Lunar Waves #6

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l u n a r w a v e sMagaz ine de rock s i n fón i co-p rog res i vo

N Ú M E R O 6 O T O Ñ O 2 0 0 0 5 5 0 p t s

INDICE

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L U N A RW A V E S 6

O t o ñ o d e 2 0 0 0

Edición, coordinación y maquetación:T o n i R o i g

([email protected])

R e d a c c i ó n :A l f o n s o A l g o r a ( a l g o r a @ w a n a d o o . e s )

H é c t o r G ó m e zR o b e r t o G r a c i a ( r g r a c i a e @ n e x o . e s )

E n r i c P r a tS a l v a R e n a u ( s r e n a u @ r e g i o 7 . e s )

T o n i R o i gA l b e r t o T o r r ó

Han colaborado en este númeroX a n t i d e M i g u e l

I g o r H u e r t a s“ X a v i ”

F r a n c i s c o J o s é L ó p e z yL u i s

Colaboración especial:E d w a r d M a c a n

B i l l M a r t i n

Subscripciones e información:

R o b e r t o G r a c i aTe l . 9 7 6 4 6 8 8 8 6 F a x : 9 7 6 2 2 7 0 0 7

e-mail: [email protected]

A g r a c e d i m i e n t o s :Montse Masoliver (+ xy), Sandra y Esteban (Pan y

música), Ed Macan, Bill Martin, Matt Goodluck (InsideOut), John Burns, Murky y Juana (Mastertrax), Luís

Santiago (Heaven Cross), Brett Kull, Jordan Perlson yChris Buzby (Echolyn), Steve Wilson (PorcupineTree), Mike Keegan (Digital Ruin), Neal Morse(Spock’s Beard), Clive Nolan (Arena), Derek

Sherinian (Planet X), Mind Gallery, Joaquín Otermin,Arjen Lucassen (Ayreon), Mitsusaka Kaki, Francesca

Nicoli, Nick Peck, Michelle Loose, y a la ciudad deMálaga, Jaume Pujol (ProgVisions), Galleon,

Finisterre, Minimum Vital, Difícil Equilibrio, DonSimpho, Ramon Sellarés (por tener el valor de montar

un concierto progresivo en Terrassa), l’Enric deMataró, todo el equipo de Amarok Rock,

especialmente a Dudu Liñan (por tener el valor decasarse), Robert Mills Producciones, Doctor Music,Xavi Martínez y Dani, Francisco José López y Luis(Radio Enlace 107.5. Los Recuerdos del Unicornio),Torres’ Brothers, Fran y Discos Castelló Nou de laRambla, Discos Gong, Revólver, Antonio Garcia

(Diskpol), Full Moon Records, Planet Music y unavez más a todos aquellos que -cada vez más- convuestro apoyo proporcionais el estímulo necesario

para seguir adelante...

P o r t a d a , d e t a l l e p o r t a d a i n t e r i o r yc o n t r a p o r t a d a :

D e s t i n a t i o n M o o n ( 1 9 5 0 )

© L u n a r W a v e s ,2 0 0 0

D e p ó s i t o l e g a l B - 3 4 8 7 2 / 9 9 .

I m p r e s o e n R e p r o c o p y ( B a r c e l o n a )

Todos los contenidos incluídos son propiedad de sus autores yno son reproducibles en parte o en su totalidad sin

autorización expresa de los mismos

EDITORIAL 3

GALERÍA LUNÁTICA4

FESTIVAL TIANA PROG ROCK2000 15

FESTIVAL DE SARLAT20

BIOGRAFÍA STEVE HACKETT 6

ENTREVISTA NEAL MORSE7

KING CRIMSON EN CONCIERTO 23

FOTOS: DREAM THEATER EN MADRID24

ENTREVISTA CLIVE NOLAN 25

BIODISCOGRAFÍA HOLDSWORTH(2)27

ENTREVISTA STEVE WILSON 32

ENTREVISTA DEREK SHERINIAN34

BIOGRAFÍA RUSH (epílogo) 35

ENTREVISTA MARTIN-MACAN (II)38

ENTREVISTA ECHOLYN 43

PETER GABRIEL -OVO45

LUNAR CLASSIC68

L I B R O S / V I D E O 70

DON SIMPHO71

NOVEDADES 47Spock’s Beard, Ayreon, Echolyn, Everon, Kansas, King Crimson,

Martin Orford, Niacin, Ozric Tentacles, Planet X, The Flower Kings,Margen, Children of the Black Widow, White Willow, Bozzio-Levin-Stevens, Bruford-Levin, Fates Warning, Glasshammer, Mind Gallery,Sylvan, Annie Halsam, Galleon, IQ, Homenaje Pink Floyd, Vertigo,Pendragon, Under the big tree, Presence, CAP, Djam Karet,Lothlorien, John Burns, Arise from thorns, ñu

