Lunar Waves #2

LUNAR WAVES� � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � �

��

� ��

I Festival de Rock Sinfónico de Tiana (con Galahad, Quidam

y Colin Bass), Biografía Van Der Graaf Generator, TheFlower (Power) Kings (entrevista exclusiva a Roine Stolt),Pallas, Spock’s Beard, Cyan, PorcupineTree, MarillionRemasters, Biografía Jethro Tull (2º parte), 25 años de TubularBells (2º parte), Robert Fripp, Jabberwocky, Starcastle, Styx, Toto,Amarok,Los mejores discos de los 80, Lunar Classic, Libros, Web

INDICE

2

LUNAR WAVES 2Año 2. Mayo de 1999

Edición, coordinación ymaquetación:

Toni Roig([email protected])

Redacción:Roberto Gracia

Enric PratJaume PujolSalva Renau

Toni RoigJordi TorresAlberto Torró

Han colaborado en estenúmero

Alfonso AlgoraDoménec Fernández

Juli FernándezJosé Sahagún

Coordinación WEB Imagina:Jaume Pujol

Administración einformación:

Roberto Gracia y MarisaTel.: 976/219109Fax.: 976/218274

Agracedimientos:

Montse Masoliver, Roine Stolt(Flower Kings), David Meros

(Spock’s Beard), Bill Martin, StuNicholson (Galahad), Thomas

Korge, Bernard Gueffier (Musea),Torres’ Brothers, Robert Santamaria(Amarok), Dudu Liñan, Josep Corro,

Xavi Riera, Xavi Petit i Jordi Riera(Amarock Rock), Sargue (The WebSpain), Carlos Romeo (Mellotron),Fran y Discos Castelló Nou de laRambla, Discos Gong, Revólver,

Antonio Garcia (Diskpol) y una vezmás a todos aquellos que convuestro apoyo proporcionais elestímulo necesario para seguir

adelante... Y un último agradeci-miento a uno de los mayores geniosde la imaginación de nuestro siglo,

el gran Stanley Kubrick.

Portada, detalle portada interior ycontraportada: “Le Cirque», de

Georges Seurat

Copyright, Lunar Waves, 1999

Editorial 3

Lunar News 4

Biografía: White Willow 6

Debate: Flower Power, de The Flower Kings 9

Habla Roine Stolt: entrevista exclusiva 11

This was Jethro Tull (2ª parte) 14

Especial Festival de Rock sinfónico Tiana’99 17

Biografía Van der Graaf Generator 19

Los mejores discos de los ochenta 24

Novedades 26

Pallas, Porcupine Tree, IQ, Cyan, Projekt Two, Robert Fripp,

Ten Jinn, Spock’s Beard, Nolan & Wakeman, Decoryah,

Zorn Trio,Tiles....

Spock’s Beard y Day for night: comentario y 36

entrevista exclusiva a David Meros

La máquina del tiempo: 37

Marillion Remasters, Starcastle, Solstice, Cyan…..

Biografía: Audrey 42

Feedback 43

Especial Tubular Bells (2ª parte): Tubular Bells II 44

Zona límite: Styx, Toto, Lacrimosa, Cendraires 45

Biografía: Amarok 47

Web: The Progressive Rock Web Site 49

Lunar Classic: Los compositores norteamericanos 50

(2º parte): Bernstein/Copland. Vidas parelelas

La eterna contradicción: Pop-rock y sinfónico en los 90 52

Don Simpho: Arkangel 54

Libros: Novedades 58

Lunar pictures 59

+

Lunar Télex 5,8

Pan(Sandra) y Música (Esteban)

E D I T O R I A L

3

ED

IT

OR

IA

L

��

!"#� #�� !"��$"�%��&�'

(��)�� *+,��-++*+�.��/��0��1�2

(��34��)��5��

�

��6�� 7��)��

�� 8�� 8��

�� !��"��#��!��$��%��&�� $�'��&��

¡Hola de nuevo, lunáticos! Quizás os habrá sorprendido queen esta ocasión nos hayamos adelantado en relación a lo quepodríamos considerar el periodo “normal” de publicación deeste fanzine. Realmente no nos podemos exigir un ritmo detrabajo excesivo teniendo en cuenta que todos los quecolaboramos en Lunar Waves debemos ante todo ganarnosla vida más o menos honradamente. A partir de ahí, cuandoy como se puede buscamos momentos para ir confeccionandolo que llega a vuestras manos. Creedme, no es nada fácil. Larazón de este esfuerzo extra ha sido la celebración del primerFestival de Rock Sinfónico de Tiana el 24 de abril. Elacontecimiento y el cartel valen ya de por sí la pena: tener enun mismo escenario a Galahad, Quidam y Colin Bass, podercompartir unas horas de buena música y buena compañíason un acontecimiento de indudable trascendencia. Además,el día anterior, Quidam y Colin Bass habrán estado actuandoen Zaragoza en una iniciativa personal de Roberto Graciaque habida cuenta de los gastos, riesgos y dolores de cabezaque le habrán provocado, dan una buena muestra de hastadonde puede mover a la gente la pasión por la música. Asíque hemos apretado el acelerador para estar con vosotros enestas fechas tan especiales. Y debo destacar desde aquí lapresión con que han tenido que trabajar la redacción y loscolaboradores de Lunar Waves para tenerlo todo a punto:biografías, críticas, monográficos o un cómic de cuatropáginas requieren un tiempo y una dedicación que agradezcoprofundamente. Paradójicamente, a pesar de esta rapidez,creo que el número 2 ha surgido de forma más natural yrelajada, quizás porque esta vez hemos trabajado en base auna estructura que ya conocemos y poco a poco, ganamos encompenetración y en conocimiento de los resortes necesariospara montar un tinglado como este. Y por supuesto, la grancantidad de material de la que hemos vuelto a disponer (deverdad que espero el día de poder hacer un número con letraespaciada y enormes imágenes, pero no hay manera), se debetanto a la gran cantidad de novedades que han ido surgiendoúltimamente, como al interés que varios de vosotros habéistomado con el Lunar. Varios de los que colaboraron en nuestronúmero anterior siguen enviándonos magnífico material y

otros colaboran con nosotros por vez primera (atención a laespectacular biografía de Van Der Graaf Generator). En fin,seguid disfrutando de vuestra música favorita y… nos vemosen Tiana.

Toni Roig

FE DE ERRATAS (o «maqueto a toda prisa, ergo la cago»).

Si errar es humano, en el número 1 me mostré en toda mi inmensa humanidad. Apesar que no hay excusa, he de decir que la maquetación fue muy complicada, porvarios motivos. Por un lado, a pesar de los esfuerzos para tener a punto la revista enenero, hubo material que llegó la última semana del mes. Además, el hecho de utilizarpor primera vez un proceso totalmente digital me provocó más de una subida depresión y en conjunto han aparecido un número importante de errores y omisionesachacables exclusivamente a mi persona y que paso a corregir a continuación:

CRÍTICOS ANÓNIMOS: las críticas de Saviour Machine (pág. 34,35) y Ayreon(pág. 35) pertenecen a mi buen amigo Alfonso Algora (tenemos unas gambaspendientes). La de Gryphon (pág. 41) a mi mismo y la puntuación de los dos álbumescomentados es de (****).

GREG LAKE HABLA DEMASIADO: en la declaración de abandono de ELPpor parte de Greg Lake, a la tristeza propia del hecho, se ha añadido una línea fantasma.Así, después de “…los mejores productores del mundo…” hay que saltar una líneahasta “…(en especial mi buen amigo Mark Mancina)…”

DIFFERENT STAGES SI/NO ¿ME ENCANTA? En una referencia que hice almaravilloso triple directo de los canadienses tenía una primera intención de decir quela visión de Héctor Gómez “no diferiría” de la mía, pero en el último momento acabécambiándola por “coincidiría exáctamente”, pero dejé sin querer el “no”, con lo quese sugería la idea contraria. De ninguna manera.

Bernard GUeffier, si’l vous plait: no nos ha dicho nada el bueno de Bernard, peroel primer fallo que detecté en el fanzine fue el comerme una U de su apellido nadamenos que en el título de la entrevista (y lo curioso es que todos los demás estabanbien.¡…cachis!

EL MUÑECO DIABÓLICO ME POSEYÓ: la crítica del disco de Devil Doll“The girl who was death” (pag. 39) apareció titulada como “Dies Irae” (que dehecho se trata de un trabajo de la misma banda pero de 1996). Aun no me lo explico.Haberlas….

¡ESTO NO LO ES!: los discos comentados por Roberto Gracia van sin puntuaciónpor criterio personal (yo de todas maneras le sigo insistiendo).

Bueno, si alguien descubre nuevos gazapos, no tiene más que decirlo (puede ser unaliciente suplementario para leernos). Hintentaremos ke no buelba ha pasar.

4

LU

NA

R

NE

WS

L U N A R N E W SINMINENTE LLUVIA.. DE CONCIERTOS: dejando aparte

el festival de Tiana, Colin Bass y Quidam habrán recalado eldía anterior en Zaragoza en un concierto promovido por elmismísimo Roberto Gracia (y con cartel diseñado por AlbertoTorró). Pero eso no es todo: el ocho de mayo, en Barcelona, unconcierto doble al risible precio de 1500 pesetillas reunirá aNumen y Arcane. Y quienes por cuestión de presupuesto nopuedan optar más que a uno gratis, Amarok actuará a las sietede la tarde el día 25 de abril en el Parque de la Ciudadela enBarcelona. Y los que vayais sobrados, recordad que en juliollega el teñido Mike Oldfield (por unas 4500 pesetas). ¿Quéteníais pensado pasaros a mediados de noviembre por Holanda?Pues, nada, al festival ProgPower 1999 que se celebrará enTilburg, Holanda (las bandas aún están por confirmar, peroque conste que os hemos avisado con tiempo).

A.R.P.E. ES UNA REALIDAD: Asociación de RockProgresivo de España. Así se llamará esta nueva iniciativapromovida por gente tan diversa como Jesús Filardi (Galadriel)o Enric Falp (Web Paraíso Remoto), entre otros muchos. Laprimera idea es crear un fórum de discusión para concretardetalles sobre proyectos y organización de la Asociación. Unagran noticia sin duda de la que seguiremos la pista muy decerca.

SE ACERCA EL LIBRO SOBRE KING CRIMSON: CarlosRomeo ya ha hecho las últimas revisiones sobre el que será elnuevo libro sobre King Crimson que editará Cátedra el mes demayo (si todo va bien). Un profundo análisis sobre la obra de labanda y su eje central, Robert Fripp, proyectos paralelos, DGM,etc. en un trabajo extenso y exhaustivo, pero a la vez concreto ycertero. El aficionado al progresivo en general encontraráademás numerosas referencias a la “ideología progresiva”. Unapieza de caza mayor, sin duda.

HOWE Y EL MULTIMEDIA: El guitarrista de Yes está apunto de editar un CD-ROM interactivo que incluirá sus temasfavoritos y más representativos, un quiz, un slide show, unaclase de guitarra (dedicada a la interrelación entre las dos manosde los músicos que tocan este instrumento) y un segundo CD-ROM aparte cuyo contenido es una versión electrónica del libroSteve Howe guitar collection. El artwork, como no podía sermenos, estará a cargo de Roger Dean. Paro ya, ¿no?

A LA ESPERA DE PENDRAGON: Nick Barrett haanunciado que el nuevo trabajo de la banda sufrirá un retrasopor problemas personales que le han afectado en estos últimosdos años y medio, lo que le ha impedido escribir música a suritmo habitual. ¡Animo, Nick!

VUELVE COLLAGE: su nuevo trabajo en estudio estáprevisto para el 27 de septiembre (además hay posible disco yvídeo en directo).

SAGA SE LO TOMA EN SERIO: eso parece, ya que llevanbuena parte del 99 escribiendo y grabando su nuevo álbumprevisto para el 20 de septiembre. La gira europea se preveepara octubre-noviembre y se intenta que esta vez si llegue aEspaña. Esperamos que esta vez la cosa resulte mejor que conPleasure and pain (que grabaron en menos de un mes y sin

tener material previo, con lo que ni tan sólo su batería oficial,Steve Negus tuvo tiempo de participar en las sesiones degrabación. Así salió).

SIGUE LA TENSIÓN LÍQUIDA: una de las mayoressorpresas del 98 fue Liquid Tension Experiment. El 15 de juniopodremos conocer su segundo trabajo, que promete de nuevoemociones fuertes.

ARENAS MOVEDIZAS: Paul Wrightson, cantante de Arenaen Pride y The visitor ha abandonado la formación. Los motivosno han sido del todo explicitados, pero no se ha ocultado queexistían problemas personales entre Wrightson y algun otromiembro de la banda (recuerdo que en las dos ocasiones que enque he tenido la ocasión de entrevistar a Arena, éste nunca hatomado parte en ellas). Aunque no es precisamente el primercambio que sufre la banda creada por Clive Nolan y MickPointer, la presencia de Wrightson en los dos trabajos citadosfue realmente decisiva. Su sustituto no ha tardado en llegar: setrata de Rob Sowden, que había trabajado anteriormente con elguitarrista actual de la banda John Mitchell. Arena ya estáescribiendo su nuevo álbum con vistas a publicarlo en abril delaño próximo. Su título provisional es Moviedrome. Tambiénen el lado positivo, decir que en breve se editará un CD para elclub de fans titulado The visitor-Revisited, con temas en directoy versiones acústicas. En él será ya posible escuchar a RobSowden. Realmente estos chicos no pierden el tiempo.

MÁS HOMENAJES, MÁS…. El sello independiente italianoEnergie Srl está preparando un doble CD tributo a DreamTheater, con bandas más bien poco conocidas. ¿Para cuándoun homenaje al Chaval de la peca?

¿ALGUIEN DIJO DREAM THEATER?: La banda americanaha sustituido a su teclista Derek Sherinian por Jordan Rudess(quién participó en The Liquid Tension Experiment junto aMike Portnoy y John Petrucci). La principal razón del cambioha sido el mayor feeling que la banda tiene con su nuevo teclistaen comparación con el anterior. No es Sherinian uno de nuestrosteclistas favoritos y por tanto creemos que el cambio serápositivo. De todas formas, hay que agradecer su labor duranteestos años en la banda y su meritoria participación en proyectosparalelos como Platypus. Suerte a todos.

LA EXTRAÑA SITUACIÓN EN ASIA: con un álbumteóricamente grabado desde hace meses, ahora se ha anunciadoque este verano será posible ver en gira por los Estados Unidosa John Wetton, Carl Palmer y Geoff Downes bajo el nombrede Asia. La sorpresa es aún mayor teniendo en cuenta que Geoffmantiene intactos sus proyectos con John Payne. Para mayorconfusión, sólo se sabe que actuarán como artistas invitados (osea, teloneros, pero en fino) de alguna otra banda de rock“clásico” (se habla de gente como Moody Blues o Yes). No haynuevo material, se desconoce quien cogerá las seis cuerdas ysólo imaginamos que el repertorio estará formado integramentepor material de los ochenta. Los fans de la banda han mostradosu estupefacción, mezcla de ilusión y de prevención, ya que noparece que esta reunión tenga continuidad y se intuyen motivosmás bien puramente económicos. Veremos que pasa.

Noticias, proyectos, declaraciones... historias y leyendas de la actualidad del rock progresivo

5

LUNAR NEWS

YESARQUEOLOGÍA: los archivosdiscográficos de Yes han revelado la existenciade temas inéditos de la etapa comprendida entre1972 y 1975. El grupo está pensando en editarlos,lo que sería una gran noticia, pero aún no haynada seguro. En caso de que así fuera, este añoveríamos el lanzamiento de nuevo disco deestudio de la banda y el de las piezas“recuperadas”.

RICK WAKEMAN REGRESA AL CENTRODE LA TIERRA… Y NO ESTA SOLO, sinobien acompañado por la London SymphonyOrchestra, el English Chamber Choir, Patrick– Star Trek- Stewart como narrador, las vocesde Ozzy Osbourne, Justin Hayward y BonnieTyler y la guitarra de Trevor Rabin. Hablaremoslargo y tendido en nuestro próximo número de este trabajo queya se encuentra en las tiendas.

NUNCA SALGAS DE CASA SIN TU CAMEL: AndyLatimer le está dando ya los últimos toques a los temas queformarán el nuevo trabajo de Camel. La intención de AndyLatimer y sus muchachos es que suene mucho más fresco quelos dos anteriores, por lo que en principio será grabado en unaúnica sesión cuyo resultado no se arreglará prácticamente aposteriori.

L U N A R T E L E X L U N A R T E L E X L U N A R T E L E X L U N A R

9��6�� :��;�� /� ��6�� 4�� (��<�� #�� "��=�� :��(�� >�� :��)

�� 7�� '��?@��=�� %��'�� ?��4��&�� 3�� %��?��?��0�� :�� A�� #��2��=A��4��&��0�� B�� 2��(��0C��D2��<��7��'��>�E��'�� <�� 9��'��F�� <��

OTROS LANZAMIENTOSINMINENTES: Finneus Gauge (One inchof the full), Bjorn Lynne (Wolves of theGods), Annie Halsam (Live underBrazilian Skies), Solaris (Book ofprophecies, en plan instrumental), Toto(Mindfields, con Bobby Kimball) y MorteMacabre (formación sueca con el esfuerzoconjunto de miembros de Anekdoten yLandberk).

LOS MEJORES DE LA DUTCHPROGRESSIVE ROCK PAGE: en suvotación sobre lo mejor del 98 estos han sidoalgunos de sus resultados: mejor disco delaño The visitor (Arena), seguido por ordende votaciones por The kindness of

strangers (Spock’s Beard), Into the electric castle (Ayreon),Radiation (Marillion) y Seven stories into 98 (IQ); mejorartwork para Arena, seguido de Ayreon, Marillion, Rush yAd infinitum; mejor banda en directo Spock’s beard, Yes,Arena, IQ y Marillion; grupo revelación del 98: LiquidTension Experiment: decepción del 98: el Radiation deMarillion (con algunos votos más en este apartado que en elprimero) , seguido por la decisión de Greg Lake de abandonarELP y Open your eyes de Yes.

()*+��,�)�-�.*��)/+�0)11�*��,��.,2��3,�,34�,.*5��

Dejando a una lado valoraciones personales para nuestro próximo de-bate, no puedo dejar pasar la oportunidad para comentar algunos aspectos delnuevo trabajo de Fish, Raingods with Zippos. Este álbum ha sido recibidocon mucha expectación tras un 1998 nada propicio en lo personal y en lo pro-fesional, especialmente tras la quiebra de su compañía Dick Bros. Raingods…ha sido producido por Elliot Ness (ingeniero de Sunsets on Empire) e incorporacomo siempre una excelente lista de colaboradores, entre los que destacanSteve Wilson a la guitarra, Dave Stewart a la batería y Mickey Simmonds alos teclados. Por si fuera poco cuenta con una especie de suite (o mejor dicho,una “sección conceptual”) de más de 25 minutos. Curiosamente la pre-produc-ción del álbum se ha hecho en el Castillo de Marouatte (¡el mismo donde segestó el Brave de Marillion!). El tono general del álbum es notoriamente dife-rente del fallido Sunsets on Empire, con mayor variedad de registros y conSteve Wilson frecuentemente al frente de los momentos más eléctricos.

Toni Roig

6

BI

OG

RA

FÍ

A

WH

IT

E

WI

LL

OW

INTRODUCCIÓN

Si hay algo que destacar de los noventa es la eclosiónsinfónico-progresiva de los países nórdicos, principal-mente de Suecia . Y lo que es , quizás , aún másdestacable, es que la calidad ha estado siempre muypor encima de la media. En este sentido, las bandasÄnglagård, The Flower Kings y White Willow cons-tituyen tres de los pilares progresivos más sólidos definales de milenio. Hagamos un breve recorrido por lahistoria y el último disco de la última, el segundo desu carrera.

LOS PRIMEROS TIEMPOS

La historia de la banda empezó en 1990con el nombre de The Orchid Garden(el jardín de orquídeas). Formada por elguitarra Jacob C. Holm-Lupo y el flau-ta y vocalista Audun Kjus y tres miem-bros más, su música pretendía ser unaversión jazzy-progresiva con tendenciasfolk de The Police (¿cómo demonios de-bía sonar eso?). En otoño de 1991, labanda se enfrentó a varios cambios depersonal, de modo que todos, excepto losdos mencionados, abandonaron la nave.La entrada del multiinstrumentista JanTariq Rahman, con quién Holm-Lupohabía escrito algunas canciones para el grupo, conlle-vó también la incorporación de la cantante SaraTrondal. Los dos habían pertenecido a una banda an-terior de Jan denominada Duggvaat Dverger.Con una nueva sección rítmica, la formación grabó unademo de tres canciones en primavera del 92 que con-tenía versiones previas de “Snowfall” y “Till hearrives”, las cuales, con el tiempo, formarían parteparte de su primer álbum, además de una versiónreggae del crimsoniano “Moonchild”. Holm-Lupo yTariq Rahman, los principales compositores de labanda, eran unos apasionados de grupos como GentleGiant, Gryphon y King Crimson, así como de lamúsica clásica antigua. Todas estas influencias se evi-denciaban claramente en la primera demo, una com-pleja amalgama de folk, sonidos acústicos y rock pro-gresivo, una combinación de estilos que marcó el ca-mino del grupo.

En diciembre de 1992 decidieron editar una segundademo y cambiar su nombre a White Willow (sauceblanco). El nombre fue elegido de las mitologías no-ruega y céltica, donde la posición que presenta el cita-do árbol simboliza las fases cambiantes de la luna, lafertilidad, la noche y el agua. El cambio de denomina-ción respondió a la nueva orientación musical del gru-po, que pasó a ser mayoritariamente sinfónica. Porentonces, la banda estaba formada por Jacob C. Holm-Lupo (guitarras) , Jan Tariq Rahman ( teclados,recorders, vocales), Sara Trondal y Eldrid Johansen(vocales), Audun Kjus (flautas, whistles, vocales),

Tirill Mohn (violín), Alexander Engebretsen (bajo)y varios baterías, entre los cuales no acababan de en-contrar uno definitivo que les gustase.La banda envió sus demos a varios sellos discográficosy hubo varias compañías interesadas, aunque fue TheLaser’s Edge la que ofreció el contrato más tentador,que no rechazaron. Rápidamente empezaron las pre-paraciones para grabar el primer disco, cuyo títulopreliminar, que acabaría siendo el definitivo, fue Ignisfatuus (fuego fatuo). El álbum se lanzó en marzo de1995, y musicalmente era una lógica evolución de latrayectoria de la formación.

LA REVELACIÓN DE IGNIS FATUUS

La música de Ignis fatuus estaba es-crita principalmente por Holm-Lupoy Rahman, y era una confluencia derock sinfónico, música folk y músicaclásica antigua, presentando una ricay variada textura instrumental y unosarreglos muy ingeniosos. Su graba-ción acusó los numerosos cambios depersonal y conflictos internos. Unavez finalizadas, todas las grabacionestuvieron que repetirse porque apare-cieron problemas con la batería y per-cusiones. Una pieza de 15 minutosque debía ser el magnum opus del

disco, titulada “The inverted chalice”, fue finalmen-te sacrificada por los graves problemas de grabaciónque había sufrido.

El disco fue muy bien recibido por la prensa progre-siva mundial, que votó a White Willow como mejornueva banda en varios ma-gazines. Como muestra,pode-mos leer la crítica siguiente:

“¡La espera valió la pena! Esta nueva banda norueganos ofrece una rica mezcla de folk y rock sinfónicoinmersa en un fondo musical de influencias clásicas.(…) A través de los once temas del disco, el nivel deenergía está en un estado constante de flujo, varian-do de un instante al siguiente. El vuelo instrumentalde un grupo de rock progresivo puede ser seguido porun trío de guitarras acústicas y una voz solista, vol-viendo de nuevo y de repente a un sonido más rock.Hay varios ciclos distintos a través de los sesenta ysiete minutos que dura el CD, pero puede decirse queel ambiente general del disco es oscuro y pensativo,rodeado de misterio, con cuidadosos flashes de brilloy color, muy en la línea del Hybris de Änglagård.

La cr is ta l ina voz de Eldrid es tá per fec tamentecompenetrada con la naturaleza de la música, recor-dando un poco a veces a Jane Relf de los primerosRenaissance e Illusion. Sorprendentemente la voz deSara es muy similar. Los fans del mellotrón estaráncontentos, puesto que es utilizado generosamente aun-que no en exceso, a través del disco. En resumen, este

BIOGRAFÍA WHITE WILLOWJaume Pujol nos introduce en la historia de una de las bandas mejores y más originales de la actualidad

7

B I O G R A F I AWHITE WILLOW

es un CD muy interesante, y aún más teniendo en cuen-ta que es el primer lanzamiento de la banda. El únicoproblema puede ser su excesiva duración, aunque éstees un problema menor. Estoy seguro que Ignis fatuuspuede gustar a todo el mundo. El Hybris de Änglagårdha encontrado por fin su partenaire.” (Peter Thelen,Expose).

En noviembre de 1995, White Willow actuó en elProgFest de Los Angeles, al lado de bandas comoSolaris, Landberk, Spock’s Beard, Deus Ex Machi-na, Ars Nova y Pendragon. Por entonces, la bandatenía una nueva sección rítmica formada por P. C.Svendsen (bajo) y Danny Young (batería) , peroAudun, Eldrid y Alexander habían dejado el grupopor varios motivos.

Veamos una crítica de su directo: “White Willow sa-lieron después de las pirotécnicas Ars Nova y provo-caron un fuerte contraste con su oscuro rock-folk pro-gresivo noruego. La flauta, el violín y las guitarrasacústicas elaboraron las texturas ideales para la de-licada voz de Sara Trondal, y el ambiente fue dulce-mente subyugado. El material para la actuación fueintegrado exclusivamente por temas de la opera pri-ma de la banda, quién, como muchas formaciones delnorte, emplea en gran medida la armónica disonante.(…) Su música es adecuada cuando el invierno muerey la nieve se deshace a la puerta de tú casa, el vientosilba suavemente y tú estás confortablemente sentadocerca del hogar, tomando una taza caliente de té .”(Progression)

A raíz de la actuación en el ProgFest aparecieron con-flictos en el seno de la banda. Los nuevos miembrosquerían moverse hacia terrenos musicales más duros,inspirados en bandas como Pantera, Mr. Bungle yFaith No More (?), mientras que los restantes (Holm-Lupo y Rahman) deseaban retener los elementos eté-reos, góticos y sinfónicos que constituían la identidadde White Willow. La banda decidió, consecuentemen-te, disolverse en otoño del 96, aunque fue refundadapocos días más tarde por Holm-Lupo, para realizarun proyecto personal.

EL SIGNIFICADO DE EX TENEBRIS

Holm-Lupo tenía mucha música escrita para un discoque quería lanzar el solitario, un álbum conceptual lar-gamente planificado que versaría sobre el gnosticis-mo y cuyo título sería Ex tenebris (lejos de la oscuri-dad). El elaboración del álbum en solitario fue rápi-damente asignada a la banda. Holm-Lupo contactó conRahman, a quién encantó volver al estudio con WhiteWillow. Como voz solista se eligió a Sylvia Erichsen,que había realizado audiciones para el grupo hacíatiempo, siendo rechazada por la sección dura del mis-mo (deseaban una voz poderosa y chirriante).

Por entonces, Holm-Lupo recibió una carta de Mattias

C. Olsson (de Änglagård), quién decía que estaba dis-ponible si necesitaban un batería. Holm-Lupo siem-pre había sido un gran fan de Olsson, y no desaprove-chó la oportunidad de trabajar con él, así que lo inte-gró al grupo. Finalmente, Frode Lia, uno de los me-jores bajos de sesión noruegos, y miembro de la bandade hardcore progresivo Dødsverk, completó la forma-ción.

La graba-ción de Ex tenebris empezó en las navi-dadesde 1996, con-tando otra vez con el excelente ingenie-ro Jo Wang, en las nue-vas insta-laciones del StudioFrydenlund, en la ciudad de Oslo. Hacia mediados deabril del año siguiente sólo quedaba pendiente la gra-bación de las partes vocales. El disco, que debía serlanzado in ic ia lmente enenero de 1998, se retrasóseis meses por problemas degrabación. La música delnuevo CD es fácilmente re-conocible para los amantesdel sonido White Willow.Sin embargo, su tono gene-ral es más eléctrico, con unamayor presencia de guita-rras eléctricas y teclados, yla música más sinfónica quela de Ignis fatuus. A nivelconceptual, gran parte delos temas de Ex tenebrisestán relacionados musical y líricamente con las tra-diciones místicas occidentales como el gnosticismo yla alquímia.

El concepto global del trabajo se sitúa en el campo delgnosticismo, el misticismo y la alquímia, por lo quees preciso estar al día en estos temas para poder com-prender por completo el sentido de los temas que con-tiene. En términos generales, sin embargo, sí se puededecir que Ex tenebris trata de cómo el ser humanodesea y puede alejarse de la maldad. El título del dis-co, que se puede traducir como lejos de la oscuridad,es muy significativo. Los temas de Ex tenebris, co-mentados, son los siguientes:

••••• “Leaving the house of Thanatos”. Thanatosfue es dios gr iego de la muerte , que losgnósticos consideran no sólo el final del cuer-po físico. La muerte puede significar el sueñoo la intoxicación bajo la cual mucha gente vivesus vidas debido a su incapacidad o imposibi-lidad de recordar y realizar su naturaleza ver-dadera. No ser lo que uno es es una especie demuerte. Esta canción trata sobre cómo supe-rarla y cómo el amor puede llevar a las perso-nas a la vida. Este tema fue el primero queescribió Holm-Lupo después de conocer a suesposa.

••••• “The book of love”. Una declaración de amor

L U N A R W A V

8

dedicada a Teresa, la esposa de Jacob.

••••• “Soteriology”. Una canción difícil, puesto quetrata de la interpretación personal de Holm-Lupo de algunos puntos centrales del gnosti-cismo, tales como el sueño y la intoxicación,el despertar de la naturaleza verdadeera, laserpiente como el proveedor de conocimientoy luz, la conquista de las fuerzas demiúrgicasde la opresión espiritual, etc. El gnosticismocree que el hombre es un fragmento caído del reino de la luz que se sientealienado en este mundo. A tra-vés del despertar de la memoria,su identidad y comunión con lodivino puede reestablecerse, conlo que la separación entre el rei-no de la luz y el mundo terrenaldesaparece.

••••• “Helen and Simon Magus”. Lasletras no lo dicen exprofeso,pero el título es, de alguna ma-nera , e l mat r imonio de losopuestos en el sentido que se daen alquímia. El verdadero objetivo del alqui-mista es fusionarse con la divinidad dentro desí mismo a través de la práctica externa de laalquímia, la purificación y la solución y com-prensión de problemas. En la alquímia, lasoposiciones aparentes y las dualidades de lavida son reconciliadas a través de las prácti-cas espirituales y físicas que deben llevar alalquimista hacia la piedra filosofal, el estadofinal del arte de la transformación.Una de lasgrandes manifestaciones en la historia de estematrimonio de los opuestos parece que fue launión del gran profesor gnóstico Simon Magus(probablemente contemporáneo de Jesús) conla ex-pros t i tu ta Helen . Jun tos , seautoproclamaron el Sol y la Luna, y las encar-naciones terrestres de Dios, representando losatributos masculinos y femeninos de la divi-nidad. Este tema debe interpretarse como unabonita canción de amor, y es, de hecho, unasecuela de “John Dee’s lament” del Ignisfatuus.

••••• “Thirteen days”. Una canción sobre la pri-

mera vez que Holm-Lupo y su mujer tuvieronque separarse.

••••• “A strange procession...”. La marcha fúne-bre de las almas besadas por el hielo, un con-cepto gnóstico.

••••• “... a dance of shadows”. Probablemente lacanción más personal del CD. Trata sobre ex-periencias personales de Holm-Lupo sobrecrisis y revelación. Básicamente, su mensaje

es que para conseguir cualquier tipode verdad mística profunda, uno debeviajar previamente a través de oscu-ridades y periodos de caos y desorien-tación que pueden conllevar algunaforma de depresión. Parece que estole ocurrió a Jacob. Según cuenta eltema, una parte de él murió duranteun tiempo, en el que una parte de supiel fue descartada para el futuro, loque permitió que una nueva y másprofunda parte de él naciera.

Uno puede advertir inmediatamente,que la personalidad de la música de White Willow noprocede únicamente de la sabia mezcla y composiciónde estilos musicales, sinó que la temática es un aspec-to muy importante en el ambiente oscuro y enigmáticoque reina en sus dos discos editados hasta la fecha.

CONCLUSIÓN

Si un rasgo caracteriza la trayectoria y la música deWhite Willow es carácter, personalidad, originalidady constancia, lo que configura a esta banda como unade las más interesantes de los noventa. Os recomiendoencarecidamente su audición y, por supuesto, la lectu-ra del comentario de Ex tenebris disponible en la sec-ción de Críticas en el que podréis apreciar un enfoquemás musical que el existente aquí. Si no tenéis sufi-ciente con los dos trabajos de estudio, os recomiendoel video del ProgFest 95 editado por Musea, en el po-dréis ver a la banda en acción.

Jaume Pujol - Agosto 1998

BIOGRAFIAWHITE WILLOW

L U N A R T E L E X L U N A R T E L E X L U N A R T E L E X L U N A R T E L E X L U N A R

�� !��"�� !��"�� !��"�� !��"�� !��"#�� !�� $�� %&�� #�� !�� $�� %&�� #�� !�� $�� %&�� #�� !�� $�� %&�� #�� !�� $�� %&�� '�� '�� '�� '�� '�

E S

9

Alfonso Algora: En momentos como este, se me plantea elmismo problema que a mi generación anterior a la hora decriticar trabajos como “Tarkus”, “Aqualung” o “The Lamb...”.Aún peor, porque valorar esta nueva obra de los Flower Kings,tras la maravilla de “Stardust We Are”, deja las cosas bastantecomplicadas. Desde un punto de vista comparativo, y siemprecon la vista puesta en su anterior Cd, el trabajo puede teneralgunos peros y puntualizaciones.Pero, y seamos francos, si abrimosnuestra mente a la escucha de“Flower Power” sin tener ningúnpunto de referencia en trabajosanteriores, nos daremos cuenta deque estamos ante (otra) de lasgrandes maravillas del sinfónico delos 90´s. Conozco a detractores dela banda que los acusan de tenerlotodo hecho, ya que se les puedeapreciar toques de todos los grandesdel género (ELP, Camel,K.Crimson, etc...), pero ¿acaso noes un merito sintetizar y navegar porlos esquemas y estructuras que nosdieron los grandes maestros de los70´s?. Hombre, si eres el típico tíoque sólo piensa en la progresividad musical probablemente note agrade este Cd, pero si tienes un mínimo de buen gusto yescuchas sin prejuicios este trabajo te sorprenderá suatemporalidad, la maestría de los músicos sin necesidad delargos solos (solamente hay que escuchar la batería de “Attackof the Monster´s Briefcase” o el bajo y teclados en “Mr. HopeGoes to Wall St.” para darse cuenta de lo que digo) y la magiade sus composiciones. Mucho, muchísimo virtuosismo ymuchísima magia. Grandes melodías (“Calling Home”),atrevimientos (“Psycedelic Postcard), concesiones a lacomercialidad bien entendida (“Corruption”, “Stupid Girl”¿alguien ha notado los toques U2 en esta última o he sido yosolo?), mini suites de lujo (“Deaf, Numb & Blind”), y el rocksinfónico en su estado más puro con “Garden of Dreams”.

Insisto, no me voy a poner a discutir si “Retropolis” tal o“Stardust...” cual, ya que nos llevaría a una de esas infantilesdiscusiones sinfónicas que a muchos parece excitar. Es evidente,es objetivo y está clarísimo, si de “Flower Power” hablamos,estamos hablando de una Obra Maestra sin paliativos. Y esoque a mi personalmente me gustó más el “Stardust...”, pero sia éste le hubiera concedido un 9.99, el “Flower Power” se llevaun 9.98. Ahora os dejo, podeis hacer caso a este humildeescribano y adquirir inmediatamente el “Flower Power” ydeleitaros con él, o volver a discutir si es mejor el “Tales fromTopographic Oceans” o el “Close to the Edge”, discusión queno va a arreglar nada. (*****)

José Sahagun: Con gran sorpresa recibí la noticia del nuevodisco de los Flower Kings. ¿Como es posible que esta gentetrabaje tanto?. Despues del Stardust We Are y del Hydrophoniaapenas ha dado tiempo para hacer otro disco. ¿Y que nosencontramos?. Un doble con una longitud de sus Cds brutal.Un primer CD de 68,41 min y otro de 73,38 min con un temade nada menos que 59,57 min dividido en 18 partes.

El resultado no ha sido de mi agrado. Cueando se ha

llegado tan alto como los F. Kings, no se debe sacar un materialque no sea acorde con esa trayectoria pues se puede perdergran parte de la credibilidad ganada. El primer Cd es buenosin llegar a nada más que eso. Los anteriores discos del grupoeran excelentes e imprescindibles. La suite es un popurrí deestilos, tan larga que se pierde toda idea de continuidad y quees imposible de recordar. Además no posee esos momentos

únicos que tiene por ejemplo la suiteStardust We are cuando canta Fröbergcasi al final. Luego hay dos temas supercortos que son pura anécdota para pasara un tema de 8 min llamado Astral Dogque sí da la talla.

El segundo Cd es mediocre. Losprimeros 6 temas son agradables alestilo Ghost of the Red Cloud aunqueno tan acertados. Son temas sencillos yalgunos alegres, que quedan muy bienen un disco pero no lo llenan, sólo loacompañan. Lo malo es que a partir deahí el disco es anodino. Lo sigue untema compuesto y cantadio por Fröbergque es realmente malo y comercial paraser de este grupo. Luego el disco se haceinsulso sin llegar a ser tan malo como

este tema. (***=6/10)

Jaume Pujol: Comentar un disco de The Flower Kings esun poco peliagudo por una sencilla razón: son una de las bandasclave del progresivo de los noventa. Creo que no hay discusiónposible sobre esto y que, guste o no, todo el mundo se ha puestode acuerdo en este punto. Podríamos especificar un poco más.The Flower Kings y los norteamericanos Spock’s Beard sonlos dos mejores grupos de progresivo clásico (es decir, del quesigue la tradición sinfónica de los setenta) de esta década.Tampoco parece que esta idea vaya a dar lugar a discusionesentre grupos irreconciliables de seguidores del género.

Revisar un disco de los suecos también es un placer. Meexplico. Elaboran una música brillante con melodías luminosas,llenas de potencia y sensibilidad (lo que no es un contrasentidoen este caso). Además, las desarrollan con un excelente nivelinstrumental de conjunto, destacando, por encima de todo (y esmucho), las guitarras del líder y cantante Roine Stolt y lossonidos del multiteclista Tomas Bodin. La discografía completade la banda y los proyectos en solitario de sus miembros es yaextensa y, personalmente, destacaría dos trabajos: el dobleStardust we are -para mí su mejor obra hasta la fecha- y elálbum en solitario de Bodin -que supera las fronteras musicalesde la formación-.

A principios de 1999 nos ha llegado FlowerPower, el últimotrabajo -de nuevo doble- del quinteto, con referenciaspsicodélicas y conceptualmente situado a finales de los sesentay principios de los setenta. Es un muy buen disco de rockprogresivo en el que la banda nos evidencia su madurez, conun sonido muy compacto y en el que la mayor sorpresa es,quizás, comprobar que el entendimiento entre los miembrosdel grupo es incluso superior que en anteriores trabajos.

DEBATE: FLOWER POWERD

EB

AT

E:

F

LO

WE

R

PO

WE

RAunque no estaba realmente previsto, las opinones acerca de lo nuevo de Flower Kings han sido realmente variadas

L U N A R W A V

10

�"�"$�'#%!�(%GHI4!�"J4�%!��9I' !�9�=�#��'�%K),�)�-�.*��)/+�0)11�*5�.3�()*+�

Sin embargo, a nivel compositivo, FlowerPower esligeramente inferior a su predecesor, y tengo varias razonespara afirmar esto. Una de ellas guarda relación con el tiempoque un artista necesita para lanzar un nuevo disco. Roine Stoltse ha dado cuenta de que puede vivir de la música, de su queridorock progresivo, pero que tiene que trabajar duro para ello (másde 10 horas cada día, según sus propias palabras). También seve obligado a acortar el tiempo que media entre el lanzamientode un álbum y el siguiente, con lo que los sucesivos discos soncada vez menosdiferentes entre sí.Esto se acabanotando, y creo quees una de las razonesque le han impulsadoa favorecer laparticipación de losrestantes miembrosde los Flower Kings en la composición de los temas del disco.

