colectiva y es capaz de concretarse en cada uno de los objetos artísticos que le sirven de soporte. A su vez, la dimensión sociológica de este lenguaje estriba en el hecho de que no se construye sobre un vacío especulativo, sino a partir del complejo conjunto de materiales culturales que le anteceden y a los que va a incorporarse, una vez consolidado, con la capacidad de dejar su impronta sobre la imagen colectiva del mundo.

Pensadores filosóficos

Immanuel Kant (1742 – 1804) Este filósofo nació en Königsberg en Prusia,  Hijo de un modesto guarnicionero, fue educado en el pietismo. En 1740 ingresó en la Universidad de Königsberg como estudiante de teología y fue alumno de Martin Knutzen, quien lo introdujo en la filosofía racionalista de Leibniz y Wolff, y le imbuyó así mismo el interés por la ciencia natural, en particular, por la mecánica de Newton.

Pasó quince años ejerciendo como profesor en la universidad y dando conferencias. Aunque estas conferencias y escritos durante este periodo le dieron reputación como filósofo original, no fue catedrático de la universidad hasta 1770, cuando se le designó profesor de lógica y metafísica.

Durante más de cuarenta años, se dedicó por entero a la actividad docente, a la investigación filosófica y a la redacción de sus obras, que marcaron un hito muy importante en el desarrollo de la historia de la filosofía. Fue un profesor querido por sus alumnos, a los que sabía estimular en sus deseos de saber y conocer más.

Sus enseñanzas religiosas se basaban más en el racionalismo que en la revelación divina, y le crearon problemas con el gobierno de Prusia. En 1792 Federico Guillermo II, le prohibió

impartir clases o escribir sobre asuntos religiosos. Acató la orden durante cinco años, hasta la muerte del rey, y entonces se sintió liberado de su obligación. En 1798, ya retirado de la docencia universitaria, publicó un epítome donde se contenía una expresión de sus ideas de materia religiosa.

Es considerado uno de los filósofos más importantes de la modernidad y es un gran representante del idealismo alemán. Considerando el arte como una forma de satisfacción del ser. Entre sus obras algunas son: Historia natural general y teoría del cielo (1755), Observaciones acerca del sentimiento de lo hermoso y lo sublime (1764), Crítica de la facultad de juzgar (1790), entre otras.

La estética Kantiana es romántica y deriva de teoría de Rousseau, el arte como transcurrir de la experiencia. Este enfoque se baso en la critica pero, en la crítica del gusto por eso no denomino su teoría como aporte en la estética, porque él consideraba que el hombre podía percibir la belleza de forma autónoma, y que la principal belleza innata era la naturaleza. Kant expone que lo importante de la calificación de la belleza no depende del fin que propone el artista sino más bien la primera sensación o sentimiento que presente el espectador.

Lo anterior se debe, a que el arte no tiene una concepción, simplemente espontaneidad del artista. El juicio estético para Kant no jugaba un papel importante porque, consideraba el arte una forma libre de expresión. La definición exacta que da Kant de la belleza, es todo aquello que agrade a los ojos y sea sublime para así poder satisfacer o causar dolor al que observa.

Friedrich Hegel (1770 – 1831)Fue un filósofo alemán, representante del idealismo. Se baso por las obras de Platón, Aristóteles, Descartes, Spinoza, Kant y Rousseau. Es considerado la máxima representación del idealismo y del pensamiento universal del S. XIX. Cursó estudios de los clásicos griegos y latinos en el gymnasium de Stuttgart. Su padre deseaba que se convirtiera en pastor protestante, por lo que ingresó en el seminario de la Universidad de Tubinga en 1788 donde se hizo amigo del poeta Friedrich Hölderlin y del filósofo Friedrich Wilhelm Joseph von Schelling.

Considerado como el último de los grandes metafísicos, Hegel realizó contribuciones fundamentales en una gran variedad de campos de la reflexión humana, que abarcan la filosofía de la historia, la estética y la ética social. En cuanto a la

historia, sus dos categorías explicativas claves son la razón y la libertad Entre sus obras están: Fenomenología del espíritu (1807), Constitución de Alemania (1802), entre otras.