LA MAQUINA DEL TIEMPO62Bellaphon, Djam Karet, Goblin, Violet

District, Jethro Tull, Electrica Dharma

ZONA LÍMITE 66King’s X, Roger Hodgson, Angizia, Lana Lane y otros

+CONCURSO 2 LUNAR NEWS11

LUNAR WEB 31 PETIT SUITE65

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Ganadores del concurso de LW5: Miguel Carlos Peralta y ... ¡Norberto Ramos!, y lasolución al cruce de letras es: Yes (1,2,4,7) y Spock’s Beard (3,5,6,8).

E D I T O R I A L

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BARCELONA:Pan y música: Ros de Olano, 12. Tel.: 93 237 65 68Discos Castelló Nou de la Rambla: C/ Nou de la Rambla 15Tel.: 93 302 42 36Discos Gong: C/ Consell de Cent 343. Tel.: 93 487 07 96Discos Revólver: C/ Tallers 13. Tel.: 93 302 16 85

ZARAGOZA:Discusatix: C/ José Pellicer 50. Tel.: 976 37 28 79

MADRID:Diskpol: C/ Jesús del Valle, 8: Tel.: 91 522 63 90Sun Records: Pza. Santo Domingo 12 Tel.: 915421381

SESTAO (VIZCAYA)Full Moon Records: C/Miguel Servet 17-bajo. Tel.: 94 4720432

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NÚMERO 0: AGOTADONÚMEROS 1-5: los podéis conseguir a través de Pan y Música odirectamente a alguna de las direcciones de contacto.

En Lunar Waves agradecemos y consideramos con el máximo respetovuestras opiniones, sugerencias y aportaciones. Aunque Lunar Wavesno se compromete a publicar los originales enviados o a mantenercorrespondencia en relación a los mismos, es nuestra intención hacerlosiempre que sea posible en base a su contenido, la línea de nuestrapublicación y espacio disponible.

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Información:Roberto Gracia: Tel.: 976468896 - Fax:976227007 - Mail: [email protected]

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3500 pts 4 números con gastos de envío incluídos.(Infórmate)

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Si algo caracterizará a este año 2000 será la coincidencia, en formatoCD o sobre los escenarios, de la plana mayor del rock progresivoactual y de la época dorada del género. Podemos estar contentos.

No hay duda que se ha conseguido crear un mercado,minoritario, eso sí, disperso, por supuesto, pero que ya ha permitidoa una serie de bandas obtener una cierta repercusión que les acercaa la profesionalidad y conseguir un lugar dentro del panorama actualdel rock independiente (aunque “oficialmente” se ignore). En estesentido, en la entrevista con Neal Morse que encontraréis en estenuevo número de Lunar Waves, una frase me llamó poderosamentela atención: “Spock’s Beard seguimos luchando por nuestro derechoa existir”. Neal tiene claro que hay un mercado, basado en el apoyode los fans, que disfrutan de un estilo con más de treinta años dehistoria a sus espaldas, con referencias y señas de identidaddeterminadas.... El peligro está en que esta “lucha por lasupervivencia” llegue a provocar que se acabe dando “al público loque quiere”, antes de dar “al público lo que quiero”. Esa es la dudaque me queda al escuchar los últimos álbumes de buena parte degrupos actuales más conocidos, como Spock’s Beard, Transatlantic,Dream Theater, Porcupine Tree o The Flower Kings, por muchoque los disfrute como un enano (una excepción sería el caso de losrecuperados Echolyn).

Y es que ante estos recientes álbumes nos podemosplantear las eternas preguntas: ¿Podemos considerarlos buenostrabajos? (A mi juicio sí). ¿Podemos considerarlos innovadores? (Ami juicio no). Llegados aquí, se puede incluso reabrir la manidadiscusión sobre si el rock progresivo es o debe ser innovador “perse”. No es por añadir leña al fuego, pero me atrevo a plantearos dosconsideraciones:

1) La primera es que el rock progresivo es un estilo conun origen y unas características determinadas que condicionan aunhoy día lo que consideramos bajo esta denominación. La suerte esque una de estas características es un elevado (no infinito) grado delibertad y una gran capacidad de síntesis. Obviamente eso le hapermitido (y todavía le puede permitir) abrir caminos, pero no esese su único objetivo. El rock progresivo, aunque utilice ciertasconvenciones fácilmente identificables, puede deleitarnos con suelevado potencial de creatividad gracias a este margen de libertad(que al fin y al cabo conlleva movimiento, progresión).