Otra de las ideas mencionadas tiene que ver con las influencias.Stolt está ampliando al máximo su abanico de referenciasmusicales, siempre dentro de una calidad contrastada. No dudoque este hecho procede de un deseo artístico de expansión, perotambién pienso que le mueve un poco el ansia de gustar a todoel mundo que escucha músicas más o menos nobles. Ladispersión puede llegar a ser un problema, y si bien el primerCD del trabajo no presenta apenas fisuras, el segundo tienemomentos que cuestan de sobrellevar.

En cuanto al contenido, lo comentaré resumidamente. Elprimer compacto es muy bueno, con una excelente suite titulada“Garden of dreams” que no es tal, sinó más bien una sucesiónde temas relacionados temáticamente. El ambiente general deesta pieza de gran escala es pausado y fluye libremente, conpuntuales momentos cañeros y con un sonido coherente herederodel mejor rock, jazz, música moderna y rock progresivo. Megustaría destacar especialmente los preciosos momentosinstrumentales de “Business vamp” (Booodin, Booodin,oeeeeeé, oeeé, oeeeé) y “Attack of the monster briefcase”, lalocura de “Mr. Hope goes to Wall Street” que nos remite aldisco del mencionado teclista y “Garden of dreams” y sumelódica belleza. No sería bueno omitir las armonías vocalesde “Love is the word”, la sensibilidad extrema de “There’sno such night” (Stolt está muy bien) y su paranoicacontinuación en “The mean machine” (Zappa, ¿verdad quesí?). La soledad que emana “Dungeon of the deep” de Bodintambién es digna de galardón, así como el sabor jazzy de “SunnyLane”. Para finalizar la hora que dura la suite, “The finaldeal” nos remite a la excelente melodía del principio, pero conuna concepción más melódica aún.

Este primer CD se completa con tres temas más. Los dosprimeros son meros divertimentos, mientras que el último esun buen instrumental compuesto por Stolt y… ¡Jaime Salazar!,pausado y con una brillante guitarra solista. ¡Ah!, me olvidaba,se titula “Astral dog”.

El segundo compacto tiene muchos altibajos. Sin embargo, el

tema que lo abre es, para mí, uno de los mejores de la banda.Lo tiene todo: excelente nivel instrumental, preciosistas juegosvocales, un estribillo que cabalga sobre sí mismo y una melodíasubyugante. De veras que me extrañaría mucho que “Deaf,numb & blind” no gustara a un seguidor del progresivo. Esmagnífico.

A partir de este tema vienen las montañas rusas. Los dos cortessiguientes, “Stupid girl” -en plan rock barato- y “Corruption”-¿otro reggae?, ¡por Dios!- me gustan bien poco. Sin embargo,

están seguidos de“Power ofk i n d n e s s ” ,i n s t r u m e n t a lcompuesto porBodin y herederodel “Pipes ofpeace” delStardust. No está

mal, pero es un cambio radical, quizás demasiado.

A continuación tenemos “Psychedelic postcard”, mucho másinteresante. Voces filtradas, buen trabajo de coordinacióninstrumental, marcheta y reminiscencias del excelente “Themerrygoround” del polvo de estrellas. Bueeeno, sigamos,“Hudson river sirens call 1998” se nos presenta misteriosa yevocadoramente para dar paso a un tema compuesto einterpretado por el bueno de Hasse Fröberg. En efecto, “Magicpie” es su primera incursión en el mundo floreado, y la realizacon una semi-balada en plan AOR (y no lo digo aquí en tododespectivo) que podría funcionar, realmente, en radioscomerciales. En este caso, también pienso que gustará a todo elmundo, incluso al personal no progresivo.

Para finalizar, dos buenos cortes típicos de la banda, “Painter”y “Calling home” -sobre todo el segundo-, marchosos ymelódicos pero… ¿quizás ya un poco banales?. Finalmente,nada mejor que un tranquilo instrumental, “Afterlife”, paracorrer el telón de este maratoniano disco. ¡Qué largo que es!

Una de las cosas que les pido a los discos es que me interesen,y eso lo consiguen principalmente los que guardan una buenarelación entre la calidad (aportaciones, nivel instrumental yvocal, influencias, etc.) y la duración. FlowerPower no aportademasiado a la carrera de los Flower Kings, y tampoco alprogresivo actual, por lo que creo sinceramente que un CD conla suite y una buena selección de temas hubiera sido suficiente.

Recientemente me enteré del lanzamiento para final de añode un nuevo disco en solitario de Stolt y, por desgracia, no meilusioné. Y lo peor es que me parece que no soy el único. EnInternet sé de bastantes progsters que empiezan a mirar conrecelo a los suecos, y eso no es bueno. (CD1: ****1/2 + CD2:*** = Global: ****) Jaume Pujol

DEBATE:FLOWER POWER

E S

11

ENTREVISTA EXCLUSIVA A ROINE STOLTJaume Pujol dirigió sus preguntas al líder de The Flower Kings en el momento justo de la edición de Flower Power. He aquí el resultado:

Empezar una entrevista con Roine Stolt, líder de los suecosThe Flower Kings, y no mencionar que está al frente de unade las mejores bandas de rock progresivo de todos los tiemposno tendría sentido. Sus discos, principalmente el último,pertenecen a esa clase especial de música que te alegra el corazónuna vez saboreada, alejando todo atisbo de tinieblas en elhorizonte. Imaginación, poesía, melodía, guitarra y espíritu,todo esto son los Flower Kings, quienesnos ofrecen una flor llena de buenossentimientos desde el trono progresivonórdico, la reserva espiritual de nuestroamado género preferido. Y es que lasideas y conocimientos musicales deRoine Stolt encarnan todo aquello quedefine el rock sinfónico-progresivoclásico: positivismo, ilusión, fantasía,igualdad y ansias por crear un mundomejor. Todo esto está representadoactualmente por los Flower Kings, ypuede vislumbrarse en las dedicatoriasde sus discos, firmadas por el líder ysujeto de esta entrevista que osofrecemos.

Ya han pasado cinco años desde la edición de aquel primerdisco The flower king (1994), y desde entonces hemos podidogozar de álbumes ya clásicos como Back in the world ofadventures (1995), Retropolis (1996) y el doble CD Stardustwe are (1997), cumbre creativa por el momento del grupo yuno de los mejores trabajos del progresivo de siempre. Lostrabajos en solitario de miembros del grupo no han sido peores.En 1996, el teclista Tomas Bodin nos regaló un disco deensueño, An ordinary night in my ordinary life, nada ordinario,por cierto. Recientemente hemos podido disfrutar delHydrophonia, editado en solitario por Roine. Además de todosestos trabajos, que son los oficiales, también hay una discografíade rarezas, entre los que destaca el álbum “de éxitos” oficialScanning the greenhouse, lanzado en 1998.

Después de este preámbulo, podemos pasar a la entrevista.En este sentido, deseo comentar que ésta se ha centrado notanto en averiguar aspectos concretos de la obra de los reyes

floreados comoen profundizaren las ideasmusicales dellíder del grupo, elm e n c i o n a d oRoine Stolt. Osdejo con él.

La entrevista

1. Se suelereconocer que elrock sinfónico-progresivo estárelacionado con

la música clásica del siglo XIX. ¿Qué piensas sobre esto? ¿Tegusta incluir elementos clásicos en tu música?

Siempre lo hago, tanto moderna como romántica o barroca, aveces de un modo más oculto y a veces más evidente. Hay muchariqueza en las texturas de la música clásica. También me gustala música de películas y la ópera.

2. Me gustaría que comentaras las siguientes frases:

2.1. “Un músico debe tener cuatroelementos básicos: cuerpo, personalidad,alma y espíritu. Las tres primeras debenmezclarse para formar la cuarta. Elresultado es el balance emocional”(Robert Fripp).

Bien, para mí, el alma y el espiritu son lomismo. No sé realmente lo que Robertquiere decir, pero supongo que tiene razón.Yo diría, en este sentido, “lo que un músiconecesita es: corazón, esperanza, algo dedisciplina y un poco de suerte, pero sin unavoluntad creadora nada de lo anterior tienevalor”.

2.2. “Las bandas progresivas deben sobrepasar los límitesdel rock progresivo. Deben realizar música abierta, sinlímites” (Steve Hackett).

Esto es cierto. Nosotros tratamos de ir más allá del neo o elrepro prog eintentamos haceralgo fresco en losnoventa y en elfuturo.

2.3. “Siemprehe admirado latecnica de losmúsicos quehacen jazz, peropienso que es unm o d oautoindulgentede expresiónm u s i c a l ,realizado más para los que lo tocan que para los que loescuchan. Lo encuentro limitado” (Robert John Godfrey -The Enid-).

Perdón, pero esta opinión es como una mierda. Hay muchasnuevas e interesantes orientaciones en el jazz. Algunas de ellasofrecen armonías y acordes bien estructurados, que acercan eljazz a la música clásica y a la ópera, incluso a veces al folk y ala world music. Me gusta el jazz vocal tradicional de los añostreinta, cuarenta y cincuenta porque tiene unas muy bellasmelodías. Un buen solista puede llevarte a un viaje que te dejesin respiro, no puedo ignorar este hecho.

3. Una de las bandas más innovadoras de todos los tiempos,King Crimson, trabaja actualmente en sub-grupos que sonunidades de investigación y desarrollo. Su propósito es recogerideas para el futuro repertorio de King Crimson. El próximo

EN

TR

EV

IST

A E

XC

LU

SIV

A A

RO

INE

ST

OLT

LU

NA

R

NE

WS

12

proyecto de Peter Gabriel, titulado Up, también estaráestructurado en sub-proyectos. ¿Qué piensas sobre esto?¿Estamos empezando a vislumbrar la música del siglo XXI?

No lo sé. Admiro su valentía para emprender desconocidasaventuras musicales, pero esto no cambia las bases de suconstrucción como banda o músicos. Además, la gente querrásiempre a Crimson antes que a los sub-proyectos. En cuanto aPeter, pienso que su Up es un típico CD de Gabriel, pero queserá una base temática con la que estarán conectados distintosdiscos de otros artistas de su sello discográfico. Ni más ni menos.

4. Genesis fue la influencia principal de los grupos de losochenta, y parece que King Crimson lo es en los noventa. Lasbandas suecas están contribuyendo mucho en este sentido. ¿Estásde acuerdo conmigo?

Bien, King Crimson siempre empuja con fuerza y me gustarealmente su producción, pero espero y pienso que las nuevasformaciones están tratando de buscar su propio estilo. Hay unúnico King Crimson y necesitamos algo nuevo. Los grupossuecos influencian por si mismos, y muchas grandes bandas delos noventa son de mi país. Personalmente, pienso que losestadounidenses Spock’s Beard son uno de los mejores gruposde la actualidad.

5. ¿Qué piensas de la improvisación?

La realizo, y cada día la utilizaré más.Lo prometo. La hemos tratado deincorporar en composiciones del nuevoCD y del Stardust we are.

6. ¿Cuál es tu banda o músico favoritode todos los tiempos y por qué?

Los Beatles. Ellos fueron los mejoresen términos de composición y desarrollomusical, y lo hicieron en un corto periodode tiempo. Hicieron lo que nadie habíahecho hasta entonces. Algunos lossiguen de cerca, Yes, King Crimson, ...

7. Actualmente, Marillion ha cambiado su dirección musicalhacia el pop y el rock alternativo. ¿Qué piensas sobre esto?

Tengo su último disco, que me regaló un amigo inglés, y esuna buena producción con buenas armonías vocales. Pero, comotú dices, su trabajo no es una aventura.

8. ¿Por qué escogiste el nombre de The Flower Kings para tuformación? ¿Qué significa?

La flor es un símbolo de algo que crece, con colorido,expansivo, hermoso, también un símbolo de paz y de fertilidady sexo.

9. ¿Qué buscas expresar con tu música? ¿Están los otrosmiembros de los Flower Kings siempre de acuerdo con tusintenciones?

Nosotros intentamos crear algo que nos sirva de guía paramejorar. Los restantes miembros del grupo están de acuerdocon mis ideas y creo que les gustan. ¡No tenemos problemas enla formación!

10. Pienso que Ulf Wallander es más que un simplecolaborador. ¿Te da ideas?

Es un instrumentista de gran inspiración y a veces hacemosque su saxofón vuele muy rápido. Es fácil trabajar con él, porlo que le doy mucha libertad para hacer lo que guste. Siemprees tan bueno...

11. Pienso que The flower king era un proyecto en solitariode Roine Stolt, pero mucha gente considera este CD como elprimer trabajo de The Flower Kings (la formación). ¿Puedesresolver este enigma? Si The flower king fue un proyecto ensolitario, ¿por qué decidiste formar un grupo?

Tuve la idea de formar una banda bajo el nombre de TheFlower Kings, pero escribí una canción con el mismo nombreque acabó siendo el título del primer CD. Fue una cosa natural.No me preocupa si es un CD en solitario o no. Disfruto con lamúsica y intento animar a otras personas alrededor de una buenaidea.

12. Hydrophonia es un CD inusual porquetiene un extensísimo abanico de influencias.¿Es este disco un homenaje a la libertadmusical?

Bien, quizás en un cierto sentido, peroescribo constantemente y me gusta compartirmi imaginación y mis pensamientos contoda la gente que quiera participar de ellos.He hecho algo de dinero, pero incluso ingurú progresivo debe tener una vida decente.

13. En tus últimos discos (principalmenteStardust we are y FlowerPower), otrosmiembros de la banda se han implicado más

en la composición (Tomas Bodin) y en la actuación (HansFröberg) que en otros CDs. ¿Intentas compartir el liderazgo?

Suelo decir a los restantes miembros de los Flower Kingsque escriban y contribuyan más cada vez, y ellos obedecen sóloun poco, pero no creo que pueda esperar que hagan tanto comoyo en este proyecto. Soy todavía la figura principal y sé que lovoy a seguir siendo en el futuro. Este es mi niño.

14. The Flower Kings y Spock’s Beard son dos de las mejoresbandas de rock progresivo clásico de todos los tiempos.¿Representa este hecho una responsabilidad para tí?

Conozco mucha gente que dice que esto es cierto... !!!??? y yodigo: ¿debe serlo? Me encantan los Spock’s Beard y los FlowerKings tratamos de hacer lo mejor que podemos paraproporcionar a todo el mundo una experiencia superior. A vecessiento la presión de hacer maravillas, porque mucha gente esperamaravillas de nosotros actualmente. Tratamos de conseguirloy de no bajar el nivel. Si la gente sigue nuestro camino con una

E N T R E V I S T A AR O I N E S T O LT

13

mente abierta, sé que esto nos recompensará a todos en el futuro.

15. ¿Conoces alguna otra banda sueca? ¿Estáis en contacto?

Estoy en contacto con Stefan Dimle, el bajista de Landberk,y con los chicos de Anekdoten y, por descontado, con losexcelentes Samla Mammas Manna.

16. ¿Cuando podremos escuchar FlowerPower, el disco ensolitario de Tomas Bodin, Tree y Merit Hemmingsson?

FlowerPower está produciéndose, por lo que los distribuidoreslo tendrán hacia el 18 de enero [en estos momentos tengo unacopia del mismo en mis manos recién adquirida en Pan yMúsica, estamos a 3 de febrero]. El disco de Tomas saldrá enmayo.

En cuanto a Tree, será editado por el sello alemán AngularRecords porque querían utilizar loops y batería programada, yyo quería hacer una producción total, con batería real, bajoeléctrico, Hammond, mellotrón y moogs. No estuvimos de

acuerdo en estepunto. Elcantante esexcelente, unamezcla entreBowie, Gabriely Hammill, perono puedo editarun disco en elque no confíe enla producción al100%.

Finalmente, eldisco de MeritHemmingsson

se editará cuando ciertos problemas contractuales esténsolucionados.

17. ¿Qué piensas de los comentarios de tus CDs? ¿Y sobre loscríticos del mundo progresivo?

Nosotros hemos sido muy afortunados. Hemos tenido críticasincreíbles, incluso en revistas importantes que nos hansorprendido. Incluso algunas revistas de heavy metal nos hanvotado y situado entre los mejores... ??? Espero que esto nopare.

18. ¿Qué haces (y el resto de los miembros de los FlowerKings) cuando no os dedicáis a la música?

Todos nosotros tenemos familia y también niños (exceptoJaime en esto último) que cuidamos como padres normales.La única diferencia es que todo nuestro tiempo libre lodedicamos a la música (actualmente estoy de 12 a 15 horasinmerso en ella). Hans Fröberg trabaja a tiempo parcial en unaeropuerto.

19. ¿Cuáles son los objetivos de Foxtrot Records?

Sobrevivir... y servir a los amantes de la música sin límites.Por el momento, promocionar al máximo a The Flower Kings.Quizás crecer y ser grandes y fichar y producir un disco de Yeso de McCartney-Harrison-Starkey algún día, ja, ja, ...

20. ¿Cuántos discos habéis vendido? ¿Dónde vendéis más?¿Grabaréis algún video en directo?

No tengo cifras exactas, pero del último debemos habervendido alrededor de 35.000 copias. Nuestros mejores mercadosson Holanda, Japón, Francia, Alemania y Estados Unidos/Canadá. Grabaremos actuaciones en directo en Japón y Europapara lanzar un video a finales de este año.

21. ¿Qué piensas de los festivales de rock progresivo? ¿Cómoes la relación entre los músicos progresivos?

Los festivales son geniales, incluso si tenemos poco o ningúntiempo de probar el sonido. Las relaciones entre las bandas sonprincipalmente buenas, pero como hemos llegado a ser una delas bandas más aclamadas de los noventa, mucha gente de otrosgrupos ha empezado a decir cosas malas de nosotros y nosignoran. Supongo que es un asunto de celos y de envidia de loque hemos conseguido. Es triste, pero las cosas son así.

22. Finalmente, ¿deseas decir algo a los lectores de imaGinay Lunar Waves?

Me gustaríadecirles, comosiempre, que ellos noshacen lo que somos,y que nos facilitanenormemente lascosas dándonossoporte. El 99% de lagente del negocioprogresivo es muyamable y nos gustaríavolver a Barcelona,e v i d e n t e m e n t e .Quizás estemos allíen abril, siguiendonuestro tour europeo.

Gracias y paz.

En las respuestas de Roine Stolt se puede apreciar unamentalidad sinfónico-progresiva clásica que llena de emoción.¿No es bellísima la explicación que da de la elección del nombrede la banda, con una plena conexión de positivismo y buenasvibraciones? Esta es una formación estrella, de aquellas quedeben durar, que debemos hacer durar, una luz que brilla en elfirmamento, progresivo o no. Espero que hayáis disfrutado.Jaume Pujol - Febrero 1999

E N T R E V I S T A AR O I N E S T O LT

14

EL PERÍODO DE PROBLEMAS CON LA CRÍTICA

En enero de 1973, el grupo se encierra en el Castillo deHeuroville para grabar su nuevo disco, que poco despuéssaldría al mercado. Se trata de A Passion Play. Esta obraestaba pensada como un espectáculo músico-teatral, que sepresenta en junio en la Wembley Empire Pool Arena, deLondres, delante de 8.000 personas. La crítica y la prensa secarga tanto la música como el espectáculo, y la banda,desmoralizada por completo, desaparece del mundilloartístico por una larga temporada. Se habla del declive y delfinal del grupo. En agosto, Anderson ataca a la crítica inglesaen unas declaraciones. La acusa de no hacer valoracionesobjetivas. Además, Ian Anderson afirma que Jethro no es ungrupo que haga música a gusto de la crítica, sino del público.Acababa añadiendo que los impuestos ingleses eran altísimos(un 80%, aproximadamente) y que por ello abandonaban elReino Unido y se instalaban en Estados Unidos. A pesar dela crítica, el disco llega al número uno de las listas de Franciay USA. Aquí en España, cómo no, la edición original fuecensurada. En la reedición de 1976, el disco fue publicadoen perfectas condiciones. Una vez instalados en EstadosUnidos, no se volvería a saber nada de Jethro Tull hastaprincipios de 1974. Es entonces cuando Anderson habla de

volver a las actuaciones en vivo.Además, entran en los Morgan Studiosde Londres para grabar un nuevoálbum. War Child saldrá a la venta enoctubre del 74, y, tras él, iniciarán unanueva gira que les traerá a España porprimera vez. Cabe destacar, comonovedad, que Anderson tenía el

proyecto de realizar una película inspirada en el conceptodel álbum. Finalmente no llegó a realizarse debido al altocoste de su producción. Lo que sí se grabó fue un vídeo de 50minutos durante un concierto en el Madison Square Gardende Nueva York. La crítica, esta vez, es unánime al calificarla calidad del álbum, que sería disco de platino en EE.UU,con más de un millón de copias vendidas. Durante la giraamericana dieron cinco conciertos seguidos en el Forum deLos Ángeles, dónde los vieron más de 100.000 personas. Secalcula que sólo en Norteamérica los vieron más de un millónde personas.

EL FINAL DE LOS 70

En enero de 1975, Jethro Tull inaugura sus propios estudiosde grabación, Maison Rouge, en cuyo estudio móvil segrabarían la mayoría de los siguientes álbumes. Es en marzocuando sale al mercado Minstrell in theGallery. En principio, este Lp iba atitularse Tears in the eye of theMinstrell (Lágrimas en los ojos deljuglar). Rápidamente conseguiría serdisco de oro en casi todo el mundo,aparte de un sinfín de premios y otrosreconocimientos. Al acabar la giramundial, el bajista Jeffrey HammondHammond abandona el grupo para dedicarse a la pintura.Para substituirle, Anderson llama a John Glascock, que tocaba

en un grupo llamado Carmen. Anderson lo conocía del añoanterior, cuando Carmen les teloneó durante la giraamericana. A principios de 1976 aparece un discorecopilatorio: M.U., que son las siglas del sindicato de músicosbritánicos, Musicians Union. Este álbum recoge éxitos quevan desde el año 68 hasta el 75, e incluye un tema inéditoque aparecería como cara B de un single: Rainbow blues.

Este disco también conseguiría serdisco de oro. En febrero comienzan lagrabación del nuevo disco: Too old torock’n’roll: to young to die, que saldríaa la venta en marzo. El álbum llega alos número uno de todas las listas delmundo y consigue ser Disco de Platino.Es en esta época cuando Jethro Tullvuelve a residir definitivamente en

Inglaterra. Las canciones del álbum estaban compuestas conla idea de ser representadas en escena. En el interior del discoaparece un cómic sobre un viejo rockero llamado Ray Lomas(amigo de David Palmer). La prensa relacionó rápidamenteeste rockero con Ian Anderson, y a pesar de no ser él,Anderson se identificó con ese personaje que no quierecambiar a las nuevas modas y quiere seguir siendo un rocker.Sobre este álbum, Ian produjo un programa para la televisión,estrenado en Inglaterra y Estados Unidos. En abril del 76,durante la gira europea, vuelven a tocar en España, dandodos conciertos en Madrid y Barcelona. Tras acabar la gira,vuelven a los estudios, ahora ya con David Palmer comomiembro fijo de la banda para ayudar a John Evan en losteclados. En las navidades del 76 aparece un Ep con el temaRing out, solstice bells, que incluye dos temas inéditos: Pandance y March, the mad scientist. Enfebrero de 1977 aparece en nuestro paísSongs from the wood, disco que sehabía publicado a finales de año enInglaterra. Este trabajo representa unasorpresa para muchos, pues representala integración más obvia de Jethro enel sonido típicamente folk. Es unavuelta al campo, un regreso a las raíces. En marzo del 77aparece un segundo álbum recopilatorio: Repeat. The Bestof Jethro Tull, Vol. II, con temas desde el 69 hasta el 76. Eneste disco se incluía un tema inédito para todo el mundo,excepto para España. Se trata de Glory row, que se habíapublicado en la versión censurada de Aqualung, en lugar deLocomotive breath. Tras la gira mundial, en diciembrevuelven a los estudios para grabarel nuevo álbum, que aparecerá enfebrero de 1978: Heavy horses. Eldisco está dedicado a lasTierras Altas de Escocia, lasmontañas de Gales y a los poneysde tiro y labranza deShetland, Fell, Dales y Cleveland.El álbum será recibido con un éxitomayor que el obtenido por su último disco de estudio. Durantela consiguiente gira, grabarán los temas en vivo que irían enun doble Lp en directo que se editaría posteriormente. Enseptiembre se emitió por televisión el concierto que ofrecieronen el Madison Square Garden de Nueva York, ante 20.000

THIS WAS JETHRO TULL (2ª PARTE)T

HIS

WA

S J

ET

HR

O T

UL

L (

2ª

PA

RT

E)

Jordi Torres termina este denso recorrido por la biodiscografía de la banda de Ian Anderson

15

personas. En octubre sala a la venta Live. Bursting out,probablemente uno de los mejores álbumes en vivo jamáspublicados. A comienzos de 1979, trasla gigantesca gira mundial, el grupovuelve a los estudios para grabarStormwatch. En este Lp, el bajista JohnGlascock sólo pudo grabar tres temasdebido a que sufrió un infarto. SeráAnderson el que se encargará del bajoen el resto de los temas del álbum. Eldisco se publicará en otoño y cuando el grupo está de girapor Estados Unidos, con Tony Williams como bajista, el 16de noviembre les llega la noticia del fallecimiento deGlascock.

LA DÉCADA DE LOS 80

Una vez acabada la gira, a principios de 1980 la bandaexperimenta nuevos cambios. Para substituir al fallecidoGlascock, Anderson llama a Dave Pegg, un bajista de sólidaformación que tocaba en el grupo folk Fairport Convention.Además, Barriemore Barlow abandona Jethro para formarsu propia banda. En agosto seran David Palmer y John Evanlos que causarán baja por motivos y proyectos personales.

En el grupo entrarán Mark Craney a la bateríay Eddie Jobson a los teclados y el violín. Aprincipios de septiembre, Anderson pretenderhacer un disco en solitario, pero poco a poco,el resto de la banda se va involucrando, hastaque se graba A. En éste álbum Anderson

realiza un experimento musical muy arriesgado consistenteen componer un tema por la mañana, ensayarlo por la tardey grabarlo por la noche. Éste álbum se presentó oficialmenteal público británico el viernes 21 de noviembre del 80, en elRoyal Albert Hall de Londres, ante 10.000 espectadores.Seguidamente, emprenden una gira mundial. Una vezconcluida la gira, en la primavera de 1981, Jobson y Craneyabandonan el grupo y son substituidos por Gerry Conway ala batería y Peter John Vettese a los teclados. Será con estosmúsicos con los que se grabará el siguiente álbum, TheBroadsword and the Beast, publicado en abril de 1982.Durante la gira de presentación del álbum, volverían a tocaren España en mayo. En septiembre del mismo año, repetiríanconcierto en Barcelona, con la novedad de Paul Burgesssubstituyendo a Conway en la batería. Finalmente, el tanperseguido álbum en solitario de Ian Anderson apareceríaen 1983. Walk into light marcará un cambio en la música deIan. Parece abandonar los sonidos acústicos para centrarseen un experimento mucho más eléctrico y sintetizado. Sinduda, tiene mucho que ver la ayuda de Peter John Vettese,que colabora intensamente en la elaboración del disco. Sinembargo, la aventura en solitario sólo fue un simpleparéntesis, y en 1984 se publicó un nuevo capítulo en lahistoria de Jethro: Under wraps. Sin duda, estamos delantedel álbum más flojo de toda la carrera del grupo. El sonidosintetizado domina todas las composiciones, creando un climaque bien poco nos recuerda al verdadero Jethro Tull. Seproduce un nuevo cambio en la formación: Doane Perry entracomo batería de la banda. En el verano de 1986, Jethro Tullrealiza una serie de conciertos, participando exclusivamente

en festivales folk y suscitando la impresión general de que setrataba de sus últimas apariciones. Pero, evidentemente, esaseran unas opiniones demasiado apresuradas. En 1987, ya sinel inefable Peter John Vettese, la banda publica Crest of aknave, acogido con entusiasmo y sorpresa por parte de lacrítica y del público. Este disco marcauna vuelta al sonido más verdadero deJethro Tull, tras dejar de lado losexperimentos sintetizados.Curiosamente, el disco fue premiadocon un Grammy como mejor discoheavy del año (!!!???). Con ocasión dela gira mundial, se publica un dobleLp conmemorativo del 20º aniversariode la banda. Se trata de 20 years of Jethro Tull, unarecopilación de rarezas y canciones inéditas. El buen estadocon el que el grupo llega al final de los años 80 se demuestracon la edición, en 1989, de Rock island. Comienza la décadade los 90, y Jethro vuelve a estar relativamente de moda. Laspalabras de Anderson son claras al respecto. Las modas vany vienen, y las que pasaron antes o después terminan porvolver. Así, si no has dejado de componer y de tocar durantetantos años, verás que no tendrás nunca necesidad decambiar de vestido y de modificar tu música: habrá un díaen el que estarás otra vez de moda.

LOS AÑOS 90

La década de los 90 la inaugura Jethrocon la edición, en 1991, de CatfishRising, un gran álbum dondecomienzan a colaborar AndrewGiddings y el hijo de Dave Pegg,Mathew. Durante la consiguiente giramundial, vuelven a tocar en España porúltima vez hasta ahora. En 1992, la

banda realiza una gira acústica por Europa e Israel. Estamosen la fiebre de los Unplugged. Así, no es de extrañar la ediciónde A little light music, grabación en directo en la que colaborael batería de los Fairport Convention, David Mattacks.Durante 1993 se celebra el 25ºaniversario de la formación de JethroTull. Para celebrarlo se pone a la ventauna caja con 4 Cd’s con curiosidades ytomas en directo. Se trata del 25thAnniversary Boxed Set. Yprácticamente estamos llegando a laactualidad. Del año 1995 son lasúltimas noticias discográficas de la banda. Es en este añocuando se publica su último disco hasta el momento: Rootsto Branches. En este disco, Dave Pegg sólo graba tres

canciones, encargándose del bajo enel resto de temas Steve Bailey.Posteriormente, durante la gira,entrará en el grupo el nuevo bajista,Jonathan Noyce. En ese mismo año,1995, Anderson publica su segundoálbum en solitario. Se trata delinstrumental Divinities: Twelve dances

with God. En este disco, Andrew Giddings colaboraestrechamente con Ian Anderson, tanto en la composición

THIS WAS JETHROTULL (2)

L U N A R W A V

16

THIS WASJETHRO TULL (2)

como en la interpretación. Últimamente no paran decelebrarse aniversarios, cosa, por otro lado, nada extraño enuna banda tan longeva. En 1996 se celebra el 25 aniversariode la edición de Aqualung, y, para celebrarlo, se publica unaedición remasterizada del álbum, conun tema inédito, otras canciones yuna entrevista con Anderson. Esel Aqualung. 25th Anniversary.Lo mismo sucedería un año después,en 1997, con el Thick as a brick. Sepublica el Thick as a brick. 25thAnniversary, edición remasterizada,con una versión en directo y variasentrevistas. En 1998, año del 30º aniversario del grupo,volvemos a disfrutar de ellos con un concierto en vivo en lasala Zeleste de Barcelona, uno de los conciertos peororganizados que servidor recuerda pues sin casi hacer más

publicidad que la de pegar los cuatro carteles de rigor por laciudad, la sala se llenó, perdón, se atiborró de fans lo quedemuestra la pésima visión comercial de los promotores puescon una adecuada publicidad podrían haber llenado cualquierotro local de mayor capacidad y por tanto con más comodidadpara los espectadores. Respecto al concierto en sí, creo quepoco se puede decir excepto que fue genial. Que los años nopasan en balde, pero que han tenido y siguen teniendo cuerdapara rato. Lejos queda aquel febrero del 68, cuando Andersonponía en marcha su proyecto musical.

¿Con qué nos sorprenderá este juglar del rock?. Las noticiasque nos llegan hablan de la preparación de un nuevo discoen solitario de Ian y la publicación de un doble álbum de labanda. Estemos atentos, porque está al llegar una nuevamuestra del talento de Ian Anderson.

Jordi Torres

P a n y m ú s i c aP a n y m ú s i c aP a n y m ú s i c aP a n y m ú s i c aP a n y m ú s i c a

E s p e c i a l i s t a s e n r o c k s i n f ó n i c o - p r o g r e s i v o d e s d e 1 9 7 8D i s p o n e m o s d e c a t á l o g o g r a t u i t o p a r a l a

v e n t a p o r c o r r e s p o n d e n c i a

�� 6�6��

7��6��8��9��

�8��9�� 8�:�� 8

� ��;� 6��;��:� ��6��8�� 8�� 6� ��

��6�<�� 8��

!��86��9��:� 8�"�� #=6��8�� 7��6�� ;>��<��6��7�$��98

?�%%��:��;7

R o s d e O l a n o 1 2 - 0 8 0 1 2 B a r c e l o n a - E s p a ñ aT e l : 9 3 2 3 7 6 5 6 8 - F a x : 9 3 4 1 5 0 2 1 9e - m a i l : p a n y @ n c s a . e sh t t p : / / w w w . t h e s a u r u s . n e t / p a n y m u s i c a

E S

17

Cuando el equipo del programa de Radio Tiana AmarokRock se planteó cual podría ser la mejormanera de celebrar sus tres años en antena,poco podían pensar en la dimensión queacabarían tomando los acontecimientos.El equipo formado actualmente por DuduLiñan, Josep Corro, Xavi Riera, XaviPetit y Jordi Riera empezaron a barajarposibilidades y tantearon al ayuntamientode Tiana en busca de apoyo (con elescepticismo lógico cuando te mueves enun círculo tan ignorado y minoritario comoel rock sinfónico). La respuesta fuesorprendentemente positiva y en pocotiempo, una vaga idea se había convertidoen una propuesta en firme para organizar un festival de ámbitointernacional. Con la mediación de Pan y Música, poco apoco se fueron concretando sala, fecha y bandas. Se fijó el

acontecimiento el 24 de abril en la Sala Albéniz de Tiana. Elcartel fue variando (se habló de Asgard, The Flower Kings yMinimum Vital, pero no fue posible) y finalmente se haconcretado en Galahad, Quidam y Colin Bass. Además,un espacio para los fanzines que nos dedicamos con devocióna la causa (todo un detalle) y, como no, un precio simbólico,1000 pesetillas que deberían ayudar a que la sala se llene arebosar. Por último, no debemos olvidar que la recaudación

de la noche se decidará a una ONG de solidaridad con elpueblo deK o s o v o ,d e s g r a c i a d oprotagonista dela crónica diariade las miserias dela guerra. Pocomás se puedepedir.

R A D I OWAVES

Para quien noconozca (o más

probablemente no tenga la posibilidad de conocer) la historiade Amarok Rock, he aquí unos datos reveladores: se tratade uno de los programas pioneros de Radio Tiana, y se emiteactualmente en directo los sábados de 5 a 7 de la tarde en los107.2 MHz de la FM (se recibe ademásen otras localidades cercanas comoMontgat, Badalona o El Masnou). Susresponsables insisten en que no es unprograma nostálgico, sino que buscadar a conocer que el rock sinfónicosigue activo y en buena salud creativa.Su estructura se basa en una primera sección dedicada aclásicos de los 90, seguida de un monográfico (últimamentededicados a bandas como Collage, Galahad, Genesis,Marillion, ELP o Mike Oldfield), más una sección dedicadaa novedades. Además, siempre que ha sido posible, ha habidoun rincón para las entrevistas a gente del mundillo comoDracma, Arcane, Ivan “Bright Light” Frauca, The company,El hombre del saco, Esteban “Pan y música” Vendrell o unosservidores e incluso figuras internacionales como Marillion(aprovechando su estancia en Barcelona para la convenciónde fans) o Fish. Además podeis oir cuñas de Clive Nolan,Fish, Hogarth, Mick Pointer, etc. No está nada mal para unprograma con vocación humilde pero que tiene cuerda e ideaspara rato.

FESTIVAL DE ROCK SINFÓNICO DE TIANAFE

STIV

AL

DE

RO

CK

SINFÓ

NIC

O D

E T

IAN

ACrónica de un sueño sinfónico hecho realidad. Por Toni Roig.

LAS ESTRELLAS DEL FESTIVAL: FICHAS TÉCNICAS:

��& ' � ��

��)�9��/�� 9��1��LM*-�� 0�� 2�� 9�� LMML�� )� �� 7�� *�� 0�/2��,�� @��0��2��@��-��0�� 2��*��0��2��1��0��A�2��:��A��(��-��.�� -�� 6�� @�� 4��)�� (��#E��"��4�� /� �� A��4.5��B�� B�5�'�� 0� !25�� "��

��#��I�� $�(��N��:��A��(��-�� ?��$��A�� -��

L U N A R W A V

18

FESTIVAL DE ROCKSINFÓNICO TIANA

LAS ESTRELLAS DEL FESTIVAL: FICHAS TÉCNICAS:

%��&2).'(��)�� LMML��9��%��LMM-�� O�� O�� P��Q��P��Q��P��Q��

�� R��"��E� �� )��9�?�E�?��0�/2��.��/?�<��?�0�� 2��%��B��?�E�0��A�2��4��?4��0��2��%� ?�'��0��2��B��?�.�� 0��2�� LMM-�� O�� $�� <�� 7�� LMMS��LMMT�0��2��)��:�� #��E��0�� 2�� )� PN�� !�� "��#

��!�$��!�� !�� $�� "�� ! � ��

��%�� !�� &��

�� #��'�� !�� !��!�� %( $��

��!��#�� $�� !��)!��%�� #�� %*�%��7�� O�� =�� 1�� 0��+2��C��D��5��#��O�� E��F��'��E� � G��'��F��)��*��*��1�� E�+�� N�� '��E�0��6��'��)��2��&��A� ��A�� 4�� '��)�� $�� /� ��

$��4+�)��'**

��)��/��A��LM,M�� #�� =�� '��>�� H �4��#��'��5��B��I��4��D��C��4��#��*��#��D�� #��B��"� ��F��*��4��*�� )�� P ��=��=�� Q��U�� .�*��*��0��2��B��@��0��>�� 2��(�� 0�� 2��,��1�� 0�� 2��/��@�� 0�/2��*�� 0��2�� O�� 03��.��0��(��(��(��,��0��2�� +��(��#��1��4��'#%!��'��0��:�� (��2��D��#��4��5��F�� =��C��F��F��>��9�� 5�� #��*��F�� )��"�� 5��)��5��D��B�*��5��A��B��#��,�$�� )�-��# �� !��

� �� #��!��!�� !�� . #!�� !��

� �� %��!��'�� !�� "��

! � �� !�� #! � ��!��$�� *%�%��7�� L� ��"��5� ��=��#��)��(��5��S�4��S��3��#��#��1��*��5��D��)�� I��J�(��D��*��D� ��*��*�� #�� )��5�� )�� F�� =��#�� K��B��'��>��4��B�� =��D��"��A��)��+�� N��$��A�� '��)��N�� /�� 0�� 4��2�

#��%��

E S

19

En la encuesta sobre Rock-progresivo realizada por la revista LunarSuite, VDGG resulta ser uno de los grupos más infravalorados dentrodel progresivo. Esto quiere decir que los que conocemos a este gruposomos conscientes de que después de veinte años de su desaparición,este grupo maldito quizás sea aún un desconocido, lo cual convierteeste hecho en una de las injusticias más grandes de la historia delRock-progresivo. Supongamos que te gusta el buen progresivo, queestás abierto a diferentes sonidos y formas de expresión y que noconoces o conoces poco a este grupo.En ese caso te aseguro que merecela pena sumergirse en el mundosonoro de este grupo que te aportará,seguro, nuevas y extrañassensaciones. A pesar de los añostrancurridos su música no está nadarancia.

Describirte la música de VDGGme resulta muy difícil. Lo lógico, loque funcionaria muy bien seria dartecomo punto de referencia a otrogrupo. Es decir, aquello de que: separecen a.... o son una mezcla de...y de.... . La mayoría de los gruposse parecen a alguien o alguien se lesparece, aunque sólo sea en estructuramusical. Si por ejemplo tuviera quedarte a conocer a King Crimson o aGenesis, en el caso de que no losconocieras (?!! ) la verdad es queactualmente hay grupos-discípulos con mucha calidad y personalidadque me servirían como referencia.