La filosofía del arte hegeliana representa un momento esencial de la reflexión estética en el horizonte filosófico moderno. Tomaba como consideración que la aspiración del hombre no debía ser centrada en una próxima vida, sino más bien en la manera de mejorar las condiciones en la vida terrenal, esto se debe por ser formado bajo una doctrina del cristianismo.

La estética de Hegel se basaba en un espíritu absoluto es decir, de la auto-conciencia humana, tomando en cuenta lo sublime y lo bello. Es decir, desde un mundo fenoménico y espiritual. Veía el arte como la forma más exacta de conocer la verdad del espíritu. Por otro lado, la estética hegeliana, concierne en las artes particulares como lo son: la arquitectura, escultura, música y pintura.

Federico Schiller (1759-1805)Fue un escritor prolífico, pues junto a los trabajos filosóficos, escribió historia, poesía e incluso una novela. Fue hijo de un cirujano militar, estudió medicina y derecho en la Escuela Militar de Stuttgart, en lugar de teología, tal como era su deseo. Sin tener en cuenta las prohibiciones de la disciplina militar, empezó a interesarse por la literatura protorromántica del «Sturm und Drang» y, en 1781, estrenó su primera pieza teatral, Los bandidos, drama antiautoritario que le supuso la deposición del cargo de cirujano mayor y la prohibición de escribir obras que pudieran atentar contra el orden social.

Entre sus obras más importantes fueron; Cartas sobre la educación estética del hombre (1963), y la antología titulada Escritos sobre estética (1991). Además, también fue un defensor del romanticismo, la Naturaleza y las ideas de libertad y rebeldía ante lo establecido. Dedicó los últimos años de su vida al teatro, el género en el que más refulgió su talento. En 1804 vio la luz la más popular de sus obras, Guillermo Tell, en la cual el amor y la glorificación de la libertad, ideal constante en el escritor, se manifiestan de la forma más armoniosa y eficaz. 

Shiller más que dar aportes desde la rama de la filosofía con respecto a la estética, da pequeñas reflexiones sobre la importancia de la estética y el arte en la educación.

Palabras claves para este filósofo era la libertad y dignidad. Estética como búsqueda de un hombre como individuo, un ser armonioso y unitario. Para Schiller lo primordial era

modificar la educación y para eso debían incluir la estética. Por otro lado, menciona que el juego es una de las fuentes más cerca de la libertad porque, a través del juego se encuentra la sensibilidad humana y que para tener arte hay que ser sensible.

Además, nos dice que con la educación estética además de presentar una formación intelectual, se aprende a sentir, pensar, a ser sensible y a ser receptivos. Por otro lado, define el arte como una forma de  expresión de la cultura donde, está situado el artista, por eso a través de ella se pueden conocer acontecimientos de tiempos determinados.

Arthur Schopenhauer

Nació el 22 de febrero de 1788 en Danzig, actualmente Polonia (Alemania), y muere el 21 de septiembre de 1860. (72años) en Reino de Prusia.

Fue un Filósofo alemán. Hijo de un rico comerciante y su madre era escritora. Cursó estudios en las universidades de Gotinga, Berlín, y Jena.

En 1809, cuando comenzó en la universidad de Gotinga como estudiante de medicina, emprendió un estudio de Platón y Kant, con lecturas complementarias de las obras de Aristóteles y Spinoza.

En la primera mitad del siglo XIX, el filósofo alemán Arthur Shopenhauer, en su principal obra “El mundo como voluntad y representación” plantea que el mundo es la representación del sujeto, con esto, existe una inseparabilidad entre el sujeto y el objeto. Piensa que el mundo es una fuerza ciega, la “voluntad”, que se manifiesta en las fuerzas naturales, y del individuo como voluntad de vivir. Explora la función del arte en el mundo y menciona que cuanto más cercanas son las ideas a sus formas arquetípicas (Eidos platónico), mayor es la posibilidad de la contemplación pura en el arte. Expone una jerarquía de las artes, “La arquitectura es inferior. Es la objetivación de la voluntad como un oscuro inconsciente y mecánico impulso de la materia, que sin embargo manifiesta en su interior la lucha o conflicto... La música es de un orden superior, está más allá de la jerarquía. Expresa directamente la objetivación de la voluntad. Sin mediaciones. Libera y objetiva a la voluntad”.