2) La segunda es que es sumamente discutible y complejodeterminar de forma rigurosa lo que es realmente innovador encualquier campo de la expresión artística, más en el rock y aun másen estos tiempos de globalización, donde la línea entre el homenajey el reciclaje, entre la síntesis y el vampirismo comercial es

demasiado fina.

Necesitamos músicos con suficiente talento y capacidadde seducción para luchar por nuestro propio derecho a existir: quelevanten interés, que remuevan Internet, que estimulen laexploración musical (proceso en el que me encuentro día a díaaunque me siga sintiendo un aprendiz), que mantengan los circuitosde conciertos, los festivales, los fanzines... en definitiva, unaestructura mínimamente estable. Y que, “last but not least”, evitenel aislamiento, mantengan un vínculo con el mundo real y permitanque la música progresiva se pueda recontextualizar sin perder suesencia, como sucede en muchos otros estilos.

Pero también necesitamos a quienes tomen riesgosanteponiendo sus propios principios al legítimo deseo de “lucharpor existir” (con comodidad), que se muevan con integridad radical.Es posible que, a veces sin darse cuenta, a pesar de las frustraciones,efectuen pequeños o grandes hallazgos que abran nuevas puertas alfuturo.

Debemos ser exigentes con todos, pero juzgar el trabajode unos y de otros bajo los mismos parámetros es, como mínimopoco realista (este mismo problema es el que en un contexto contrariosigue manteniendo en el ostracismo al rock progresivo gracias auna prensa musical incapaz de valorar una obra musical en sí misma,sino sólo bajo las convenciones que se consideran “aceptables”).

Dar una (aunque sea limitada) panorámica de lo que seestá haciendo en todos estos niveles es lo que intentamos en LunarWaves, aunque se trate realmente de un difícil equilibrio.

En este número os ofrecemos el epílogo de la biografía deRush, continúa la de Holdsworth y os proponemos la de SteveHackett. Entrevistas de primera línea con gente como Clive Nolan,Neal Morse, Steve Wilson, Echolyn... ¡y hasta Derek Sherinian!Además, todo lo que nos contaron los participantes del festival deTiana, texto e imágenes de la temporada de conciertos en España yun largo etcétera.. Esperamos que disfrutéis tanto como nosotros deesto que no deja de ser un trayecto de aprendizaje. Con él nopretendemos alcanzar la sabiduría, nos conformamos con compartirlocon vosotros y de paso disminuir un poco nuestra ignorancia. Lorealmente estimulante es el camino, más que la meta. En casocontrario se podría acabar fácilmente cayendo en la prepotencia, ynada hay más lejos de nuestra intención. Hasta pronto, lunáticos.

Toni Roig

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Un nuevo paseo por lo curioso, loextraño, lo increíble, lo impensable... O sea, real como la vida misma.

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GALERÍA LUNÁTICAgalería lunática

Compro la revista Q desde 1991 de forma regular, porque me siguepareciendo una revista excelentemente estructurada (de ella han salidoalgunas ideas que he intentado aplicar a Lunar Waves) y una buenaforma de mantenerme al día del panorama pop y rock y de todo loque se reedita, aunque sólo me interese una pequeña proporción delo que se comenta y tenga fuertes discrepancias sobre cómo secomenta. Como la inmensa mayoría de las otras revistas musicalesbritánicas -con la excepción de Mojo y desde no hace mucho tiempo,la revista Classic Rock- la hostilidad hacia el prog-rock es evidente,y en algunos casos, sangrante (sobre todo cuando tienen la oportunidadde lapidar a su víctima favorita, Asia). La lectura de la crítica deLightbulb Sun, de Porcupine Tree me ha movido a incluir este pequeñomuseo de los horrores con algunas críticas antológicas contenidas enesta revista. Si no fuera porque ya estamos acostumbrados, algunasde las tonterías aquí incluídas podrían herir la sensibilidad del lector,se trata simplemente de no tomárselo muy en serio. Me sentiría muytentado de añadir notas al margen, pero vale la pena que cada unosaque sus propias conclusiones (aun así me gustaría destacar algunosmomentos estelares como la crítica del concierto de Asia en Moscú,que a pesar de su tono irritante es francamente divertida y el ciertoaire fascistoide que rezuma la crítica de los pobres Ozric Tentacles).Bienvenidos al rincón del masoquista (Toni Roig).