Pero en el caso de VDGG no soy capaz de encontrar un grupo paraorientarte bien. Sé que los puristas de VDGG dirían que sólo hayunos puntos de conexión, pero la verdad es que el magnífico «UnfoldedLike Staircase» de los Discipline ha despertado nuevamente en miesa extraña vena caótica que caracteriza a los VDGG.Aunque tampococreo que esta sea una referencia válida por lo novedoso del grupoDiscipline. Fíjate que impresionante: después de tanto tiempo a estegrupo de culto nadie lo ha podido imitar con dignidad. Han sido comounos cocineros que han elaborado un plato exquisito (agridulce) conalgún ingrediente secreto que nadie ha sabido encontrar (¿será la vozde Hammill ese ingrediente secreto?) La música de VDGG no secaracteriza por ser sutil o bella, más bien es fría, lúgubre,esquizofrénica y desesperada. Sus miembros no eran precisamenteunos virtuosos de sus instrumentos, no se caracterizaron por darconciertos espectaculares ni por salir a complacer al público. Las letraspoéticas, muy complejas de P.Hammill estaban cargadas dedramatismo y pesimismo. Todo esto ha hecho que se convierta en ungrupo muy hermético e inaccesible para muchos. Ya sé que estáspensando que no sería un buen abogado del grupo... pero teaseguro que su música está por encima de todo esto.

Como sabes, para comprender y disfrutar del trabajo decualquier grupo tienes que atravesar la «barrera» que nossepara de lo que ellos quieren comunicar. Esta «barrera» esmás o menos gruesa dependiendo de la profundidad de susideas, de su forma de expresarlas, del nivel más o menos altode experimentación o simplemente de la voluntad de agradarsin más. De ahí que en algunos casos (más bien demasiados)nos sea fácil traspasar esa «barrera”, ya que los músicos sehan asegurado que sea muy fina (de esta manera consiguenaburrirte al poco tiempo.)

VDGG fueron muy honestos, auténticos y experimentales ala hora de expresarse, por lo cual de entrada te encuentrasante una dificultad para comprender esta enrarecida música.Pero cuando lo haces descubres que tiene alma y corazón. Esentonces cuando se produce una alquimia especial que radica

en la tremenda fuerza interpretativa de estos músicos que te conmuevey estremece. En los puntos álgidos, donde la música alcanza su cotade máxima fuerza culminada por esa desgarradora voz, el oído percibetodo esto en términos de emoción y te comunican su extraña energía-excitación. Entonces, esa emoción obliga a tu cuerpo a segregar grancantidad de adrenalina. Un salfumán sonoro que despeja todas nuestrastuberías obstruidas. Hay quien te puede calificar esta música deangustiosa y depresiva, lo cual no es del todo incierto, pero habríaque matizar que ahí radica precisamente parte de su fuerza y encanto

(siempre que estés fuertepsicológicamente).

Mi abuela decía que le gustaba iral cine a llorar, y esto si me lopermites, me va a servir paraexplicarte lo anteriormente dicho.Supón una película en la que unmatrimonio está a punto dedivorciarse por el problema dealcohol del marido y por no haberpodido encarrilar la vida de su hijacleptómana y de su hijo drogadicto,que han acabado marchándose decasa. A pesar de su perseverancia noconsiguen recuperar a sus hijos.Cuando parece haber un asomo deluz en la relación de pareja, lediagnostican a la madre un cáncerterminal...

Como puedes ver todo lo que ocurreen la peli es terrible, crudo y hasta

real, pero la buena interpretación de los actores, la buena estructuradel guión, la magnífica fotografía y la sensibilidad del director hacenque disfrutemos incluso llorando de una película, a priori súperdeprimente. Algo así ocurre con la música de VDGG. ¿No sé yo... sime he explicado...?

Este grupo tiene un origen y un final. De lo cual casi me alegro,teniendo en cuenta lo aconsejable de toda su discografía. Supieronabandonar justo a tiempo y así han creado un mito. ¿ Te imaginas sipor ejemplo Genesis hubiera hecho lo mismo?. Lo que hicieron hastael 77 fue magnífico, pero tantos años haciendo “Circo sólo con payasosy algún que otro equilibrista»ha acabado por desprestigiar su nombre.A mi también me apetece escuchar de vez en cuando una música másligera y comercial (con clase), pero me revienta que en la portadaponga Genesis o Yes o... Esto ha ocurrido con otros buenos gruposque confunden evolución con comercialización.

VDGG fueron un grupo y por lo tanto, una acumulación depersonalidades, pero el arquitecto de este «edificio sonoro”, que

VAN DER GRAAF GENERATORV

AN

D

ER

G

RA

AF

G

EN

ER

AT

OR

Juli Fernández efectua una extensa revisión de una banda clave tan insuficientemente valorada como única.

LU

NA

R

NE

WS

20

/+3�'3,+*+��-,3-�('4+)�3(��>��)��/��>��=��)�� 7��)��R��)��A�

/+3��3'*/��3�4'��.+�)*��'L3�/+�3'4+�+/+3,

(��>��)��/��>��=��)�� 7��)��9�� B��?��)��"��(��)��A�

+�/+�+3��++�'(�/+3�+��-�+�3

(��>��)��/��>��=��)�� A�7��)��9�� B��?��)��

además trabajó como capataz de la obra e incluso alicató baños, fuéPeter Hammill que diseñó un «edificio» como los de Gaudi: extraño yalucinante. (Perdona tanta comparación).

Bueno si quieres te invito a visitar este, como digo, EXTRAÑO-EDIFICIO-SONORO

PLANTA SOTANO - EL ORIGEN

Todo empezó en la universidad de Manchester en 1967 cuando PeterHammill, Chris Judge Smith y Nick Pearne ya trabajaban juntos en elproyecto de un grupo. Si Ian Anderson dió el nombre del ingenieroagrónomo Jethro Tull a su grupo, Peter Hammill hizo lo mismo conel físico norteamericano Robert Jemison Van Der Graaff quien hizoestudios sobre física nuclear, pero que es más conocido por la invencióndel generador electroestático que lleva su nombre. Así nace VANDER GRAAF GENERATOR.

En 1968 Chris y Nick fueron reemplazados por Hugh Banton y KeithEllis. Esta formación estuvo tocando por locales y antros de la zona,

aunque no tardaron endisolverse.

PALTA BAJA - ELPREAMBULO

En 1969 vuelven areformarse con la ayudadel batería GuyRandolph Evans. Asíese mismo año grabanen Londres su primerdisco, orientado en un

principio al mercado USA

The Aerosol GreyMachine tiene una portadamuy psicodélica al estilo de laépoca, ha sido un vinilo muy

difícil de encontrar durante años y hasta el 97 no ha sido editado enCD. Gracias a la Fie ! Records (propiedad de Hammill) esta ediciónes a todo lujo y con temas extras, como los primeros singles de labanda publicados en 1968.¡ Ojalá se hiciera lo mismo con el resto dela discografía del grupo!. Este primer álbum es muy interesante paralos amantes de VDGG, ya que en toda la producción se intuye de quématerial puso los cimientos Hammill, aunque aquí la música es másfresca, a diferencia de la que vendrá más tarde.

PRIMERA PLANTA - PRIMERA ERA

A mí me parece que a partir de este momento se crea lo que podríallamar primera fase del grupo (como ves este edificio empieza a cogerforma) con todo su potencial creativo en marcha graban tres magníficosdiscos. Pero sigamos con la historia:

A finales del 69 hay cambios en la formación y Keith Ellis se marchadejando el puesto de bajista a Nic Potter y donde también entra DavidJackson con los instrumentos de viento (personaje decisivo en el sonidodel grupo). Hammill tenía una oferta de Mercury para grabar ensolitario, pero ya con la nueva formación se lo replantea y entran encontacto con Charisma Records y justo a finales del 69 graban lo quesería su segundo álbum como VDGG.

En The Least We Can Do Is Wave To Each Other (para mí) yaestá formado todo el sonido característico del grupo con una músicadesbordante y plena. Hay temas de este disco como «Darkness» o«Refugees» que me impactaron mucho cuando los escuché por primeravez. Nunca antes habia escuchado nada igual y lo que parece más

increible es que aún hoy,cuando las reescuchomantienen esacapacidad de impacto.El resto de temas sonigualmente interesantesy donde quizás destaca«After the Flood». Porcierto que «Refugees»fué single aunque conuna versión diferente(eso sí que eran singles).Este tema esla visión deu n ageneraciónque busca lal i b e r t a d ,fuertementereflejado enel texto deHammill:

.... y nos dimos cuenta de que podiamos ser libres y nos trasladamosal Oeste.

El Oeste es donde todos los días acabarán en algún momento,Donde los colores se transforman del gris al oro,Y donde puedes estar con tus amigos, allí pasaremos los días finales

de nuestras vidas,Contaremos las mismas viejas historias: bueno, por lo menos lo

intentaremos.Somos refugiados, dejando atrás la vida que conocimos y amado.No hay nada que hacer o que decir, ningún sitio donde quedarnos,

ahora está solo.Somos refugiados, llevamos todo lo que poseemos en sacos, atados

con un cordel.Nada en que pensar, nada tiene sentido, pero seremos felicesSi vivimos por nuestra cuenta. («Refugees»)

El grupo es sólido y parecen entenderse a la perfección. Se hinchana dar conciertos por todas partes mientras preparan su maravillosotercer disco:

En H To He Who Am The Only One , Nic Potter deja el grupoaunque aparece tocando en este disco en algunos temas, en el resto detemas se encarga delbajo el polifacéticoBanton. De esta maneraqueda configurada laformación ideal deVDGG (Hammill,Banton, Evans yJackson). Este disco esaún más intenso yelaborado si cabe que elanterior, por lo que se veya la buena evolución dela banda. Cinco temascon el generador a casitoda potencia.»Killer»es uno de los temas quepodríamos llamar clásicos delgrupo, es muy rítmico y directoaunque con las taquicardiastípicas de la casa. AquíHammill pide a gritos amor

BIOGRAFIA VAN DERGRAAF GENERATOR

21

1'��+3',/*

(��>��)��/��>��=��)�� A�

para un «asesino» de sentimientos incapaz de amar y condenado a lasoledad:

!Así que vives en el fondo del mar y matas todo lo que se te acerca!....Pero estás muy solo pues todos los otros peces te temen; y anhelas

compañía,alguien a quien considerar tuyo, por que durante toda tu vida,has estado viviendo solo. («Killer»)

«Pioneers Over C» otro tema de unos doce minutos donde lavariedad de sonoridades te confunde, cambios de ritmo constantescon esa maravillosa sensación de improvisación tan importante en elsonido del grupo (Free-Rock), una estética de Rock pero aliñada coninfluencias del Jazz y del Clásico sin que suene exactamente a nadade todo esto. Hay que destacar también la suite de veintitrés minutos«The Emperor in his War-Room» donde además aparece comoinvitado tocando la guitarra nada menos que Robert Fripp que decoray refuerza el tema con su toque característico. En este tema se perfilaya con toda intensidad el egocentrismo y la mística de Hammill. Undisco muy sólido e impactante.

En 1971 poco antes del siguiente disco de los VDGG aparece elprimer disco de Peter Hammill en solitario (Fool´s Mate) con lacolaboración de todos los miembros de la banda y a finales de esemismo año se edita el cuarto álbum del grupo y obra cumbrehasta el momento:

Pawn Hearts loforman tres temast o t a l m e n t esobrecogedores .“Lemmings” es unametafora cruel pero realque hace referencia aunos extraños animalesque por alguna extrañarazón realizan unmovimiento en masaque los lleva a uns u i c i d i ocolectivo.Quizás igualque el hombre que con

sus guerras ycontaminación delmundo realiza el mismomovimiento suicida quelos Lemmings. “ManErg” es un tema

magnífico con una entrada de piano y órgano muy sutiles. En la partecentral del tema nos encontramos ante un “desmadre” musical de lomás apabullante, para muchos uno de los mejores temas del grupo entoda su carrera. “A Plague of Lighthouse Keepers” es una suite deveintidós minutos dividida en diez partes donde se encuentra toda lapersonalidad de VDGG en esencia.

Vuelve a participar como invitado Rober Fripp en el disco másdelirante y exitoso hasta la fecha de los VDGG. Hammill quería quede alguna manera se reflejara la personalidad de Robert ya que él nose consideraba un guitarrista por aquella época, su verdaderoinstrumento era la voz. El resto de miembros realiza un trabajoasombroso, creando una sonoridad inusual en el mundo del Rock porla forma de utilizar sus instrumentos. En esta primera etapa nosencontramos con una trilogía de discos muy caóticos y cósmicos dondecon sus estructuras musicales le dan al Rock una dimensión e impulsomuy vanguardista. Obras para profundizar y disfrutar en soledad sinpedirles una satisfacción sonora rápida ya que hay que saborearlentamente y así llegar a experimentar algo único. De verdad quevale la pena.

Como ya he comentado, habían fichado por Charisma lo que losconvirtió en compañeros de Genesis. Con ellos comparten a JohnAnthony como productor. También llegaron a coincidir en alguna gira(sí inventan la máquina del tiempo ya sabreís donde encontrarme).Según Hammill tenían una cierta rivalidad aunque también unsentimiento de camaradería.

VDGG son un exponente muy importante del Rock progresivoinglés, además Charisma les promociona fuertemente organizandounas giras con entradas a precios reducidos que aumentan su audiencia,pero la personalidad hermética y egocéntrica de Hammill impide unapopularidad verdaderamente masiva. No obstante no son un grupodesconocido y tienen gran número de fans en países como Italia yAlemania, excepto aquí en España donde la distribuidora sólo habiaeditado un disco del grupo y se descatalogó rápidamente. A veces noentiendo ni como nos enterábamos de la existencia de grupos comoVDGG, aunque tengo que reconocer que daba cierto morbo el hechode conseguir estos discos. Hay que admitir que hay algo que delata enestos discos el paso del tiempo y es esa sonoridad «hueca» típica delas grabaciones de entonces.

Después de publicar Pawn Hearts, vino una agotadora gira porAlemania que provoca la ruptura del grupo. VDGG se disuelve antetan insoportable ritmo y presión. Hammill declara que no quiere quesu música se convierta en una rutina. Nadie puede entender lo ocurridocuando parecían estar a punto de llegar a lo más alto.

SEGUNDA PLANTA - SEGUNDA ERA

En los años siguientes los VDGG (sin Hammill) graban un discoinstrumental «The Long Hello» hecho con vistas al mercado Italianodonde, como ya he comentado, fueron muy populares. Aunque bello,es algo insípido lo que demuestra la dependencia de Hammill paracrear su característica música. Por su parte Hammill se dedicó adescansar durante todo el 72. En el 73 publica su segundo álbum«Cameleon in the Shadow of the Night « , en el 74 « The SilentCorner and the Empty Stage «, en ese mismo año también se publica« In Camera « y en el 75 « Nadir´s Big Chance» todos ellos con lacolaboración de miembros de VDGG. Todos ellos interesantísimos.El escaso éxito de «Nadir.....» obligó a reeditarlo con una pegatinaque decía algo así como: «Con los auténticos VDGG”, lo cual deparó

La formación básica, 1ª y 2ª Etapas: Hammill, Evans, Jackson y Banton


LU

NA

R

NE

WS

22

un cierto éxito y animó al grupo a unirsenuevamente. Así después de cuatro años nace lasegunda etapa de VDGG.

Esta segunda fase esta compuesta por otratrilogía, editada entre el 75 y el 76 con los mismoscomponentes.

En junio del 75 graban “Godbluff “ y en lasmismas sesiones se prepararía el siguiente discoque sale a primeros del 76, “Still Life” y a finalesdel mismo año se completa la trilogía con “WorldRecord”.

A pesar de que en esta etapa la formación esla misma, hay un ligero cambio de rumbo en lamúsica del grupo. Aquí la música la «barnizaron»con algo de sutileza y de ritmo. Se torna máshermosa y reposada en algunos momentos perosin perder esos puntos convulsivos y ácidos quecaracteriza esta música que roza en algunosmomentos la fealdad. Hammill declaró que elhecho de que la música de VDGG fuera en parteinaccesible, era por el hecho de que no siempreera bella. Que a la gente le gustaba la músicabella por costumbre y no la inquieta o fea. Peroque él hacia música bella sólo si el tema es belloy si el tema es feo, pues hacia música fea.

GODBLUFF, lo forman cuatro temas queaportan una gran dosis de exploración sonora,es un disco duro y crudo con climas y atmósferasoscuras. Todo él es bastante compacto y contieneuno de los temas que a mí más me gusta de todasu carrera: «The Undercover Man». Por ciertoque Hammill ha declarado que este es quizásuno de los discos que más le gusta. Una obra tanoscura como su portada pero muy sugerente einquietante.

STILL LIFE es el álbum más «accesible» delgrupo con cinco temas impecables y maravillososcomo «Pilgrims»,»Still Life»(Un clásico delgrupo)

¿Por qué finjo?. Nuestra esencia se destila ytodo gusto familiar es vaciado,

y aunque se conserva la pureza, nos dejaestériles, viviendo a través de los millones deaños,

la risa tan próxima como cualquier lágrima...La vida aunque pretendas que todo lo que

implica es respirar, comer, defecar, follar,Beber, vomitar, dormir, hundirse cada vez más

y al final pasar el tiempoQue ya no

tiene ningún significado. («StillLife»)

y «La Rossa» que tiene laentrada más aco.... perdón,acongojante que he oído nunca.Es el disco mejor estructurado detoda su carrera y quizás el másexitoso. Perfecto de principio afin. Pieles de gallinagarantizadas.

WORLD RECORD es elmás rítmico de esta trilogía. Otravez son cinco temas en los quedestaca la suite titulada

«Meurglys III» con momentos muy hipnóticosy donde Hammill habla de la imposibilidad decomunicarse. Este tremendo tema empiezadiciendo:

En estos días, sobre todo, hablo con plantas yperros, todo contacto humano parece doloroso,

Arriesgado, extraño: así que hago de dios enmi propio universo.

Esto en la voz de Hammill aumenta su fuerzamultiplicado por mil. «When she comes», lapieza que abre el disco tiene una particular ycautivadora armonía. En el número doce de larevista World Music hay una magnifica entrevistaa P.Hammill donde Jordi Planas hace unareferencia sobre el tema «Wondering» del cualdice que es de lo mejor que ha escuchado nunca(y yo estoy totalmente de acuerdo).

En toda esta época los textos siguen siendoamargos y extremadamente difíciles y la voz deHammill se torna tanto ácida y desgarradoracomo que parece pasearse por la más dulce delas calmas. En definitiva nos encontramosnuevamente ante tres trabajos de una bellezaextraña e irrepetible. Obras maestras salidas dementes delirantes.

TERCERA PLANTA - EPILOGO

Banton y Jackson dejan el grupo y con ello seacaba una etapa y un ciclo importantísimo enVDGG. Hammill atraviesa por un momento muyduro de su vida personal ya que su matrimonioacaba rompiéndose. Toda esta amargaexperiencia queda de alguna manera reflejadaen su sexto álbum como solista, el maravilloso“Over”.

En 1977 con las filas de VDGG reducidas ados, Hammill recluta a dos músicos queparticiparon con él en Over: Nic Potter (el cualya estuvo en la formación de VDGG en 1969) yel violinista Graham Smith, para grabar el últimodisco en estudio de la banda.

Esta nueva formación nos ofrece este brillanteepílogo titulado «The Quiet Zone/The PleasureDome» A partir de ahora se llamarán Van derGraaf y no Van der Graaf Generator parece serpor problemas de derechos derivados de la salidade Banton y Jackson.

En este disco se aprecian unas diferencias enel sonido derivados del cambio de instrumentos

y de un acercamiento a la música más limpia y de una extraña yaustera belleza de la cual es en parte responsable ese delicioso violín.Aquí nos encontramos con temas más vitales como «The Sphinx inthe Face» o «Cat´s Eye/Yellow Fever» sazonados con otros masintimistas como «The Wave» o «Last Frame». De este disco megusta especialmente la combinación de la voz de Hammill y el violínde Smith algo bien patente en el magnífico tema «Siren Song». Apesar de los cambios realizados nos ofrecen otra obra impecable y undigno colofón del grupo. Es aquí donde encuentro a faltar algún álbummás donde exprimir el potencial de esta formación.

ATICO - EL TESTAMENTO

En el 78 aparecerá el último disco de la banda «Vital», un doblegrabado en directo en el Marquee Club de Londres.


-+.��2((5�*/)��)(3�-��+,�.,34+,.

(��>��)��/��>��=��)�� 7��)��9�� B��?��)��

VAN DER GRAFF 3ª ETAPA Evans, Poter, Hammill y Smith

23

En este discohay laincorporación deC.Dickie y DavidJackson sóloaparece comoinvitado.

Es elt e s t a m e n t omusical de ungrupo maldito. Undisco duro yoscuro como unfuneral, donde sehace un recorrido

por el material de labanda y donde seaprecia la fuerza deésta en escena. (Porcierto que en laversión del CDvienen amputadosdos temas con

relación al vinilo.)

Esta fué la cúpula yfinal de este«EDIFICIO» perfecto yextraño que no haperdido su modernidada pesar de los años, alcual no quisieron añadirmás plantas de“música” por que asíquisieron terminarlo opor que quizás no teníannada más que añadir.Fué el final de estegrupo que hizo unamúsica oscura o, de lacual pocos supieron versu luz.

Después de veinte años laverdad es que las cosas se vencon más perspectiva y podemosahora valorar mucho más aquelmagnífico trabajo que nadie queame la buena música deberíadesconocer.

Ellos han seguido trabajando,incluso han coincidido en muchos discos sobre todo de la magnífica yabundante obra de P.Hammill como solista. En el 97 salió un proyectode Evans titulado The Union Chapel Concert con la ayuda deHammill y de prácticamente todos los ex-componentes de VDGG,esto hizo pensar en una posible reunificación del grupo, pero elproyecto no pasó de ahí.

VDGG como conjunto y estupenda banda que fué desgraciadamentehabía pasado a la historia. Quizás ellos mismos no quisieron resucitarla leyenda que crearon, convirtiendo así a VDGG en un mito dentrodel rock progresivo.

DISCOGRAFIA

1969 The Aerosol Grey Machine

1970 The Least We Can Do Is Wave To Each Other1971 H to He, Who Am the Only One1971 Pawn Hearts1975 Godbluff1976 Still Life1976 World Record1977 The Quiet Zone/The pleasure Dome1978 Vital (Live)

DISCOGRAFIA PARALELA

1972 68-71 (Recopilación)1973 Time Vaults (Temas inéditos del 71 al 75)1974 First Generation (Recopilación del 69 al 71)1975 Second Generation (Recopilación del 75 al 77)1976 I Prophesy Disaster (Recopilación y temas raros)1977 Maida Vale (BBC Radio sesiones)1978 Now and Then (Sólo con Jackson, Banton y Evans)1979 Eyewitness. (tributo de varios grupos a VDGG)1997 The Union Chapel Concert (Evans & Hammill)1998 The Masters (Recopilación del 72 al 85)

Permíteme unas recomendaciones:

* Si quieres conocer al grupo no empieces con el live «Vital»aprovechando que este hace un repaso por su discografía. Es undisco muy duro al cual encontrarás sentido sólo cuando conozcasbien al grupo.

* Los recopilatorios « First y Second Generation « me parecenun buen comienzo con una acertada selección de temas.

* Sugerirte elmejor disco delgrupo es muydificil dada la valíae intensidad decada uno de ellos,pero quizás seant o t a l m e n t e

imprescindibles «Pawn Hearts yStill Life «

* Si como yosólo tienes un parde cursos del WallStreet Insitute, porlas libreríaspendula un libro dela editorial Espira/Fundamentos con eltitulo «PeterH a m m i l l -canciones» contraducciones dealgunos temas quete ayudaran acomprender esamente tortuosa.

* A travésde la web imaGina puedes acceder a unas páginas maravillosas sobreVDGG donde encontrarás información y casi todos aquellos créditosque no aparecen en los CDS de la banda.

Juli Fernández


#>��O$I�#�.!"�U#>��(��'$%��9!4�

(��>��)��/�� 7��)��"��(��)��A�7��'��)��

L)/'�

(��>��)��/�� 7��)��"��(��)��A�7��'��)�� 9��?�)�� V�9�� B��?��)� ��

24

El objetivo de este artículo es publicar y comentar una listade los mejores discos de la presumiblemente década más floja delProgresivo y de la música moderna en general. Esto último es sólouna opinión más o menos generalizada con la que uno puede noestar de acuerdo.

¿Por qué ocurrió esto?. Se han publicado infinitos artículos alrespecto y no creo que en este artículo se aporte nada nuevo alrespecto. Además, este fanzine esta elaborado para un lector oyentede progresivo con un nivel alto con lo que dar información conocidaya por todos es obtener conocimientos redundantes. Sólo me limitaréa recordar algunas de las causas:

- A finales de los setenta la prensa musical y las casasdiscográficas deciden cambiar elpanorama reinante arruinando con susmal intencionadas críticas la trayectoriay los discos de los grandes mounstruos odinosaurios del movimiento Progresivo.

- Coincidiendo con este hechosurgen dos estilos que van a abarcar elpanorama juvenil mundial en cuanto amúsica se refiere. El inicio del Punk y delGlam. Los primeros optan por romperdrásticamente con el concepto decomposición elaborada, culta, refinada ypreparada que caracteriza al progresivosinfónico reinante en la primera mitadde la década de los 70. El resultado esuna música orientada al público menospreparado musicalmente en la que lascanciones tienen como principalcomponente lo subversivo de sus letras.La composición se vuelve facilona ymachacona, al alcance de todo el mundopara que cumpla su objetivo que es llegar ala masa para revolverla. La música se entiende como un acto derebelión, cosa que no critico en absoluto. El Glam es la revolucióngay. Se pretende provocar esta vez por lo ambiguo de suscomponentes. Aunque la música generada es algo más complejaque en el Punk.

- Añadiéndose a este panorama de desconcierto, nuestrosgrandes dinosaurios optan por adaptarse a los nuevos tiempos omorir. Todos los grupos menos unos pocos optaron por una de estasdos opciones.

En este panorama desolador se encuentran los nuevos artistas contendencia progresiva

del inicio de los 80 los cuales tienen que reinventar el género. Asu vez los grandes se separan o se adaptan a nuevas tendencias deRock Progresivo.

De esta oscuridad sale el grupo Marillion que rompe elhielo elaborando una música pro-genesiana aunque con caracterespersonales propios e indiscutibles. Marillion sitúa 6 de sus discosentre los 40 primeros de nuestra lista progresiva. No sólo eso, losdos mejores discos de la década son suyos y ambos están entre los25 primeros de la lista de todos los tiempos entre las más grandesobras de los dinosaurios de los setenta.

La época Fish se lleva la mayor parte de la gloria aunquebien es cierto que la época Hogarth no tiene oportunidad de luchar

en igualdad de condiciones pues comenzó en el 89. Pero os aseguroque en la lista global el resultado se decanta claramente por laépoca Fish, aunque con la fuerte oposición del Brave que está en elpuesto 52 por debajo del primero y el tercero de Marillion-Fish.

Los canadienses Rush cambiaron su estilo adaptando pocoa poco su progresivo sinfónico del Hemispheres (78) al progresivomas comercial aunque con una gran calidad del Permanent Waves(80) y el Moving Pictures (81). El grupo alcanza su cota más altaen esta década con tres de sus discos situados respectivamente enlos puestos 3º(Hold Your Fire), 4º(Moving Pictures) y 5º(PermanentWaves). Además consigue colocar siete discos entre estos primeros40. Este grupo es uno de los pocos que al cambiar su estilo hasabido continuar con un indiscutible nivel de calidad que nos hace

seguir amando su música.

Los hay más dignos aún eneste aspecto, como KingCrimson, que no cambiaronsu trayectoria de progreso ycomplejidad más que parahacer cosas aún máselaboradas si cabe. Aunquehay mucha gente que no legusta el nuevo estilo de KingCrimson que marca la triadaDiscipline-Beat-Three Of APerfect Pair. Yo creo que sinsuperar el estilo anterior, sondiscos dignos de escuchar yvalorar. Aquí sólo sale elDiscipline en el puesto 13,quedando los otros por debajodel 40.

El otro gran grupo neoprogde la década es IQ, que junto con Marillion crearán dicho estilo,situando gracias a su calidad sus dos primeras obras entre estos 40mejores. Recuerdo a todos que el mejor disco de IQ está colocadoen el puesto 32 (Subterranea) de la lista global, siendo el 34 (Ever)también de su propiedad.

Peter Gabriel al separarse de Genesis intentara hacer un estilomusical totalmente distinto al gran grupo, creando un sonido propioe inconfundible en los discos 3, 4 y Plays live, todos ellos entre estos40 mejores. Todo un ejemplo de dignidad, ya que lo fácil hubierasido copiar su trabajo anterior ya que el Lamb Lies Down OnBroadway fue todo un éxito y obra maestra y como los propiosGenesis dijeron, “fue el disco de Peter”.

Alan Parson Coloca su Turn Of A Friendly Card en el puesto 16.Disco altamente recomendable que supone la culminación de sustrabajos. Para mí el mejor del autor.

Yes no necesita presentación. Su 90125 supone un vuelcode su estilo hacia el AOR, no perdiendo en mi opinión el estiloprogresivo en los arreglos y el alto nivel instrumental que caracteriza

a estos grandísimos artistas. En el año 89 sacaron como Anderson,Bruford, Wakeman, Howe su gran disco homónimo que suponeuna vuelta al estilo del pasado (Going For The One) mezclado contodos los adelantos de la época. Un excelente trabajo un pocoinfravalorado en mi opinión.

L O S M E J O R E S D I S C O S D E L O S 8 0Un nuevo análisis estadístico de José Sahagún que ahonda en una década agridulce.

LO

S M

EJ

OR

ES

DI

SC

OS

DE

LO

S 8

0

��&�� %

25

# 80's # TOT. INTÉRPRETE TÍTULO A ÑO V otos Media Med. Comp.1 19 MA RILLION SCRIPT FOR A JESTER'S TEA R 83 29 8,47 8 ,472 23 MA RILLION MISPLA CED CHILDHOOD 85 33 8,46 8 ,463 33 RUSH HOLD Y OUR FIRE 87 8 8,75 8 ,254 35 RUSH MOV ING PICTURES 81 17 8,24 8 ,225 49 RUSH PERMA NENT W A V ES 80 10 8,3 8 ,076 59 IMA N CA LIFA TO INDEPENDIENTE CA MINO DEL A GUILA 80 9 8,33 87 62 RUSH POW ER W INDOW S 85 11 8,14 7 ,988 65 IQ TA LES FROM THE LUSH A TTIC 84 11 8,09 7 ,939 66 Y ES CLA SSIC 81 11 8,09 7 ,93

10 75 RUSH SIGNA LS 82 13 7,85 7 ,7711 81 PETER GA BRIEL 3 80 17 7,74 7 ,7212 89 MA RILLION CLUTCHING A T STRA W S 87 22 7,66 7 ,6613 90 KING CRIMSON DISCIPLINE 81 13 7,73 7 ,6614 95 MA RILLION FUGA Z I 84 24 7,63 7 ,6215 100 MA RILLION SEA SONS END 89 16 7,63 7 ,616 101 A LA N PA RSONS PROJECT THE TURN OF A FRIENDLY CA RD 80 14 7,64 7 ,5917 105 PETER GA BRIEL PLA Y S L IV E 83 11 7,73 7 ,5718 109 MA RILLION REA L TO REEL 84 12 7,67 7 ,5619 110 IQ THE W A KE 85 13 7,62 7 ,5420 123 PETER GA BRIEL SO 86 19 7,42 7 ,4121 125 Y ES 90125 83 26 7,37 7 ,3622 131 PINK FLOY D DELICA TE SOUND OF THUNDER 89 15 7,37 7 ,3323 133 PETER GA BRIEL 4 82 14 7,36 7 ,3124 136 MA RILLION THE THIEV ING MA GPIE 88 9 7,56 7 ,2525 138 MIKE OLDFIELD THE COMPLETE 85 8 7,69 7 ,2426 141 A NDERSON, BRUFORD, W A KEMA N, HOW E A NDERSON, BRUFORD, W A KEMA N, HOW E 89 21 7,21 7 ,2127 143 JON & V A NGELIS PRIV A TE COLLECTION 83 10 7,4 7 ,1928 144 V A NGELIS CHA RIOTS OF FIRE 81 10 7,4 7 ,1929 153 CA MEL NUDE 81 13 7,19 7 ,1230 159 A SIA A SIA 82 11 7,23 7 ,0831 165 Y ES Y ESSHOW S 80 10 7,25 7 ,0532 168 MIKE OLDFIELD FIV E MILES OUT 82 15 7,03 733 169 GENESIS THREE SIDES LIV E 82 11 7,14 734 170 RUSH GRA CE UNDER PRESSURE 84 11 7,14 735 175 MIKE OLDFIELD QE2 80 14 7 6,9536 176 RUSH PRESTO 89 10 7,15 6 ,9537 177 MIKE OLDFIELD DISCOV ERY 84 12 7,04 6 ,9438 182 GENESIS DUKE 80 11 7,05 6 ,9139 192 MIKE OLDFIELD CRISES 86 18 6,89 6 ,8840 193 GA LA DRIEL MUTTERED PROMISES FROM A N A GELESS POND 88 9 7,17 6 ,88

LOS MEJORESDISCOS DE LOS 80

El objetivo de esta mi página de votaciones es crearuna lista de álbumes de Rock Sinfónico y similares para quetodos los amantes del género podamos ver como evolucionannuestros discos favoritos y tengamos una referencia válidade, espero muchas personas con parecidos gustos musicales,a la hora de comprar nuevos discos.

Si no han salido discos que esperabas ver aquí puedeser cuestión de diferencia de opiniones o que aún no hansido votados lo suficiente para que la media compensadaadquiera un valor medianamente alto. Ya sabéis, colaborad yla lista será cada día más perfecta y representativa.

Para votar simplemente me mandáis vía e-mail unalista de todos los discos que queráis votar con la nota de 0 a10 al lado. Hay unos criterios de puntuación para garantizarel mismo peso específico a cada votación:

1. El 10 corresponde al los albumes que consideréisperfectos, sin una sola canción que no os guste o que flojee.Lo mejor es no poner más de uno en la lista, a no ser quecreáis que existe más de un álbum perfecto. Sólo admito tresdieces como máximo. ¡Reservadlos para vuestros nº1!.

2. El 5 marca el aprobado, es decir, los albumes pordebajo no os gustan.

3. El 0 no creo que lo pongáis a no ser que un disco osrepatee los hígados. No votar ceros para castigar un discoque no os guste. Para llevar un cero ha de ser tanto de unacalidad musical ínfima como sentimentalmente ofensivo.

4. Lo mejor es intentar votar solo los discos que te gustanpara ser mas objetivo y no perjudicar con votos de castigo aotras personas a los que sí les gusten.

Para no tener que escribir la lista de discos, os podéis bajarde mi web una lista en el formato que elijáis de todos losdiscos votados hasta el momento con lo que os facilitarámucho la operación. Sólo hay que añadir las notas y los discosque no estén votados aún.

José Sahagún ParejaMail: [email protected]

Dirección Web de votaciones: http://www.arrakis.es/~quicios

26

N O V E D A D E SN

OV

ED

AD

ES

Críticas de discos de «reciente» aparición a cargo de nuestra redacción y equipo de colaboradores

*1+4@.*��3',.�� (,+(� /+3� L'2�/* ,'.)'�/�,34+,.*5�� G��

Por su habilidad para recuperar los elementosmás genuinos del rock progresivo actualizadosal contexto de los noventa, por sus nadacorrientes dotes para la composición (loatestiguan sus trabajos en estudio) y suincontestable dominio de la instrumentación ylos arreglos, considero a Spock’s Beard la mejor

banda del género surgida en los noventa y puntoclave para reconectarse/ reconciliarse con elmismo. Meses antes de la aparición de su nuevoálbum Day for night, nos llega From the vaults,un compendio de rarezas (no muchas), temasen directo (no muchos) y demos (un montón),dirigidos a los “beardies” (como sondenominados sus fans). From the vault se abrecon Stratus, instrumental inédito de línea Rythm& Blues, aire de jam session y ejecución perfecta.Into fire (bonus track en las ediciones japonesasde Kindness of stangers) esun tema que recoge, sobre todoen lo vocal, todos los clichés ytópicos del heavy metal.Cantado por el teclista RyoOkumoto, se hace necesarioechar mano del libreto paraentender que Into Fire essimplemente una broma acosta de estos mismos clichésy que los músicos se pararontoda la grabacióndescojonándose de risa. En fin,visto con sentido del humor esotra cosa (musicalmente sóloretener la sugerente intro y losfondos de teclados de Ryo). Lesigue una versión en directo deWaste away, uno de sus temasmás comerciales (igualmenteexcelente), precedido por unfragmento del tema de HendrixFire (“para hacerlo todo másinteresante”, dicen). The light- Home demo inaugura unaserie de versiones previas detemas de sus dos primerosálbumes. Aunque la calidad del sonido no lleguea la altura de las versiones definitivas, no lasdesmerecen en absoluto. En el caso de The light,la composición estaba ya de lo más tramada,

con lo que sólo se perciben algunos cambios enlos arreglos y pequeños detalles. Tras The lightnos encontramos con una especie de sesión dobleThe doorway, la niña de mis ojos en lo referentea los temas de Spock’s Beard. En primer lugarse incluye un fragmento en directo, con elintermedio instrumental a la acústica, diferentede la grabada en el estudio y sin duda unamaravillosa lección de estilo por parte de AlanMorse. Pero hay que reconocer que de estamanera, aislada del resto del tema pierde fuerzay parte de su sentido (¡tacaños!). Paracompensarlo, el siguiente tema es la demoíntegra, en la línea de lo comentadoanteriormente en referencia a The light. Y másde lo conocido. Una versión ligeremante másacústica de Waste away, pero Waste Away al finy al cabo (sí, otra vez). Y más demos: ahora es elturno de la yessística Walking on the wind(procedente de las sesiones del gran Beware ofdarkness), con ligeros toques jazzísticos y unsolo de teclados auténticamente refescante. Ypara finalizar Go the way you go, demo de untema de su primer album que sé que haenganchado a más de uno a los Spock’s Beard.

Un conjunto, en suma, no exento de interéspero donde las novedades escasean, el materialinédito es mínimo y que recomiendo a aquellosque ya posean toda su discografía y tengan elmono. En otro caso, os dirigiría en primer lugara cualquiera de sus álbumes en estudio. El monovendrá después. (***. Toni Roig)

4� )L3� �+�'� � M� +� )L3,��'@3('� �,'��3,�+4@-� L3,-�'*�(2*)45��

El título de este nuevoproyecto de la factoríaNolan, del que ya noshabló en la primeravisita de Arena aBarcelona, en 1996,toma su nombre de unpoema de Lewis Carrollsobre una bestiamedieval a la que seenfrentará un jovenhéroe (sí, la historia ossonará familiar). Dehecho, este mismo temainspiró hace ya veinteaños un desmitificadorfilm de humor salvajecon miembros de MontyPython del mismo títuloen inglés, aunque aquí setradujo como “La bestiadel reino”. En estaocasión, una voz ilustre,la de papa Wakeman,recita fragmentos delpoema original a lo largode un álbum repleto de

colaboradores en un casting completado porTracy Hitchings, Bob Catley (la voz deMagnum), Peter Gee, Peter Banks, JamesPlumridge, Paul Allison y Tony Fernandez.

En un tono que podríamos definir entre Viaje alcentro de la Tierra (por los pelos), el neo-progde calidad estilo Arena y los Ayreon de Intothe electric castle (el concepto esta estructuradoy presentado de forma similar), Jabberwockytiene a su favor una notable variedad estilística,la cada vez mayor atención al detalle de Nolandesde su doble faceta como músico y productor,su tono de opereta y su sano sentido del humor(aunque bien distinto del de la película).Afortunadamente, Nolan ha sabido evolucionaren sus proyectos en solitario desde los tiemposde Shadowland o Strangers on a train. En elotro lado del balance, siendo justos, algunosmomentos de orquestaciones sintetizadas me hanhecho revivir mis reticencias hacia los álbumesbasados en teclados (no lo puedo evitar, medistancian de la música). Y en cuanto a TracyHitchings, nuestra chica sinfónica por excelencia,se muestra muy implicada, pero nunca me haconvencido como cantante (sólo hay quecompararla con el prodigioso trabajo vocalfemenino de la propia Into the electric castlepara más detalles). Del contenido, podemosdestacar temas como Overture y Coming totown, que abren y marcan el tono general delálbum, The forest, con un coro en el que nosencontramos a John Mitchell y John Jowitt(¡lo que se debió partir de risa el individuocantando en latín!), Enlightment o algunosmomentos de A call to arms. Un válido aperitivode lo que debería ser un apetitoso año para elprogresivo británico. Crucemos los dedos. (***.Toni Roig).

