1110920 공예과 연제숙 시각영상디자인론

시각영상디자인론

111092

공예과

연제숙

jaime hayonabout design art goal

jaime hayon

1974년 스페인 마드리드에서 태어났으며 스케이트보드와 그래피티에 푹

빠져 청소년 시절을 보냈다. 마드리드와 파리의 산업 디자인 학교를 졸업

하고 1997년 베네통 그룹의 디자인 연구소 파브리카에 들어갔다. 3차원 공

간 디자인부터 2차원 편집 디자인까지 다양하고 폭넓은 활동으로 인정받

은 그는 2000년 자신의 이름을 내건 아욘 스튜디오를 설립했다. 2005년 바

르셀로나 가구 회사 아트퀴텍(ArtQuitec)과 함께 독특한 욕실 제품 AQ 아

욘(AQ Hayon)을 디자인해 세계적으로 인정받았다


2000년 자신의 이름을 내건 아욘 스튜디오를 설립


“디자인은 사람을 웃게 해야 한다. 그래야 디자이너인 나도 행복해진다”


초현실주의 전통과 현대 수공예적 가치

동화적 상상력을 가진 디자인 고전과 현대를 뒤섞은 디자인 장인의 전통기술과 현대의 신기술


Design_BD Showtime Collection_2007

그의 가장 대표작이라고 할 수 있는 작품.

특유의 전통적이면서도 현대적인, 그래서 시대를 알 수 없는 초현실적인

디자인 세계를 보여준다

Showtime Collection for BD Ediciones de Diseño is a home furniture collection inspired on classical MGM musicals. The concepts behind these pieces explore the contrast between what is external and internal. A combination between organic forms and classical details is key to its development. It exhibits passion for finding ways were things that are not supposed to match, coexist in elegance. Very innovative material combinations like plastic and leather were used to create this unique collection. Act II of the Showtime Collection for BD Ediciones de Diseño was launched in April 2007. The range includes large tables and coffee tables as well as the elegant new chair that comes is a series of different finishes and



멀티레그(Multileg) 캐비닛. 예술적 오브제로서의 가구와 실용적 가구의

접점에서 탄생한 수납장


Swarovski Sparkle Shady By Hayon_2007

This new form of chandelier is a series of lampshades and not a structure allowing many possible variations and changes. One can combine several types and sizes to accumulate a desired effect. There is a second range of options regarding the skin for each of these shades. These skins are also variable and their color can be chosen and eventually changed. This allows much choice both for initial color combinations as well as eventual desires to modify color choices after time. One is never limited to a single chandelier but has the option to make different chandeliers that are capable of being transformed throughout time. The flexibility and functionality of this variable piece is one of its greatest assets. Another should be the material itself. The natural beauty of the Swarovski crystals will allow an amazing game of light, even when it is not lit.


‘나의 관심은 언제나 전통을 보존하는 것과 업데이트하는 것에 있었고

그것이 나의 작품세계를 구축해왔어요 그렇게 함으로써

우리는 지나온 역사에 대한 단서를 발견할 수 있고,

미래가 앞으로 어디로 나갈지 알 수 있기 때문이에요’


The Fantasy Collection_2008

The creations in The Fantasy collection which Jaime Hayon has designed for Lladro, mirror the perfect fusion between the artistic quality of the Spanish porcelain brand and the playful, fantasy quality the designer brings to his works. The balance between expression and function, the studied combination of Lladros usual themes and the magic of the unexpected that Hayon is known for, make these pieces truly original objects that, over and above their decorative potential, awaken a sense of fantasy in the beholder.