Porcupine Tree. Lightbulb Sun.Se ha comparado Porcupine Tree con Pink Floyd, pero juzgando a partir de lamezcla que hace la banda de melodías pobres, una voz pobre y guitarras con eco,debe referirse a los Pink Floyd más temibles, carentes de melodía y aun asídeseperadamente deseosos de pontificar de Animals, antes que los buenos PinkFloyd. Lightbulb Sun es “progressive rock noveau”, en el sentido que intentadisimular sus orígenes de los setenta introduciendo algunos aspectos modernosenganchados por todas partes. El peor atentado de todos es el tema de trece minutosRussia on Ice, que aspira a mostrar una grandilocuencia depresiva pero que essimplemente deprimente. Incluso el tan cacareado elemento dub está ausente,como si el lobo se hubiera apropiado de la piel de una oveja, hubiera conseguidoatravesar la puerta y estuviera matando a la abuela con sus discos de Emerson,Lake & Palmer *. David Quantick

Asia, Then & NowNo podía ser peor: un intento de relanzanzamiento en un extraño híbrido querecoge seis temas de su catálogo y cuatro nuevas canciones. Brevemente, Asiafue un fenómeno de su momento. John Wetton, Carl Palmer, Geoff Downes ySteve Howe, fragmentos de Yes, ELP y similares, carentes de todo carisma ysin nada mejor que hacer, decidieron convertirse en la perfecta banda americanapara radios orientadas a adultos de principios de los ochenta, y contra todalógica, tuvieron éxito. Su debut de 1982 llegó a los primeros lugares de laslistas americanas durante dos meses (su single más radiado, Heat of the moment,ha sido, por supuesto, desenterrado para la ocasión). Pero en el transcurso detres años se esfumaron y fueron olvidados. Así que Then & Now es unsobreañadido innecesario con nuevos temas que no añaden nada de frescura,aunque en los créditos aparezcan los nombres del ex-ídolo de las adolescentesDavid Cassidy y el ex-Sex Pistols Steve Jones – un dato deprimente que sugiereque toda la música pop debe provenir de la misma amorfa paleta de colores-.Diversos guitarras de sesión suplen la ausencia de Howe, aunque la receta es lade siempre: acordes epatantes, pomposas armonías y sentimientos vacuos. Enconjunto, la quintaesencia de la carencia de gusto. * Phil Sutcliffe

Asia, AsiaAsia se formó en el momento en el que el punk parecía haber clavado las tapasde los últimos ataudes de las bandas de rock progresivo esencialmente inglesascomo Yes, Emerson, Lake & Palmer o UK y contienen miembros de todas ellas.De sus predecesores Asia heredó la tendencia a los arreglos exagerados y lasgrandes producciones, pero carecía de la calidad de la composición de los temasy la imaginativa calidad musical que podía hacer perdonar sus excesos. Aquíencontramos soft rock de segundo orden salido de madre gracias a torrentes deteclados sinfónicos y convoluciones instrumentales algo pedestres, reunidas enconjunto de una remarcable falta de talento. Aun así, su debut del 82, Asia,vendió nueve millones de ejemplares e incluía el alegre hit-single Heat of themoment. Y aunque la pomposidad instrumental se rebajó ligeramente en sucontinuación, la deteriorada composición de los temas hace que el éxito en laslistas de Alpha (1983) sea incluso más sorprendente. ** Paul Henderson

Asia.AquaHasta ahora, Asia ha habitado en una zona residencial otoñal de arreglos tan

meticulosos como sosos, y una ejecución tan colorida como urbana, muy alejadade la cruda energía del auténtico rock. Dominada todavía por los machaconestecladors del ex-Buggle Geoff Downes, el reemplazo del bajista/vocalista JohnWetton por el más expresivo John Payne y la adición del ex-guitarrista de AliceCooper Al Pitrelli, le proporcionan flashes ocasionales de agresividad, introducenalgo de suciedad bajo la uñas de estos temas, de forma este new look de Asia serecolocan en un pequeño pero significativo paso hacia el mercado mayoritario.Y aunque la segunda mitad de Aqua esté plagada de temas épicos rellenos deteclados, como A Far Cry y Heaven On Earth, tanto Love Under Fire comoLittle Rich Boy, con ecos de Bruce Springsteen y Bon Jovi respectivamente, sebenefician enormemente de la savia nueva de la banda. ***Paul Henderson

Asia AriaLas comparaciones con un barco hundiéndose pueden ser un poco crueles, perodel quinteto original multi-millonario en ventas, sólo el ex-teclista de Yes yBuggles, Geoff Downes, considera que todavía vale la pena mantener el nombrede Asia. No es que haya cambiado especialmente nada en lo musical. Aria, suséptimo álbum, es pomp rock tremendamente pulido, del que ya se considerabaviejo en 1982, cuando aparecieron, o sea que imaginaros ahora. La voz de JohnPayne deriva agonizantemente hacia un estiilo semi-operístico; Al Pitrelli juegaun poco aquí y alló con la distorsión y el propio Downes opta por la orquestacióntotal. A pesar de algunos coros pegadizos, ninguno de los temas soporta unarevisión detenida. Roger Dean diseñó la portada, lo que probablemente ya lodice todo. ** Peter Kane