%!=�%#�<%I((�3��/�01��+121�3��09I' I3(�I"��7�!=��4!=I��LMM*2

No descubro nada nuevo si digo que RobertFripp es probablemente el guitarra másinnovador del ámbito sinfónico-progresivo.Además de liderar a uno de los grupos que mejorencarna el concepto de rock progresivo, King

Crimson, su carrera en solitario y sus múltiplesproyectos se han adentrado en terrenos pococonocidos. Además, ha desarrollado losdenominados frippertronics y soundscapes, dostécnicas “para hacer un montón de ruido conuna guitarra”, según menciona él mismo. Losfrippertronics consisten en una guitarraconectada a dos grabadoras Revox unidas, demodo que una nota grabada en la primera

27

N O V E D A D E S

máquina es tocada un poco más tarde en lasegunda que, a su vez, es de nuevo recogida porla primera y tocada de nuevo más tarde por lasegunda, etc. De este modo, acumulando notas,se consigue una paleta de sonidos espectacularcon el empleo de una sola guitarra.

Los soundscapes son la evolución natural delos frippertronics. En este caso, las dosgrabadoras Revox han dejado paso a cuatrounidades digitales de retardo TC2290, quepermiten un retraso máximo de 64 segundos,por lo que el tiempo entre la primera audiciónde una nota y su repetición es aproximadamenteun minuto. El retraso, sin embargo, es variable,por lo que un tema puede empezar con un tiempode repetición corto, con notas que se retrasanmuy poco, para evolucionar a tiempos más largosposteriormente. Las grabaciones de soundscapesson improvisadas, con Fripp controlando yreaccionando al output de las unidades deretardo. Según sus propias palabras, “lossoundscapes se basan en el retraso, la repeticióny el riesgo” y son “improvisados y regidos porel tiempo, el lugar, la audiencia y la respuestadel músico a ellos”.

The gates of paradise es el quinto disco desoundscapes que ha editado Fripp. Losanteriores, Radiophonics, A blessing of tears,That which passes y Pie jesu, están musical ytemáticamente relacionados entre sí. En primerlugar, presentan la evolución natural de lainvestigación del líder de King Crimson. Ensegundo lugar, tratan sobre “la búsqueda paraentender cómo la inteligencia y la música, ladefinición y el descubrimiento, la cortesía y lareciprocidad, pueden entrar dentro del acto dela música”.

En este sentido, el trabajo que nos ocupa secentra en la redención y es, como puedeadivinarse, totalmente instrumental. La música,para definirla de un modo más o menoscomprensible, es una amalgama de sonidos queda forma a extraños ambientes, de unaestaticidad y expresividad únicos. El disco estádividido en cuatro partes, de las cuales la primeray tercera tienen el mismo título, así como lasegunda y cuarta. El primer corte, “The outerdarkness” está dividido en diez temas. Lamúsica que contiene es estremecedora,abigarrada, con constantes cambios de tensióny subyugante, muy subyugante. Nos “habla” delas oscuridades de la mente y, en algunos pasajes(los titulados “Wailing”) puede ponerte los pelosde punta, pero de terror y angustia. No es untema apto, ni mucho menos, para poner ennoches tenebrosas a personas que padezcan delos nervios.

La segunda parte, “The gates of paradise”,nos sumerge en el recogimiento y laautoreflexión. Es un tema sosegado, aunque noexento de cierta tensión subliminal, dividido endos partes. La primera es maravillosa, coninflexiones en los soundscapes que maravillan,mientras que la segunda es la paz absoluta yeterna. ¡Qué belleza! El tercer corte, otra vez“The outer darkness”, es la expresión mismadel terror. De veras que pego un bote de la silla

cada vez que escucho el tema, sin llegar aacostumbrarme jamás. Lo dicho para la primeraparte del disco es aplicable aquí, pero de un modoincluso más radical. En efecto, los soundscapesson radicalmente angustiosos aquí, reflejandolas dudas y los temores del artista.

Finalmente, de nuevo “The gates of paradise”cierran el disco con una serenidad subyugante.Aquí Fripp es más experimental en el sentidode recoger más sonoridades que en los anteriorestemas (ese piano creado vía MIDI, por ejemplo).Una buena conclusión de un excelente disco queno se puede adqurir sin una audición previa (sies que no conocéis los soundscapes). No digáisque no os he avisado. (****) Jaume Pujol

#>��.!%"�#%I!� 3��/��4�2(�23� +,15�61��

7�/1(��(0'&�"'R��$"IR$4�LMM,2

The Zorn Trio es un excelente trío(evidentemente) de música clásica formado porLars Hägglund (piano), Joachim Gustafsson(violín) y Peter Schoening (violonchelo). Sus

origenes se remontan al año 1985, cuando lostres componentes decidieron unir esfuerzos paradedicarse a la interpretación de la músicaromántica. La formación realizó innumerablesgiras hasta 1988, año en que sus miembrosdecidieron separarse para concentrarse en susrespectivas carreras.

Sin la intención de reagruparse, la bandaparticipó con su nombre oficial en la grabacióndel descomunal The voyage - A trip to elsewherede los increíbles suecos Isildurs Bane. Susinterpretaciones fueron, como siempre,soberbias, lo que no es de extrañar dada lareputación de los tres músicos. Finalmente, en1995 se inició la nueva etapa de la formación,esta vez con el objetivo de dar a conocer elrepertorio menos conocido de la músicaromántica de finales del XIX.

Habiendo contextualizado este disco que ospresento, grabado hace algún tiempo, podemosempezar a desgranarlo. Su contenido es demúsica clásica moderna para trío, por lo quenadie se espere un disco de rock sinfónico-progresivo. Aquí tenemos piano, violín yviolonchelo, y nada más. El interés del discoestriba principalmente es el gusto romántico querespira, en lo realmente bien que lo hacen los

músicos y en su relación con Isildurs Bane y,más concretamente, con su líder MatsJohansson.

Así, el trabajo contiene interpretaciones demúsica compuesta por éste, y está dividido endos partes. La primera, “La rûche”, contiene 8temas (estudios) que oscilan entre el minuto ycincuenta segundos y los tres minutos ventisiete.Se trata de música muy bien tocada, quieta yreposada, y de alta sensibilidad.

Sin embargo, lo mejor del lote está en lasegunda parte, que está compuesta, nada más ynada menos, por versiones de cuatro temas delcitado The voyage. En concreto, podemosdegustar “The adventure of whirlingdelirium” (vigorosa y con excelentes texturas),“A telescope and a hot air balloon” (delicaday quietamente naïf), “Wild as a toat” (conbuenos cambios) y “Magnificent giant battles”(muy misteriosa y subyugante).

Como ya habréis adivinado, este en un discopara dos tipos de público. En primer lugar, paralos amantes de la música clásica romántica enversión trío, y, en segundo lugar, para losprogresivos que conozcan la obra de IsildursBane, principalmente el The voyage. Insisto,este no es un CD de rock sinfónico-progresivo ala usanza, pero es muy bueno. (****) JaumePujol

1'��'*��3'/�/+3�.,2(� 1'��'*N(41*12�� )*+)�-5�� G��

Finalmente. Tras doce años escurridizos, apesar de reediciones en CD, colaboraciones enrecopilatorios, cintas con temas inéditos o endirecto y tras diversos anuncios, retrasos,cambios…. llega el nuevo álbum de Pallas (sincachondeo). La formación es más o menos la de

toda la vida, o sea Alan Reed a las voces, NiallMathewson a la guitarra, Graeme Murray albajo, Ronnie Brown a los teclados (MikeStobbie mantiene una buena relación con labanda pero no se ha implicado en la grabación)y presenta como única novedad al muy eficienteColin Fraser a la batería. Tras un primeraescucha la pregunta es ¿Realmente ha pasadotanto tiempo? Y es que Beat the drum parte,

LU

NA

R

NE

WS

28

N O V E D A D E S

como ya avanzamos en nuestro número anterior,de donde se quedó The wedge. Incluso variostemas, como Hide and Seek, Man of principles,Ghosts y All or nothing, son conocidos por elaficionado a través de antiguas versiones de laañeja cinta Sketches. Por lo tanto, primeraapreciación importante: Beat the drum es unamirada a estos doce años de silencio prematuro,donde se mezclan temas nuevos con otros quehan ido madurando y evolucionando con eltiempo. Como entonces, Alan Reed sigueteniendo aquel toque único entre teatral y airado,y la música mantiene aquella profunda cargaenergética 100% rock (en este sentido, bandascoetáneas como Marillion o IQ demostraron sermás versátiles).

Al igual que otras bandas que comoPallas han pasado de la atención de la industriaa una involuntaria independencia, el control delos mújsicos sobre su obra es total. En este caso,el guitarra Niall Mathewson ha ejercido deingeniero de sonido y productor junto con elbajista Graeme Murray. Se ha substituidoaquel sonido recargado de The wedge yKnightmoves por otro más nítido, donde cadainstrumento asume de forma natural su justolugar, con un uso más racional de lossintetizadores y mayor presencia del piano. Esosí, la austeridad en los arreglos no ha sido nuncauna característica de Pallas. Lejos de la presióncomercial de antaño, Beat the drum seestructura en equilibrio entre baladas como Allor nothing, el inicio de Beat the drum o Bloodand roses con temas más genuinamenteeléctricos como Call to arms, la segunda partede Beat the drum, Hide & Seek (que recuerdapoderosamente los Rush de Power Windows oHold your fire), Man of principles o Ghosts.

Ciertamente, Beat the drum se correspondemilimétricamente a lo que se podía esperar deun nuevo álbum de Pallas, ni más ni menos, sino tenemos en cuenta el largo lapsus de tiempo.Quien esperase un paso más allá o un retorno ala épica de The sentinel se sentirá decepcionado.¿Un nuevo caso para interrogarse sobre lainnovación del rock sinfónico? Quizás, peromientras tanto, ¿Por qué no disfrutar de lo muchode positivo de un álbum que en una convenciónde falsificaciones progresivas sería delatadoinmediatamente por auténtico? Y es que haycosas que se llevan en la sangre. (Para yaconvencidos ****. Para escépticos ***1/2. ToniRoig)

)&��/+3��+*/�'//)4� -315��

Si esto es 1999… Tenemos nuevo disco deIQ. Pocas bandas cuidan tanto sus lanzamientosdiscográficos como ellos, demostrando unrespeto y un aprecio poco común hacia sus fans.Tras aquella majestuosa regrabación de Sevenstories into 98, ahora le toca el turno a unarecopilación de rarezas espaciadas entre 1983 y1999 (¿donde lo ponemos, en novedades o en lamáquina del tiempo?): temas inéditos pensadospara Subterranea, temas incluidos en singles delclub de fans, Radio Shows, maquetas de temas

inéditos, contribuciones pararecopilaciones…Todo perfectamente(re)masterizado y con unas excelentes notas enel libreto obra de los propios músicos. Si a estoañadimos una portada diseñada por PeterNicholls que remite directamente a Tales from

the lush attic, queda claro que se trata de unaadquisición obligada para fans de la banda yaficionados en general.

Obviamente, el interés de unas grabacionestan distantes en el tiempo es diverso, pero engeneral se trata de piezas espléndidas. Tenemosdos temas descartados de Subterranea: Theuniversal scam y Eyes of the blind (con unacalidad musical comparable); la preciosa demoWinterfell, pensada para su álbum debut, Hollowafternoon ofrecida en su versión original de 1984y una reciente nueva grabación; la impagableBarbell is in (de acuerdo, es pachanguera, perotiene su gracia), una versión de Fascination de1988, con la voz del olvidado Paul Menel, yuna compacta sesión para el BBC Friday RockShow, de 1984, que incluye Awake and nervous,Just changing hands y Widow’s Peak. Tambiénen un lugar destacado se hallan temas que hanestado en algún momento disponibles en CD,como NTOC Resistance (en el libreto se desvelael significado del curioso título de este tema delínea más hard de lo habitual), Apathetic andhere I (contribución al homenaje al desaparecidoGeoff Mann, que particularmente me pone lacarne de gallina) y la versión en estudio de lasección central de The last human gateway muysimilar a lo incluido en Forever live (sigo conla carne de gallina). Finalmente, dos temas demenor interés: The bold grenadier, un tematradicional cantado por Menel con una letrarealmente hortera (sentido del humor británico)y My legs, o lo que podían hacer en 1983 ungrupo de músicos una tarde de aburrimiento conun tubo de cartón y manipulando la velocidadde su grabadora portátil (no os cuento más, esmejor que lo experimenteis por vosotrosmismos). En definitiva, un recorrido por la másdiversas y fascinantes caras de IQ. Esperemosque nos sigan cuidando tan bien en el futuro.(****. Toni Roig)

/'�-�3� 3.-3� O� !"#$"� .3�3,)2(� ,34+,.*

� G�

Este grupo noruego fue formado oficialmenteen 1982, aunque ya llevaban cuatro años derodaje bajo diferentes nombres. Su primer largaduración fue grabado en 1989 bajo el nombrede In search of a new dawn, y recogía todossus años de experiencia musical y sus primerasproducciones en forma de maquetas, demos, etc.Las críticas de este disco fueron entusiastas,enalteciendo la propuesta de mezclar psicodelia,progresivo setentero, influencias arábicas y tintesétnicos, lo que llevó a que se llegara a agotar lasegunda edición del trabajo. Cuatro años mástarde, en 1993, salió su disco más aclamado conel título de Eulogy. Las fuentes seguían siendolas mismas, pero el álbum era mucho másmaduro que el primero y más arriesgado.

En 1997 nos ha llegado el tercer disco deestudio de los noruegos con un nombre querecuerda trabajos eternos de otros miembros delclan sinfónico-progresivo (Anthony Phillips &Harry Williamson). Tarka es un trabajo quesigue las directrices señaladas en los dos trabajos

anteriores y, como ellos, es un trabajocompletamente instrumental que podría pasarpor una suite única pero que, en realidad, estácompuesto por una sucesión de temas sin límitesdefinidos entre sí. Progresivo, mucha máspsicodelia, énfasis en lo étnico y, quizás, menosarabismos, aunque ahora con influencias jazzy,la música de Tangle Edge ha evolucionado sinquemar al grupo, que sigue trabajando muchosus discos y prefiriendo la calidad a la cantidad.Quizás por ello los ha acabado fichando el selloDelerium de Steve Wilson, el más grande dePorcupine Tree.

La música de esta banda te transporta a otrosmundos, extraños, huecos, corrosivos en algunoscasos. El sonido, sin embargo, no esexcesivamente potente, y juega con losambientes y sensaciones y la combinación deinstrumentos. Hay que decir que el guitarristaes inconmensurable, así como la sección rítmica.No es que el bajo sea malo, simplemente seadapta a sus compañeros, por lo queprobablemente se le podría animar a asumir másriesgos e, incluso, a improvisar en algunospasajes. La música lo permite. También podríanañadir un teclista a la formación, ya que piensoque contribuiría a expandir el abanico deambientes que se ofrece.

29

N O V E D A D E S

Resumiendo, un buen trabajo en su ondamusical. Muy recomendable para los seguidoresde la head music, el space rock, la psicodelia yel progresivo más temprano y demente. (***)Jaume Pujol

/3� � , )�� )�.('� � '2/+1,+.24).+ 5� H�

Un debut relajado y bastante inofensivo de unabanda californiana formada alrededor de loshermanos Francis (Ivor y Kenneth) y Strauss(John y Paul). Promocionados en algunoscírculos como los nuevos Saga, si se me permite,por mis horas de rodaje en el tema, os puedoasegurar que cualquier parecido es meramentesuperficial. Las voces pueden tener algún levepunto de contacto, pero nada que ver con losmatices expresivos de Mike Sadler (el únicocantante con quien he visto una similitud enfondo y forma con Sadler es Oliver Philipps,de Everon). En cuanto a la música, algún nímiodetalle en la percusión, en la tendencia a lostemas cortos (en el caso de los canadiensesaprovechados al máximo, en Ten Jinn no es elcaso) y un cierto equilibrio entre teclados yguitarra (muy apagada en este álbum)… peronada más. Se trata de un producto limpio, seguro,sin riesgos, un neo-prog a la americana másdeudor de Grey Lady Down (a estos sí que me

recuerdan) que de Spock’s Beard. Un CDentretenido y sin complicaciones, del quepodemos destacar pasajes de Rainbow’s moon,Forever Young, Full Moon, algunos destelloseléctricos (¡por fin!) de Endings, y la prometedoraI know, con una buena presencia al piano, peroque se acaba justo cuando todo parece preparadopara un crescendo instrumental. No esdescartable que un futuro sea una banda de ciertaentidad, pero queda camino por recorrer. (**.Toni Roig)

/)�3*�� 1,3*3�/*�+(�()�.� )�*).3� +2/5� ��

Tercer y nuevo intento de la bandacanadiense de reactivar el rock de su país, entreel heavy el progresivo, con este Presents of mind,producido por Tiles y Chris Adams y mezcladopor el viejo conocido Terry Brown, manoderecha de Rush en el pasado y que sigue

aportando su experiencia a pulir el sonido deTiles.

Static, que abre el álbum y Modificationsiguen respetuosos con la musa de la banda,aunque apostando por una línea más personal(ayudado por la presencia de Pat deLeon ensustitución de Mark Evans, este último más delínea Neil Peart que el primero). Sigue la fuertepresencia del bajo de Jeff “Lee” Whittle y los

malabarismos a la guitarra del cerebro de TilesChris Herin. Este es la estrella principal de labreve instrumental Crossing Swords, que da piea Facing failure, con tintes autobiográficos ycuriosos giros finales. The learning curve es unode lso temas más redondos de Presents of mind,sintético y en el centro de la diana. Ballad of thesacred cows es un largo torbellino instrumentalde múltiples caras, todo un despliegue de buenhacer por parte de Herin. Otra instrumental,The sandtrap jig, es una miniatura de maestríaa la acústica, tras la cual aparece Taking control,con breves pasajes de banjo y mandolina trasuna muralla electrificada, en una canción sobreel compromiso y la dificultad de tirar adelante.Safe procedures supone una recarga de energíamoral denunciando la dependencia de la ley deldinero y una descarga de energía eléctrica en unfinal antolótico. Finalmente, Reasonable doubtes una nueva aproximación al formato suite, quesin ser nada del otro mundo mejora el anteriorintento de Fence the clear, tituladoCheckerboards. Remarcable es su intermediocon violin, que promete llevar el tema por nuevoscaminos, pero no llega a satisfacer lasexpectativas. Tiles siguen manteniendo unadigna carrera, aunque todavía no han conseguidodar el salto hacia obras de más alto nivel, demayor variedad y complejidad compositiva. Desuperar este umbral y tomar el control omantenerse en un cómodo pero peligrosoestatismo nos hablará el futuro. Aunque existanalgunas dudas razonables, también tenemospruebas de cómo unas mentes sabias como lasde Tiles nos pueden obsequiar aún con más deuna sorpresa. (***. Toni Roig)

.34+,-'+� P� I('��.',@��'/3,*J� � E(3/'��'.3�

Gracias a bandas surgidas en el norte deEuropa, los amantes de la buena música tenemosun eficaz bálsamo para protegernos de la

mediocridad anglosajona. De Finlandia,concretamente, es de donde provienen losjóvenes componentes de Decoryah, un grupocuyas buenas artes empiezan a crear expectacióndentro del mundo progresivo gracias a su música,una mezcla entre oscuridad, vanguardia yexperimentación aderezada con texturasatmosféricas. Jukka Vuorinen (voz, bajo,guitarras y teclados), Janni Kakko (guitarras) yMikko Laine (batería) se han rodeado de un granelenco de colaboradores (coros femeninos,violines y demás instrumentos clásicos), paradar rienda suelta a su imaginación compositivay parir este extraordinario Cd.

“Fall Dark Waters” es una obra oscura,intimista e hipnótica. Carece casi por completode partes cantadas, llenando ese huecodesgarradores violines, melancólicos pianos ypreciosos coros. La sensación al oir el Cd es lade estar tumbado en una onírica pradera, con elsonido de las cascadas y evocadores cantos desirena. En cuanto a los temas presentados, éstosaparecen de muy distintas maneras; desdeadagios in crescendo como “Some Drops Beyondthe Essence” o “Endless is the Stream” querecuerdan a Pink Floyd; a toques de las B.S.O.de Nyman con Greenaway en “She Wept in theWoods”. Incluso el dramatismo crimsoniano yla vanguardia más arrolladora asoma en “GloriaAbsurdiah”, un genial lamento fúnebre cuyoslastimeros arreglos de cuerda ponen la carne degallina. En este último tema, podemosencontrarnos con una última parte instrumentalaltamente vanguardista y arriesgada, por lo que

se abre una pequeña puerta hacia otro tipo deexperimentaciones encaminadas a indagarnuevos sonidos.

La aparición de Decoryah supone otra de lasgrandes esperanzas dentro del rock sinfóniconórdico en su vertiente más descriptiva yexperimental. Un gran bocado que satisfará lospaladares más exquisitos. Si con su juventudson capaces de esto, su ascenso al Olimpo estágarantizado en el futuro (***1/2.AlfonsoAlgora)

.34+,-'+�P�I�,3'/+)�-�/+3��23J� � H(3/'��'.3�

“Respirando la melancolía”: el título lo dicetodo. Tras su “Fall Dark Waters”, y quizás para

LU

NA

R

NE

WS

30

N O V E D A D E S

no tirar por tierra un buen momento de forma einspiración, Decoryah se pusieron manos a la

obra para sacar a la luz este mini-Cd de 25minutos. Los 5 temas presentados mantienen lalínea iniciada con los de su anterior Cd, aunquehe de recalcar que se nota que las composicionesson de la misma época y probablemente seandescartes de las sesiones de “Fall-Dark Waters”

En cuanto a los temas, destacar “Once”, unamelodía casi épica y con un cierto tono demelancolía; la etérea “Beneath a Clouded Mind”;y la instrumental y majestuosa “Swinging Shapesat a Lake”, una maravilla de tema en el que,sobre una base completamente sintetizada, elgrupo desarrolla toda su versatilidad durante casi8 minutos, finalizando con una amplia parte enla que los coros y las orquestaciones tiran deespaldas al oyente.

Pese a bajar un poco el listón (bastante alto depor sí) de “Fall-Dark Waters”, sirva lo expuestopara confirmar la dirección adoptada por losfinlandeses en su anterior trabajo, y la esperanzade encontrarnos en el futuro con obras, por lomenos, tan buenas como estas (***. AlfonsoAlgora)

4+,+('� @3-� O� I.3'.�' ), � (+,� ,'.)+*J 3()P� G�

Esta claro de Kevin Moore era algo más queel teclista de apoyo de Dream Theater;

primeramente se confirmó con su marcha deéstos y su incorporación a Fates Warning, cuyo“A Pleasant Shade of Gray” le da cien vueltasal “Falling to Infinity” de los Theater. Pues bien,no contento con demostrar que su figura es capaz

de imprimir más calidad a un grupo, Moore sedestapa con un proyecto en solitario en el queejerce las labores de compositor, vocalista yteclista .

Si bien “Dead Air for Radios” no es un Cd derock sinfónico “al uso”, si podemos atisbar lasinfluencias personales de Moore plasmándolasen un puñado de temas con influencias tandiversas como Rush (los más tranquilos), PinkFloyd, Talk Talk o incluso la etapa berlinesa deBowie. Las composiciones no exceden de 5minutos y yo las catalogaría como un popinteligente (¿”popgresivo?”), oscuro y mecánicosimilar a lo que nos presentaron Radiohead consu “OK Computer”. Sorprende la cadencia vocaly la potencia de la producción en cuanto a labateria, sobre la que se desarrollan ritmospausados construidos sobre inteligentes basesde piano y teclados. Quizás lo más flojo de laaudición sea que la estructura, junto a la linealvoz, de los temas sea bastante similar, haciendoque se parezcan entre sí. Con todo, es un Cd deagradable asimilación y de tranquila escucha.Obviamente, Derek Sheridian no compondríaun Cd igual aunque viviera 1.000 años, bastantetiene con cardarse el pelo a diario. (***. AlfonsoAlgora)

(�3(+ �O�(�3(+ � 4.�'2/+1,+.24).+�� G�

Atención: tenemos nuevo grupo sinfónicoprogresivo en nuestro pais. Mnemo son 5chavales madrileños que están dispuestos a darque hablar con su homónimo primer Cd.

El grupo, con un line-up habitual entre los delgénero (guitarra, bajo, teclista, bateria y voz)cuenta con una base rítmica contundente yprecisa que, pese a no hacer demasiadasflorituras las cuales a veces sobran, cumplen consu papel de forma más que notable. Sobre estasección rítmica descansa el auténtico espíritude Mnemo: la guitarra y los textos. La guitarrade Cesar García Forero juega con los sonidoshaciendo que uno se sorprenda por la calidadexpuesta por un chaval de sólo 22 años y que escapaz de sonar más a Rothery que el Rotheryactual, y además poder encontrarnos con fraseosa lo Fripp, Latimer o Hackett. Por otra parte, lalabor de Carlos Garcia Forero en los textos(deberían incluir a este hombre como miembrodel grupo) es ciertamente genial, ya que pocasveces he escuchado letras tan evocadoras, críticase inteligentes como las de Mnemo, con una cargapoética ciertamente sobresaliente. Para finalizarsobre los miembros del grupo, la labor de JuanMiralles a los teclados realza la capacidadmusical llenando los huecos con una granimaginación, mientras que la flauta invitada deJorge Calvo (Ñu) saca los tintes más líricos delgrupo, pareciéndose más a Ian McDonald que aIan Anderson. El punto flaco de Mnemo, a mimodo de ver, es la voz del cantante, la cual, pesea ser muy potente y estar perfectamentemodulada, la veo muy standard y con pocapersonalidad. En otro tipo de grupos quedaría

perfecta.Por lo que a los temas incluidos se

refiere, la música de Mnemo se asemeja a la deMarillion (etapa Misplaced a Season´s) pero sincaer en los tics neoprogresivos que hoy en díaimperan, puesto que son evidentes las influenciasde todo tipo de progresivo (desde UK a KingCrimson), llegando a veces a experimentar conlos sonidos, ritmos y efectos (ojo a los 6:10 de“Camino del Sol”). Los temas más destacables,por sinfónicos, del Cd son los compuestos porCesar García, sobresaliendo la citada “Caminodel Sol”, “Calmanía”, la marillioniana “LasPuertas Esceas”, la delícada pero potente a lavez “En el Agua” o el corto ejercicio de guitarraacústica “Coram Me”, con unos efectos muyFrippianos de fondo. Por otra parte, y parasatisfacción de los oyentes más decantados hacialos sonidos más americanos, tenemos lascomposiciones de Victor García Delgado (bajo);temas como “Mendíganos” o “Mi Arma” (elpunto más bajo en cuanto a las letras ya que esmuy similar a “Jeremy” de Pearl Jam) tienenuna onda más tirando a Kansas y al pomp-progque al sinfónico europeo, pero son igualmenteefectivos y no desentonan nada con el resto deltrabajo, ya que la tendencia de los 12 temas delCd se inclina hacia el sinfónico de toda la vida.

Por la juventud del grupo y la de suscomponentes, creo estar en disposición deasegurar que Mnemo tienen por delante unaprometedora carrera porque creatividad hay desobra. De momento, están intentando contactarcon alguna compañía para que les distribuya suCd. Dadles una oportunidad y no os defraudarán.Para contactar con ellos llamad a Cesar García,Tlf. 917735282 (***.Alfonso Algora)

1'�-'3'� P�I,)/3*�+(�1'**'-3J� +',-'.3)�P� E�

Nueva, que sepa, banda canadiense formada

por 5 jovencísimos músicos dispuestos a intentarcomerse algo dentro del difícil camino delsinfónico. Antes de nada, y para atenuar la crítica,me gustaría incidir en lo apuntado ya que hemosde aplaudir los nacimientos de grupos de nuestroestilo.

Lamentablemente las ganas no lo es todo enla vida y Pangaea han tocado hueso con el Cd.

31

N O V E D A D E S

Sin profundizar ni entrar a valorar sus canciones,la producción es sencillamente horrenda, conunas deficiencias en el sonido que no se puedentolerar en ningún caso y menos en el rocksinfónico, donde la exaltación de lo exquisitodebe primar. Las guitarras suenan excesivamentehuecas y la bateria posee una crudeza como sise hubiera grabado en un garaje (ojo!, el sonidode los platos puede perjudicar seriamente eloido). Lo curioso del caso es que el Cd vieneproducido por un tal Robert Berry, que esperoque sea coincidencia con el Robert Berry de“Three” y “Hush”, ya que el colega se ha lucido.Para continuar con las generalidades, la portadaes feísima (nº1 de caquitas at an exhibition sinduda) y parece hecha por un niño.

En lo que respecta a los músicos, su calidadmusical es proporcional a su bisoñez. Hay queresaltar la espantosa voz del cantante (reios delos gallos de Fish), por lo que se deberíanreplantear una reconversión en el seno del grupo.Las influencias que corren por el Cd tampocoestán nada claras, ya que Pangaea se muevenentre unas estructuras “clásicas”, algo difícil dadala técnica mostrada, pero con el punto de miraapuntando al mercado, cosa más chunga aún.Lo curioso del caso es que, por lo dicho, este Cddebería ser facilmente olvidable ¿no?, pues no;pese a las limitaciones musicales del grupo, estoschicos no tienen malas ideas, por lo que temascomo The Ship”, “Navigator” o la suite “TheTraveller”, dividida en tres partes, se dejan oirsi no se tiene en cuenta el pobre sonido ni la vozdel cantante. También se ha de agradecer la“hidden track” escondida al final del Cd, unmedio tempo in crescendo con un finalinstrumental similar (y subrayo similar) al finalde “Images I” de Saga; una gran cancióndegollada nuevamente por la voz del cantante.

Obviamente no recomiendo la compra del Cd-esa idiotez ya la he cometido yo por vosotros-pero no viene mal tomar el pulso al sinfónicoque practican los grupos noveles sin caer en elneo-prog. Si quereis ser cantantes o productores,la escucha del Cd también os puede servir parasaber como NO hay que cantar o producir.(**.Alfonso Algora))

B��"3(I�%%��% �"�3��18,�19(:;04$'��

%� !%9'�LMM*2

Este músico fue el guitarra y líder de Sandrose,banda francesa que lanzó un buen discohomónimo a mediados de 1972 con un sonidosimilar al de los holandeses Earth & Fire. Estoquiere decir que su música estaba caracterizadapor unos notables teclados, unas buenas guitarrasy una excelente voz femenina solista. Sandrosese disolvió poco después de su primer y únicolanzamiento y Jean-Pierre, como buensinfónico de pro, no abandonó su camino y editódos álbumes instrumentales un tiempo después.El primero, titulado con su nombre, salió en1978, estando orientado a la guitarra ycombinando la fusión y el sinfónico. El segundo,

denominado Tableau, apareció en 1980, y suscontenidos eran puro rock sinfónico, muyclásicos, elaborados en base a una serie deteclados que el músico se había esforzado enaprender.

Sólo dieciocho años más tarde nos apareceTableau nº 2 y, para empezar, podemos decirque el hecho de no cambiar el nombre principaldel disco no es una mala elección. Este trabajo,como su predecesor, es puro rock sinfónico ytambién está elaborado íntegramente en base ateclados. La música tiene una concepción casiclásica y es muy sensible y delicada, aunque nonecesariamente feliz.

El trabajo está estructurado en cincomovimientos, con tres que rondan los 13minutos, uno de 6 y el colofón final, una suitede media hora, todos ellos de gran clasicismo.La tónica general del disco, sin embargo, no esalegre, a pesar de que hay momentos de unafelicidad “opaca”. La música nos ofreceatmosferas decadentes combinadas conmomentos más dinámicos. Los teclados están,en este sentido, a un gran nivel. Las referenciasmusicales más próximas podrían ser unos The

Enid, Mickey Simmonds, Coda o los Cameldel Dust and dreams, aunque hay que señalarque este disco es mucho más quieto y reposadoque todos ellos.

En resumen, un buen trabajo para losprogresivos de gustos más clásicos al que sóloencuentro dos defectos: la falta de caña enalgunos pasajes (parece que la piden a gritos), yla excesiva duración. Más de 70 minutos de pazy quietud me parecen demasiados. Lo dicho,pues, música para aquellos amantes del sinfónicosensible y tranquilo. (***) Jaume Pujol

('//3,�+(�/'*/3�I4+'/3'2�+�*42,3J� +1(,34+,.*P� E�

Bajo este nombre se esconden laspersonalidades de un nutrido grupo de músicosalemanes amparados bajo los auspicios de FranzWetzelberger, principal compositor, teclista yguitarra del grupo. Amén de este amiguete, nosencontramos con instrumentos tales comoviolines, cellos, órganos, etc..., premisas que nosauguran una, en principio, buena escucha. El

chasco para el sinfónico de toda la vida es quepocas composiciones sobrepasan los 5 minutos,por lo que la pregunta podría ser la siguiente¿estamos ante los nuevos Asia, Saga, o el último

engendro en hard-pomp-neo-prog?. La respuestaes NO. Estos chicos parten de las premisascompositivas y líricas de clásicos como ELP oCamel sin parecerse a ninguno de ellos, sóloque reducen el minutaje de sus canciones paraque pueda ser mejor asimilado por inocentespaladares. No obstante, y siendo sincero, algúntoquecillo neo-prog si podemos encontrarnosescondido entre las composiciones, y másdescarado en “Nightkiller”. Se les perdona.

En cuanto a los temas, he de destacar el queda título al Cd, con un piano muy elegante, la“larga” Seek for Birth (9:30), y una versión deBeethoven, retitulada “Resurrection Song” enla que, tras un delicado comienzo, los músicosllegan a un crescendo donde las influencias ELPafloran a lo bestia. De todos modos, destacaruno sobre otro es algo vano, ya que todos lostemas, salvo “Nightkiller” van en la misma línea.

Con lo dicho, no pretendo convencer a nadiede que este grupo sean una revelación dentrodel mundillo; sólo hay que dar a cada uno losuyo y reconocer que M.O.T. han conseguidohacer un sinfónico semi-purista en canciones delongitud breve para este estilo. Para que os hagaisuna idea: es el tipo de Cd que podemos poner anovias y esposas para que se hagan una idea denuestros gustos, sin caer en la tentación, por esode “no quedar mal”, de ponerles algo de Styx oIt Bites. En definitiva, Matter of Taste se traducecomo “cuestión de gusto”. Pues eso, tu mismo.(***1/2. Alfonso Algora)

'��4�3�P'��4Q�0�$#!(%!9$ IG"�3�LMM-2

Si sois fanáticos de Jethro Tull y osenorgulleceis de que no haya ningún grupo quese les parezca (prohibido citar a Ñu, cutre-grupohispano de cuarta división), aquí teneis unapequeña decepción. Salem son un duocanadiense, de la zona francófona de Quebec,compuesto por Simon LaPointe (guitarraacústica, bajo, flauta y voz) y Louis Pelletier(guitarras), algo así como Ian Anderson y MartinBarre a la canadiense. Estos chavalotes, junto aotros músicos de acompañamiento, se hanpropuesto cometer un crimen musical que lespesará durante el resto de sus vidas. El crimen

LU

NA

R

NE

WS

32

N O V E D A D E S

no es parir un album con influencias a lo Tull, oligeros pasajes inspirados en ellos, sino que loque hacen es un absoluto plagio. Si, Salem sonun calco de Jethro etapa “Heavy horses” o “Songsfrom the wood” por donde lo mires. La voz deLaPointe es tan, tan clavada a la de Anderson(característica voz nasal, fraseos de flauta, etc...),que a veces dudas si realmente es nuestro heroede Aqualung el que se encarga de las voces. Paraque os hagais una idea: le puse el Cd a mi padre,fanático de los Tull desde los 17 años, diciéndoleque era un disco de rarezas de las sesiones delHeavy horses ... y se lo creyó!!.

Afortunadamente, Salem no cometen la herejíade hacer un Thick as a brick 2, basándose lascomposiciones del disco en piezas muy cortas(pocas superan los 4´) y pastoriles al estiloWond´ring Aloud, pero, insisto, aunque lascanciones no estén del todo mal, la personalidaddel grupo brilla por su ausencia.

En definitiva: si pensabais que Starcastle eranun plagio de Yes, o Citizen Cain de Genesis,todavía no habeis visto la cúspide en cuanto aplagios se refiere. De todos modos, todo tienesu parte positiva: compraos el Cd, grabadlo acualquier fan de Jethro por 3.000 pelas con laexcusa de que son unas cintas encontradas en elsótano de la casa de John Evans, y hareis a unincauto el hombre más feliz del mundo. Seguro.(**. Alfonso Algora)

(',/)��.',� )��M�(,)3�.*�P�I/+3�-,3'/3*/

*++��+��3',/+J� (2*)4�+(�� )(3�� G�

Definitivamente a este hombre le debenmuchísimos favores, ya que es poco frecuenteencontrarse en el mismo Cd a gente tan disparcomo Al Stewart (¿recordáis “The Year Of TheCat?), Don Airey (ex -Rainbow), John Wetton,Martin Orford, Mick Pointer, Nick Barrett,David Kilminster (ex Wishbone Ash), JohnJowitt, Kenney Jones (The Faces) o elmismisimo Clive Nolan (bueno, a este tío eramás previsible encontrarnoslo), así como aMoon, grupo de toda la vida de Mr. Darwill. Ungrandioso elenco de músicos y colaboradores queda como resultado... un disco bastante flojito.

Personalmente ya me estoy empezando acansar de esta nueva moda de los proyectospersonales y de las “reuniones de amiguitos”que a fin de cuentas son las pretensiones delprincipal compositor que, en lugar de músicosanónimos, se rodea con nombres de famareconocida. Al igual que el famoso “Explorer´sClub” no era más que otro trabajo de Magellansólo que con otros músicos, “The GreatestShow...” (desde luego el título no podía ser másmodesto) es un Cd de Moon, compuesto yarreglado por Darwill, el cual dista años luz deotras mentes preclaras del movimiento contalento suficiente para docenas de proyectos ensolitario.

“The Greatest Show On Earth” puede ser unCd ideal para el neófito dentro de este nuestropeculiar mundillo, pero que poco o nada dice a

los que hemos taladrado nuestros tímpanos conhoras y horas de música. La temática, para variar,es conceptual y viene arropada con todos loselementos típicos del neoprog (fáciles melodíasvocales, colchones de teclados inofensivos,...),con algún sorprendente toque guitarrero que subealgo la tónica general de las composiciones. Paracolmo, nos encontramos en “Don´t Touch TheMarble” un horroroso tema con un descaradoritmo Ska (¿ska-prog?) que no desentonaría para

nada en un Cd de Madness, os doy mi palabra.Pese a todo, hay buenos momentos como “I WillLove You Forever”, muy a lo Styx; las partescantadas por Al Stewart, más por la nostalgiade escuchar a este viejo zorro que por otra cosa;y la suite final con una duración de casi 19minutos y que cuenta con la participación vocalde John Wetton y con alguna parte instrumentalalgo más arriesgada e inspirada. Por lo demás,lo que aquí se ofrece es un trabajo mediocre,previsible y manido, de esos que salen a docenasy que pasan desapercibidos con toda la razóndel mundo, ya que casi todas las melodías tesuenan a algo ya escuchado con anterioridad.

En fin, reconozco que el camino es largo y lasenda agreste y que no es fácil introducirse en elmundillo sinfónico escuchándose del tirón elThrakkathrak o meterse por intravenosa ladiscografía entera de Van der Graaf Generator,y que hay que comenzar por el principio. Paraaquellos que no quieran cruzar el reversotenebroso del progresivo, “The Greatest Show...”será su Cd de cabecera y pensarán que es el nova más dentro de la composición y tal. Para losque aún seguimos comprando Cd´s con laesperanza de encontrarnos con cosas nuevas ycon calidad suficiente, con Darwill y sus amigosno tenemos ni para el aperitivo. Otra vez será(**) Alfonso Algora

('*4','.'�P� I2,�'��'(3*J� (3��+�

,34+,.*P� G�

Por fin se hace justicia a estos dos hermanos, alos que aún no tengo el gusto de conocer pese avivir cerca de mí, y que han conseguido, merceda la compañía “Mellow Records”, lanzar estetrabajo, una obra realmente notable que hapuesto muy alto el listón dentro del sinfónicoibérico. Mascarada no son nuevos en esto; dehecho, han tenido que abrirse paso por mediode maquetas dentro de este espinoso mundilloen donde lo “alternativo” se confunde y se

etiqueta para gozo y beneficio de los empresariosdiscográficos. Por la razón de que Mascaradano son unos recién llegados, y podéis leerbiografías y entrevistas suyas en otros númerosanteriores de Lunar Suite, paso a comentardirectamente el Cd, sin más.