The Fantasy Collection_2008


Crystal Candy Set For Baccarat_2009

The opportunity to research and exercise creative possibilities along with Baccarat led to the creation of the Crystal Candy Set. The approach was guided by the search for exquisite color and material combinations. With these pieces, I wanted to replicate the richness of fresh tropical fruit using crystal and other materials, such as ceramics. Using a variety of textures and thicknesses, a new game of reflection has been accomplished with each of the 9 characters that make up the collection. Diverse crystal cutting techniques can be appreciated throughout the collection. They result in a series of soft, feminine shapes with touch of humor. Fruity inspirations are mixed with gem like features: pineapples, pomegranates, golf balls and water drops are some of the ideas explored. The pieces are a limited edition of 25


Crystal Candy Set Presentation


Réaction Poétique For Cassina

르코르부지에 사후 50주년을 기념하기 위해 디

자인된 컬렉션으로 유용한 가구이자 형태와 빛,

그림자가 상호작용하는 조각적요소를 지닌 오브

제

Jaime Hayon presents a new collection of objects for Cassina inspired by the organic shapes of Le Corbusier’s architectures and esprit nouveau artwork: four table centrepieces, a tray made up of two coffee bean shapes and two small side tables, all rigorously produced in solid ash-wood stained black with a low-gloss finish.


Mediterranean Digital Baroque_2003

The Mediterranean Digital Baroque exhibit opened at the David Gill Galleries in London in October 2003. The exhibit featured creatures that sign and defend the root of creation. The house. The head. Full of fake and plastic characters. Adult games. A virgin army defended by supersonic pigs. Engulfed in a metamorphic fragile traditional ceramic forest. A vital and ironic manifesto about this artist’s personal cosmogony that is devised of mature languages from heterogeneous worlds: his birthplace, Madrid and the Francophone culture from his childhood. Skateboarding from cani suburbs and baja California. Gestuality, surrealism, baroque, density, dynamism, intuition, dementia, risk, tenderness, berreber, mathematical warrior of nature, energetic strength, delirium, histrionic exaggeration, emulation and creativity.

하이메 아욘의 첫 작품인 지중해풍디지털 바로크는 그의

세계를 한눈에 볼 수 있게 한다. 다양한 소재의 사용과 즐

거움과 동화적인 상상력을 보여준다.


Mediterranean Digital Baroque_2003


Mon Cirque_2006

Mon Cirque is Hayon’s vision of a large oniric metaphor. A place that symbolizes his hope of artistic freedom, where the designers work is free to transcend the frontiers built between design and art. The classical colorfulness of the circus is replaced by a more serious and elegant contrast between black, white and gold: Cirque de lux.Vases become characters, clowns become lamps, plates used as canvas, tables grow legs. A sophisticated ambient replaces the decadent circus. A new world has been born: Mon Cirque. Craftsmanship is a key element to Mon Cirque. Avoiding the use of molds, a return to the hand made object where each piece is unique in its existence, like the characters they represent. Mon Cirque has traveled to Minneapolis, Lisbon, Barcelona, Paris and Cologne. It continues to move on, like a circus should.


Mon Cirque_2006


Bisazza: Hayon Pixel-Ballet_2007

2007년 밀라노 국제가구박람회에 비사자를 위해 만든 설

치 작업이다. 모자이크 방식으로 세라믹 타일을 붙여 거대

한 피노키오 인형을 완성했다.

The Bisazza installation created for the Salone is meant to explore the possibilities of mixing art forms with industrial applications. The concept is to present other than the product itself, but instead, the possibilities of the product. In this case, it is treated as a medium for creation. The elements that make up this large-scale installation are part of my personal cosmology, where intuition alters reality creating a scenario far from conventional. The tables rescue elements from car engines contrasted with chic marble tops. The main piece is a butler presenting trays of new Bisazza elements. Plates will recreate possible faces for the face-less butler using mosaic-graphics. A new typology of vases emerges from the combination of ceramic and mosaic. The entire effect is that of an encounter with my world and dreams.


Bisazza: Hayon Pixel-Ballet_2007


The Tournament_2009

2009년 런던 디자인페스티발 트라팔가 광장에 설치된 체스판

Launched at the London Design Festival 2009, The Tournament, an installation created by Hayon consists of a gigantic chess set, with 2m high ceramic chess pieces designed by Hayon on a specially created Bisazza mosaic glass chess board. Each of the 32 chess pieces has been handcrafted by Hayon, working with Bosa, the Italian ceramics experts in Veneto, Italy. Each chess piece is unique, having been hand-painted by Hayon himself. The Tournament was inspired by London and its history and heritage. The Battle of Trafalgar was organized like a chess game of naval strategy. Many of the chess pieces reference specific iconic buildings in London and their domes, towers and spires. Elements of the city of London and its history have been encoded on the pieces using Hayon’s very personal style.