Asia Live In Moscow 1990La antigua Unión Soviética saluda con devoción los solos de guitarra y teclados:el comunismo sufre un colapso. Probablemente el supergrupo más risible detodos los tiempos – con miembros rescatados de King Crimson, Yes, EmersonLake & Palmer, Meat Loaf y Buggles - Asia viajaron a Moscú en 1990, porquetal y como se relata en las histéricas notas de John Wetton, se sentían “excitados,fascinados y nerviosos” ante la posibilidad de tocar “en una helada, empobrecidae inestable Unión Soviética“. Sobre el escenario, la noción de sutilidad resultatan ajena a Asia como a su público, y el hecho que toquen temas denominados“Keyboard solo” y “Rock & Roll Dream” sin ninguna intención irónica lesconvierten en una gran, aunque inintencionada, banda de rock de comedia. Ensus notas, Wetton expresa su actitud por poder tocar durante “una de las épocasmás desesperadas por las que ha pasado la gente de Rusia”. No queda claro sise refiere al desmantelamiento de la Unión Soviética o a estos torturantes 74minutos de concierto. * Nick Duerden

Camel Never Let GoGrabado en Holanda en 1992, coincidiendo con el vigésimo aniversario de suformación, este doble CD en directo presenta un show completo, con la primeraparte formada por sus temas más populares (Never Let Go, Earthrise, Ice, LadyFantasy) y una segunda que recoge una interpretación en su totalidad de suúltimo album, Dust and Dreams. Con sólo Andy Latimer (su guitarrista/flautista/vocalista) como superviviente de su formación original, Camel descargan másde dos horas de típicas melodías exageradamente sentimentales y arreglosaburridos, que hacen que la pomposidad de, por decir algo, Marillion o losprimeros Genesis parezca en comparación punk ácido. Muchas de las cancionescarecen de substancia, letras poco originales, pasajes instrumentales llenos devaivenes, cambios de ritmo y tempo se suceden como puro malabarismo, amenudo de forma torpe, y por arte de magia. El resultado final es comparable ala más efectivas píldoras para dormir. * Paul Henderson

Pendragon The Window Of LifeConsiderados en sus inicios como la vanguardia de un nuevo rock progresivo,Pendragon parecen haberse aposentado sobre una especie de terciopelo tensado,en una empresa propia que opera en las afueras de Berkshire, presumiblementea beneficio de todos aquellos que todavía no se han recuperado de la separaciónde Greenslade. Window of live es una recreación histórica de proporcionesimpresionantes; un parque temático aureo o, si lo deseáis, Nursery Crymeland.Los primeros cinco minutos de The Walls Of Babylon serían encantadores si noestuvieran sacados de la intro de Shine On You Crazy Diamond. Como si sehubieran dado cuenta, la banda se desplaza rápidamente hacia un facsimil másdisimulado de los Genesis de The knife. A partir de ahí el esquema está yatrazado: pesadas evocaciones de manual, sacadas sobre todo de los yadenominadas Genesis, con maullidos, irrupciones de guitarra solista prepotentesy ese tipo de letras que la gente escondía en sus tiempos al final de los libros dedeberes de francés. Decadente. * Stuart Maconie

Porcupine Tree Stupid DreamQuinto album de estos rockeros de pantalla grande, que incluye en su formaciónal ex-teclista de Japan Richard Barbieri. A pesar de una menor aceptació en sutierra natal, este cuarteto británico se ha hecho un hueco en una Euopa donde

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GALERÍALUNÁTICA

temas épicos de ocho minutos todavía son causa de alegría más que depreocupación. Como todas las bandas a las que se les otorga la etiqueta deprog-rock, niegan cualquier afinidad con la causa mientras siguen haciendodiscos que sugieren lo contrario. El predecesor de Stupid Dream, Signify (1996),introducía un cierto ambiente dance en una mezcla dominada por el space-rock, y en esta ocasión añaden un toque de Thom Yorke e incluso Nick Drakeen alguno de sus momentos más concisos. Aun así, es el panorámico Even Lessy Don’t Hate me, con su solo de saxo patentado por Pink Floyd- son másrepresentativos del conjunto. Todo tocado magníficamente, aunque sigue siendomúsica bastante sosa y que no consigue sacudirse de encima lo fantasmas de losdinosaurios del pasado, por mucho que lo intente. ** Mark Blake