Creo poder asegurar que “Urban Names” es,en su mayor parte, un Cd capaz de competir conlos mejores grupos extranjeros del género, y quetiene un nivel de originalidad que supera, conmucho, la mediocridad imperante, alejándosepor completo de maneras neoprog, metalprog, ydemás vicios ocultos. Para finalizar con lasgeneralidades del Cd, hemos de destacar lacompleta labor de estos músicos a la hora decomponer, tocar todo tipo de instrumentos(guitarras, bajos, flautas, percusiones, efectos,...),e incluso de realizar toda la parte gráfica de laobra, que por cierto es estupenda.

El principal mérito de Mascarada, y esun gran mérito en estos tiempos que corren, esque no se parecen a nadie de forma descarada.Consiguen crear una atmósfera propia con unsonido muy competente (casi ni se nota laausencia de batería “humana”) y unos temaselaboradísimos y con extensas partesinstrumentales de gran calidad con granprofusión de teclados, guitarras, flautas, etc... .Por este “Urban Names” vuelan las musas delos mejores Pink Floyd, con esos característicosefectos sonoros, junto con las de VdGG, perosin dar muestras claras de calco o copia con éstos.Muestra de ello y de su inspiración, tenemosdos piezas instrumentales (“November” y“Hope”), las cuales dejan perplejo al oyentemerced al lirismo que destilan. Al igual que éstas,otros temas de alta calidad son el propio “UrbanNames”; la pequeña suite “Rupture”, con unosinteresantes cambios de ritmo que mantienenun gran nivel; “The Harvest”, revisión de untema antiguo, y el emotivo epílogo “Wherever...”.Tampoco hemos de olvidar el único tema cantadoen español, “Tres Hermanos”, muy bueno y conuna gran letra pero que no me convencedemasiado su resultado final; no sé, quizás seala utilización de nuestro idioma para este tipode música.

El único punto en contra sea la voz, tantoen materia de producción como en la limitación

33

N O V E D A D E S

en el registro vocal por parte de Daniel Mares.Este el precio de guisarse y comerse entre losHnos. Mares toda la elaboración del Cd. Piensoque deberían ponerse manos a la obra e intentarhacerse con un line-up, más o menos estable,para el grupo a fin de garantizar una verdaderabase al proyecto, así como para poder hacerconciertos, que a fin de cuentas es lo querealmente da dinero y renombre. Por el asuntode la voz les quito una estrella, por lo demás, elCd es buenísimo y espero que sea el principiode todo lo que merecen (***1/2) Alfonso Algora

32,+1'� */,)�-� 4++),� P� !�� !"#%&'()**'� 9I' I(�I"��7�!=��4!=I��LMM-2

Las propuestas del sello DGM son, en general,lo suficientemente interesantes como paradedicarles un poco de atención. Existen fansincondicionales de este sello y otros que lo

aborrecen, aunque soy de la opinión de que lapostura más inteligente (extensible a otroscampos) se puede resumir en “examinar yseleccionar”.

Pues bien, este disco de Europa String Choir,un lanzamiento un poco alejado en el tiempo, esuna de mis selecciones. ¿Y qué es este grupo?Pues la conjunción de tres excelentesinstrumentistas: Cathy Stevens a la viola(concertista clásica, miembro de la EnglishChamber Orchestra y la London Sinfonietta),Udo Dzierzanowski a la guitarra y chordclouds(¿nubes de acordes?) y Alessandro Bruno a laguitarra. The starving Moon contiene lo quepodríamos llamar moderna música de cámaraprogresiva, aunque suene extraño, y, en ciertosentido, puede compararse al buen trabajo TheZorn Trio plays Mats Johansson, comentadoen este mismo número de la revista.

La música que nos ofrece esta banda se basaen la pericia instrumental de sus trescomponentes. En términos generales, los dosguitarras moldean y dan forma a los caminossonoros por los que discurre la excelente laborde la viola. Sin embargo, esto no es todo, cuandolos tres componentes (actualmente hanincorporado a Markus Reuter a la warr guitary se disponen a lanzar su segundo disco bajo eltítulo de ESCAPE) se deciden a intercambiarsones y armonías polirrítmicas el resultado es

francamente delicioso y sorprendente.

De los doce temas, que oscilan entre los dos ylos tres minutos, hay para todos los gustos. Parano extenderme demasiado, voy a comentar variostemas que me parecen interesantes. El primeroabre el trabajo y se titula “The monkey neverlies”, obsequiándonos con un excelente sonidoentretejido por los tres instrumentistas, condisonancias incluidas. A continuación, “Sermonon the mount” se nos presenta reposada y conunos desarrollos sinfónicos más clásicos.“Waltz” es un tema lírico y dinámico que parecediseñado para deleitarnos con la viola. “Delicatelittle me” vuelve a mostrarnos una brillanteejecución a tres bandas, rápida y alegre. “Carol”está llena de melodía y sensibilidad.

El sexto tema es “The saving grace” y cuentacon la participación de Robert Fripp a lossoundscapes. ¿Recordáis el “Cake” delexcelente Exiles de David Cross? En ese temase enfrentaban los soundscapes de Fripp y elviolín de Cross. Pues bien, “The saving grace”debe ser el padre de este tema (creo que el abueloestá en un disco anterior en solitario de Fripp),pues cuenta con el dueto entre los soundscapesy la viola de la Stevens. No es preciso mencionarque es maravilloso.

“Camomilla” nos devuelve un poco a losambientes de “Waltz”, con dinamismo y unamuy buena y misteriosa intervención de la viola.En “La pasta” los papeles se dan la vuelta. Laviola da soporte a los desarrollos de las guitarras.El décimo tema, “Prelude (Cello suite nº 1)”es un arreglo de un fragmento de una obra deBach, lo que se nota: arreglos cuasi sinfónicos yuna viola que es la viva expresión de lamelancolía. Otro tema destacado es “Littlesinfonie”, con una viola sinuosa e insinuante.El disco finaliza con el tema que lo titula y, eneste caso, los desarrollos son un poco paranoicos,pero de buen gusto.

Este disco es recomendable a los que gustende la música de cámara moderna y a losseguidores de DGM. A los que esténinteresados, les recomiendo una audición sinprejuicios. Nada más y nada menos. (****)Jaume Pujol

/+3�3�).�P�!�"#��*+�!��,'>#9�%� !%9'�LMMM

The Enid es una de esas joyas que cualquierseguidor del rock progresivo debe conocer, sobretodo los que prefieren la vertiente más sinfónicadel género. En este sentido, cualquier noticiarelacionada con la banda, medio de expresiónde su líder y teclista Robert John Godfrey, debeser motivo de alegría. Y aunque Tears of theSun, el CD que os presento, sea un recopilatoriode su carrera, debemos brindar por la razón desu lanzamiento: los ¡25 años! de la formación.

Los temas elegidos para la celebración han

sido los siguientes: “The there were done”,“Jessica’s song”, “Song for Europe” y“Evensong (arrangement for saxophone)” delSomething wicked this way comes, “Thedemon king” e “In the region of the summerstars” del In the region of the summer stars,“Sanctus” del Six pieces, “Elegy for piano”del Touch me, “Sundialer” del disco del mismotítulo, “Spring” del The spell y “Gigue” delWhite goddess. Las novedades que presenta esteCD son tres: el citado arreglo para saxo de“Evensong”, delicado y sorprendente (a ver si

el resultado anima a Godfrey a incluir másinstrumentos “naturales” en su música), el tema“Land of hope and glory”, single no editadoen CD (excepto en el doble recopilatorio desencillos Anarchy on 45) que era uno de losmomentos cumbre de sus conciertos, y, parafinalizar, una pieza anunciada como nueva queestá titulada como el CD. Sin embargo, “Tearsof the Sun” no es una gran sorpresa, pues no esnada más -y nada menos- que un recorrido muysinfónico por el White goddess tomando comobase el tema “Chaconne” incluido en el mismo.¿Su duración? 9 minutos y medio.

La selección es muy buena, aunque siemprediscutible (siempre digo esto, pero es que escierto). Echo en falta, por ejemplo, “The lovedones” del excelente primer trabajo de losbritánicos, o “Childe Roland” o un fragmentode “Fand” del Aerie faerie nonsense (no haynada de él), pero ya lo sabemos: cada personaharía un recopilatorio distinto a las demás. Enresumen, un disco muy recomendable para losno iniciados en The Enid, pues recorre y recogeampliamente la trayectoria de la banda. Comocuriosidad, echadle un vistazo al completobooklet. Además de la historia, os encontraréiscon fotografías antiguas de la formación.Godfrey está espectacular. (****) Jaume Pujol

'(/3,� 4,- )�- � � '�(+*/� 12,3� )�*P/,2(3�/'�� 13,)(3,)4�,34+,.*5�� G�

La formación húngara After Crying hadecidido lanzar una serie de discos recopilatoriosal mercado con temas remasterizados,remezclados y nuevos temas. La particularidadde cada uno de estos álbumes es que estándestinados a mostrar una faceta de las muchasque tiene su música, y tendrán la particularidad

LU

NA

R

NE

WS

34

N O V E D A D E S

de que su último tema constituirá un enlace entrediferentes recopilatorios. En este contexto,Almost pure instrumental, como su títuloindica, está dedicado a la música instrumentalde la banda, y hay que decir que la selección esmuy correcta (ya sabemos que siempresubjetiva). Concretamente los temas que se nosofrecen son los siguientes: un “Nyitány”

remasterizado del Elsö évtized, “Big evil funfair final (short version)”, “Sleepin’ Chaplin”,“Save our souls” y “Struggle for life” del 6,“Megalázottak és megszomorítottak” y“Végül” del Megalázottak ésmegszomorítottak, “Külvárosi éj” del Deprofundis y el tema-puente “Shining” delOverground music y “Rondo” del Föld és ég.

¿Y los temas nuevos? Pues nada menos quecuatro (unos 14 minutos de un total de 70 quedura el CD). El primero es muy reposado y paranada oscuro. Titulado “Aqua”, está elaboradoen base a unos teclados muy sutiles, flauta,violonchelo y una guitarra eléctrica muy dulce.Cuasi música clásica de cámara, sí señor. Elsiguiente, “Windblown waltz” está construidocon los mismos instrumentos y también estranquilo y subyugante, y es que cuando AfterCrying se ponen en plan sinfónico hay muypocos (¿ninguno?) que les ganen. Belleza, estetema exuda belleza y sensibilidad.

“Pilgrims’ march” es una versión actualizadade un tema de Mendelssohn. Lainstrumentación ahora cambia y nosencontramos con guitarra eléctrica (la que llevala melodía), violonchelo, teclados, trompeta ypercusión programada. Dejar el últimoinstrumento para el final no es casual, y meservirá para comentar que su utilización es buenapero que no me convence. Voy a matizar esto.La percusión está bien armonizada y mezcladacon el resto de sonidos y consigue enrarecer elambiente del tema ex-profeso. Su finalidad, quecreo que es esa, la cumple perfectamente, peroes que como la percusión “natural” no hay otra.Seguro que utilizándola se hubiera conseguidoel mismo propósito.

El último tema nuevo es “Sonata forvioloncello and piano (in one movement)” ysu mismo título indica ante qué estamos: el juegoendiablado entre dos instrumentos cuyo destinoes dar lugar a un tema dinámico yexcelentemente interpretado. Ante una pieza deAfter Crying esto no es ninguna novedad.

Una de las cosas destacables del álbum es quelos temas están seguidos, con lo que se consigueuna continuidad que da lugar a una ilusión dedisco conceptual, lo que está muy bien. Y yapara finalizar, sólo que queda resumir queAlmost pure instrumental es un buen trabajopara introducirse en la música de After Cryingy, concretamente, en una de las facetas másagradecidas del proyecto. (****. Jaume Pujol)

-,3-� �'.-� .+��P� � I/+3� /)(3� +(� +2,

� )L3*J��%4.� ��4-4�+1*�/H�

Quienes hayan conocido “Lunar Suite” fanzineprecursor de “Lunar Waves”,sabrán que desdela publicación (ya en 1994) del primer CD deGLD “The Crime” hemos venido afirmando queera uno de los grupos del neoprogresivo británicomas destacados, por su brillantez, por su lirismodesbordante, por su contundencia y solidezinstrumental, por sus melodías esplendorosas,por su alegría, características todas ellasevidentes particularmente en su segundo y , paraquien esto escribe, mejor disco “Forces”.

En mi comentario a “Fear” tercer CDpublicado traslas bajassensibles de dosde sus miembrosoriginales ,Julian Hunt yLouis Daviddecía quetratándose de unbuen disco

notaba, sobre todo en su segunda mitad, unencasillamiento estilístico a corregir en entregasposteriores cuando los nuevos miembros de labanda se hubieran asentado.

No ha habido tiempo para ello, el 11 de Juliode 1998, pocos meses después de la publicaciónde “Fear” , Grey Lady Down dictaron en elLondon Astoria su “final decree”, su decretofinal, su despedida, ofreciendo a sus fielesseguidores un concierto final ciertamentememorable recogido al completo en este doblecd.

En los dos CD ,que contienen casi 150 minutosde música, se ofrece ya no un resumen de laobra del grupo sino casi toda su obra, con elañadido de un último y nuevo tema “PerfectDream”, sólo disponible aquí. La ejecución“live” del material es irreprochable la calidadde sonido soberbia y si en estudio en Fear senotaban las ausencia, en directo, francamente,parece dificil imaginar que los David y Huntpodrían haberlo hecho mejor que sus sustitutosSteve Anderson (guitarras) y Mark Westworth(teclados). Instrumental y técnicamente el discoes muy superior al “live-The Official Bootleg”,editado en edición limitada a fines del 96recogiendo la presencia escénica del grupo en1994 con la formación anterior.

Están aquí temas emotivos como “The nail” ,“Battlefields of Counterpane”, “Without A trace”o “The Flyer”, todos de FORCES; está FEARprácticamente íntegro; están la alegre,

vigorosa“12.02” y “Annabel” del primer disco;está el nuevo tema citado, largo, mas de quinceminutos que está francamente muy bien y,finalmente, está expuesta por primera y últimavez en directo “The Crime” al completo, sustres partes (las dos de “Grey Lady Down” y latercera de “Fear”) unidas, mas de treinta minutosen total que permiten captar el sentido unitariode esas tres partes que así ganan en coherenciay que constituyen el tema emblema, faro oreferencia del grupo por antonomasia.

Disco altamente recomendable, para aquéllosque ya conocen y a quienes les gusta GLD porquees un complemento ideal a toda su obra. Paraquienes no los conocen porque con este discotienen posibilidad no sólo ya de conocer a ungrupo que ha merecido la pena sino de degustarademas de lo mejor de su obra de vez.

Siempre es triste la desaparición de un buengrupo, que una ilusión acabe, concluya. No esesta la excepción , ni mucho menos. Quizás sudificultad en ir mas allá en su música hayaocasionado en parte la disolución de la banda,no lo sé. En todo caso, quedan en la particularhistoria del sinfónico –progresivo británico delos noventa como un grupo destacado, y dejanun muy buen sabor de boca con este estupendoy evocador disco en directo que os recomiendocon la convicción de que no defraudará a nadie.Insisto. Roberto Gracia

*/3L3�+'4@3//�O�.',@/+��P� �4'( )P�+�,34+,.*��

La salida oficial de este disco está fijada parael 26 de Abril , lo he podido conseguir antes yasí posiblemente la crónica llegue al mismotiempo que la disponibilidad del disco.

Si Steve Hackett resulta en general sombríoaquí riza el rizo. La presentación no puede sermas lúgubre. Un cementerio, tumbas , cadáveres,todo en un color grisáceo-verdoso, tétrico.

El contenido es por el contrario brillante, aveces hasta radiante, luminoso, posiblemente, ydigo sólo posiblemente porque lo he escuchadosólo cuatro veces, Hackett en su esplendorosamadurez ha conseguido completar un disco pleno

de sentimiento, pleno de inspiración, variado,diverso y con un nivel instrumental casiinalcanzable dotado además, de un ambientegeneral especial.

Entre otras cosas se dice en los créditos losiguiente” mar revelador que nunca yfirmemente autobiográfico DARKTOWN es tanpersonal como te gustaría que fuera un disco deHackett”. Cierto, si alguien quisiera conocer aeste músico, su forma peculiar de tocar la guitarra

35

N O V E D A D E S

tanto la eléctrica como la eléctrica de formaglobal y resumida pocos discos como este.

Progresión significa avanzar, ir mas allá,explorar, este disco es progresivo, avanza, vamas allá, transportándonos un poco mas adelanteen la técnica.

Comienza el disco con dos temas fuertes, muyfuertes, OMEGA METALLICUS yDARKTOWN, el primero sobre una baserítmica obsesiva del bajo de Douglas Sinclair,se alternan, suceden y entrecruzan loops deguitarra dificilmente descriptibles, retomando laspartes mas fuertes de sus mejores discos, deDEFECTOR, de SPECTRAL MORNINGS:DARKTOWN con el saxo de IAN MCDONALD haría recordar a King Crimson si nofuera porque las partes de guitarra sólo las puedetocar así Hackett, son personales, únicas einsustituibles.

Con el tercer tema la cosa cambiaradicalmente, MAN OVERBOARD , guitarraespañola inicial, ritmo caribeño “estiloBermudas”, simulación orquestal por ordenador, una preciosa balada en suma poco habitual enHackett. Fijaros al final de la canción en lasguitarras “Wind and Wuthering” puro.

Pasamos a THE GOLDEN AGE OF STEAM,tema inspirado en el Diario de Ana Frank, en elque Hackett canta mejor que nunca ,instrumentación puramente orquestral, violines,un coro final casí operístico, inusual que preludiaDAYS OF LONG AGO cantado por JimDiamond, balada de amor en una melodía clásicade Steve y con una parte central de guitarrasublime, precioso tema.

DREAMING WITH OPEN EYES, ritmolatino, o portugués, o brasileño, percusión panpipes sudamericanas y una nylon guitar de lujo,no se porqué me recuerda a Pat Metheny, serápor el ambiente sugerente.

Cambio total, TWICE AROUND THE SUN,instrumental impresionante, guitarra absoluta ,para descubrirse, Hackett en estado puro con unsostenido final que el propio autor consideracomo “la nota de guitarra sostenida mas largaen la historia de las grabaciones modernas hastala fecha”. Deslumbrante, esclarecedor.

RISE AGAIN tema inicialmente suave,tranquilo, muy bien cantado, aquí le toca el turnoa la Gibson Goldtop guitar, Voyage of theAcolyte- Please Don´t Touch style, casi nada.

Llega el disco a JANE AUSTEN´S DOOR ,balada melancólica, y posiblemente uno de loscortes que mas se oirá de este disco, una canción“sobre desear a alguien lo mejor”;particularmente me tiene cautivado, los solosfinales de guitarra no se pueden describir, hayque escucharlas, a la técnica de Hackett se unela sensibilidad de un Latimer,.

Tras el fuerte instrumental DARKTWONRIOT llegamos al final IN MEMORIAM, eltítulo no puede estar mas acorde con la portada,la letra descarnada,triste, alienación , visionesnegativas. Instrumentalmente recuerdavagamente a Epitaph de King Crimson, la letraestá recitada por Hackett mientras un coro cantael título. Hackett aquí si que recuerda un montón

a Fripp . Inmejorable final para un discopoderoso.

Termino con unas frases de la presentacióndel disco: “Este es un disco de alguien que havivido y necesita contar lo que ha descubierto-un exorcismo que va de los momentos mas durosa los recuerdos mas queridos. Una pesadillasobre un tema central de un album de un hombrerealmente poseído”.

Sea como sea todo un maestro. Feliz pesadillahermanos. Roberto Gracia . abril de 1999.

(!% $(I"�� #%��3 � '#$( I9 � 9%��4 �0' !(��LMMM2�

Porcupine Tree sigue evolucionando en la líneatrazada por SIGNIFY , uno de los grupos

punteros de la denominada Head Music, vadecantándose hacia temas mas cortos, mascantados, menos instrumentados, tan es así quesólo hay un tema totalmente instrumental “TintoBrass” lo que en los Porcupine Tree ya essorprendente. Al ser mas cortos, con menosdesarrollos la música entra de una forma muchomas directa.

Con una lujosa presentación el disco se abrecon Even Less tema característico de Porcupineen su línea Floydiana habitual y con la habitualbrillantez de Steven Wilson. Tras el tema inicialse suceden una serie de temas de entre tres ycinco minutos propios del british pop; asi, “PianoLessons” en sus partes vocales recuerda a losKinks o a los Small Faces con un fantástico pianoy la guitarra aérea de Wilson. “Pure Narcotic”es agridulce, hay grupos actuales británicos quehacen composiciones parecidas como Blur oVerve pero instrumentalmente no les llegan ala suela del zapato a Wilson o Barbieri, desdeluego las acústicas y piano iniciales aquí sonmagníficas. Curioso también “Baby Dream inCellophane” y “Stranger By the Minute” conunas armonías dignas de Crosby, Stills y Nash yunos guitarrazos del Wilson fenomenales.

En general y para no extenderme Porcupineevolucionan satisfactoriamente, y si os ha gustóSIGNIFY este no os decepcionará en absoluto.Conservando las influencias de los setenta tienenuna personalidad propia altamente respetable.Un notable y a ver si así llega a mas gente lacosa. Roberto Gracia

4-'��/+3�4,331)�-�L)�3� (%5��

Cuatro años de silencio discográfico, desdeaquel Pictures from the other side serompen con este nuevo trabajo del Robert-Cyan- Reed. Como en Pictures from theother side las voces corren a cargo de NigelVoyle, pero además Reed se ha rodeado deuna sensacional sección rítmica que leconfiere a Cyan un sonido mucho másnatural y fresco, de auténtica banda más quede proyecto individual. Reed aporta susensacional saber hacer a los tecladosmientras que colaboraciones como NickBarrett, Andy Edwards o Chris Fry vistenlos muchos momentos de protagonismo delas guitarras. Y es que los nueve temas quecomponen The creeping vine son realmentesensacionales. Gwenan, es un buenejemplo, con su ambiente escocés yexcelente resolución (gaitas y guitarraseléctricas en un aire festivo que el MikeOldfield de los últimos tiempos no podríatan siquiera soñar). I will show your life esun curioso y muy logrado ejercicio de fusiónde estilos des de el acid jazz hasta el pop,que en otras manos hubiera resultado unpenoso pastiche. Una gran muestra deingenio, sin duda. Goodbye World empiezacon un sobrecogedor piano que nos lleva poraguas inquietantes y sorprendentes, saltandosin miedo entre tres décadas tejiendo unpuente entre la más diversas acepciones delrock. Cada uno de sus 593 segundos no tienedesperdicio. Y sigue la tónica en The

river(otro inicio que quita el aliento), Home(donde Reed se permite una lección demaestría con las teclas) y la ecologistaexplosión final The creeping vine. Resultacurioso que lo único que le encuentroachacable a este álbum es que hay tantasideas que algunos de sus temas adolecen decierta falta de concreción. Pero eso suponeuna objeción mínima ante las cualidades deun trabajo que no es simplemente un retornosino una vigorosa muestra de que clasicismoy modernidad pueden perfectamente ir dela mano si detrás hay alguien con talento.Posiblemente uno de los mejores discos delaño. Para más sobre Cyan, ver cr´tica de surecopilatorio Remasters en «La máquinadel tiempo. (****1/2. Toni Roig)

36

DAVID MEROS HABLA A LUNAR WAVES SOBRE SPOCK’SBEARD Y DAY FOR NIGHT

LUNAR WAVES: ¿Sabéis que Bill Martin, en su libro Listening to thefuture escribió que Spock’s Beard era una de las mejores bandas de losnoventa y una buena opción para “reconectarse” al movimiento del rockprogresivo?¿Qué opinais sobre el tema?

DAVID MEROS: ¡Es fantástico! Y es exactamente lo que estamosintentando. Bueno, de hecho, quizás no sea del todo exacto. Estamoshaciendo simplemente lo que queremos, y esto es un estilo entre el crossovery el rock progresivo que puede muy bien reconectar al rock progresivo aciertas experiencias ausentes desde los ochenta como la difusión del géneropor la radio y el acercamiento a un público más amplio.

LW: Háblanos un poco sobre Day for night. ¿Seacercará a la línea de Kindness of strangers o iráen nuevas direcciones?

DM: Irá parcialmente en nuevas direcciones, enel sentido en que hay más canciones “normales”,pero hay una enorme cantidad de materialprogresivo, no te preoucupes. En lo que se refiere alestilo, creo que es una mezcla de Kindness ofstrangers y Beware of darkness.

LW: ¿De dónde vino la idea para From theVaults?

DM:Principalmente de una gran cantidad demensajes que recibió Neal preguntando donde podían conseguir e lostemas extras de las ediciones japonesas, temas en directo, etc. Pensamosque podría ser divertido. No es realmente un disco serio, y va dirigido sóloal auténtico fan.

LW: ¿Qué pensais sobre las razones para este nuevo revival del rockprogresivo (si tal revival existe)?

DM: Bueno, sólo tienes que mirar a tu alrededor. Siempre ha habido ungran porcentaje de porquería en la música comercial, pero la proporciónactual es mayor que nunca. Siempre ha habido aficionados que buscanalgo que puedan realmente escuchar con atención, algo que no sea sólopara bailar, o algo que exprese una actitud pero no preste ninguna atencióna los valores musicales. También creo que una parte de la gran cantidad depersonas que creció en los setenta añoran el rock progresivo y le estánprestando apoyo. Las cosas se mueven en círculos, y con un poco de suerte,un ciclo de “buena música” está en camino otra vez. El revival del rockprogresivo está efectivamente ahí, pero es todavía muy pequeño en relacióncon el pop, el rap, el tecno, el country… O sea que todavía nos quedamucho camino que recorrer.

LW: ¿Cuál es la situación del rock progresivo en los Estados Unidos?¿Cuáles son las mayores referencias respecto a Europa?

DM: En los Estados Unidos ha habido siempre un pequeño grupo deseguidores muy fieles. Europa parece algo más abierta en este aspecto, yno hace falta que seas un auténtico fanático del rock progresivo para disfrutarde una buena banda del género. También es cierto que en los EstadosUnidos, el negocio musical es estrictamente eso, negocio, y si hay veintemillones de fans/CD de Mariah Carey que pueden venderse, o treinta milfans de Spock’s Beard, como hombre de negocios, ¿por cual irías a apostar?Es una lástima, ya que creo sinceramente que Spock’s Beard podría, si sele diera la oportunidad, vender importantes cantidades de discos.

LW: Cada álbum de Spock’s Beard muestra más compenetración de labanda en cuanto a sonido de grupo. ¿Cómo componeis la música y oomoseguís el proceso de producción?

DM: Neal escribe todas las canciones en casa, hace maquetas donde élsolito toca todos los instrumentos, y luego nos las envía para que nos lasaprendamos. Hacemos algunos pequeños cambios durante los ensayos yla grabación, pero se corresponde con el punto de vista de Neal al 90%. Altocar cada vez más juntos, hemos desarrollado un sonido como banda, yNeal ha ido adquiriendo la técnica de escribir partes como si se hubieraconectado a nuestros cerebros. En otras palabra, las partes del bajo suenanmucho a la forma en la que toco de forma natural, y lo mismo hace conNick, Al y Ryo.

LW: ¿Quieres añadir algo más?

DM: ¡Gracias por vuestro apoyo!

*1+4@ .*� �3',. � � .'- � (+,� � )-+/ )�*).3�+2/5��

El primer adjetivo que me ha venido ala cabeza al internarme en el nuevo trabajo enestudio de Spock’s Beard es “grande”. Grandepor su ambición (como David Meros me contóen esta corta entrevista, Spock’s Beard aspirasin complejos a superar los límites comercialesminoritarios a los que parecen relegados lasnuevas bandas progresivas). Grande es laproducción, capaz de aprovechar cada ocasión,cada rincón, cada momento justo para hacerbrillar al máximo la inmensas cualidades desus músicos. Grande es también su duración,

próxima a los setenta minutos (la primera edición cuenta con un temaextra). Grandes arreglos, grandes solos… Pero todo ello sería insignificantesi no estuviera cimentado en una base compositiva de calidad. Y una vezmás, Spock’s Beard lo ha vuelto a hacer. Partiendo de los logrosconseguidos con The light y sobre todo Beware of darkness y Kindnessof strangers, Spock’s Beard siguen expandiéndose incorporando conmaestría instrumentos de viento y cuerda, abriéndose sin traicionarse avertientes de rock contemporáneo, con pasmosa seguridad. De esta formahan conseguido crear un álbum extenso y ecléctico, por en absoluto disperso.Su dominio es casi insultante: es su momento y lo saben. Es por ello que apesar que la duración de los temas sea aparentemente algo más corta, susseñas de identidad, lejos de diluirse se han afianzado, en una condensacióncasi agotadora, siguiendo en este sentido la estela de Gentle Giant (unavez más, la referencia no es nada trivial). Además, los cortes ocho al trece,o sea desde The healing colors of the sound (Part 1) (no se puede titularun tema de esta banda de una forma más adecuada) hasta My shoes(Revisited) forman una perfecta unidad (ya os decía que lo de la duraciónes pura apariencia). ¿Destacar temas? Nada es superfluo en Day for nighty seguramente necesitaria muchas más escuchas para poder remarcar algoen concreto. Entiendo que un hay un aspecto evidente en Day for nightapto para la polémica. Ciertamente, existen muchos puntos de contactocon elementos presentes en trabajos anteriores: ecos de June en Can’t getit wrong o The distance to the sun, guiños a The light en Gipsy, armoníasvocales reminiscentes de Gentle Giant, al estilo Thoughts, en Gibberish,recuperación del tono general de Kidness… en Crack the big sky o Dayfor night, etc., pero no debe entenderse en un sentido de agotamiento, sinonecesidad de marcar un punto de referencia. Podríais pensar que lamotivación de Spock’s Beard al afrontar este Day for night ha sidorebajar planteamientos a la búsqueda de una mayor comercialidad. Yo nolo creo. Intuyo en cambio que el planteamiento ha sido confeccionar unálbum que muestre al neófito lo que es Spock’s Beard (una especie deresumen estilístico) y a partir de ahí avanzar en diversas direccionescoherentes con su línea, para entusiasmo de propios y, cruzando los dedos,adhesión de extraños. En este sentido, sólo su bonus track, Hurt, se mueveen una línea más simple, cercana al heavy metal con estilo. En fin, Dayfor night, puede ser un álbum discutible en alguno de sus planteamientos,pero es pura maestría en sus resultados. Uno de los mejores candidatos aldisco del año para el aquí firmante. (*****. Toni Roig)

SPOCK’S BEARD Y DAY FOR NIGHTS

PO

CK

’S B

EA

RD

Y D

AY

FO

R N

IGH

TEntrevista exclusiva con el bajista de Spock’s Beard David Meros y comentario de su nuevo trabajo. Por Toni Roig.

37

LA MAQUINA DEL TIEMPOL

A

MA

QU

IN

A

DE

L

TI

EM

PO

Reediciones, remasterizaciones, recopilatorios, sesiones inéditas... cualquier excusa es buena para revisitar los clásicos u otras reliquias.

(',)��)+��P�Q*4,)1/�(+,�'�,3*/3,R*�/3',SQ(2-'0)S� 3()5�3.)4)+�3*�,3('*/3,)0'.'*�3�� G�

Estupenda idea de la EMI la depresentarnos toda la discografía de Marillion desu catálogo en formato de doble Cdremasterizado, con temas inéditos, gran libretocon entrevistas de la banda, etc... En principio,cada tres meses se pondrá a la venta un dobleCd de la antigua formación junto a otro de la

nueva, por lo que, de momento, ya están en lasestanterías el “Season´s End”, “Holidays inEden”, y los que nos ocupan, estas dos obrasmaestras. Ladies & Gentlemen, con Vds. elgrupo que resucitó el sinfónico.

Haciendo un somero repaso a losoriginales Cd´s remasterizados, nos encontramoscon una mejor calidad de sonido que resalta todoslos instrumentos. Un bajo granítico, unasguitarras depuradas, unos teclados inmejorablesy un mejor tratamiento de la voz de Fish,auténtico artífice del éxito del grupo gracias asus letras y a su teatralidad. La revisión delsonido y su calidad se hace patente en temascomo “Chelsea Monday” o los comienzos de“She Chameleon”, “Fugazi” o “Emerald Lies”.En definitiva, un sonido de lujo que bien merece3.500 pelas.

Lo interesante de los Cd´s, amén delas entrevistas al grupo y a Fish, (productor),Mark Wilkinson, etc... y los bocetos de portadasque aparecen en el interior del libreto, esevidentemente el bonus Cd. Este vieneclaramente diferenciado en dos partes: una sonlos temas incluidos como caras B de singles ymaxis, y otra son maquetas, demos y tomasinéditas de canciones aparecidas en el albumoriginal.

En lo que respecta al bonus Cd delScript, nos encontramos con los tres temasincluidos en “Market Square Heroes”, Mini-Lpdebut de Marillion allá por los albores de los80´s. La propia “Market Square Heroes” aparecepor duplicado en la “battlepriest version”, quedifiere de la original en las letras, y en otra versióncon unos cambios en el riff de guitarraintermedio. Junto a la canción que da título almini también aparece la sobrecogedora “ThreeBoats Down From The Candy”, y un tratado de18 minutos de épica a lo Genesis en forma de“Grendel”, sin lugar a dudas el tema más querido

por los fans de toda la vida. Esta versión enmaqueta (ya aparecida en el pirata de rarezas“Fish out of water”) supera en dramatismo a laoficial y sólo por ella ya merece la pena el dineroinvertido. Para terminar con el apartado de temasmás o menos conocidos, “Charting the Single”(cara B del maxi “He Knows you Know”), unade las cotas más bajas de Marillion con Fish,pero que se deja escuchar con gran nostalgia.

De las demos y tomas alternativas decanciones destaca una extraña versión de“Chelsea Monday”, en la que la melodía originalde bajo viene sustituida por el teclado de Kelly,quedando, a mi parecer y pese a que Kelly nolleva la melodía, superior a la original. Lasmodificaciones más curiosas con respecto a laoriginal vienen reflejadas en “He Knows, youknow”, con un ritmo que difiere completamentede la versión del Script. No es ni mejor ni peor,simplemente distinta.

Pasando ya al bonus Cd de Fugazi,comienza la escucha con la versión extendidade “Cinderella Search” en estudio (aparecidaoriginalmente como cara B del maxi de“Assassin”), de la que nunca se había tenidoconstancia en formato Cd salvo en la versión en

directo aparecida en el “Real to Reel”. En elrecopilatorio de caras B de 1986 “B´sidesthemselves” ya apareció éste tema pero en suversión reducida, que pierde lo más emotivo dela canción. Amén de esta joya nos encontramoscon la versión de “Three Boats Down...”aparecida como cara B del maxi “Punch&Judy”,y el único cameo del ex-Camel Andy Ward enla historia de Marillion. Como postre, la versióndel “Assassin” remezclada incuida en elrecopilatorio “A Singles Collection”.

En cuanto a tomas alternativas,sorprende una completa revisión de “EmeraldLies”, una de las mejores canciones de Marillion.Las letras, por lo general, no varían, aunque lamúsica y los ritmos transforman completamentela canción finalmente aparecida en “Fugazi”.Otra maqueta curiosa es la de “Incubus”, másseca y con más nervio, pero que adolece del líricopuente con piano hacia el final. Para completarel bonus Cd, una maqueta de “Punch&Judy”con pocas diferencias de la que todos conocemos.

Dentro de que ambos trabajos notienen tacha alguna, hubiera sido una genial ideahaber incluido la versión “cañera” de “She-

Chameleon” que Marillion tocaban en directoen su primera gira (hay por ahí una grabaciónde 1.981 en el Marquee en la que aparece esetema), así como en el Cd de Script, el tema“Unstition Waltz” que apareció en las primerasmaquetas del grupo y de la que, posteriormente,Fish hizo la correspondiente versión actualizadaen el recopilatorio “Ying&Yang”.

Lo que es evidente es que merece lapena deshacerse de los antiguos Cd´s y adquirirde inmediato estas ediciones limitadasremasterizadas. Para los que no hayan oido nadade Marillion les servirá como un gran comienzopara escuchar y aprender de unos de los puntalesde nuestro movimiento; y para los queapreciamos y gozamos su música desde hacetiempo es un regalo caido del cielo de obligadaadquisición. (***** los dos. Alfonso Algora)

(',)�� )+� �( )*1�'43.� 4+)�.+++. 3()5�� G!5�,3('*/3,)0'.+�3�� G�(',)�� )+� � � �,'L3� 3( ) 5 � � K 5,3('*/3,)0'.+�3�� G�

Nuevas entregas en la serie de golo-sas remasterizaciones de los álbumes deMarillion para EMI, en esta ocasión aparecenlos dos álbumes concepto, dos piezas míticas,obras maestras claves de sus respectivas déca-das, tanto para la banda como para el rock sin-fónico. No cabe duda que la remasterizacióndigital supone una gran mejoría en cuanto a ca-lidad de sonido (ver en este sentido un magnificoartículo al respecto en el número 9 de The brightlight), y que es una gozada disfrutar de nuevoartwork y declaraciones de los protagonistas re-cordando anécdotas concernientes a la graba-ción, pero lo que justifica realmente la adquisi-ción de estos trabajos y el nuevo expolio de lacuenta corriente son los temas de los bonusCD… bueno, todo un poco.

Toda una generación de aficionadosque creció entre la música de los ochenta se rin-

dió ante aquel álbum del pequeño soldado trasel que se percibían tempestades y se adivinabael arco iris. Sin extenderme innecesariamenteen su contenido, quisiera decir que lo que a hacea mi juicio de Misplaced Childhood un discoúnico y la cima de la obra de Marillion es subrutal carga emocional, capaz de causar los mis-mos efectos entre los que aún disfrutamos de él

LU

NA

R

NE

WS

38

L A M A Q U I N AD E L T I E M P O

a pesar de haberlo escuchado una y mil veces(no hace ni cuatro horas lo he podido experi-mentar de nuevo preparando esta crítica, cuan-do se me ha puesto la carne de gallina al llegar aChildhood’s end?). Jugando con la frase queGeorge Lucas dedicó al film 2001: una odiseadel espacio, “Misplaced Childhood es compa-rable, pero definitivamente es superior. El bonusCD se abre con dos caras B de sobra conocidas,como Lady Nina y Freaks, de las que querríaremarcar la primera como ilustrativa de lo quese entendió como el sonido rock más típicamente“años ochenta”. Le siguen versiones “alternati-vas” de Kayleigh y Lavender [Blue] menoscálidas que el original, representativas de la erade maxi-singles ávidos de material remezccladoo “extendido”, como el bastante fiel Heart ofLothian –extended version-. A continación te-nemos la demo íntegra del Misplaced grabadaen febrero de 1985, que es lo que presenta ma-yor atractivo, sobre todo al comprobar lo cam-bios en la música, las variaciones de orden delas canciones, los arreglos primitivos o letrasprovisionales (por ejemplo la letra definitiva deKayleigh no estuvo lista hasta el último momen-to). Musicalmente hablando, Pseudo Silk Kimo-no, Kayleigh y Lavender estaban ya muy defini-das. En cambio, Bitter Suite se interrumpe brus-camente para ceder paso a Lords of thebackstage, para recuperar el tema en Blue An-gel, en el primera diferencia evidente de estruc-tura. Tras Heart of Lothian, Waterhole es segui-da por Passing Strangers, que más tarde seríaconocida como Blind Curve y que a falta de Vo-cal under a bloodnight, cuenta con un excelen-te solo de Rothery. La demo de Childhood’send?, es sin duda mucho más insípida, en unaversión instrumental sin ese demoledor clímaxfinal en que todo el mundo babea demasiadocomo para decirle a Mark Kelly que se le vemucho la vena Tony Banks. Finalmente, Whitefeather difiere en poco, pero también acabaríamuy perfeccionada de la mano de unos músicosen un momento creativo desbordante y gracias ala meritoria labor en la producción de ChrisChimsey. Para concluir, decir que el libreto in-cluye jugosas anécdotas de Steve Rothery, quecuenta por ejemplo que el riff de Kayleigh sur-gió por casualidad como un ejemplo improvisa-do para su novia de cómo componía canciones(para que luego culpemos a novias y mujeres detodos nuestros males) y Fish : sus noches locasen Berlin, que hacen esperar su autobiografíapor puro morbo, cómo surgió el concepto delálbum o cómo 13 años más tarde firma autógra-fos para niñas llamadas…….Kayleigh.