La realidad auténtica corresponde a un principio que Schopenhauer denominó voluntad, de la cual el mundo como representación es su manifestación; el sistema se completa con una

ética y una estética. Cuando el individuo, enfrentado al mundo como representación, se pregunta por lo que se encuentra tras las apariencias, obtiene la respuesta como resultado de su experiencia interna, en lo que se conoce como voluntad; pero la irracionalidad de ésta, su condición de afán de vida perpetuamente insatisfecho, produce una insatisfacción que la conciencia sólo puede suprimir a través de una serie de fases que conducen a la negación consciente de la voluntad de vivir.

La influencia de Kant en el sistema es clara: el mundo fenoménico corresponde a la representación, mientras que la voluntad constituye la verdadera naturaleza del nóumeno, según Schopenhauer, pues la esencia de éste es descubierta por el hombre dentro de sí mismo como impulso irracional, vital.

La música puede expresar en su esencialidad y su carácter a la voluntad, Explica Schopenhauer que: “la música puede ser comparada con una lengua universal, cuya cualidad y elocuencia supera con mucho a todos los idiomas en la tierra.

Finalmente nos dice Schopenhauer que:“Una física y metafísica sin ética, corresponde a una armonía sin melodía”, esto significa que , puesto que el ethos es el carácter dentro de la armonía, o en otras palabras, el ethos es el carácter de una comunidad, de un pueblo, la ética es entonces el reconocimiento de este carácter en determinada comunidad. La música es la puerta por donde se muestra el carácter, por donde oscila el carácter, de lo metafísico a lo físico. “La música es un ejercicio de metafísica inconsciente, en la cual el espíritu no sabe que hace filosofía.

Punto de vista del arte

La descripción pesimista que Schopenhauer hace del mundo, sus reflexiones acerca de la vacuidad y carencia de valor de la vida, su explicación de los fines y objetivos que los seres humanos persiguen y su exposición de la manera en que tienden a justificar sus actividades, lo mismo a sus propios ojos que a los ojos de los demás, todo esto prepara el camino a su teoría del arte y del lugar de la conciencia estética en el mundo de la experiencia. La posición que le asignó fue de hecho de la mayor importancia. Schopenhauer estaba muy lejos de creer que el arte jugaba un papel meramente ornamental en la vida de la mente; no pensaba que fuera simplemente una especie de producto de lujo de las sociedades

civilizadas que no poseyera autentico interés intelectual ni fuera digno de serio análisis filosófico.

Arte y realidad

Schopenhauer derivó su concepción del arte como conocimiento de las ideas de Platón, aunque no de la teoría estética peculiar de Platón. Platón, en su opinión se había dado cuenta perfectamente de que el mundo de la experiencia sensorial ordinaria no tiene más que un ser relativo; en cuanto a ello la visión platónica del conocimiento empírico de cada día se asemejaba a su propia concepción de ese conocimiento, en cuanto abarca al mundo considerado como una multiplicidad de cosas particulares ordenadas bajo las formas de espacio, tiempo y causalidad. Y esto no es todo. Schopenhauer señala que la teoría platónica implica sostener que el tipo de conocimiento en cuestión no constituye conocimiento del mundo como realmente es en su naturaleza mas intima; Platón habla, en contraposición, del verdadero conocimiento que tiene como objeto el mundo de las ideales eternas que son los inmutables arquetipos permanentes, las cosas de la experiencia ordinaria constituyen meras sombras flotantes de ellas. Y este aspecto de lo que Platón dice aunque inadecuado en su formulación, puede ser reformulado de modo que armonice con las teorías propias de Schopenhauer.