Emerson, Lake and Palmer Live At The Royal Albert HallDesde el mismo inicio de este album, con el descorazonador grito del públicodel Albert Hall gritando (E-L-P! E-L-P!) y la terrible introducción a cargo deAlan Fluff Freeman (Welcome back, my friends etc), este documento delconcierto de octubre de 1992 de Emerson, Lake & Palmer, nunca baja el niveldel más puro escalofrío. Moviéndose entre los temas de su album de retorno,Black Moon con temas escogidos del pasado en nuevos medleys del tamaño deun mordisco. Tarkus dura de esta manera nueve minutos y medio. Bueno, almenos cabe agradecérselo. Como corresponde a unos virtuosos sin igual, puedesllegar casi a oir la autocomplacencia en los solos, y la carnicería a la que sometena la maravillosa Romeo y Julieta de Prokofiev es tan escandalosa que casi mereceuna denuncia judicial. Los frenéticos quince minutos de su tema final incluyeFanfare for the common man y la America de Leonard Berstein destrozada aunmás salvajemente que lo fue en la era de The nice. A pesar de la aparente alegríareinante, Live At The Royal Albert Hall es uno de los discos en directo menosenvolventes de la historia. La inclusión de un folleto de merchandising (¡encargaya la litografía de Brain Salad Surgery por sólo 95 dólares!) completa un discodesagradable. * David Cavanagh

Ozric Tentacles ArborescencePuede que todavía exista en el mundo quien necesite una fusión del progresivofestivalero y hippy de los setenta, el ambient y el dub, pero si lo hay, no es enninguna parte de por aquí cerca. Los Ozric Tentacles, en su, trágicamente,treceavo album presentan un horrible colección de temas instrumentales contítulos estúpidos como Astro Cortex o Yog-Bar-Og que parecen aullar sin parardurante años. A veces, aparecen samples poco sentidos procedentes del tercermundo, a veces el bajo recoge alguna línea cercana al dub. En todas partes, elteclista se dedica a hacer ruiditos espaciales. El disco es tan horrible que suenacomo una inacabable prueba de sonido de Marillion. * Jimmy Nicol

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<--- !Ojo con la foto!; No, no son LosValldemosa. ¿Quíen es la nena de la

minifalda?. Buíiino, va... En realidad lostres sujetos de alrededor, no

se quienes son, pero la nena es lamismísima Annie Haslam. (Con todo el

cariño, pensando en el Torró).Saludos, Xavi.

....ELLOS TAMBIEN QUISIERON........: QUEEN: QUEEN II (EMI, 1974)

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Hace ya veinticinco años que el Sr.Hackett inició su personal andaduradesmarcándose de GENESIS para ir

volando por su cuenta, para encontrarse a símismo y demostrar que, además de una partemuy impor tan te de uno de los g ruposfundamenta les de los años se tenta , e ra ,individualmente, un músico digno de aprecioy respeto. Entre la seguridad financiera quesuponía su continuidad en el grupo y lasatisfacción espiritual, eligió ésta. Prefirióevolucionar a repetirse y, por ello, por encimade cualquier otra consideración si algo se haganado de ve rdad , e s e l r e spe to yreconocimiento generalizado por parte detodos los que hemos venido siguiendo entodos estos años su carrera, (en los últimosve in te años más b ien pocos ) e lreconocimiento de su tremenda valía.

La carrera en solitario de Hackett ocupa la mitad de suvida ya que nació el 12 de Febrero de 1950. Sus iniciales preferenciasse decantaron hacia el blues, sus guitarristas modelo en suadolescencia fueron Peter Green, Jeff Beck, Eric Clapton; tambiénantes de cumplir los veinte se impregnó de clasicismo escuchandoa Eric Satie, Albinoni, Bach, Debussy, Ravel o Vivaldi pero, contodo su gran primera influencia musical real fue Robert Fripp, fueKing Crimson, os cito palabras del propio Hackett: “Robert Fripppara mí fue más que un maestro, fue una iluminación, unafascinación. Navegando en estilos diferentes con fluidez. Usandola guitarra como una orquesta completa, porque tan sólo en unaguitarra se encierra una orquesta entera de sonidos... es una mini-orquesta, pero allí está”. Si os fijáis en estos veinticinco años havenido evidenciando esas influencias, el Blues, la música clásica yFripp. En resumen, el característico estilo, sonido del Hackettsinfónico-progresivo emula a Fripp en la utilización de distorsionesy pedales buscando sonidos poderosos, duros, fuertes. Su madurezalcanzada hace años hace que publique trabajos disparesdemostrando que con todas las influencias, en todos esos estilos,ha alcanzado ya el nivel de un maestro.