En comparación, tengo que decir quela primera impresión que me dejó Brave (y unascuantas hasta cojerle el tranquillo) es su planifi-cada concepción, su tecnológica perfección, suparadójica mezcla de atmósfera y frialdad. Pormi parte no fue hasta aquel memorable y singu-lar concierto en Solsona, cuando Brave se memanifestó en toda su humanidad y su trágicabelleza. Si las emociones que desprendeMisplaced childhood aparecen en estado puro,en Brave están destiladas y escondidas en un

sensacional mosaico sonoro impensable diezaños atrás, plagado de momentos contradicto-rios: liberadores, angustiantes, deprimentes,esperanzadores… fascinantes. El bonus CD seinicia con una francamente hermosa versiónorquestal de The great escape, seguida por lairregular Marouatte Jam (Marouatte es un fa-buloso castillo francés que Miles Copeland, mul-timillonario mánager de gente como The Police,Sting o R.E.M. les cedió para empezar el largoproceso de gestación de Brave. ¡Así cualquie-ra!), con ciertos trazos de Hard as love. Siguenversiones acústicas de The hollow man (similaral original), Alone again in the lap of luxury(que refuerza en esta interpretación la soledadde la protagonista) y Runaway (que conserva su

inquietante placidez sumergida entre guitarrasacústicas), intercalándose la lamentablementebreve Winter trees. Una versión instrumentalde Hard as love nos permite apreciar mejor lamultitud de detalles y sonidos que componen elmosaico y, acercándonos al final 3 demos, Li-ving with the big lie, Alone again in the lap ofluxury y Dream sequence, demostrativas deque a pesar de tener ya tramadas las principalesideas compositivas quedaba mucho por haceren cuanto a elementos atmosféricos, fluidez ybrillantez en los arreglos, trabajo en el que elproductor David Meegan tendría mucho quedecir. El cierre definitivo lo da una versión condistinto final de The great escape, tras el que else pueden percibir algunos sonidos de ecos deagua que grabó el ingeniero de sonido en unacueva en las inmediaciones del castillo. Un fi-nal mágico para una grabación histórica.(Misplaced childhood y Brave: *****. ToniRoig).

(', ) � � )+� � I4�2/4+ )�- � ' / � * /,'�*J ,3('*/3,3.�3.)/)+��

Año del bufón de 1999. Mientras lashordas Hoggarthianas continúa en su airadaevangelización intentando convencer a todo elmundo de la “lógica e inteligente evolución” deMarillion, aquí, el que suscribe, se le han pues-to los pelos como escarpias al escuchar el últi-mo legado de la etapa Fish. Bien, reconozco queel “Clutching...” es el Cd más flojo de los que elescocés creó con Rothery & Cía y que cualquie-

ra de sus Cd´s anteriores (tanto en las versionesoriginales como en éstas remasterizadas) le daunos cuantos cientos de vueltas. El caso es quepara mi, pobre iluso, este Cd es el que más hue-lla me ha dejado y el que más me entristeceescuchar ya que representa el final del grupoque me acompaño durante todo BUP, mis pri-meros cigarros, novietas, y demás. Realmenteme dejó hecho polvo la salida de Fish del grupo,pese a que Hoggarth, al principio, supo mante-ner el tipo de forma medianamente decente, rea-lizando un par de Cd´s de alta calidad (Season´sEnd y Brave) mezclado con morralla de la másbaja clase.

En fin, que le vamos a hacer. Comomi misión es comentar los Cd´s, la verdad esque poco os puedo decir a los que conozcais aMarillion. Clutching supuso la prueba de fuegopara unos jovencísimos músicos que habían con-quistado medio mundo con el inesperado éxitode “Misplaced Childhood”. De las presiones dela discográfica, la mala vida de Fish y el choquede egos surgió este trabajo que, pese a cosasrealmente horrendas como “Just for the Record”,se deja escuchar con agrado pese al transcursode los años. “Hotel Hobbies”, “That Time ofthe Night” o “White Russians” son temasatemporales que forman parte de una época yde una historia, y que son algo superiores, creo,que “Gazpacho”, “No One Can” o “Born ToRun”.

Lo impresionante de esta reedición,y lo que más pena me da, es el segundo Cd, quees lo que Marillion pudieron ser y no fueron. Esel testamento del bufón pre Season´s End y unabuena, y amplia, muestra de canciones de lo queiba a ser el siguiente Cd de Marillion con Fish.

Ahora entiendo la calidad de “Season´s End”,ya que la mayoría de riffs, melodías, etc... yaestaban compuestas mientras Fish permanecíaen la banda. Con cambios en las melodías voca-les y las letras, la propia “Season´s End” se con-vierte en “Beaujolais Day” (con el punteo deWarm Wet Circles); “Berlin” es “Story From aThin Wall”; “The Bell in the Sea” es “Shadowson the Barley”; y “The Release” es “Tic TacToe”. Las comparaciones son siempre odiosassi comparamos estas demos con las versionesque todos conocemos, pero la personalidad queFish imprime en todas ellas no la tendríaHoggarth ni en 1.000 años, por mucho que lo

39


intentara. En el resto de temas también encon-tramos melodías que nos suenan de posterioresálbumes, amén de letras que Fish incluiría ensu primer trabajo en solitario “Vigil...” (“Voicein the Crowd”). La verdad es que todos estostemas son sumamente interesantes para todobuen fan de Marillion, de los antiguos y de losnuevos y creo que no defraudará a nadie. Me-nos interesante en este segundo Cd es la versiónalternativa de “Incommunicado” y “GoingUnder” (aparecidas en el Maxi“Incommunicado”), así como las demos de“White Russians” o “Sugar Mice” que, sin es-tar nada mal, desentonan con el impresionantedocumento que les rodea. Para finalizar hayuna pista para Pc o Mac con las portadas de losCd´s y un link por el que te conectas a la web deThe Web (que chiste más tonto) para que te denun número personal que da acceso a la escuchade un tema inédito (no pienso dar pistas pero esmuy curioso). Por lo demás, gran trabajo de li-breto, declaraciones de Fish, Kelly, Wilkinson,etc... En resumen, un Cd póstumo tan, tan gran-de, que, siendo maquetas y retazos, es muchomejor que todo el Season´s End (y reitero queéste, junto con “Brave” son dos grandísimos dis-cos).

Imagino que muchos de los que es-cribimos en L.W. estaremos deseando hacer estacrítica. Lo único que le pido al amigo Roig esque me reserve la del “Clutching...” como pe-queño homenaje al grupo que tantas alegrías medio; tantas, como penas me da ahora. Oyendolos cuatro primeros Cd´s de Marillion os dareiscuenta de lo irrepetibles que son, de la improntaque dejaron dentro del rock sinfónico. Y por fa-vor, huestes Hoggarthianas, el día que Stevecante con la décima parte de mala leche “WarmWet Circles” que Fish, avisadme, y os prometoque me tatuaré en el **** la portada de Marillion& The Possitive Light. Mientras ese momentollegue (mis bisnietos habrán muerto ya), dejadmegozar con MARILLION, los del bufón, los dellogotipo, los de la poesia, los de mi corazón, yvosotros quedaros con los del Bill Smith Studio,los del nombre en minúsculas, los de las versio-nes de Radiohead y los Who. Por todos los bue-nos momentos, gracias Fish, Rothery, Kelly,Trewavas, Mosley. Tras vuestro trabajo conjun-to bien os hubierais merecido un retiro total paramantener alta la llama de la leyenda y no haberseguido a trompicones con vuestras carreras. Im-prescindibles, básicos, maestros, eternos,...Marillion (*****. Alfonso Algora)

R�"'�' �� )L3� '/� /+3� @)�-� �)*42)/(�+�3,�++2,� @)�-�� )*42)/�(�+�3,�++2,

,34+,.*N1)��'4�35�� G��

En nuestro número anterior, EnricPrat ya os habló de las excelencias de aquelmonumental Always never the same, una suertede “Kansas Revisited” para reconciliarse coneste tipo de historias. Ahora nos llega un buencomplemento, un directo de la serie “KingBiscuit Flower Hour”, un maná de placer paralos aficionados, ya que el amterial de la serie

suele tocar momentos e intérpretes clave, comoGentle Giant, Greg Lake, ABWH, GTR…(esteúltimo es un caso curioso, ya que es el único CDque se puede encontrar de la banda de formanormalizada). Volviendo a Kansas, cabe re-cordar que los ochenta fue un época de cambiosde línea y formación, con lo que nos plantamosen Pensilvania el día de San Valentín de 1989

con Phil Ehart (batería), Billy Greer (bajo),Steve Walsh (teclados y voz principal), RichWilliams (guitarra) , Greg Robert (teclados) ySteve Morse (guitarra y espectáculo garantiza-do. Su presencia intenta suplir el carisma delviolín de Robby Steinhardt). Es la gira de Inthe spirit of things, y el sonido Kansas es dife-rente, más compacto y de línea más pomp rock.Eso sí, la confianza que despliegan en temascomo Magnum Opus, Paradox o Point of knownreturn es impresionante, en buena parte graciasal efecto Morse (una especia de Viagra parabandas setenteras, como lo demostraría más tar-de en Deep Purple). El repertorio aparece re-pleto de temas clásicos, como los ya menciona-dos o The wall, Dust in the wind, Miracles outof nowhere o Carry on my wayward son, juntocon temas más próximos de álbumes comoPower o el propio In the spirit of things, (All Iwanted, T.O. Witcher, The preacher o House onfire). Excelente calidad de sonido redondea unbuen trabajo de una formación sin Livgren niSteindhart, cierto, pero en fin, todo puede aca-bar siendo solucionable, ¿o acaso alguien duda-ba que Kansas eran unos auténticos freaks dela naturaleza? Los noventa tendrían la respues-ta. (****. Toni Roig).

*/',4'*/�3 � � (+2�/' )�*�+(� � )-+/ 4�*5�� HE��,33.)/'.+�1+,

�,3�' )**'�43�,34+,.*�3�� G�4)/'.3� � 4�*5 � � HH � � ,33. ) /'.+ � 1+,

,3�' )**'�43�,34+,.*�3�� G�

Es difícil qué tono escoger al afron-tar el tema Starcastle. De todos es sabido quesupone uno de los más destacados casos demímesis no natural. Simbiosis estilística, vocal,instrumental. Todo tan simple como que unamultinacional, (CBS) lanzara una respuestaamericana a los Yes de la competencia (Warner)esperando repetir el éxito sorpresa de su últimohallazgo, Boston. Comercialmente, sin embar-go, el experimento no cuajó y los Yes-clones

terminaron su andadura dos años y tres álbu-mes más tarde.

Lo curioso es que tras tan descaradocaso de espionaje musical el resultado rayara auna nada despreciable altura. Durante años ve-nideros, muchos han sido los que han venidotratando de recrear el sonido Yes infructuosa-mente, con la intención de pasar encima por ori-ginales. Y es que a falta de originalidad en susplanteamientos, clase ni talento no les faltaba.Ahora se han reeditado su segundo y tercer tra-bajo, Fountains of light y Citadel, en la serieSony Special Products, con la misma formación:Terry Luttrell (voz), Herb Schildt (teclados),Gary Strater (bajo), Stephen Hagler yMatthew Stewart a las guitarras y StephenTassler (batería).

Fountains of light se inicia conFountains, que recoge el lado más optimista deYes en una intro brillante donde un reconociblebajo da pie a una reconocida voz. Nos movemosen un ambiente ligero, alegre y espacial.Fountains, Dawning of the day y Silver Windsforman en su conjunto una especie de suite enla que destaca su perfecta asimilación de “cier-

ta” técnica vocal. Al llegar a True to the light yase ponen en evidencia los puntos débiles deStarcastle: su compacto sonido conjunto no al-berga ningún genio individual de la categoríade un Squire, Wakeman o Howe. Además sue-len atacar sólo ciertos aspectos del estilo de Yes,relegando otros registros más experimentales olíricos. Quizás en este sentido sea un intentoPortraits (plana el espíritu And you and I). Estalimitación de registros es potenciada por unaproducción , a cargo de Roy Thomas Baker(responsable de obras clásicas de Queen comoA night at the opera o Jazz). Eficaz pero dema-siado uniforme. Diamond song empieza conGary Strater haciendo el pescadilla para aca-bar entregándonos otro entretenido número es-pacial, en el que incluso Schildt se permite algunsolo de teclados.

En el mundo de Citadel se busca uncierto alejamiento del patrón, a la par que unacercamiento a parámetros más “comerciales”,aunque las obsesiones por la ciencia-ficción y elespacio se mantienen igual que los juegos voca-les, como queda demostrado por ejemplo enShadows of song. Can’t think twice es puro y(bastante) simple rock a la americana, mientras

LU

NA

R

NE

WS

40

que Wings of white (no se privaban de nada enlos títulos de las canciones) empieza de formaprometedora y se beneficia de su menor depen-dencia para establecer interesantes variacionesen relación a este sonido común. Evening windes un buen ejemplo de mayor amplitud de re-

gistros dentro de los límites de Starcastle, es-pecialmente en su estupenda segunda parte.Change in time, en cambio, nos devuelve al so-nido más plano y previsible, mientras que Couldthis be love es otro tanteo hacia el pop-rock, comouna profecía de los Yes 80-90. Finalmente Whyhave they gone es una optimista conclusión conun buen trabajo del en general apagado Tassler.

Por supuesto que uno puede accedera los discos de Starcastle como imaginando queredescubre álbumes perdidos de Yes (que tal ycomo están las cosas últimamente, sería unamejor alternativa para la tensión arterial queatreverse a escuchar nuevo material tipo Openyour eyes), pero no haría justicia a un materialque merece una atención por sí mismo. (***1/2para los dos. Toni Roig).

4,-*/'��('03�I�')/)�-�)��/+3�*1).3,R*��3�J ��(*�� GH�

Sinceramente he de reconocer que, tras la pri-mera escucha de este Cd, la crítica se me anto-jaba harto complicada. Me explico, estamoshablando de un trabajo de neoprogresivo puro yduro, que visto desde la perspectiva del año 1.999no ofrece absolutamente nada. Otra cosa es cuan-do nos cambiamos el chip y nos introducimosen el túnel del tiempo que nos lleva hasta 1.987,una época en la que aún se encontraban atisbosde decencia dentro del resurgimiento del pro-gresivo en los 80´s. Precisamente en ese puntoquiero incidir a la hora de comentaros este Cd,con el cual entraré directamente en materia perocon la cabeza puesta en los años 80 (es decir,aún no conocemos The Flower Kings, las últi-mas aberraciones de Marillion, Arena, y demás).Vamos allá.

Crystal Maze es un grupo de origen alemán conel habitual line-up de los grupos de la época ysin recurrir a experimentos sonoros ni indagardentro de nuevas formas de música. La dura-ción de los temas ronda entre los 5 y los casi 9

minutos, y el estilo fluctúa entre las maneras dePallas, los primeros Pendragon, 12th Night oGalahad. Pese a lo que pueda parecer por lassimilitudes, C. Maze acuñan un sonido perso-nal que marca ciertas diferencias con las bandasantes señaladas. En primer lugar, sorprende eltratamiento que se le da al bajo por parte delproductor, haciendo que suene fuerte y graníti-co al más puro estilo Rush; de hecho hay ciertostemas donde la estructura musical descansa com-pletamente sobre la labor del bajo. Por otra par-te, también tenemos algunos ramalazos ajenosal neoprog como la fascinante “Reflections”, muyal estilo Moody Blues. También podemos de-leitarnos con un tema instrumental (Manhunter)con unas maneras compositivas que se salen delo corriente en grupos de su estilo. El resto delCd, como ya os he comentado, satisfará a todosaquellos que gusten del neo prog, así como detodos los que intentamos apreciar calidad den-tro de este tipo de bandas; eso si, recordad quehay que cambiar el chip y escuchar el Cd comosi estuviéramos en 1.987. Temas como “StarryEyed”, “Prejudice” o la propia “The Spider´sWeb” son auténticos temazos dentro de este es-tilo que, al borde del siglo XXI, lenta e inexora-blemente se ve abocado a la continua repeticiónde esquemas. Quizás el único fallo, o no, del Cdsea el tema “Shadow on My Mind”, muy pega-

dizo y que sorprende su escasa repercusión porcanales comerciales máxime cuando el estribi-llo es de esos que se te quedan marcados a fue-go durante unos días. Por lo demás, el Cd rozacasi el notable (***1/2) Alfonso Algora

*+�*/)43 � � 1'/+�'-*� ' � �3� � .'- 5� G��

Una de la bandas punteras entre lanueva generación surgida en los ochentacatapultadas, junto con 12th Night, Pallas oMarillion por el Reading Festival y una fiel basede seguidores. Solstice, sin embargo, se ha vis-to relegada a un segundo plano, seguramentepor su espaciada producción y los cambios ensu formación, que gira alrededor de Andy Glass(guitarra, programación y coros) y Marc Elton(violín, coros y teclados). Su estilo, una extraor-dinaria exhibición de dinámica entre secciónrítmica, guitarra y violín. Un folk rock progresi-vo de primer orden, con letras centradas en pre-ocupaciones más cotidianas (otra característicamás propia de los grupos surgidos en los ochen-

ta) y una voz femenina en primer plano, lo queles confiere un estilo más próximo a unos CurvedAir. Sandy Leigh, Heidi Kemp, BarbaraDeacon , Shelley Patt y Emma Brown hanpuesto su voz a los temas de la banda. Si tene-mos en cuenta que el material incluido en estePathways se nutre especialmente de sus dos pri-

meros álbumes, Silent Dance y New life, pode-mos hacernos una idea de la movilidad deSolstice. Pathways va desgranando en ordencronológico inverso New life (1993) y SilentDance (1984), más demos para ambos trabajose incluso alguna para su posterior Circles. Am-bos álbumes, aunque separados en el tiempopor casi diez años contienen material compues-to en la misma época, con lo que se comparte unestilo, una forma y una ilusión similar. Todo Newlife irradia pasión y equilibrio en perfecta y raracompenetración (resulta asombrosa la formacomo se van encadenando vibrantes momentosentre violín y guitarra eléctrica), tanto en sustemas más dinámicos, como Morning light,Guardian o New life como en los más cálidos,The sea y Pathways. Además, New life terminade la mejor forma posible con los diez minutosde Journey. Sin duda se trata de una de las me-jores muestras de rock sinfónico años ochentagrabada en los noventa.

En comparación, Silent dance sufre deuna producción más marcada por el tiempo,bastante dependiente de sintetizadores y conmenor protagonismo del violín. Eso, sí, con idén-ticos y deliciosos aciertos creativos como elambiente envolvente de Earthsong, que cuentacon unos teclados cercanos al Vangelis de laépoca, la solemnidad de Sunrise, el contagiosoinstrumental Return of spring o el final instru-mental de Brave new world, el lirismo vocal deCheyenne (ya en el segundo CD y mi favorito deSilent Dance por su singularidad). Reconozcotambién que encuentro más acertada comovocalista a Heidi Kemp (New life) que a SandyLeigh (Silent Dance), aunque la producción tam-poco le ha ayudado demasiado a conseguir esaatmósfera necesaria en la música de Solstice.

En cuanto a las demos, proceden desesiones de 1983 (con Sandy Leigh), 1985 (conBarbara Deason) y 1996 (para el álbumCircles, con Emma Brown) y varios de ellos,como Freedom, Spirit o Sunrise son además in-éditos. Y más temas inéditos forman la brevepero muy interesante representación de Solstice


41


en directo: Guardian of my soul, Chicken traino Time for a toke proceden de un concierto en elMarquee londinense y son una perfecta demos-tración del ambiente especial creado gracias alcontacto con el público, que es especialmentedifícil difícil capturar en estudio.

Solstice son sin duda una leyendaviva, y Pathways sin duda el mejor punto departida para conocerlos. (****. Toni Roig)

4-'��,3('*/3,3.� (3*/)L'��,34+,.*5� G��

Robert Reed es sin duda un hombrede talento. Multiinstrumentista con ideas, nodudó, cual Todd Rundgren de los 90, grabarse

el solito todo su debut (diseñó hasta la portada)como Cyan, nombre de un proyecto nacido enlos ochenta como banda pero que se disolvióantes de llegar a nada en concreto. El resultado,For king and country llamó poderosamente laatención por méritos propios tras su edición en1993 y eso le permitió no sólo intervenir en otrosproyectos (como Ezra) sino tomarse su segundoálbum con más calma y garantias. Tratándosede un cantante simplemente eficaz (en la líneade un Nick Barrett), a Reed le hacía falta en-contrar el punto de brillantez vocal necesaria yevitar el peligro de quedarse encasillado en unmismo estilo. Nigel Voyle resulto ser la opciónrequerida, y juntos completaron Pictures fromthe other side, un lógico paso adelante. Ahora,tras cuatro años de silencio, Reed ha editadoeste “recopilatorio” aparentemente innecesario.No hay temas nuevos. Sólo remasterizació y al-guna leve remezcla. Un lavado de cara con undoble objetivo: poner al alcance de un nuevopúblico una obra que se ha vuelto algo difícil delocalizar (tras la desaparición de la SI Music) ypreparar el terreno para la nueva colaboracióncon Voyle (The creeping vine, ver novedades).El material reunido es excelente por su riquezade matices, sobre todo en los teclados, en unalínea clásica cercana a Genesis, sobre todo ensu época de A trick of the tail o Wind andwuthering. En la música de Cyan coexisten sinproblemas componentes épicos, toques medie-vales y fantasía a raudales. Incluso un toqueemocionantemente fílmico aflora en temas comola extraordinaria base instrumental de Don’t turnaway. Todos los temas son destacables, desde

The sorcerer o Call me del primer álbum hastaPictures from the other side, la melódica Allaround the world o Nosferatu, una suite imper-fecta pero poseedora de una atmósfera que parasí quisieran muchas otras bandas del mundillo.

Cyan es una supone un muy buenarevisitación del clásico sonido sinfónico a cargode un hombre/orquesta especialmente dotadopara elevar el espíritu y hacer volar la imagina-ción (de acuerdo, lo de las portadas no es losuyo) (****. Toni Roig)

� �3//+� P('�0'�3,' � � +�3 � �+,�.

��231,)�/5�,33.)/'.+�3�� G��

John Wetton y Phil Manzanera sedecidieron a grabar este álbum allá por el año1986, aunque su amistad se remonta a bastantetiempo atrás: Wetton estuvo de gira con RoxyMusic entre 1974 y 1975. Dicha colaboraciónquedó plasmada en el directo Viva! Live album.

Y hay que decir que One world seaprobablemente lo más pop que jamás haya gra-bado Wetton en su agitada vida. Sencillamentenada de progresivo. Las canciones son bastantesimples y empalagosas, ocn algunos estribillosque a menudo te sacan de quicio (Round incircles sería un elocuente ejemplo).

Y como nohay que olvidarque estamosante un trabajo aduo toca hablarde Manzanera.Jamás lo he con-siderado comoun buen guita-rrista y no será

esta la ocasión que ma haga cambiar de opi-nión. Sigue en la misma línea que en RoxyMusic: lento y descafeinado.

El resultado en conjunto es bastante flo-jo, a pesar de algunos buenos momentos (Do itagain y Keep on loving yourself). Pero momen-tos aislados no bastan para salvar un álbum. Lamencionada Round in circles, Every trick in thebook, One world, I can’t let you go o el tema derelleno Talk to me (compuesta por ambos y en laque también participa el floydiano DavidGilmour) se acomogan perfectamen-te al pop más pachanguero y facilónque se haya hecho jamás.

Me sabe mal decirlo porqueun servidor es un fan incombustibledel Sr. Wetton (mis amigos pueden darfe de ello), pero One world no reflejaen absoluto el talento de este excelen-te músico. De Manzanera mejor nodigo nada más. Para los aficionados a las curio-sidades, Alan-Yes-White fue el encargado dearrearle a los parches cumpliendo sin más comobuen profesional que es.

Después de esta “experiencia única”(esperemos) parece que los caminos de ambosmúsicos se han distanciado lo suficiente paraque todos respiremos con tranquilidad. Total-mente prescindible (**. Enric Prat)

'�"9%!'��W��1(�2��<(!�F9!%�%� !%9'LMX;�3�4$'��%� !%9'�LM*M2

A mediados de 1972, uno de los años más bri-llantes de la etapa dorada del rock progresivo,apareció el primer y único disco de la bandafrancesa Sandrose, de título homónimo. Era unbuen trabajo, con un sonido totalmente repre-sentativo de la época, fundamentado en unabuena presencia de guitarras y un potente usode teclados (órgano, mellotrón, etc.). La presen-cia de una voz solista femenina al frente de laformación era una característica diferenciadorade la formación, y permitía compararla, ademásde por su sonido, con otras bandas europeas pro-gresivas como los holandeses Earth & Fire(muy buenos, con influencias Crimson y unavoz muy parecida a la actual Björk) o los suizosAnalogy. También podríamos mencionar simi-litudes con bandas típicas del rock progresivoprimitivo británico como Gracious! o Cressida.Asimismo, las referencias a Curved Air no de-ben olvidarse.

El disco empieza con “Vision”, dondela voz femenina sube, baja, gira y se retuercepara llegar a todos los registros. Las influenciasblues saltan a la vista. También hay que desta-car un excelente solo de guitarra eléctrica de lostípicos de la época. A continuación, “Never goodat sayin’ good-bye” es un tema melódico conbuenos fondos de mellotrón y guitarra acústica.

El tercer y último corte de lo que era laprimera cara del álbum se titula “Undergroundsession” y es instrumental. A lo largo de susmás de 11 minutos nos encontramos con am-bientes cambiantes elaborados en base a unmellotrón muy melódico. Los toques jazzy sehacen muy presentes aquí, donde destaca la la-bor de una guitarra eléctrica endiablada. Tam-bién hay una gran presencia de órgano, lo queremite en algunos momentos a bandas germanascomo Nektar. Buen tema, sí señor.

“Old dom is dead” nos devuelve asonidos más reposados, mientras que el siguiente“To take him away” es un tema que destacadel resto por una buena melodía y una vozsubyugante. Unos teclados suaves, pero jugue-tones, y una excelente guitarra solita hacen elresto. A continuación, “Summer is yonder” nos

ofrece un comienzo in crescendomuy sinfónico que se acompaña se-guidamente por los cuasi-susurrosde la vocalista. El estribillo, en cam-bio, es potente y sorprende, la ver-dad.

“Metakara” es un tema rít-mico, con muchos cambios de rit-mo, que entra con el órgano en plan

potente. La instrumentación es brillante y debe-mos volver a mencionar la buena guitarra eléc-trica de Jean-Pierre Alarcen. Finalmente,“Fraulein kommen sie schlaffen mit tir” cie-rra el disco con 32 segundos de divertimentointrascendente.

En síntesis, Sandrose nos da esa vita-lidad típica de los buenos discos de progresivosetentero que apetece tanto. Ya lo sabéis. (***1/2) Jaume Pujol

42

Una banda llena de ilusiones progresivas en un país y un tiempo no muy prometedores. Por Jaume Pujol y dedicado a....

BIOGRAFIA: AUDREY

Recientemente tuve conocimiento de uno de esos gruposolvidados en el tiempo que, de repente y sin llamar a la puerta, secuelan en tu casa y en tu equipo de música y te regalan buenosmomentos Nescafé. Además, dicha banda, ya disuelta en laactualidad, tenía pasaporte nacional -maño para más señas-, lo queno deja de tener su interés. A continuación os relato la historiaanónima de una formación cargada de ilusiones, cuyo legado musicalse resume en un CD amateur con ocho temas (cuatro de estudio yotros tantos en directo) y un enorme montón de recuerdos. Sí, señoresdel progresivo hispano, estoy hablando de Audrey.

Audrey estaba formada por Andoni Arana a las guitarras ysegundas voces, Antonio Salanova al piano yteclados, Ricardo Guinea a la guitarraacústica, Javier López al bajo y Alberto Torróa la batería, percusión y voz solista. Puedointuir que este último nombre suscitarácuriosidad entre los lectores y, posiblemente,algunas preguntas: “¿es el mismo que…?”,“¿será algún pariente de…?”, etc. La preguntacorrecta es la primera, y es que estamoshablando del impulsor en 1993 de aquelhistórico fanzine que tuvo a bien llamarseLunar Suite y que tanta información y alegríasnos dio a todos durante casi más de cuatro años(no sé vosotros, pero yo amplié mucho misconocimientos progresivos). Bueno, sigamos con el grupo. Sunombre se eligió entre múltiples opciones en honor de la musa delcine norteamericano Audrey Hepburn “la flaca”, lo que nos inducea pensar que la banda deseó plasmar en su música la belleza,delicadeza y sensibilidad que emanaban de la actriz.

El vehículo paramaterializar estase l e v a d a sintenciones fuenuestro querido yversátil rocks i n f ó n i c o -progresivo. Todoslos miembros deAudrey eranconsumados prog

rock lovers, con lo que la elección del medio artístico fue de lo másnatural. Sus fuentes directas -casi contemporáneas- fueron losgrandes músicos y grupos progresivos de los setenta, aunque haydiferencias notables de referencias musicales entre los temas deldirecto y los de estudio. Asimismo, su aparición coincide con laeclosión progresiva en la península que, como debéis saber, fuemás tardía que en el resto del mundo y paralela a la expansióninternacional del punk.

Volvamos al tema que nos ocupa. Los cuatro temas que abren elcompacto, que fueron grabados el 5 de julio de 1979 en la salaPachá de Zaragoza, son temas de pleno progresivo área Canterbury,es decir, con influencias de bandas tales como Caravan, SoftMachine, National Health, Hatfield and the North, etc. Tambiénhay algo de los Camel más jazzy (Rain dances, Breathless). Pianoslíquidos, percusiones y baterías que se derriten y guitarrasempuñadas con ganas son los instrumentos que componen unamúsica no exenta de fuerza. El primer tema se titula “La muertedel zar negro”, dura 14 minutos y está estructurado con múltiplescambios de ritmo y con una buena labor a la guitarra eléctrica. Estámuy bien. A continuación, “Opus I” se nos presenta más melódicopero con la misma tónica que el anterior, quizás aún más líquido.

El tercer tema está bautizado con el nombre de “La suite discreta”

y permite comprobar que Alberto era un héroe, una especie de sex-symbol, entre el público. Es hermoso escuchar como el respetableaclamaba su nombre después de anunciar el título de la pieza:“Alberto el discreto”, “Alberto el discreto”, … El decir, buen rolloy mejor ambiente, que es lo que realmente vale la pena. Así comolas dos canciones anteriores eran mayoritariamente instrumentales,este corte está cantado en inglés, y Alberto no tiene una mala voz,todo hay que decirlo.

A continuación viene un tema interesante, puesto que estácompuesto íntegramente por el sr. Torró y puede explicar muchascosas. En efecto, “Mujer verde-agua” combina muy bien las

guitarras eléctrica y acústica en una marcheta quese va desarrollando mientras se cantan, otra vez eninglés, las excelencia de una mujer. Melodía,sensibilidad y poesía, o sea, tres de los postuladosque dejó Lunar Suite a sus seguidores, sobre todoa partir del número 11. Por fin entiendo ciertascosas…

“I know the lie” es el primero de los temas deestudio, que fueron grabados entre 1982 y 1986.Aquí las referencias jazzy, sin desaparecer del todo,pasan a un segundo plano. Este corte, y los queseguirán, debemos situarlo entre Anthony Phillips(Wise after the event, básicamente), los Genesis

del Trespass y los Camel más bucólicos. Lo que no puede ser esque la voz de Alberto me recuerde en algunos fragmentos a Gabriel,¿o sí puede ser?

Retomando la canción, podríamos decir que es pop sinfónico decalidad, con una excelente labor a las guitarras acústicas y a lasvoces. Lástima que se quede en 2 minutos, se hace corto. En lasmismas coordenadas se puede situar el siguiente tema, “It’s up toyou”, también muy correcto y en su sitio.

“Relato en verdes imágenes” contiene 13 minutos de músicainstrumental más compleja. Empieza con una guitarra acústica quese me antoja cercana a Howe y, de repente, me viene a la cabeza eldescomunal “Backwards” de Mike Ratledge incluido en el nomenos maravilloso For girls who grow plump in the night deCaravan. La música, ahora, es más intimista, menos expansivaque en los temas en directo. Los teclados han sustituido en granparte al piano y sulabor es la dec o n s t r u i rambientes sobrelos que desarrollarlas melodías de lasguitarras y voces.Al final del tema sevuelve un poco a laliquidez del jazz. Finalmente, “I know the lie (reprise)” nos remitede nuevo al quinto tema del CD. Muy bueno, muy Phillips.

Entre finales de 1986 y principios del año siguiente, los miembrosde Audrey, siendo conscientes de su vago futuro en el mundo de lamúsica progresiva, decidieron seguir sus caminos por separado. Unose dedicó a dar clases en el conservatorio, otro a continuar comomúsico de sesión, otro prefirió seguir en activo como cantautor,etc. Alberto no lo sabía, pero pocos años más tarde daría a luz unapublicación que ha tenido -y tiene- una influencia vital en el devenirdel progresivo del nuestro país.

Alberto, una cosa. Aparte de la música, la portada del CD que tehas montado está de coña. Jaume Pujol - Marzo 1999

BI

OG

RA

FI

A:

A

UD

RE

Y

43

F E E D B A C KF

EE

DB

AC

KVuestras opiniones, palabras de ánimo, críticas, consultas, preguntas, sugerencias...nos son de gran valor

Bill Martin:Apreciado Toni,

Muchas gracias por escribirme y enviarme vuestro excelentemagazine, Lunar Waves. He de decir que ha sido una auténticasorpresa ver mis libros comentados en español y encontrar una fotomías con un pie de foto en lengua española. Uno de los mayoresplaceres de haber escrito estos libros ha sido poder contactar congente de todo el mundo. Creo que habeis hecho un buen trabajo alllevar adelante esta publicación. El número uno tiene un aspectoestupendo y os deseo la mejor.

También es fantástico que hayais podido comentar tantoslibros sobre rock progresivo en vuestro primer número, incluyendoel de mi amigo Edward Macan. Gracias también por usar mis teoríasen vuestro artículo sobre las definiciones del rock progresivo.¿Estaríais interesados en hacer una entrevista sobre estos temas?Lo podríamos hacer a través de correo electrónico, si te parece.Imagino que Edward Macan también estaría dispuesto, si os interesa.

Sobre tu opinión sobre el libro de Bradley Smith [TheBillboard Guide to Progressive Rock], opino que ha ayudado allenar un vacío, así que en conjunto me alegro que esté ahí. Me hecomunicado un poco con Bradley y está definitivamente obsesionadocon el tema de las drogas, aunque se me podría acusar a mí de estaralgo obsesionado con el tema anti-droga! Creo que es muy interesanteque su idea de música progresiva incluya el jazz ECM (del cual soytambién un aficionado), pero sorprende que no tenga en cuenta eljazz practicado por negros. ¿Por qué Terje Rydal es “progresivo” yno Cecil Taylor? Y como muy bien señalaste, hay algunas curiosasomisiones. Parece que un buen número de gente le ha escritopreguntándole por qué ha excluido a Gentle Giant. A mí me dijoque no entendía qué les veían: “Sólo son una banda de rock”. Enfin, gracias de nuevo por escribirme y por los artículos de vuestromagazine, Toni. Espero que nos mantengamos en contacto. [Seguroque sí, Bill]

Jordi Bozzo:

Hola, Salva. Ya me he leído de pe a pa el Lunar Waves 1 y tecomento lo que más me ha llamado la atención.

Me ha gustado mucho “Los años del rock progresivo” deJosé Sahagún (me encantan los juegos numéricos y las estadísticas).Además he descubierto curiosidades como por ejemplo que discos

que considero flojos sean considerados los mejores de su año.

Las críticas de discos están fantásticamente escritas. Dehecho, desde Lunar Suite hago bastante caso de ellas en el momentode comprar discos, así como de los comentarios que aparecen en elcatálogo de Pan y Música. Casi siempre son acertadas y sólo un parde veces no me ha gustado el disco que he comprado, pero tambiénes una cuestión de gusto, como lo confirman las críticas opuestas deJaume Pujol y Roberto Gracia sobre Sinkadus. Me hizo muchagracia comprobar como estaban opuestos sus puntos de vista. Todavíano tengo este disco, pero me vienen ganas de escucharlo para saberquien tiene razón.

El especial Tubular Bells va bastante bien. A personajesmusicalmente desconcertantes o hasta contradictorios como MikeOldfield siempre se les puede sacar bastante juego en un artículo.

Muy interesantes también los comentarios sobre libros.Definiciones y comentarios sobre el rock sinfónico para todos losgustos, algunos acertados e ilustrativos y otros que realmente no seenteran de qué va la cosa.

Del artículo de Marillion-Radiation podría repetir lo mismoque en relación a Mike Oldfield. Quizás este tema de la metamorfosisde Marillion podría servir para un artículo especial, ya que tienendesconcertado al personal. Me sorprende la declaración de IvanFrauca de The Bright Light, ya que si no voy errado, el club de fansde Marillion porque era un grupo emblemático del renacimientodel rock sinfónco; incluso llevando el estigma de heredero del estiloGenesis. No se que sentido tiene entonces mantenerse ahora que elatractivo del grupo es que cambia continuamente de estilo.

Y por último el artículo sobre el new age y suscontradicciones, muy bueno. Una vez más, vuelve a aflorar elatractivo sobre lo contradictorio y desconcertante, esta vez no sobreun autor sino sobre un “estilo” como el new age. Recuerdo unartículo de Alberto Torró en los primeros Lunar Suite en el quedescribía con su fantástico estilo el papel de sucedáneo engañosoque el new age le aportó durante unos años nefastos para el rocksinfónico. Y lo recuerdo porque me hizo mucha gracia ya quedescribía exactamente lo que me había pasado a mí también. Encuanto a Don Simpho, me gustan más las historias sobre la vidacotidiana del personaje, con D.S. viviendo situaciones equívocas oridículas, metiendo la pata y a veces recibiendo los palos sin haberlosprovocado. Nos veremos en Tiana. Recuerdos

COMUNICADO

�� (�� !�� !��!�� "�� #�� $��Y�� %��!�� !�� & �� '��(��T��U�� !��"#��$��%&��e-mail: [email protected] Pues ya lo sabéis. Aquí estoy, para cualquier cosa.

44

ESPECIAL TUBULAR BELLS (II)E

SP

EC

IA

L T

UB

UL

AR

BE

LL

S (

II

)Ahora es el turno, en este viaje hacia atrás en el tiempo de lo peor a lo mejor, de hablar de Tubular Bells II. Es el turno de Roberto Gracia.

Proseguimos con el análisis de las diferentes entregas queD. Miguel Campoviejo, también conocido como MikeOldfield, ha venido efectuando de su ópera prima y, por elmomento última. Para empezar ,y a modo de constataciónreverencial de la realidad creo no puede obviarse laimportancia sociológica, ya no de la música en sí, sino dellogotipo o imagen ya que estascampanas tubulares dobladas sirventanto para anunciar empresas deandamios, como empresas defontanería y servicios diversos; esto esque cada día vemos “Tubular Bells”andantes en forma de furgoneta conlo que el recuerdo de la música paralos que la conocemos sobradamente nonos va a faltar.

Dicho esto, en el anterior número deLUNAR WAVES , Toni desmenuzóconvenientemente empezando por elfinal el T.B. III por lo que entraremoscon la segunda entrega.

Oldfield tenía pensado desde variosaños antes actualizar, rememorar la obra por la qe, sin duda,pasará a la pequeña historia de la música pop, pop-rock ocomo queráis llamarle y tras una década , la de los 80, bastanteinestable en las que alternó discos interesantes (QE2, FIVEMILES OUT, CRISES), con discos mucho menos interesantes(DISCOVERY, KILLING FIELDS, ISLANDS, EARTHMOVING), entró en la década de los noventa con un “tourde force”, con AMAROCKque para quien esto escribees uno de los mejores discosdel señorito, realmenteprogresivo, difícil ,inspirado , la recuperaciónde un músico notable.

Tras el prescindibleHEAVEN´S OPEN, Mikecambia transitoriamente dediscográfica, se pasa a laWarner y decide entoncesestrenarse en el cambio conun reestreno. Casi 20 añosdespués el 28 de Agosto de1992 se publica esteTUBULAR BELLS II queahora nos ocupa.

Hay quien opina que estaes la mas floja de lasentregas; no soy de esa opinión, particularmente me gustamas que la tercera parte. Si se trata de presentar partes deuna misma obra los temas, las melodías deben de perdurar,desarrollarse y, en este sentido, sin duda, TUBULAR BELLSse ajusta mucho mas a los esquemas melódicos, rítmicos einstrumentales de la primera obra que la tercera parte quetambién es digna pero incluye cosas como el tema idéntico a“Moonlight Shadow” que no estaba en el Tubular Bells I.