하이메 아욘은 언제나 나를 가슴 뛰게 하는 작가이다. 사실 그를 디자이너라고 불러야 할지 아니면 예술가라고 불러야 할지 잘 모

르겠지만 아마 아티스트와 디자이너 그 사이 어디쯤에 존재하는 사람인 것 같다. 공예과 전공에서 디자인을 복수전공하면서 그

사이에 어디쯤에서 항상 갈등할 때 하이메 아욘은 두 가지를 모두 해내는 작가라고 생각하였다. 이건 예술이야 혹은 디자인이야

라는 정의가 내리기 전에 그의 작업은 사람은 웃게 한다. 보는 사람이 행복한 디자인이 결국엔 우리 모두가 지향해야 하는 디자인

인 것 같다. 처음 디자인을 공부하려고 한 것이 오스트리아 무어강에 있는 무어강다리와 무르카페의 디자인을 보았을 때이다. 그

지역은 무어강의 중심으로 부유층 가와 빈민가로 나누어져 있었는데 무어강다리와 무르카페가 그 사이를 이어주는 역할을 하고

쉼터가 되면서 자연스럽게 두 지역이 융화되었다고 한다. 결국에는 내가 추구하는 디자인 철학은 사람들의 마음을 움직이고 인간

을 위한 디자인을 해야겠다고 생각하였다. 이런 철학을 잊고 트렌드,클라이언트,수익 등 외적인 요소에 휘둘리며 지내던 나에게

하이메 아욘의 작업을 보면 너무 행복하고 그의 온전한 철학이 디자인에 고스란히 녹아 있는 것 같아서 다시 한번 내 자신을 돌아

보게 만들었다.

그의 작업을 보면 다양한 재료를 사용한 것이, 그리고 그 재료를 장인정신에 입각하여 섬세하게 작업한 것 이 인상적이었다. 그의

초현실적이고 동화적인 상상력은 때로는 플라스틱, 때론 도자, 유리등 다양한 재료로 표현되곤 한다. 또한 그것은 제품을 넘어서

서 사람들이 직접 공간 안에서 느껴 질 수 있도록 디자인하기도 한다. 공예과를 전공하였지만 디자인 공부를 하면서 어느새 컴퓨

터 앞에서 2D의 울타리 안에서 갇혀있었는데 다양한 재료를 사용하는 도전이 필요 하다고 생각 되었다. 꼭 도자,금속,플라스틱등

만질 수 있는 무언가 가 아니더라도 항상 내 디자인을 보는 대상이 새로움을 느낄 수 있는 경험을 제시해 주는 것이 필요 하다고

생각한다. 그것은 하나의 주제로 한 장의 디자인이 나오는 것이 아니라 시각적인 요소에서 공간적인 요소까지 넘어가는 작업을

통해서도 경험 할 수 있을 것 같다.

장인 정신은 과거에는 올드한 것, 고리타분한 전통쯤으로 생각하였지만 디자인을 하면서 이것이 얼마나 최상의 완성도를 보여주

는가를 깨닫게 되었다. 디지털 크래프트 그래픽스라는 말처럼 디자인 작업을 위한 장인정신을 갖추어야겠다고 느꼈다.

하이메 아욘의 작업을 리서치 하면서 나의 부족한 점을 반성하기도 하였지만 그의 작업을 보고 내 엉뚱한 생각을 온전히 표현하

는 작업을 해보고 싶다고 생각하였다. 가끔은 이럴 때는 이런 서체, 이런 색감, 이런 레이아웃을 사용해야 해 라는 틀에서 벗어나

색다른 주제와 엉뚱한 상상력을 표현하는 작업을 해보고 싶다.

Thank you

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