Porque sin menospreciar a otros, creo que Hackett es unade los cuatro indiscutibles maestros de la guitarra del sinfónico-progresivo. Los otros tres son, obviamente, su maestro Fripp, Howey Latimer. Los cuatro son inconfundibles, de los cuatro posiblementesea Hackett el que une lo experimental y progresivo de Fripp, latécnica más clasicista de Howe y la sensibilidad, el sentimiento deLatimer. Un compendio. Un quinto sería A. Phillips, pero la facetaeléctrica de éste es ya casi testimonial de aquí que lo dejamos aparte.En esta publicación se ha hablado mucho de Hackett, con ocasiónde su concierto del 94 con crónica del concierto y entrevista; se hancomentando sus últimos discos, desde “A Midsummer Night´sDream..”; tenemos esa fenomenal entrevista que Toni Roig le hizopor teléfono y que podéis degustar en el Lunar Waves 3; tan sólo enuna ocasión (Lunar Suite 13) A. Torró hizo una referenciahistórica muy rápida como preludio al comentario de “GenesisRevisited”.

Nos faltaba, como revista especializada, unabiografía más detallada, más exhaustiva, una referenciapuntual de su obra. Los veinticinco años es una buena excusapara abordarlo.

En el verano de 1975, recién terminada la gira deThe Lamb, recién conocida la marcha de Gabriel, en los meses deincertidumbre sobre el futuro de GENESIS, Steve decidió entraren los estudios para llevar a cabo la grabación de “VOYAGE OFTHE ACOLYTE”, su primer álbum en solitario, álbum quenecesitaba, para expresar sus sentimientos musicales con libertadplena y para demostrar su valía personal. Acompañado por suhermano John, por John Acock, por Mike Rutherford, Phil Collinsy algún otro invitado,

VOYAGE es un álbum ambicioso,muy inglés, un álbum de climas fuertes ycontrastados, una liberación de emociones muydiferenciadas. En contra de lo que podríapensarse no es un disco de “guitarrista estrellabusca demostrar lo que sabe” no, ni muchomenos; se trata de un álbum experimental,escrito para que suene en grupo, no en solista.No era ni es un disco fácil, Steve no ha buscadonunca lo fácil. Técnicamente su labor comoguitarrista resulta ser incluso más compleja queen los discos de GENESIS, y las composicionespresentan un cambio notable, una evoluciónmás que evidente en temas tan duros como “Atower Struck Down”.

VOYAGE, básicamente instrumentalse abre con una maravilla “Ace Of Wands” yse cierra con otra “Shadow of The Hierophant”;entre medio, delicadezas como “Hands of the

Priestess, Part 1-2” con un fenomenal trabajo de John Hackett a laflauta, como “The Hermit”, como ese “Star Of Sirius” en la queCollins se empieza a destapar como voz solista y que cuenta concambios radicales dentro de la misma canción, cambios tan propiosy característicos del progresivo. Un comienzo sorpresivo einmejorable.

La personalidad de HACKETT, el afianzamiento de suprimer disco, su éxito resultó ser primordial para transmitir laseguridad en la continuidad de GENESIS sin Gabriel. Supersonalidad- junto con la de Banks- presiden los dos primerosdiscos que GENESIS publica sin Gabriel, esas dos maravillas queson “A Trick of The Tail” (¿quién puede olvidar un tema como“Entangled”?)y “Wind And Wuthering”, el ambiente melancólico,taciturno, otoñal de este disco sin parangón se debe en gran parte aHackett (¿cómo olvidar “ Blood on the Rooftops”?). Es tras la girade “Seconds Out” en 1977, cuando Steve deja definitivamenteGenesis, que nunca volverían a ser ya lo que fueron. No sé quepensaréis pero creo que la marcha de Hackett fue para el grupotanto o más esencial que la de Gabriel.

Pocos meses después, en el primer semestre de 1978,Hackett publica su segundo álbum en solitario “PLEASE DON´TTOUCH”; cambio total de decoración, sorpresa en la concepción yen las formas. Frente al intimismo del primer disco, nos encontramoscon una obra en la que la palabra pasa a ser muchomás importante, con una obra en la que Hackettparece querer jugar tan sólo el papel de directormusical y compositor. Para vestir y adornar lapalabra los invitados son gente tan conocidaentonces como Steve Walsh -cantante de Kansas-; Richie Havens o Randy Crawford. Los tresamericanos para plasmar lo que se pretendía, un estilo que mezclaraestructuras cercanas al Rock europeo con un sonido “BlackAmerican”, en palabras del propio Hackett. La fuerte personalidad

de estos cantantes hacen que la guitarra de Steve quede aveces en un segundo plano, oculta tras el poderío vocal desus protagonistas.