Cierto es, lo admito sin ambages, que la evolución deTubular Bells II es tan sólo a nivel de tratamiento instrumentalno a nivel de desarrollo del concepto, de la idea, de laestructura y en este nivel Tubular Bells III sí que va más allá

, evoluciona mas, maneja y modela mas las estructurasmusicales iniciales. No por ello ha de minusvalorarse el merodesarrollo instrumental, no olvidemos que muchas de lasgrandes obras clásicas se estructuran mediante utilizaciónde instrumentos distintos en una misma melodía.

TUBULAR BELLS II actualiza instrumentalmente laprimera entrega, se utilizan masprogramaciones, mas ordenadores, massamplers, mas gaitas (a instrumentos demúsica me refiero) y modernismos apartecuenta con una brillante producción deTrevorn Horn, Tom Newman y el propioOldfield.

En lugar de dos partes se utilizan catorcecortes pero todos los elementos del primerdisco están aquí; comenzando por labrillante SENTINEL quizás el corte masdifundido, la deliciosa CLEAR LIGHT conesas guitarras acusticas acompañadas decampanillas sobre las que se sitúa la vozde Susannah Melvoin y los sintetizadoresimitando a la perfeccción el sonido de las

flautas; la presentación de cada instrumento en THE BELLcon la inolvidable entrada del bajo doblado o multiplicado ...“grand piano”...”glockenspiel”.. así hasta las campanastubulares; el banjo de THE GREAT PLAIN , todo se vaconcatenando, sucediendo, discurriendo con naturalidad, conprecisión, con lógica, haciendo que todo lo ya escuchadoparezca en cierto modo nuevo y es así siendo este el granmérito de este disco. Porqué es superior el primero?, por la

novedad, obviamente,porque lo esencial es quede repente apareciera enel panorama musicaluna obra originalísimade un señor que comoJuan Palomo se loguisaba y se lo comíasólo pariendo un pedazode disco él solito. Heescuchado los dos discosseguidos, uno primero,otro después, al revés ylos dos me parecen muybuenos, de verdad. O seaque rompo una lanza poreste Tubular Bells II queveinte años después, -como cuando veinte

años antes compré Tubular Bells I- me sorprendió muyfavorablemente.

Recuerdo igualmente con cierto asombro la perfectainterpretación del disco que Oldfield llevó a cabo en lapresentación del disco utilizando un marco incomparable, elcastillo de Edimburgo. El video se vende todavía con unsonido esplendoroso por lo que si disponéis de un buenreceptor de TV merece la pena que, al menos, lo alquiléispor una vez.

La continuación acaba de llegar y ya os la comentó Toni osea que a ella me remito. Saludos Tubulares amigos.

Roberto Gracia. abril de 1999.

4�?�!� �� =��#��=��II<"�� =��'��.>

45

Z O N A L I M I T EZ

ON

A

LI

MI

TE

Rock, folk, música céltica, hard rock, pomp, gótico, música experimental... con una cierta actitud.

*/'V(�,3/2,) �/*�1+,+.)*3� *1L5��,,G�

Styx es un punto de referencia obligado al ha-blar del pomp y el AOR americano (dos estilosen donde, al igual que en el hard rock interesanmás las excepciones que la regla). La carrera deStyx abarca más de dos décadas y en sus inicios(su primer álbum se editó en 1972) se relacionócon el entonces efervescente movimiento pro-gresivo que llegaba del otro lado del Atlántico.Con el nostálgico título Return to paradise,este directo grabado en Chicago en 1996 yreeditado por fin en una asequible edición euro-pea recoge durante más de 2 horas Styx de to-das las épocas y para todos los gustos, con unasólida formación compuesta por los clásicosDennis de Young (teclados y voz), James

Young (guitarras, teclados y voz), Tommy Shaw(guitarra acústica y eléctrica, mandolina y voz),Chuck Panozzo (bajo y voz) más ToddSucherman (la incorporación más reciente, ala percusión).

El primer CD empieza sin demasiadospreámbulos con una fantástica versión de Onmy way, a la que le sigue un tema inédito, boni-to pero algo edulcorado, compuesto por DeYoung para un musical sobre el Jorobado deNotre Dame (el tema se titula…¡¡¡Paradise!!!).Pero a continuación nos espera uno de los te-mas más esperados de su repertorio: Rockingthe paradise, de drástico efecto contra el malhumor y la inactividad (un perfecto punto deencuentro entre Queen y el pomp rock). Del restodel contenido de este CD, destacar temas clási-cos como el muy AOR Blue Collar Man, la fa-mosa balada Lady, la impagable Too much timeon my hands (¿alguien invitó a Alan Parsons alas sesiones de grabación de este tema?), labluesy Snow blind y Suite Madame Blues, untema himno de tintes progresivos e inspiraciónZeppelinesca (a mediados de los setenta,Stairway to heaven estaba en la mente de mu-chos); en conjunto un tema de irregular interés.Cierra Crystal ball, que transpira años setentaen todos sus acordes y perfectas armonías voca-les made in USA.

El segundo CD empieza de forma mag-nífica con uno de sus temas más inspirados, den-tro de su línea más progresiva: Grand Illusion(el original data de 1977, y seguro que Saga,que telonearon a Styx en sus comienzos, toma-

ron buena nota). En la misma línea Foolingyourself (The angry young man), con fuerte pre-sencia de teclados (atención a la formidable in-troducción y el yessístico final). A continuaciónla emotiva Show me the way, Boat on the river,que nos transporta en un sorprendente viaje através de acordeones y mandolinas y Lorelei,otro ejercicio de puro rock americano. Tras otrade sus típicas baladas AOR, Babe (uno de susprimeros éxitos, y tema que De Young dedica asu esposa) y después del horrible numeropseudoheavy Miss America (será irónico y tal,pero sigue siendo insoportable), llega Come sailaway, con una introducción mimosínica pero queafortunadamente se anima en un crescendomusical con aires de fin de fiesta. En un segun-do compacto más irregular uno pide ansioso losbises, que llegan en forma demoledora: la clási-ca Renegade (coreada con devoción y que cuen-ta con un excelente intervención de TommyShaw a la guitarra) y la emocionante The bestof times, para mi su mejor balada. Para cerrarReturn to paradise aparece Dear John, violi-nes, acústica, mandolina y coros en un hermosotema inédito con el que Styx vuelve a demos-trar que, con todos sus altibajos, poseen todavíauna habilidad innata para encontrar perfectasmelodías hasta debajo de las piedras, y vestirlascon los mejores ropajes que unos buenos músi-cos son capaces de tejer, (***1/2. Toni Roig)

/*/*(�VV� 4*�2(� )+5��,,G�(

Sin duda, Toto es más que Rossana, Africa oincluso Hold the line. Lo han demostrado enálbumes como Toto, Hydra, Turn back, IV,Isolation o incluso su incursión en la banda so-nora Dune. Además, matienen una posición

envidiable en el panorama rock americano (lle-van en la misma compañía sus 20 años de histo-ria, a pesar que en los noventa su potencial co-mercial y a mi juicio creativo ha descendido no-tablemente). Aunque catalogados como AOR,su música se distancia en mucho del tópico(¿Foreigner, Survivor, Reo Speedwagon…? ¡Porfavor!). Lo que les hace únicos es su fusión deritmos blancos, negros, latinos, etc., desde unabase rock forjada tanto en los Beatles, el hardrock como el progresivo (de ahí que muchos afi-cionados a este estilo tengan tanto aprecio poresta banda, como es el caso de Hydra): rock,blues, funk, soul, jazz, ritmos latinos, rythm &

blues…. Sabiduría musical adquirida en su tra-bajo como músicos de estudio de los hermanosPorcaro, David Paich, Bobby Kimball, Da-vid Hungate, Steve Lukather y una procesiónde colaboradores a lo largo de los años, comoFergie Fredericksen (una gran voz que a pesarde dejar huella no duró por culpa de su malarelación con los miembros de la banda), JosephWilliams o Simon Phillips. ¡Que pocas gru-pos combinan con tal equilibrio y maestría sec-ción de viento, guitarra eléctrica y teclados!

Toto XX es un recorrido por temasinéditos incluidos sin orden cronológico, másalguna tema en directo (algunos también inédi-tos). A pesar que la irregularidad es inevitable,os aseguro que Toto XX es lo mejor que haneditado los californianos desde hace mucho tiem-po, diría que desde el mismísimo Isolation. Mássueltos, libres, pero con la misma capacidad deconfeccionar grandes canciones exprimiendo afondo todas sus posibilidades. Y es que a lamúsica de Toto se le puede aplicar aquella fraseque alguien dijo una vez relacionando EricClapton y el sexo: “Cuando es bueno, es muybueno y cuando no lo es….. tampoco está nadamal”. La mayor parte del material de Toto XXentra en la primera categoría: Going home y Taleof a man, que cuentan con la voz de Kimball,son un principio insuperable en su mejor líneaeléctrica (es increíble que Going home no fueraaceptada por la discográfica para ser incluida ensu recopilatorio Past to present, sobre todo te-niendo en cuenta lo que sí fue a parar ahí). Lastnight es una incursión en su lado funky con ge-nerosa sección de vientos. In a word y Moderneyes son divertimentos, especialmente el segun-do, a ritmo de reggae. Right part of me es unabalada con un excelente soporte por parte de laLondon Symphony Orchestra (¿había dichoya que estos muchachos son unos genios de losarreglos?). El séptimo corte, Mrs. Johnson pro-cede de las sesiones de su álbum debut y le co-rresponde en estilo y calidad al 100%. La anéc-dota en este caso es el homenaje confesado deLukather a Brian May y cuenta con un finalentre Pink Floyd y Supertramp. Miss sun y Loveis a man’s world (supongo que no lo dirían enserio) eran demos para conseguir contratodiscográfico, en plena época de fiebres de sába-do noche, lo que marca su tono más funky yligero, aunque francamente divertido. Man onthe run fue grabado en el Festival de Jazz deMontreux en 1991 y cuenta con un (otro) sobre-saliente trabajo de Lukather. Finalmente seofrecen tres temas de su primer concierto enSudáfrica, celebrado en 1996. Dave’s gone skiing(un inofensivo tema instrumental), BabaMnumzane (con un coro tradicional de siete vo-ces) y…. inevitablemente Africa, en una espe-cial versión que situa sobre el escenario a 18músicos, incluyendo el coro y percusionistas lo-cales, en un brillante cierre para una joya me-morable. No podría terminar esta crítica sin unrecuerdo a la figura del desaparecido JeffPorcaro, a quien, como no, va dedicado esteToto XX al que tanto contribuyó como com-positor y percusionista. Pronto tendremos entre

46

Z O N AL I M I T E

nosotros su nuevo álbum que marcará el retornode Bobby Kimball. Hasta entonces. (****. ToniRoig).

.,3+(*�*(�*+))/'�O�I(+*-23,+.3J� ++��*(

*3,(*)��,,,�

Unos más y otros menos, todos recordamos elfamoso musical de Broadway “The Phantom OfThe Opera” escrito por el “rey Midas del musi-cal” Andrew Lloyd Weber. Pues bien, esta obrasirve de inspiración a los alemanes Dreams ofSanity para realizar su particular recreación deeste mito. D.O.S. son un quinteto germano, conchavala al frente, que realiza una música gótica,con numerosas raices dentro de la música decámara, uso de órganos de iglesia y demás tras-tos, y que rozan, al igual que otros muchos gru-pos de este estilo, con el rock sinfónico.

Tras la obertura de turno, muy sinfónica y muylograda, entramos de lleno con la versión deLloyd-Weber de “The Phantom...” cantada a dúoentre Sandra Schleret y Tilo Wolff, alma materde los reyes del gótico-clásico-deprimente La-crimosa. La versión realmente pone los pelosde punta ya que la voz de Sandra alcanza regis-tros cuasi-operísticos, mientras que la grave vozde Wolff pone el contrapunto necesario para re-dondear el tema. Evidentemente, esta es la joyadel Cd.

Tras este temazo, aparecen los diferentes “ac-tos” (4 concretamente más un interludio), queconforman, con mayor o menor fortuna, la co-lumna vertebral de “Masquerade”. El acto I co-mienza prometedoramente pero se abusa delminutaje en exceso, por lo que acaba resultandobastante pesado. Toda la obra sigue el mismoesquema, guitarra poderosa pero con el freno

echado en los mo-mentos álgidos, mu-cho uso de teclados,y una voz que resul-ta angelical y poten-te a la vez y que re-sulta una maravillaen los momentostranquilos («Act 4»,«Interlude»). Al fi-

nalizar todo «Masquerade» hay tres temas tam-bién interesantes, del que destacaría «TheMaiden and The River» por su lirismo. Pocomás.

En resumen, el Cd es una obra «de momentos»;es decir, en cada tema hay partes (fraseos depiano, solos de guitarra, melodías vocales,...) es-tupendas, pero no se logra captar el nivel mediode dramatismo que este tipo de música intentatransmitir. Lo único que merece la pena es laadaptación del tema de Ll.Weber, pero os reco-miendo fervorosamente que antes os hagais conla B.S.O. original del musical. Si quereisintroduciros en la parte más sinfónica y líricadel gótico es preferible echar mano de Lacrimo-sa para evitar sorpresas. (**) Alfonso Algora

�+4,)(**+ �I*/)��3J� ++��*(�*3,(*)��,,H�

Mucho ojo. Pese a lo que muchos puedan pen-sar o decir acerca de Lacrimosa, hay que reco-nocer que es un grupo que nunca deja indiferen-te al oyente. Gusta tanto a heavies, siniestros, eincluso muchos temas son del agrado de aman-tes de la música clásica (tampoco es para tanto)y del rock sinfónico; de hecho, he visto con mispropios ojos a un reconocido fundamentalistasinfónico madrileño hacerse con un par de Cd´sde estos alemanes mientras los alababa por lobajinis, ¿no es así, Sr @*##!!!? (ooopps, maldi-to procesador de textos). Esta es la razón por laque considero que deben tener un pequeño hue-co en esta sección y así os podais hacer una idea.

Bajo el nombre de Lacrimosa se esconde la per-sonalidad de Tilo Wolff, un chaval de 27 años

que ya ha compuesto 7 Cd´s y ha conquistadoun cierto éxito a nivel underground por tierrasteutonas. La música de Lacrimosa ha ido evolu-cionando desde su primer Cd hasta este “Stille”pasando de ser una especie de “The Sisters OfMercy” en versión más orquestal, hasta llegar abasar más del 80% de su última obra en arre-glos de órgano y orquestaciones con innegablesinfluencias de los compositores clásicos román-ticos como Chopin. Por ello, y aunque se pue-dan sacar bastantes cosas curiosas de sus Cd´santeriores, hemos de reconocer que su trabajomás “sinfónico” es éste que os comento.

Para no extenderme demasiado, la música deLacrimosa es ideal para escuchar en las tardesinvernales sentado cerca de la chimenea mien-tras se lee algún libro de Becquer, Lord Byron oEspronceda y se saborea una copa de brandy. Esuna música triste, casi fúnebre, que resalta lasmayores miserias del ser humano merced a lasletras que, cantadas en alemán por la gravísimavoz de Wolff, hacen que el oyente se sumerja enun océano de pensamientos (no es el grupo másrecomendable para escuchar cuando tu novia teha dejado). Las orquestaciones, los ritmoscadenciosos, y las subidas y bajadas de intensi-dad musical forman un conjunto de sensacionesque no pueden ser valoradas por separado.Temazos como “Die Strasse Die Zeit”, con unosestupendos coros, “Der Erste Tag”, o “Mein

Sweites Herz”, son buenas pruebas de la cali-dad compositiva de Wolff. Por otro lado tene-mos la labor vocal de la compañera de Tilo, AnneDurmi, en las canciones cantadas en inglés“Make It End” y la deliciosamente decadente“Not Every Pain Hurts”. El punto bajo del Cdson un par de temas guitarreros que desentonancompletamente con el resto del trabajo y quedesvirtúan la casi redondez de la obra.

Tras lo expuesto, lo único que me que-da deciros (como en la mayoría de las críticasque haga para esta sección) es que intenteisgrabaros o localizar este Cd para sacar vuestraspropias conclusiones, ya que obviamente no es-tamos hablando de rock sinfónico o progresivo.Si sois abiertos de mente, os gustan Devil Doll,Dead Can Dance, y grupos por el estilo, proba-blemente acabéis rendidos ante la música deLacrimosa, un grupo que no os dejará indiferen-tes en absoluto. Por cierto, para el mes de Juniose espera nuevo Cd de Lacrimosa grabado ínte-gramente con la Royal Philarmonic Orchestrade Londres (****) Alfonso Algora

�"9%�I%�'� W� ?� ( � 2 1 3 2 � � <'!"I<!�R�LMMM2

Cendraires es un nuevo conjuntovalenciano que practican un folk al que añadennotables influencias de músicas “buenas” comoel blues, el jazz, la de autor y la clásica. La for-mación está compuesta por Néstor Mont a lavoz, guitarra clásica y mandola, Mara Aranda alas voces, Joansa Maravilla a las percusiones yla guitarra acústica, Gonçal Palop a la guitarrabaja y Didier Ferrando a la flauta travesera yflautín., y como instrumentistas son buenos, losuficientemente buenos para brillar en el tipode música que practican. Los temas son cortos ydulces, y están cantados por dos voces, una mas-

culina y otra feme-nina, que se comple-mentan la mar debien. La temática delas piezas es diver-sa, pero con énfasisen los sentimientosy en las historias dela vida y las letras,en este sentido, son

bastante acertadas y llenas de poesía. De las 12canciones que forman el compacto, “Possiblevida”, con sus aires medievo-tradicionales, elcasi psicodélico “Somniava” y la tierna “Es-trelles que són mirades” destacan -a mi jui-cio- sobre el resto, puesto que, además de por suoriginalidad, brillan por su buena labor instru-mental casi clásica y por unos arreglos acerta-dos. Hay que destacar que, a pesar de que lasletras son en valenciano (discusiones lingüísticasaparte), el libreto contiene la traducción al cas-tellano. Ya lo sabéis, un buen disco de folk ycanción de autor con toques clásicos para escu-char con tranquilidad y buenos alimentos. (***1/2) Jaume Pujol

47

Amarok es uno de esos grupos queintentan por todos los mediosrealizar la música que les apetece yque les gusta. En su caso, el sonidoprocede de múltiples influenciasproducto de las distintasprocedencias geográficas de losmiembros que lo componen y lasreferencias musicales de cada uno de

ellos. En efecto, el rock progresivo, la música electrónica,el folk, la música celta, la clásica y otras se funden enuna amalgama de sonidos sumamente atractivos. Acontinuación realizaremos un breve recorrido (todas lasbiografías son breves) por la historia del grupo.

LOS ORÍGENES

Amarok (vocablo esquimal que significa “lobo”), seformó a principios de 1990, con la unión de RobertSantamaría , multi instrumentista (aunqueprimordialmente teclista), compositor y líder que poraquel entonces elaboraba música electrónica para suspropios audiovisuales de naturaleza y divulgacióncientífica, y Lídia Cerón, cantante de formación clásica.El primero formó parte de numerosos grupos de músicavanguardista en Venezuela durante los años 80, desdedónde se vino a España para poder desarrollar sus ideasmusicales. Aquí ha elaborado música para audiovisualesy vídeos divulgativos, ganando el premio “Nuevasexperiencias musicales electrónicas” (hecho que lepermitió grabar un tema en un disco recopilatorio) ennuestro país. Lídia Cerón, por su parte, ha sido miembrodel coro de la Universitat Autònoma de Barcelona, con elque ofreció numerosos conciertos, actuando en ciudadescomo Barcelona, Madrid, Vitoria, Liverpool, París, etc.

Antes de seguir, es preciso hacer una aclaración a losque hayan relacionado (que no serán pocos) el nombredel grupo con el disco del mismo título de Mike Oldfield.El nacimiento y bautizo de la banda que tratamos esanterior al lanzamiento del trabajo del guitarra británico,por lo que no existe relación entre los dos nombres.Además, quién piense que tales coincidencias suponenventajas no debe hacer extensiva esta opinión a este caso.Las comparaciones con Oldfield han sido constantes a lolargo de la carrera del grupo, y no en sentido positivoprecisamente.

Olvidemos este asunto y sigamos. Entre1990 y 1992, y en compañía de músicosdiversos, el grupo ofreció conciertos ennumerosos lugares de Catalunya. Y es enel verano de 1991, cuando se editó su primercassette, titulado Migracions, en el queencontramos una música principalmenteelectrónica orientada a la creación deambientes, muy relajante. Lainstrumentación mayoritaria fueron el piano, los teclados,las voces y las guitarras, de lo que se puede deducir por

donde van los tiros. Si a ello añadimos que el trabajo contócon la participación de Guillermo Cazenave a lasguitarras y en la producción, uno puede situarperfectamente la música de que hablamos. Como ya sabéis,no es la más indicada para fans del power prog.

En febrero de 1992, Amarok fue invitado a participaren el IV Encuentro iberoamericano de música electrónica,celebrado en Caracas (Venezuela), y en el que compartiócartel con músicos como Suso Saiz, Jorge Reyes y AlainThibault.

EL LOBO COGE CARRERA

El año 1993 marcó uncambio importante en ladinámica de Amarok, ya queoptó por instalar su estudio enuna casa de campo del nortede Catalunya, con laparticularidad de que estabaalimentada únicamente porenergía solar fotovoltaica.Después de más de un año detrabajo, en primavera de 1994,el grupo editó por cuentapropia el CD Els nostrespetits amics, asumiendo elreto que significaba grabar un disco en estas condicionesalternativas y limitadas. Por aquel entonces el grupo yacontaba con cuatro nuevos componentes estables: ManelSesé, percusionista y compositor, Joan Morera, violinista,Kerstin Kokocinski, oboista residente en Alemania y AsyGuerrero, guitarrista. El primero fue importante en eldevenir del grupo, lo que se explica, en parte, por su buenquehacer en la composición (había realizado trabajos paravídeos divulgativos y de naturaleza), así como los frutosrecogidos de colaboraciones diversas (como teclista enlos primeros discos del guitarrista Albert Giménez, enla banda de Andrés Gil, el grupo Terramae, etc.).

Els nostres petits amics permite apreciar una evoluciónhacia esquemas más naturales y menos electrónicos,introduciendo esquemas más folkies y progresivos. Temascomo “Tucans per tot”, “Migracions” y la suite de ochominutos “Somiedo” destacan por encima de la media, que

creo demasiado relajada (más marcha, porfavor). Algunos de los temas del CD sonfragmentos de la suite “Gran paradiso” dedieciocho minutos contenida en el primercassete, lo que puede explicar tantatranquilidad.

Este trabajo permitió a Amarok fichar por elsello madrileño Sonifolk-Lyricon en 1995, elcual produjo el segundo CD del grupo,Canciones de los mundos perdidos, inspirado

principalmente en la obra de Tolkien y lanzado ese mismoaño. En este álbum ya se aprecia una tendencia hacia la

B I O G R A F I A : A M A RO KB

IO

GR

AF

IA

:

AM

AR

OK

Amarok es una personal propuesta surgida en nuestro país que bebe sin rubor de las fuentes del rock sinfónico. Por Jaume Pujol.

L U N A R W A V

48

música sinfónica clásica acústica y ciertos toques folk yétnicos, todo ello acompañado de una mayorinstrumentación (violín, cortinas, pandero y un arsenal

de percusiones diversas) que alejaprogresivamente a Amarok de laelectrónica y el relax mental (mental,¿eh?). Temas como “Prologo”,“Canto celta”, “Els darrerscaçadors”, “Danza y lamento”(muy bueno) y “Homenaje a J. R.R. Tolkien” son bril lantes, y

expanden el universo sonoro de la banda hacia terrenosmás cercanos a nuestros gustos. Un trabajo interesante.

Este disco me produce un efecto curioso que voy aexplicar. Una de los rasgos característicos de la músicade Amarok es la ausencia de batería, aunque en estetrabajo hay varios temas que la presentan (los únicos desu discografía). Pues bien, ninguno de ellos me gustademasiado, y es que la música de esta banda essuficientemente luminosa que el sonido de la batería(¿quizás los arreglos que utilizaron?) está de más.

CERRANDO LA PUERTA DEL PASADO

En la primavera de 1996 se produjo un nuevo cambioen la estructura y la concepción del grupo, con laincorporación de Víctor Estrada, guitarrista, bajista ycompositor, y Manel Mayol, flautista, ambos con unaimportante experiencia en el campo de la música clásicay celta. El primero, por ejemplo, ha ofrecido conciertosde guitarra clásica en toda Catalunya, y es profesor dedicho instrumento. En 1989 fundó el grupo Erin, con elque ha ofrecido numerosas actuaciones, y es asimismodirector artístico del grupo de música celta McAndrewBrothers. Mayor, por su parte, tiene una formación clásica

y pertenece a esta misma banda.

Por poco tiempo, Amarok contócon la presencia de MagnoMaccaferri, violista de sólida baseclásica, pero que también habíatrabajado estilos como el jazz, elcountry y la salsa. Sus principales

aportes a la música del grupo fueron sus improvisacionesen los solos de violín, recogidas en el último disco hastala fecha, que comentaremos seguidamente. Su carácterinestable produjo su salida de la formación y la entradade Robert Abelló al mismo instrumento, músicocaracterizado también por la formación clásica y suhabilidad en las partes más difíciles del repertorio. No envano ha sido miembro de diferentes orquestas en la zonade Barcelona y Sant Cugat del Vallés. Actualmente daclases de violín y es director del grupo de fusión LlunaDe Foc.

Entre finales de 1996 y comienzos de 1997, esta nuevaformación ofreció una serie de conciertos en los queempezaron a interpretar temas que formaron parte

posteriormente de su tercer y último trabajo, Gibra’ara.Hay una diferencia importante entre este álbum y losanteriores, y es que no aprovecha material antiguo, loque se nota mucho. Parece como si antes de sulanzamiento, Robert Santamaría hubiera decidido pegarun portazo a la música que había compuesto para lanzarsehacia adelante.

En este sentido, se aprecia un gran trabajo en lasarmonías y la conjugación de melodías, y un excelentetrabajo a la instrumentación. Ahora sí que podemos hablarde un disco de rock sinfónico (sin batería y con unasoberbia percusión), con toques folk y un importantesustrato étnico. Como os mencioné en la revisión deltrabajo que hice (y cuya relectura recomiendo), “Por lasenda de los cerezos en flor” (unos diez minutos) es uninstrumental muy brillante, pero no se quedan atrás “Alotro lado” (cuya parte intermedia, y el solo de violín, tedejan a gustito), “Gibra’ara” y sus toques arábico-étnicosy los dos temas que abren el disco, el pianístico“Laberintos de piedra” (recreado a los sintes al finaldel trabajo) y “El mestre de la caverna” (buf). De verasque este disco es muy bueno (ha sido editado en Japónpor Belle Antique con resultados) y os lo recomiendofervientemente. Si queréis profundizar en el universo deAmarok, sólo me queda recomendaros ir hacia atrás enla historia de la formación

¿El futuro? Muyinteresante: casisegura incoporaciónde guitarras eléctricas,progresismo y motivosétnicos. También estoyesperando esa suitesinfónica paraorquesta y corosbasada en la vida delrey medieval catalánJaume I (bonitonombre, je, je) queRobert Santamaría tiene en mente desde hace yabastantes años.

DISCOGRAFÍA

La discografía de Amarok se relaciona a continuación.

· Migracions (K7, Lilah, 1991).· Els nostres petits amics (CD, Beringia Records,

1994).· Canciones de los mundos perdidos (CD, Sonifolk,

1995).· Gibra’ara (CD, Beringia - Sonifolk, 1998).

Agradezco enormemente a Robert Santamaría y deDavid Aenlle (Sonifolk) la ayuda prestada para laelaboración de esta biografía.

Jaume Pujol

B I O G R A F I AA M A R O K

E S

49

Vamos a seguir nuestro paseo cibernáutico por los sitios web derock progresivo que se pueden localizar en Internet. Estos primeroscapítulos estarán dedicados a webs de contenido más generalista,es decir, aquellos que contienen información sobre un buen númerode campos de interés relacionados con el rock progresivo. Piensoque éste es un buen modo de introducirse paso a paso en los círculossinfónicos de la red, y quienes no estén duchos en ella podrán ircogiéndole el gusto poco a poco.

Dado que en el número anterior tratamos un web en castellano(un web excelente, por cierto J), vamos a dedicar estas líneas a unoanglosajón. Pues bien, os presento un web cuyo título y logotipo (enel encabezado) no puede ser más representativos del rock progresivo.Sí, señores, estamos hablando de The Progressive Rock Web Site.

Personalmente creo que es el mejor web para introducirse en elInternet de temática progresiva. Un 75% de su contenido estácompuesto por enlaces o links a otros webs prog, mientras que elresto es información de contenido propio. Los apartados que presentasu barra de menús, a los que hemos añadido una pequeñadescripción, es la siguiente:

1. Artistas. Enlaces a webs de artistas clasificadosalfabéticamente.

2. Discografías. Discografías completas de artistas progresivos(algo más de veinte).

3. Críticas. Revisiones y comentarios y trabajos.4. Entrevistas. Pues eso.5. Sellos discográficos. Enlaces a sellos progresivos.6. Grupos de noticias. Los grupos de noticias son foros en los

que los cibernautas pueden recoger y añadir información, lo que loshace muy dinámicos y actualizados (aunque también son fuentesde rumores infundados). En este apartado se recogen enlaces agrupos de noticias específicamente dedicados a un solo artistaprogresivo.

7. Recursos para músicos. Este apartado, como dice su

nombre, recoge enlaces a webs de recursos musicales como, porejemplo, tiendas de instrumentos, equipos de grabación, etc.

8. Rec.music.progressive. Este punto es un enlace a un grupode discusión de temas progresivos en general, y en el que los distintoscibernautas pueden comentar e intercambiar opiniones.

9. Sonidos de muestra. Fragmentos de canciones de artistasprogresivos que se pueden escuchar por los altavoces del PC.

10. Correspondencia de intercambio. Recoge información decibernautas que desean intercambiar CDs, información, que buscanese disco de ese grupo súperdesconocido, etc.

11. Programas de radio. Enlaces a programas de radioprogresivos a los que te puedes acceder para escuchar sus contenidos.Uno muy bueno es el argentino The Musical Box, cuyos programaslos puedes recoger y archivar en el disco duro de tu ordenador.

12. Publicaciones. Enlaces a fanzines, revistas y otraspublicaciones progresivas.

13. Conciertos y eventos. Explicaciones y crónicas de conciertos.14. Portadas. Archivos gráficos de portadas progresivas.15. FTP. El protocolo de transferencia de ficheros de los

contenidos del web.16. Información diversa. Pues eso (again)17. Gibraltar Encyclopedia of Progressive Rock. Esta

enciclopedia se construye año tras año con las aportaciones de cientosde cibernautas progresivos. Contiene una extensísima relación demúsicos progresivos de todos los tiempos, con su biografía ycomentarios de la música que ofrecen. Este apartado es un enlace ala enciclopedia.

18. Otros sitios progresivos. Enlaces a idem.19. Otros sitios de música. Enlaces a idem.

A partir de ahora elaboraré una ficha para cada web quepresentemos. La de The Progressive Rock Web Site es la siguiente:

Nombre: The Progressive Rock Web SiteDirección: www.progrock.netContenido: Generalista

Webmaster (gestor del web): Adam LevinE-mail: [email protected]

Pues nada más. Os aconsejo una visita tranquila y concienzuda.¡Ah!, a veces el servidor que le da soporte va un poco lento (comotoda Internet).

Para acabar, me gustaría comentar que el diseño gráfico del webimaGina ha sido completamente cambiado y espero que os guste.Además, se han añadido cuatro nuevos apartados: Conciertos (lascrónicas de los mismos), Lunar Waves (donde se ofrecen loscontenidos de cada número de la revista), Mailing list (paraintercambio de opiniones y de información, en plan foro de discusión)y Recursos para músicos (apartado en el que se presenta Musea ya mi mismo como representante para España). Jaume Pujol.

WEB: THE PROGRESSIVE ROCK WEB SITEW

EB

: TH

E P

RO

GR

ES

SIV

E R

OC

K W

EB

SIT

EJaume Pujol continua en su recorrido por los rincones más interesantes de Internet.

Los interesados en el Club de Fans Oficial de Fish, podéis contactar con XavierSan Antonio en la dirección: The Company Spain, Psg. Rocafonda 49, 3º 1ª,

Mataró (Barcelona) España. También podeis contactar en la dirección decorreo electrónico [email protected]

50

LU

NA

R

CL

AS

SI

C

(��#��

LOSCOMPOSITORESNORTEAMERICANOS:2ª PARTE. BERSTEIN/COPLAND: VIDASPARALELAS

En el número anterior hicimos un pequeño r epaso y unasbreves biografías de la música norteamericana. Mi labor nopretende ir más allá de descubrir el gusanillo que algunassensibilidades llevan sin saberlo y que a lo mejor servirá paraque cada cual se adentre por su cuenta en aquello que tarde otemprano la propia experiencia musical le reclamará.

No obstante cientos de dudas siguenpersiguiéndome en la cabeza.Sinceramente no sé si vosotros estáis porla labor en referencia con esta sección yen concreto con la llamada música culta.Con todo sigo adelante y me sería decierta utilidad algún comentario vuestroal respecto.

LEONARD BERNSTEIN (1918-1990)

Bernstein nació en Lawrence,Massachusetts el 25 de agosto de 1918y murió en Nueva York en 1990. Hijode una familia de origen judeo-ruso sucontacto y pasión por la música fueinmediato desde su adolescencia. Dotadode una inteligencia poco común y unfuerte y extrovertido carácter, en pocos años se convirtió entoda una eminencia del mundo musical. En noviembre de 1943y con tan solo 25 años se convierte en el primer norteamericanoen dirigir la Filarmónica de Nueva York sustituyendo a unaleyenda en la dirección de orquesta como fue el austríaco BrunoWalter.

Leonard “Lenny” como fue apodado por sus amigos, seconvirtió muy pronto junto con Herbert Von Karajan en eldirector de orquesta más famoso de este siglo. Extraordinariopianista que combinó la dirección de orquesta con sus propiascomposiciones, algunas de ellas básicas como en el caso de laópera West side story (1957), convertida en musical en losaños 60 y muy famosa gracias a la divulgación del film delmismo título. La historia de West side story es una modernaadaptación de Romeo y Julieta llevada a las pandillas de losbarrios neoyorquinos. A pesar de los ambientes macarriles ypopulacheros del libreto la música de Bernstein es muyatrayente y excitante, llena de los brillos y ritmos del siglo XX,fuertemente coloreados por el blues y el jazz y la música cultaromántica. Existen dos versiones: la ópera completa y una suiteinstrumental conocida como danzas sinfónicas.

Sin embargo a esta obra básica del siglo XX se anteponenotras de los años 50 como el ballet Fancy Free o el musicalWonderful Town. Entre sus obras más exquisitas destacaría la

deliciosa Facsimile un ensayo coreográficoque a mi juicio se emparenta mucho conlos ballets de su amigo Copland por esasamplias melodías que describen el enormepaisaje americano. También la sinfonía lesedujo y tres obras maestras son su legado:

Jeremiah (1942), la entretenida The age of anxiety(1949) y la más seria Kaddish (1963) con un bello movimientofinal cantado por nuestra Montserrat Caballé.

Durante muchos años combinó la dirección e interpretaciónde obras clásicas de autores europeos de todas las épocas juntocon un catálogo de obras de autores norteamericanoscontemporáneos. Una amplia labor de descubrimiento yconocimiento que aunó a la enseñanza y difusión de la músicaclásica a través de la TV y sus famosos conciertos para jóvenesen los años 60.

Bernstein fue un músicoprolífico y ecléctico. En suspropias obras encontramosreferencias a muchos estilos.Desde el academicismoclásico y romántico alimpresionismo. De los ritmoscomplejos y vivaces delmodernismo pasando por eljazz y el blues hasta lasarmonías enrevesadas ysalvajes del más puroStravinsky o Prokofiev. Susúltimas obras de los años 70 y80 son de una extraña perofascinante complejidad: Halilnocturno para flauta, orquestay percusión. El balletDybbuk, la suite de A quietplace o el estremecedor

Concerto for orchestra de 1989. Todas ellas obras muycontemporáneas que emplean la atonalidad y la música serialjunto con un rico cromatismo y colorido orquestal y sin perdernunca ese sabor característico de su autor.

Leonard Bernstein desarrolló para sí todo el rico y valiosolegado de la cultura musical tanto del siglo XX como del pasado.Hoy es ya una leyenda reciente con un inmenso catálogo grabadotanto de su propia música como de su faceta de director deorquesta. Por su batuta han pasado las mejores versiones de loscompositores universales. De lo cual la DeutscheGrammophon puede estar orgullosa.

AARON COPLAND (1900-1990)

A la par que Bernstein el sinónimo de Copland igual a“música americana” se interpreta a menudo como un tópicocasi inseparable de un sentimiento nacionalista recargado deimágenes del viejo oeste con toda la parafernalia de souvenirpopular y sabor a rancho y barbacoa. Recordemos como casosimilar a nuestro querido Manuel de Falla popular einevitablemente ligado al flamenco, a los toros, al VeteranoOsborne y la España cañí, y sin embargo músico serio como lacopa de un pino, y para variar, mejor conocido fuera que dentro

51

de nuestras fronteras Visiones superficiales ligadas siempre aldesconocimiento o a una errónea publicidad.

Aaron Copland también hijo de judeo-rusos nació enBrooklyn, Nueva York un 14 de noviembre de 1900 en unaAmérica acaparada de inmigrantes universales cegados porla promesa de un mundo mejor. Más bien edulcorado eimposible como alternativa a la miseria y decadencia socialque sus países de origen les ofrecían.

El cambio a la utopía y la visión de un mundo feliz pasó a larealidad y esplendor de la exquizofrenia del “Way of Life”.

La música de esta época fue reflejo de un mundo caprichoso,complejo y cambiante, y la mayoría de las veces un puro escapede la realidad. Sin embargo ningún proceso creativo fue taninnovador y excitante como muchas de las composiciones delas primeras décadas del siglo XX.

Como la mayoría de los jóvenes norteamericanos con ansiasintelectuales y culturales, su fijación fue en un principio Europa.En 1921 se instala en París paraestudiar durante cuatro años conNadia Boulanger la profesora decomposición más importante de laépoca. Las primeras obras deCopland son audaces y llamativas,llenas de ritmos extraños yestructuras del jazz, lo que le acarreacierta incomprensión de los críticosamericanos. Su primer ballet Grohg(1922) es una buena muestra de ello.Sus partituras de los años 20 debenmucho a ese refinamiento francés ya esa música colorista característicadel “grupo de los seis” encabezadospor Darius Milhaud , ArthurHonegger y Francis Poulenc(nombres que aparecerán en elpróximo apartado dedicado a lamúsica francesa).

Consecuentemente durante la década de los años 20 aparecenla Dance Symphony (un arreglo de Grohg). Las revolucionariaspartituras de la Symphony for Organ & Orchestra (1924) yel excéntrico. Concierto for Piano & Orchestra (1926), suMusic for the Theatre (1925) y la intensa Symphonic Ode(1929).

En 1930 el nombre de Aaron Copland es ya toda unainstitución en los EEUU.

Tras su etapa “Europea” las composiciones se centran en elfolklore autóctono y en las viejas melodías de la época colonialamericana. El “sabor” del viejo continente se ve sustituido porobras típicamente autóctonas. Ahí aparecen Statements de1934. Los ballets Hear ye! Hear ye! (1935). El famoso SalonMéxico que nace de su visita a las tierras del tequila, el ¡andalemi cuate! y el guacamole, o el maravilloso Billy the Kid (1938)basado en la leyenda del pistolero más famoso del viejo oeste ycon un tratamiento tan épico y sinfónico que resultaverdaderamente sorprendente. La temática continúa con Rodeo(1942) cuyo cuarto movimiento Hoe-Down conocéis de sobraen la pirotécnica versión de ELP, y culmina en 1943 con suobra maestra Appalachian Spring uno de los ballets máshermosos del siglo XX y puntal básico en toda discografía quese precie. Con esta composición Copland ganó el Premio

Pulitzer de la música al que siguieron otras obras de caráctermás “patriótico” como “obligación moral” en plena segundaguerra mundial: la famosa Fanfare for the Common Man ,ampliada posteriormente en el cuarto movimiento de su TerceraSinfonía, y la grandilocuente Lincoln Portrait para recitadory orquesta. En 1948 compone una de sus suites cinematográficasmás encantadoras: The Red Pony o el lírico y dramáticoPreamble for a solemn occasion (1949).