La estética propuesta por Schopenhauer no es la del romanticismo, como se acostumbra afirmar, a pesar de ser producto de esa época; su reflexión anuncia, más bien, una teoría estética propia del expresionismo. El origen de esta pretensión se encuentra, principalmente, en sus escritos sobre filosofía de la música. El autor pensaba que la música era la más alta y pura de las artes porque está definida por el mundo de las representaciones y será una manifestación directa de la representación. Conmueve, por supuesto, pero no porta consigo ningún elemento identificable del mundo fenoménico. De esta manera —y si extendemos esta teoría—, no puede haber un arte figurativo: el arte será manifestación de un mundo informe, abstracto, manejado por el instinto irracional; no podemos estar hablando de romanticismo, a pesar de que es él el padre natural de las vanguardias artísticas del siglo XX. El expresionismo, así como todo el arte abstracto posterior, prescindirá de la anécdota y de lo visible para dirigirse a universos no aprehensibles directamente por el espectador.

Friedrich Nietzsche

Nació el 15 de octubre de 1844 en Rocken, Alemania y murió el 25 de agosto de 1900. fue un filósofo, poeta, músico y filólogo alemán, considerado uno de los pensadores contemporáneos más influyentes del siglo XIX.

Realizó una crítica exhaustiva de la cultura, la religión y la filosofía occidental, mediante la genealogía de los conceptos que las integran, basada en el análisis de las actitudes morales (positivas y negativas) hacia la vida.1 Este trabajo afectó profundamente a generaciones posteriores

de teólogos, antropólogos, filósofos, sociólogos, psicólogos, politólogos, historiadores, poetas,novelistas y dramaturgos.

Meditó sobre las consecuencias del triunfo del secularismo de la Ilustración, expresada en su observación «Dios ha muerto», de una manera que determinó la agenda de muchos de los intelectuales más célebres después de su muerte.

Si bien hay quienes sostienen que la característica definitoria de Nietzsche no es tanto la temática que trataba sino el estilo y la sutileza con que lo hacía, fue un autor que introdujo, como ningún otro, una cosmovisión que ha reorganizado el pensamiento del siglo XX, en autores tales como Martin Heidegger, Michel Foucault, Jacques Derrida, Gilles Deleuze, Gianni Vattimo o Michel Onfray, entre otros.

Nietzsche recibió amplio reconocimiento durante la segunda mitad del siglo XX como una figura significativa en la filosofía moderna. Su influencia fue particularmente notoria en los filósofos existencialistas, críticos, fenomenológicos, postestructuralistasy posmodernos, y en la sociología de Max Weber. Es considerado uno de los tres «maestros de la sospecha» (según la conocida expresión de Paul Ricoeur), junto a Karl Marx y Sigmund Freud.

Según Nietzsche la civilización occidental es socrático-platónica-cristiana. Está asentada sobre la metafísica socrático-platónica y sobre el cristianismo y la moral que éste engendra. Si algo caracteriza, por tanto, a la civilización (tradición) occidental es que ha trastocado la vida, es hostil a ella, la odia.

La crítica de Nietzsche a la tradición occidental se dirige fundamentalmente en tres frentes: 

1. La crítica a la metafísica socrático-platónica: La metafísica tradicional se asienta sobre un error: considerar que los valores de las cosas no están en ellas (en la vida) sino en un mundo ultraterreno de esencias.

2. La crítica al cristianismo: El otro gran pilar de la civilización occidental es la afirmación de la existencia de Dios. Y ésta se ha concretado en Occidente en el cristianismo. Nietzsche piensa que el concepto de Dios ha sido hasta ahora la objeción mayor contra la existencia. Con Dios se declara la guerra a la vida, a la naturaleza y a la voluntad de vivir. Dios es la fórmula de toda calumnia contra este mundo y de toda mentira respecto al más allá.

3. La crítica a la moral occidental: El fruto más granado de la metafísica socrático-platónica y del cristianismo es lo que Nietzsche denominará la moral de los esclavos. La moral de los esclavos es la moral del rebaño, la negadora de la vida. Hay que transmutar la moral y los valores que defiende para que nazca un nuevo tipo de hombre. Hace falta ir más allá del bien y del mal. Crear unos nuevos valores y una nueva moral en la que la vida sea el valor fundamental.

Tres son las ideas de su propuesta. Ideas íntimamente relacionadas entre sí y que no pueden entenderse aisladamente; aunque a la hora de explicarlas tengamos que separarlas:

1. La voluntad de poder: El nihilismo (activo) nos lleva a patentizar la auténtica realidad del mundo y de la vida. El devenir constante, la afirmación de la vida. A esto llama Nietzsche voluntad de poder. Es, al fin y al cabo, la expresión de la instintividad de la vida; la vuelta a las actitudes dionisíacas. Instintividad que se expresa en el fondo del individuo como superación continúa de sí mismo y que se manifiesta en cada una de sus máscaras como egoísmo, como voluntad de ser señor.

2. El eterno retorno: Si la vida, que es puramente material, terrestre, se reduce a voluntad de poder, y ésta no es más que la primacía del instinto, se comprende que todo se mida en clave de placer y que las ansias de inmortalidad que tiene todo ser humano en su interior, y que Nietzsche percibía con angustiosa exigencia, se vislumbren también en el placer.

3. El superhombre: Nietzsche reclama una realidad guiada por un hombre "irracional": voluntad de poder. Un hombre en el que se hayan superado todos los errores de Occidente. Un hombre sin Dios. Un hombre que asuma la vida en toda su fuerza. Un hombre que ame la vida, que sea pura instintividad. Por eso este nuevo modelo humano está más allá del hombre occidental y sólo será posible cuando la civilización que está por venir se haga real.

CONCLUSIÓN

Conocer la historia de un cierto momento, es muy importante. Porque gracias a la historia conocemos todo aquello, que nos rodea por ejemplo, las iglesias el por qué su estructura, sus esculturas, imágenes, y también conocer lo que pensaban los filósofos en ese tiempo, todo eso nos dio a conocer que el arte y todo aquello, que nos rodea habla un determinado momento de la historia, de lo que pensaba la sociedad del mundo, de lo que realizaban

porque, a través de pinturas, esculturas, entre otras artes visuales, cuentan momentos de la historia.

Gracias, al arte podemos vincular diversas áreas del currículo que maneja las escuela, porque con solo conocer e investigar, libremente podemos realizar una actividades de campo, para conocer de la historia y poder conocer puntos de vista de los estudiantes.

Con respecto al trabajo, pudimos visualizar más de cerca que el arte habla, expresa, cuenta, ciertos sentimientos, creencias, conceptos que tenían en la sociedad medieval. Además que, la formación estética visual está sumamente vinculada con este arte, porque en la edad medieval, solo se trabaja en arte con pinturas, esculturas, arquitectura, vídriales, entre otros y que todos esos son apreciados a través del ojo humano.

Referencias electrónicas

Definición de arte visual - Qué es, Significado y Concepto  http://definicion.de/arte-

visual/#ixzz48fr8gs1U

Definición de arte visual - Qué es, Significado y Concepto  http://definicion.de/arte-

visual/#ixzz48fqk7TeW

http://www.definicionabc.com/general/artes-visuales.php

http://www.definicionabc.com/general/arquitectura.php

http://www.profesorenlinea.cl/artes/bizantinoarte1.htm https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_rom%C3%A1nico https://www.emaze.com/@ACRCLFLR/Arte-romanico http://deconceptos.com/arte/arte-gotico http://www.ieslamadraza.com/elena/websociales/ARTE/gotico/gotico.html http://es.paperblog.com/mx/el-arte-bizantino-ii-499597/ http://www.taringa.net/post/imagenes/15721905/Arte-bizantino.html http://www.ehowenespanol.com/historia-del-arte-medieval-primitivo-

sobre_321743/ http://blogfilosofia.ucv.es/articulos-filosoficos/estetica-sociologica-por-pedro-

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