El serialismo y la música aleatoria encabezada a partir de losaños 50 en Europa por Boulez, Mesiaen y compañía le causacierto gusanillo para investigar con nuevas sonoridades y nuevasestructuras de composición. Copland da cierto margen a esasinfluencias en su música compuesta durante las décadas de los50 y 60. Sin embargo su estilo es demasiado rico y sustanciosoen ritmos y armonías como para sacrificarlo en esos moldesmás ascéticos, matemáticos y fríos. Algunas obras comoOrchestral Variations (1957) o Connotations (1961) se ofrecen

como algo más abstracto pero nopierden su clima de maestríaarmónica. Se cura en salud conobras fantásticas como su últimoballet Dance Panels (1962) de unaescritura limpia y modal donde lamelodía permanece cristalina, o enla interesante Music for a greatcity (1964) muy próxima a lastendencias de su amigo Bernsteinllena de espectaculares pinceladasy de ambientes descriptivos.

Copland dirigía a menudo suspropias obras aunque no seespecializó como en el caso de sucolega Bernstein en el sentidoamplio de la dirección de orquesta.Su música muy apreciada enEuropa y muy concretamente en elReino Unido, fue interpretada a

menudo por la London Symphony Orchestra bajo la direccióndel propio compositor.

Leonard Bernstein por su parte, dirigió y grabó en versionesrealmente magistrales muchas composiciones de su amigoAaron Copland. De hecho hay un documento de ambosrealmente interesante grabado para la Sony Classics bajo elnombre de Copland Collection y editado en CD´s dobles (creoque hay tres volúmenes, yo tengo dos de ellos) que recogenbuena parte de las obras dirigidas mano a mano.

Tanto la Sony como la Deutsche Grammophon tienen unbuen catálogo de las obras de los dos músicos norteamericanos.Una edición de la Emi distribuye los cuatro grandes ballets deCopland en un doble Cd del sello Angel Records bajo ladirección de Slatkin. También muy interesante y recomendablees otro doble CD de Decca que recoge la Fanfare ..., Rodeo,Appalachian Spring (Suite). Lincoln Portrait, Quiet City,Music for movies, Five american songs, El salón méxico y laDance Symphony dirigidas por gente de la talla de ZubinMehta, Antal Dorati y Neville Marriner. Por supuesto haymuchas más que dejo al libre albedrío para el que pierda elmiedo al entrar en una tienda especializada en clásica.

Hasta la próxima. A.Torró

L U N A RC L A S S I C

52

LA ETERNA CONTRADICCIÓN: EL POP ROCK DE LOS NOVENTA EN EL DIVANLas traiciones del subconsciente en una década plagada de... casualidades. Por Toni Roig.

IMPORTANTE NOTA PREVIA: Lo que NO es este artículo:

1. Ningún perverso intento de jugar a la ambigüedad para asignaruna etiqueta sinfónico-progresiva al primer grupo pop que componga temasque superen los seis minutos.

2. Aún menos “legitimar” la calidad de ciertas bandas pop-rockactuales. Las hay, sin duda, pero no es este el lugar para cederles tiempo yespacio (además, ya lo tienen en otras publicaciones de mayor difusión).

3. Por último, nada más lejos de mi intención que establecer uncatálogo de discos pop-rock “aceptables” para el amante del rock sinfónico.Aunque puedan advertirse algunas simpatías (todos tenemossubconsciente), lo son en todo caso en un plano totalmente personal, sinningún otra pretensión que buscar ejemplos representativos.

Freud ya nos advirtió de los peligros del subconsciente. Y siactualmente el rock sinfónico ha muerto o malvive como unasubcultura, la cultura dominante está soñando con él. Tumbémoslaen el diván y veamos los resultados de este psicoanálisis.

El pop-rock dominante en la década de los noventa ha ido formandouna especie de pudding en el que se mezclan de forma a veces sabiapero frecuentemente indiscrimada influencias, géneros, fenómenosrevival (ahora toca lo neo-hippy, ahora vuelve el glam, el punk, losochenta, los Beatles, Leticia Sabater….), etc., frecuentemente conun trasfondo meramente comercial. Mi punto de partida es elconvencimiento que, en medio de este panorama, se ha idorecuperando una tendencia, por parte de ciertos músicos, a enriquecerlos sonidos, a extender algunos temas si dan de sí, a experimentarcon los arreglos o los cambios de ritmo, a interesarse por una mayorcomplejidad en la composición, a “orquestar”. …Por supuesto, elentorno musical es distinto, igual que la industria que lo ampara.Se usan otros nombres (algunos están rigurosamente prohibidos),otra tecnología… y el resultado es lógicamente distinto, pero deforma inconsciente se intenta reproducir esa misma llama creativaque explosionó en los primeros setenta y que los lectores de LunarWaves conocen bien.

Los motivos que han empujado a un buen número de bandasactuales a moverse por direcciones imprevistas son diversas: algunoshan intentando reencontrarse con un espíritu de experimentación ylibertad creativa que supere los límites de las convencionesestablecidas en los parámetros de la “canción pop”; otros buscandotar de una mayor calidez y humanidad a su sonido en una épocade gélida perfección tecnológica. Entre estas dos motivaciones hanido apareciendo obras que encajan en lo que yo denomino (a faltauna expresión mejor) “rock atmosférico”, a la vez cálido e incómodo,emotivo y desgarrado, expansivo y meláncolico. En una situaciónde normalidad, se hablaría de influencias del rock sinfónico de lamisma forma en que se cita a Beatles, Velvet Underground, NeilYoung, Bowie o el Kautrock como paradigmas de la música devanguardia a caballo entre los sesenta y setenta. Pero en unalamentable reescritura de la historia del rock se deja en el olvido algénero que mejor supo sintetizar lo vanguardista con lo clásico.Esta gran contradicción provoca grietas en la aparentementeengrasada maquinaria de la industria de la música popular.

El panorama crítico sigue siendo hostil, a pesar de tímidosintentos reconciliatorios. Muchos siguen actuando como auténticosjueces de línea dispuestos a levantar la banderilla cuando alguienquiere salirse del terreno de juego que ellos mismos marcan y asíno es de extrañar que ciertas opciones tomadas por algunos músicos

supongan un riesgo extramusical si son muy explícitas. A quienesse les ve demasiado el plumero se les ha dedicado desde la prensa elmismo catálogo de tópicos y estupideces diversas reservadas tiempoatrás para Yes o ELP. Otros han sido muy hábiles y han sabidorodearse de un envoltorio de postmodernidad que ha hecho callar alos críticos más recalcitrantes (al final de este artículo dedicaré unapartado a dos discos recientes que representan perfectamente lasdos caras de la moneda). Por otra parte, han ido apareciendorecientemente intentos de rescatar del olvido bandas selecccionadasdel entorno progresivo que parecen encajar en los que (ellos mismos)denominan rock sinfónico-progresivo “alternativo”: en esta bonitaetiqueta entrarían King Crimson o Henry Cow, desmarcándolasdel resto, “más comerciales y menos experimentales” (supongo quelo dicen por temas aptos amenizar “Los 40 principales” como Ritual,Tarkus, Supper’s Ready, Sound Chaser o Karn Evil 9, por supuesto).

En plenahegemonía de latecnología digital,un numerosogrupo de jóvenes (ono tan jóvenes)músicos hanapostado por hacerconvivir o inclusosustituir lossamplers y lossintet izadoresdigitales porsintet izadoresanalógicos, el

Hammond, el melotrón, instrumentos de cuerda, etc. más allá defunciones decorativas. La lista es extensa, pero para que nos hagamosuna idea encontraríamos propuestas tan diversas como Suede, Blur,Strangelove, Julian Cope, Mansun, Kulah Shaker (su último trabajo,Pigs, peasants & astronauts está producido por el floydiano BobEzrin, y cuenta con una introducción plagada según cuentan ellosmismos por “soundscapes y cremosos sonidos analógicos”),Counting Crows, Smashing Pumkins Spiritualized, Beck, Tori Amos,Aimee Mann (conocida del aficionado por ser la voz invitada en eltema de Rush Time Stand Still), Radiohead, Neil Finn, Supergrass,R.E.M., Wilco, David Matthews Band, Phish o Francis Dunnery(este no podía ser menos), sin tener en cuenta proyectos en la órbitaelectrónica como Orbital, The Orb, Air, etc. o el post-rock.

¿Casualidad? ¿Simple reciclaje de instrumentos, tentativas deabrir nuevos mercados, por aquello de buscar “lo auténtico” comoun elemento más de márqueting? Quizás, pero vamos a acercarnosa dos casos concretos para que nos den algo más de luz sobre eltema.

MANSUN. SIX (Parlophone, 1998).

Segundo disco de un joven grupo de Liverpool, una de las últimas “bandasprodigio” en apuntarse al resurgir del pop británico en pleno romance conla prensa musical de su país. La diferencia en relación a otras propuestasparalelas es una más amplia mirada hacia sus referentes. Se intenta llevarla aproximación obligada a The Beatles más allá de la simple intenciónde reproducir ese pop perfecto que no deja de ser sólo una parte de laproducción de la mítica banda…. de Liverpool. Mansun también jueganfuerte con el uso de la tecnología de estudio, plagando sus temas de efectos(con resultados muy diversos) y un distanciamiento irónico inevitable enestos tiempos. Su primer álbum, Attack of the grey lantern contenía unlevísimo intento de crear un disco conceptual. Ahora acercémonos un

LA

ET

ER

NA

CO

NT

RA

DIC

CIÓ

N

53

poco a este Six…. un momento…...¿No os recuerda a algo la portada deldisco, donde una figura humana solitaria, cubierta por una máscara sehalla en un decorado de reminiscencias góticas, con excéntricos y fantásticospersonajes en segundo término que parecen pedir nuestra atención? Unconjunto ensoñador no muy lejano a The Masquerade overture o losprimeros álbumes de Marillion. Casualidad. Démosle la vuelta. El artworksigue en la misma línea, mostrándonos al mismo personaje oculto tras unamáscara en su cama. A su derecha, un cuadro nos reproduce la portada. Lalista de los temas contiene una división en dos partes con un interludio.Más casualidad (¿ironía?). En el libreto se alternan las típicas fotos debanda rock con sobrios detalles de la biblioteca del protagonista. Al ladode un libro denominado “Paint it black” se encuentra uno titulado “SchizoidMan”. Siguen las casualidades. Pongamos en marcha el reproductor. Lamúsica se manifiesta en una terrible dualidad. Estructuras de base simplesy perfectamente pop-rock se suceden en curiosos cambios de ritmo,disolución de la clásica separación entre temas, algún tímido desarrolloinstrumental, un tratamiento del bajo que a veces rehuye su funciónestrictamente rítmica, un interludio operístico con intervención de unnarrador…. El mercado manda y no abandonamos el planeta pop, pero notodo se puede disimular. Hay coqueteos algo ingenuos con lo clásico (porejemplo el juego casi infantil con “El cascanueces”) y otros más elaborados(una introducción con guitarra acústica y autoclave sintetizada que marcanla separación entre las dos partes del álbum). El resultado es sin duda algoasí como un potaje disperso, pero ha sido suficiente para que la prensainglesa le dedique la siguiente crítica que es una obra maestra de laincoherencia con la que se aborda el “peligro sinfónico”:

“ S O B R E -AMBICIOSO:

Six recibe sunombre del libro deA.A. Milne Ahorasomos seis y Mansunven al pesonaje deMilne Winnie thePooh como unafigura ejemplar,yendo por la vida,como él hizo, libre detodo cinismo. Estaelección resultareveladora, ya queSix se define por susgrandes ambiciones

que les llevan hasta el borde del ridículo. Las ambiciones pueden admirarse,pero no tanto su realización. La aproximación realizada mediante samplersy los instrumentos de cuerda en su notable debut, Attack of the grey lanternse ha dejado a un lado en favor de la guitarra y los pedales de efectos. Aunmás, han intentado una complejidad musical que consiste en que las (muylargas) canciones deben cambiar su ritmo y textura de forma constante amedia canción. Se podrían llegar a pronunciar las palabras “rock” y“progresivo”. No se pueden realmente resaltar canciones en concreto, yaque se trata de una colección de partes, algunas tremendamente seductoras,pero que tienden a perderse en un embrollo sin fin, sobre el que su liderPaul Draper entona como so cantara sobre alta filosofía.

Se nota talento, sin duda, pero necesitarían a un montador musical:la simplicidad no debería ser una exclusiva de las gentes simples. (**,Robert Yates).”

Resulta curioso que la primera reserva sobre Six sea la elecciónde un personaje “libre de todo cinismo” (contradice el signo de los tiempos).La ambición de por sí tampoco parece que sea demasiado aceptable. Elabandono de los samplers (cosa que por otro lado no es cierta) ya empiezaa ser grave. Pero lo de las largas canciones ya es de juzgado de guardia…¿Cómo osan, por San Pancraciomix? Por supuesto, la noción de “duración”es algo relativa. De los trece temas que componen el álbum, siete semantienen por debajo de los tres minutos, mientras que cuatro llegan a los

ocho minutos (en varias ocasiones, lo único que pasa es que se empalmandos canciones distintas dentro de un mismo tema). Por otra parte, lacomplejidad (?) de las canciones es de entrada un problema y hay ciertaspalabras que parece que da miedo pronunciarlas, como si se tratara de unconjuro para invocar al diablo en el día de la bestia (¿estaremos metidossin saberlo en alguna conjura satánico-progresiva?). Tampoco mola nadaque no se puedan identificar claramente las canciones (que no sufra porlos pobres DJ, seguro que los singles se lo dejarán más fácil). Lo que esmás, la música popular no debe hablar de filosofía (y menos de ¿“alta”?).Pero hombre, luego resulta que las partes llegan a ser “muy atractivas” yque “se nota talento”. No entiendo. ¿O es que hace falta un montador para

que nos lo deje todomás digeridito, queparece mentira que lagente inteligentehaga músicainteligente, que hacea otros quedar mal yno sería solidario?

RADIOHEAD,OK COMPUTER(Parlophone, 1997).

De la mano de lamisma discográfica,filial de EMI records,

la cual fue responsable del revival del rock progresivo en los ochenta(casualidad) nos llega el ya denominado “disco del fin del milenio”. Enuna hipotética enciclopedia del rock & roll podríamos leer en el apartadoOK Computer cosas como estas: “ Radiohead son los Pink Floyd de lapostmodernidad. El retorno del rock progresivo, pero tranquilos, componencanciones más cortas, sacan singles, hacen brillantes videoclips y susonido es muy actual. En la modenna revista Q, OK Computer fue elegidopor sus lectores, en 1998, como el mejor disco rock de la Historia”..Hasta tal punto se han visto superadas las expectativas con OK Computerque la prensa ha tenido que rendirse a la evidencia de que las nefastasinfluencias de la banda (que ellos niegan, por supuesto, aunque….casualmente… su cantante Thom Yorke escogió versionar en el álbumdel centenario de la EMI Wish you were here) han dado como resultado undisco que pocos se han atrevido a discutir. Dejando de lado toda laparafernalia y la publicidad, lo cierto es que OK Computer es el máximoexponente de lo que anteriormente he denominado como “rockatmosférico”, con guitarras tan ácidas como creativas (y con definitivasreminiscencias floydianas), que subvierte los parámetros del cinismo pasivotan típico del rock “post-nirvana” y que, desde una teórica fragilidad einocencia, critica las miserias de lo más profundo de nuestra sociedad.¿Rock progresivo? No en un sentido musical, pero si en un espíritu queacoje y sintetiza cualquier forma sin prejuicios, que domina la tecnologíaal servicio de la música y no al revés. Aunque no está especificado, se hanutilizado tanto instrumentos analógicos como digitales, gentileza delexcelente trabajo de producción de Nigel Goldrich. Viejos amigos de estaspáginas, como los IQ o Marillion han manifestado su admiración por loconseguido por Radiohead: establecer paralelismos con lo progresivo sinser acusados de nostálgicos. No es poco.

Como punto y final, un entretenido pasatiempo. ¿Quién es el autorde esta cita?: “.. cada una de nuestras canciones es un viaje hacia ununiverso sonoro. Esto sólo lo puedes hacer a través de un álbum, node singles. La idea es explorar, que las canciones te conduzcanhacia alguna parte”? ¿Jon Anderson, Robert Fripp, Chris Cutler,Robert Wyatt, Peter Gabiel? RESPUESTA:

LA ETERNA CON-TRADICCION

�)� ��*��

54

Don Simpho,

LOGOTIPO SINFÓNICO DEL SIGLO XX, en :

“ Arkangel ( ‘Ex-Tenebris’ ) "GUIÓN: Enric

DIBUJOS Y ARREGLOS: Salva

MONTAJE: CorelDraw 8 / Photoshop 5

DON SIMPHO... EN SU CASA... EN SU CUARTO DE BAÑO... Y DEMÁS...

¡¡PAPA...!! ¡¡PAPA...!! TIENES QUE LLEVARME AL CONCIERTODE “ ”.TODOS MIS AMIGOS VAN A IR CON SUS PADRES, Y YO

NO QUIERO PERDÉRMELO...

MANSON Y MARILYN: LOS NIÑOS PERVERSOS

CIELOS, MANSON Y MARILYN...LA ÚLTIMA SENSACIÓN EN MÚSICA

INFANTIL... EN TV NO HACEN MÁS QUEPONER SU TERRORÍFICO VIDEO-CLIP:“

”... MENUDO MONTAJECOMERCIAL, Y MENUDA COMIDA

DE TARRO...

MATAR, VIOLAR Y TORTURAR ESENTRETENIDO

¡¡DE ESO NI HABLAR...!! YO JAMÁS LLEVARÉ A MI HIJO A UNCONCIERTO DONDE SE LANZAN VÍSCERAS DE ANIMALES, SEDECAPITAN GALLINAS Y SE INCITA AL EXTERMINIO... AUN

TENGO MI DIGNIDAD......PERO PAPA, SERA UNA PASADA.

HAN DICHO POR LA TV QUE ENTRECANCIÓN Y CANCIÓN SOLO BEBERÁNSANGRE CON GASEOSA, INVOCARÁNAL ESPÍRITU DE PACO MARTÍNEZSORIA Y CORTARÁN LOS PENDULILLOSDE LOS FANS QUE ESTÉN EN PRIMERAFILA PARA HACERSE CON ELLOS

COLLARES Y PENDIENTES... ¡¡SERÁALUCINANTE...!!

¡¡NO SE HABLE MAS!! TU NO VAS A IR AESE CONCIERTO PORQUE YO NO TE VOY ALLEVAR... UN SINFÓNICO DE PURA RAZACOMO YO JAMAS LLEVARÍA A SU HIJO AUN CIRCO COMO ESE. ¿QUIEN TE HAS

CREÍDO QUE ES TU PADRE, EH,SINVERGÜENZA...?

SI NO ME LLEVAS AL CONCIERTO:¡¡UN CARCA Y UN PLASTA!!

DEL DICHO AL HECHO... DON SIMPHO, IS-RAEL E INOCENCIO CAMINO DEL CONCIERTO...

...Y ADEMÁS, ME HAN DICHO QUE A LA EDAD DE CUATROAÑOS DECAPITARON A SUS PADRES Y LOS METIERON DURANTEMESES EN EL FRIGORÍFICO. ASÍ FUE COMO SE INICIARON EN

LAS ARTES CULINARIAS...

BAH... ¿Y TU TE LO CREES? NO VESQUE TODO LO QUE SE CUENTA DE ELLOSES PARA QUE TONTOS COMO TU SE LOCREAN Y VAYAN A SUS CONCIERTOS

COMO BORREGOS...

PRIMO CHIMFO, ECH VERDAD...Y ADEMACH HAN ECHCRITO UN LIBRODE RECHETAS DE COCHINA TITULADO“ ”.

YO CHA HE PROBADO ALGUNA...COCHINA RÁPIDA PARA CANÍBALECH

BUENO, A MÍ DEJADME DEHISTORIAS DE ULTRATUMBA Y DEPAPARRUCHADAS. VOSOTROS A LOVUESTRO Y YO A LO MIO... ME HETRAÍDO EL WALKMAN CON EL “

”DE LOS PARA QUE NO SECONTAMINEN MIS VIRGINALESOÍDOS CON ESE PAR DEPSICÓPATAS CON PAÑALES... AH,

CUANDO ACABE EL CONCIERTO,AVISADME...

THELAMB LIES DOWN ON BROADWAY

GENESIS

¡DEBEIS SER MALOS Y SERVIR AMANSON Y MARILYN... ELLOS SON

VUESTROS AMOS...!

TAQUILLA

EL ÚLTIMO GRAN CONCIERTO

DEL SIGLO:

“MANSON Y MARILYN”

‘LOS NIÑOS MALÉVOLOS’

DECAPITACIONES,MUTILACIONES YTORTURAS.

55

¡¡RAYOS!! ALGO ESTÁPASANDO, Y NO PARECE QUE SEANADA BUENO... POR SI ACASO, NOME SACARÉ LOS AURICULARES, YAQUE PARECE QUE ASÍ ESTOY MÁS

PROTEGIDO...

¿QUÉ HAY MÁCH CHINFÓNICO QUEBLACK CHABBATH? ¿QUÉ HAY MÁCHCHINFÓNICO QUE OZZY OCHBOURNE?¿QUÉ HAY MÁCH CHINFÓNICO QUEALICHE COOPER...?

MANSON Y MARILYN SONNUESTROS AMOS... MANSON YMARILYN SON NUESTROSAMOS... MANSON Y MARILYN

SON NUESTROS AMOS...

¡¡ MANSON Y MARILYN SONNUESTROS AMOS... !!

PARECE QUE SOY TESTIGO DEUNA SUBYUGACIÓN COLECTIVA A GRANESCALA. HACE AÑOS QUE NO SE DABAESTO. CREO QUE DESDE EL ÚLTIMOCONCIERTO QUE DIO “TORREBRUNO” ENLA CIUDAD... Y EL POBRE ACABÓ EN LAHOGUERA DE LA PLAZA MAYOR... PEROESTO PARECE QUE VA MÁS EN SERIO...

¡¡ POR FIN, NIÑOS Y NIÑAS!! ¡ LO QUEESTABAIS ESPERANDO...! ¡ MANSON YMARILYN REGRESAN DE SUS TUMBASPARA ABSORBER VUESTRAS MENTES...!

¡¡¡ MATA, MATA A TU OSITO DEPELUCHE Y LUEGO SUICÍDATE...UUUAAGHH, UUUAAGHH...!!!

POR LOS TAMPAX DE LA ‘ANNIE HALSAM’ESTO ES PEOR QUE ‘VIERNES 13, EL EXORCISTAY LO QUE NECESITAS ES AMOR’ JUNTOS... ¿QUÉ

HACE UN SINFÓNICO COMO YO EN MEDIO DE ESTALOCURA? Y, ENCIMA, IS-RAEL E INOCENCIOPARECEN ESTAR DISFRUTANDO DE ESTE CIRCO...

¡TENEMOS QUE SALIR DE AQUÍ!

¡¡ TORTURA AL GATITODE LA VECINA Y CÓMETELOCRUDITOOOH..., UUAAGHH,UUUUAAAAAAGGHHH...!!

¡¡¡ AY, MADRE, QUE MEPARECE QUE ME HAN

DESCUBIERTO...!!!

¡¡ EH, TÚ, EL GORDO...!!¿QUÉ PASA, QUE NO TEGUSTA NUESTRA MÚSICA?

¡ SI, TÚ, CARA DE BOBO !¡ SÁCATE LOS AURICULARES YDÉJATE LLEVAR POR EL GRANINFLUJO DE NUESTRAS

CANCIONES...!

¡¡ QUÉDATE DONDE ESTÁS,QUE VAMOS A ESTRENARUN NUEVO NUMERITO

CONTIGO...!! ¡ TE VAMOS A INTRODUCIRUN PARAGUAS AUTOMÁTICOPOR EL CULO, Y LO VAMOS AABRIR Y CERRAR VARIASVECES, PARA GOCE DE

NUESTROS FANS...!

¡¡ A POR ÉL, QUE NOESCAPE, Y QUE SEDERRAME SU SANGREPOR EL ESCENARIO !!

¡ OH, DIOS MIO, MISALMORRANAS...! ESTO ES UNA PESADILLA

MACABRA... MI PROPIO HIJO Y MI PRIMO INOCENCIOENCABEZAN UNA CHUSMA DE BORREGOS QUE SOLOOBEDECEN LA VOZ DE ESE PAR DE MOCOSOS

ASESINOS... TENGO QUE ESCONDERME YDESCUBRIR QUÉ PASA AQUÍ...

¡¡ TE VAMOS A ENSANCHAREL CULO CON UN PARAGUAS !!

MENOS MAL QUE LESHE DADO ESQUINAZO... AHORA

VOY A SACARME LENTAMENTE LOSAURICULARES. SEGURO QUE NO LOSNECESITO. POR LO MENOS HE BAJADO

20 PISOS HACIA ABAJO... SI NOESTOY EN EL INFIERNO, NO

SE DÓNDE ESTOY...

¡¡VAMOS, NO DEBE ESTAR LEJOS...!!PRIMERO EL PARAGUAS, LUEGO UN

CARTUCHO DE DINAMITA...

56

POCO SE EQUIVOCA DON SIMPHO... 20 PISOS HACIA ABAJO EN DIRECCIÓN AL CENTRO DE LATIERRA, SE ENCUENTRA EL DOMINIO DEL SEÑOR DE LAS TINIEBLAS MUSICALES: EL MALÉFICO,AGUAFIESTAS, MAS CONOCIDO PARA LOS AMIGOS COMO “ ”... EL MALO DE TURNO...ABOMINOG

PARECE QUE ALLÍ AL FONDO HAYLUZ, Y SE OYEN UNAS VOCES...VOY A ACERCARME A PEDIR AYUDA...

SÍ, MIS QUERIDOS WALPURGUIS, EL MUNDOESTÁ SUCUMBIENDO A LA ATRACCIÓN DE

MI ÚLTIMA CREACIÓN.EN RETROPOLIS FRACASAMOS. PERO EN ELMUNDO TRIUNFAREMOS. DOMINAREMOS ALOS NIÑOS Y ELLOS DESTRUIRÁN A SUSPADRES Y A TODOS LOS MAYORES...

MANSON Y MARILYN,

Y POR FIN INSTAURAREMOS UNSISTEMA DOMINADO POR NOSOTROSDONDE LA ÚNICA MÚSICA QUE SEESCUCHARÁ SERÁ LA BASURA, LAPACHANGUERA Y LA DE PHILL COLLINS.

¡¡¡EL MUNDO SERÁ NUESTRO...!!!

¡¡POR SAN JON ANDERSON!!ESTOY EN EL MISMÍSIMO REINO DE

‘PERO BOTERO’, Y ESTE TIO TAN FEO NOPUEDE SER OTRO QUE EL TERRIBLE .VOY A ESCUCHAR LO QUE DICEN... SEGURO QUE

TODO ESTO QUE ESTÁ OCURRIENDO ESOBRA SUYA...

ABOMINOG

AL POCO RATO DE ESCUCHAR...

ESTO ES UNA PESADILLA... TENGO QUEEVITAR A TODA COSTA QUE ESTE PUÑADODE MALANDRINES LLEVEN A CABO SUPROPÓSITO... PERO, ¿CÓMO VOY A HACERLO?NO TENGO NINGUNA PÍLDORA DE PODERABSOLUTO, NI PUEDO RECURRIR POR AYUDAAL GRAN AQUALUNG... SOLO TENGO EL “THELAMB LIES DOWN ON BRODWAY”... QUIZÁS

SEA SUFICIENTE...

VOY A INTENTAR LO IMPOSIBLE... VOY A DESCENDERSOBRE EL ESCENARIO COMO LO HACÍA ‘PETER GABRIEL’ EN LOSSHOWS DE “THE LAMB...” RECUERDO QUE EN EL CONCIERTO QUEOFRECIÓ ‘GENESIS’ EN LA CIUDAD, ALLÁ POR EL AÑO 75, NOSDEJÓ A TODOS BOQUIABIERTOS... Y LO QUE NECESITAN TODOSESTOS NIÑOS ES UN SHOCK DE ESAS CARACTERÍSTICAS...

¡¡VAMOS PA LLÁ...!!

YA CASI ESTOY. HE CONECTADO ELWALKMAN AL SONIDO GENERAL, CON ELTEMA “THE CARPET CRAWLERS”. AHORADESCENDERÉ LENTAMENTE CUAL ARKANGEL‘ GABRIEL’ DESDE LOS CIELOS Y ASÍDESTRUIRÉ EL MALEFICIO QUE DOMINA LAVOLUNTAD DE TODOS ESOS NIÑOS. ESPEROQUE ESTO FUNCIONE Y... QUE LA CUERDA

RESISTA MI PESO...

¡¡¡...TENGO UN POLLITO QUE SE LLAMAPEPITO, AL QUE QUIERO... QUIERO...QUIERO... VER APLASTADO BAJO MISPIES... UUUAAAGHH... UUUAAGHH...!!!

“...THERE IS LAMBWOOLUNDER MY NAKED FEED...THE WOOL IS SOFT ANDWARM...”

¡HOOP!

“...GIVES OFF SOME KIND OFHEAD... A SALAMANDERSCURRIES INTO FLAME TO BEDESTROYED...”

¡¡RAYOS,PERO ESTOQUÉ ES...!!

¡¡¡ OSTRAS, ES EL GORDO,Y ESTÁ CAYENDO ENCIMANUESTRO...!!!

PERO LA CUERDA SE ROMPE...

¡¡ UUUAAAAHH !!

CRACS

¡¡AAAAAYY.

..!!

¡¡BLOOM!!

¡¡UAGH...!!¡¡ECXXX...!!

57

¡¡MOSQUIS!! HA APLASTADOA MANSON Y MARILYN...,NUESTROS ÍDOLOS...!!

Sí, SOLO HANQUEDADO LOSPELLEJOS...

NO ME EXTRAÑA, ALMENOS PESA 130 KG...

VAYA PEDAZO DE MOLEDE GRASA LE CUELGA

DEL BARRIGÓN...

¡¡ IS INCREDIBLE !!

¿QUÉ VA A SER AHORADE NUESTRO FUTURO?NOS VOLVEREMOSCOMO PAPÁ HOMER...

¿QUIÉN NOS MOTIVARÁPARA DESCUARTIZAR ALOS ANIMALITOS?

¡¡ALTO, HABITANTES MENORES DE LA GRAN CIUDAD!!MANSON Y MARILYN NO SON REALMENTE LO QUE VOSOTROS CREÍAIS.

NO SON NIÑOS, SINO DISCÍPULOS DE UN SER MALÉVOLO LLAMADO “ABOMINOG”...!!¡AQUÍ ESTÁ LA PRUEBA! MEDIANTE LA INFLUENCIA DESTRUCTORA DE SU MÚSICA,QUERÍAN DOMINAR A LOS NIÑOS DE TODO EL PLANETA PARA QUE

DESTRUYERAN A SUS FAMILIAS. PERO EL MALEFICIO SE HA ROTO Y...¡¡¡ SOIS LIBRES DE NUEVO !!!

¡¡ MIERDA !! OTRA VEZ EL HUMANO DON SIMPHOHA FRUSTRADO MIS PLANES. MANSON Y MARILYNERAN EL COMBINADO PERFECTO PARA REPROGRAMARA LA HUMANIDAD... ¡¡ PERO ESTO NO QUEDARÁ

ASÍ... !! ¡¡¡¡¡ VOLVERÉ !!!!!

GRAN ABOMINOG,LA TILA QUE ME

PIDIÓ...

AQUEL MISMO DÍA, EN LA PLAZA MAYOR DE LA GRAN CIUDAD, SE REUNIERON MILES DE NIÑOS CON SU COPIA DEL CD DE‘MANSON Y MARILYN’, “VIVIR ATORMENTADO ES SUPER GUAY” PARA PROCEDER A LA QUEMA...

DESDE ESE MOMENTO, TODO VOLVIÓ A LA NORMALIDAD...

¿ASÍ QUE QUERÍAS METERME UNPARAGUAS POR EL CULO, EH? ERESUN GAMBERRO. YA VERÁS LO QUETE ESPERA CUANDO LLEGUEMOS ACASA... DE MOMENTO TE QUEDARÁSUN MES SIN VER LOS “TELETUBIES”.

PERO PAPI, NO ERA CONSCIENTEDE MIS ACTOS. YO, JAMÁS ME

ENSUCIARÍA LAS MANOSHACIENDO ESO... ¡AAAAAYY!

¡PLASH!

¡PRIMO CHIMFO, PRIMO CHIMFO! MIRAQUÉ HE APRENDIDO A HACHER CON UN

PARAGUACH... ¡MÍRALO, MÍRALO!Y EN MUESTRA DE AGRADECIMIENTO, LA GRAN CIUDAD Y SU HONORABLE ALCALDE LE OTORGARON A DON SIMPHO LA LLAVE DE LA CIUDAD AL MÉRITOY AL VALOR. ADEMÁS, LE CONCEDIERON CINCO BIEN MERECIDOS DESEOS QUE OS DETALLAMOS A CONTINUACIÓN:

1º - QUE EL ROCK SINFÓNICO FUERA UNA ASIGNATURA MÁS DE LA ESCUELA.2º - QUE IS-RAEL E INOCENCIO RECIBIERAN CLASES PARTICULARES INTENSIVAS POR PARTE DE “JON ANDERSON” DE BUENAS MANERAS Y

EDUCACIÓN DE UN BUEN SINFÓNICO.3º - QUE TODAS LAS TIENDAS DE DISCOS TUVIERAN SU BUEN NUTRIDO APARTADO CORRESPONDIENTE AL ROCK PROGRESIVO, GRANDES

ALMACENES INCLUIDOS.4º - QUE SE ORGANIZARAN TODOS LOS VIERNES CONCIERTOS DE ROCK SINFÓNICO EN LA PLAZA MAYOR DE LA CIUDAD, CON INVITADOS

DE LUJO COMO “KING CRIMSON, CAMEL, YES, ETC...5º - …

¡¡...Y LA LUNA !!

58

,*4@(�/+3�,*2-+�-2).3� ,*2-+�-2).3*5��,,E�(

Seguramente la más completa e interesante guía dedicada a la músicarock, Rock, the rough guide forma parte de una serie dedicada a losmás dispares géneros musicales, como la World Music, el Jazz, laMúsica clásica, la Ópera o el Reggae. Hay dos características quehacen de esta obra algo realmente único. Por un lado, el hecho de quelas más de mil entradas de la enciclopedia han sido escritas por fans,a los que se les pedía como única condición previa que intentaran serlo más objetivos posible, destacando tanto los momentos álgidos comolos puntos débiles de cada artista. Por otro, la guía se actualizaregularmente a través de Internet, disponiendo además de links yfórums de fans. Un auténtico punto de encuentro para los aficionadosa la música rock en su más amplia acepción. ¿Y que hay para el

sufrido sinfónico enesta guía? Pues unamuy completarevisión biográficade grupos y músicosde bibliografía máso menos accesible,como Emerson,Lake & Palmer, Yes,Genesis, Marillion,Pink Floyd, JethroTull, King Crimson,Soft Machine, MikeOldfield, PeterGabriel o Rush,pero tambiénmúsicos a quienesno es tan fácilseguirles la pistaimpresa, comoFish, Gentle, Giant,Camel, Van derGraaf Generator,Caravan, Curved

Air, Henry Cow, Can, Focus, Steve Hillage, Magma, Gong, Strawbs,Robert Wyatt…., en donde la relativa brevedad inevitable en proyectosde este estilo no significa en absoluto falta de interés.

Por otro lado, tengo que decir que hay algunos olvidos lamentablesen una enciclopedia de estas características, como la Electric LightOrchestra o Toto, y figuras del rock sinfónico con suficiente repercusióncomercial como Kansas, Asia o UK.

Aquellos que querais adentraros en el mundo de The rough guide,podeis empezar con su dirección en Internet, www.roughguides.com, o bien directamente con esta primera edición de un libro realmenteapasionante y adictivo. Toni Roig

3)4)4�*13.)+ � .* � ,*4@� 1,*-,3*)L*( � �3*)+,.� )++*2(

-*+5��,,.�(

Esta enciclopedia condensa en sus 304 páginas casi treinta años dehistoria (entre 1966 y 1995) de rock progresivo. Y aunque esté escritaen portugués no existe mucha dificultad para entender el texto. Enriguroso orden alfabético encontramos desiguales referenciasbibliográficas (en ocasiones extensas y otras veces tan breves quesólo se detalla la formación y la discografía). Puede resultar algosuperficial, pero es un buen punto de introducción en el género sobretodo para aquellos que no dominen el inglés (la mayoría de lo publicadosobre el rock sinfónico se encuentra en este idioma).

Sorprende además comprobar gracias a este libro que elfenómeno del rock sinfónico no es patrimonio exclusivo de losanglosajones o de países tradicionalmente relacionados con el estilo(Japón, Italia, Francia, Alemania…). Así encontramos detalles de

grupos tan dispares como Israel (Zingale), Perú (Fragil), Yugoslavia(Igra Staklenig Perli) e incluso Angola (Neto, To).

Si quieres tener una visión global del rock progresivo estelibro, que está editado en blanco y negro (con una estética de fanzine),es ideal para descubrir a grupos de uno no imaginaba que existieran(en mi caso, añadiría formaciones com Saracen, Genfuoco, Clivage,Eneide y unmontón más).

El autor,L e o n a r d oNahoum es unbrasileño licenciadoen periodismo porla UniversidadFluminense, queademás hacolaborado endiversas revistasmusicales yfanzines de EstadosUnidos, Italia,Francia, Corea (¿!)y España (Sir-phonic).

Los que esteis interesados en adquirir esta Enciclopedia doRock Progresivo podeis pedirla a Diskpol (Ap. Correos 10676, 28080,Madrid) o a alguna tienda muy especializada (no es fácil actualmentehacerse con él). Enric Prat

BIBLIOGRAFÍA EN CASTELLANO SOBRE ROCK SINFÓNICOY PROGRESIVO

Atendiendo a la petición que lanzamos en nuestro número cero sobreinformación acerca de publicaciones que hicieran referencia de formatotal o parcial al rock sinfónico-progresivo, he aquí un breve resumenque hemos de agradecer a la amabilidad de Carlos Romeo

- Historia del rock de El país (1986): ssu fascículo 26 estuvodedicado integramente a él, con referencias a los clásicos e incluso aotros menos considerados como Arthur Brown, Barclay James Harvest,Edgar Broughton Band, Family, Hawkwind, Henry Cow, etc. Además,en otros capítulos aparecen referencias, más o menos breves al rockalemán, Triana, Mike Oldfield, Peter Hammill, Syd Barret, ToddRundgren, Kevin Ayers….

- Rock alemán (1978): libro escrito por Antonio de Miguel enla colección Vibraciones Cuadernos de rock.

- Moog rock (1977), en la misma colección incluia comentariossobre ELP y Genesis, junto a breves referencias a King Crimson,Brian Eno, Supertramp, Camel, Renaissance, Oldfield, Greenslade,Pink Floyd, Gentle Giant, Triumvirat, Banco, PFM, Focus, Kayak,etc.

- A pesar que La nueva música (1984), de Adolfo Marín secentra en el sonido industrial y el tecno pop, es posible encontrartextos dedicados a Tangerine Dream, Klaus Shulze, Faust, Can, Neu!..

- La madrugada eterna (1996), que se ocupa de la génesisdel sonido ambient, dedica espacio a Amon Düül, Faust, Guru Guru,Can, Tangerine Dream, Schulze, Ash Ra Temple, Agitation Free, PopolVuh, Neu!, Kraftwerk, Todd Rundgren, Soft Machine, Kevin Ayers,Matching Mole, Pink Floyd, King Crimson, Steve Hillage, Caravan,Egg, Gong, Robert Fripp, Van Der Graaf Generator, etc. A pesar quetambién es un libro de objetivos y punto de vista alejado del rockprogresivo, resulta más interesante que el anterior.

- Libros sobre artistas concretos: el prolífico Jordi Sierra esautor de volúmenes sobre Pink Floyd, ELP y Rick Wakeman. Genesistienen un discreto libro en castellano obra de Magda Bonet, mientrasque sobre Fripp-Crimson existe un libro editado por Guía de músicaen 1994 titulado Robert Fripp & King Crimson – Música de altoriesgo.

L I B R O SComentario de ediciones de interés para el aficionado.

LI

BR

OS

59

16 Oct 97

3 Jul 9821 Mar 98

10 Ene 98

15 Nov 96

By Salva

11 Oct 96

Lunar Waves #2

Documents

Transcript of Lunar Waves #2