Please Don´t Touch es un disco magnífico. más“americano” si se quiere, pero magnífico. “Narnia”comienza con unas guitarras acústicas cuyo fraseado daentrada a la poderosa voz de Walsh- parece Kansas- perola distorsión de la guitarra eléctrica no engaña – es puro

Hackett; “Carry Up on the Vicarage” es una especie de juegoexperimental, un tributo musical a Agatha Christie : En “Racing inA” también cantada por Walsh y de tiempo rápido, Steve se lucetanto con la eléctrica, como con la guitarra española en su partefinal; “Kim” es una preciosidad dedicada a su amor, guitarraespañola y flauta para un sentido poema instrumental; En “Howcan I?” cantada por Havens, Steve da un tratamiento a la guitarrade distorsión sonando como un gran acordeón. La distorsión, con

S T E V E H A C K E T Tel largo viaje de un acólitoB

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Una guitarra de leyenda, maestra en llenar de sentimiento a todo lo que toca. Por Roberto Gracia

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un sonido totalmente característico predomina también en uno delos mejores temas del disco “Hoping Love Will Last” cantada porRandy Newman. Voz de blues para un tema de experimentacióntécnica en el que además nos encontramos con una base orquestalinesperada. “Land Of Thousand Autumns” y “Please Don´t Touch”instrumentales nos muestran asimismo a un Hackett progresivo,experimental y poderoso. El disco acaba con “Icarus Ascending”cantada por Havens y que en en pocos minutos combina el blues, labalada, el swing e incluso toques jazzísticos.

Kim Poor, como sabéis, además de ser, durante muchosaños el amor, la musa de Hackett, es pintora. Su arte, guste o noguste – a mí no me gusta- ha servido para ilustrar casi todas lasportadas de los discos de su amado. Para Please Don´t touch” estuvoespecialmente inspirada ya que este disco cuenta con, para mi gusto,la portada más acertada de todas las que ha creado. El dibujo,imagino que inspirado en alguno de los temas es una viñeta en laque juguetes que acaban de salir de la estantería se diviertenasaltando a los pobres humanos. Nada que ver con las, a mi modode ver, horrorosas portadas con las que nos ha venido obsequiando.

Please Don´t Touch sirvió para seguir afianzando laseguridad en sí mismo de Hackett, de modo que, a partir de aquí, seplanteó la necesidad de crear su grupo, un grupo estable que lepermitiera ofrecer en directo su obra. Con cierta estabilidad en 1978la “Steve Hackett Band” la integraban Pete Hicks (vocales), DickCadbury (Bajo); Nick Magnus (Teclados), John Hackett (Flauta ) yJohn Shearer (Batería). Con este grupo grabó sus dos discos másalabados por critica y público, “SPECTRAL MORNINGS” en 1979y “DEFECTOR” en 1980 que pueden analizarse conjuntamenteporque casi constituyen una unidad. Con ellos llegó, lo que paramuchos, sea su cima creativa en lo atinente al rock “sinfónico-

progresivo “.SPECTRAL MORNINGS es un disco

progresivo donde los haya. La evolución musicalde Hackett a nivel compositivo y a nivel técnico-instrumental es notoria. Sus afinidades con Frippno menos evidentes. La utilización de técnicaspropias de distorsión se generaliza, la inclusiónde temas largos de cambios rítmicos continuos

propios del progresivo se generaliza, la fantasía y la imaginaciónse desbordan. Un ejemplo claro de lo que os comento es, sin duda,“Tigermoth”, tema variado, complejo, de influencia en partes,claramente Beatle (Mr. Kite?). El disco contiene temas faro de lacarrera de Hackett como “Every Day”, “Clocks” o “SpectralMornings” poderoso instrumental en el que Steve se luce con elrespaldo de un grupo que le seguía a la perfección. Tenemos yaaquí alguna inclusión en la música oriental japonesa y alguna otraveleidad “Andrés Segovia style” (Lost Time In Córdoba).

El siguiente, DEFECTOR, de 1980, su disco más vendido,compuesto y grabado entre gira y gira, aprovechando la fertilidadcompositiva de esos años mantiene el nivel del anterior aun cuandoadolezca de falta de autenticidad. Instrumentales tanto o máspoderosos y solidos que Spectral Morning como “The Steppes” o“Slogans” (heredero del sonido de Wind and Whutering) y “Jacuzzi”,plagados de cambios vertiginosos, atormentados, con los que elsonido de la guitarra de Hackett reivindica su propia identidad parahacerla definitivamente de imposible confusión con cualquier otromúsico del progresivo y en los que escuchamos a un Steve muchomás rápido en la digitación de lo habitual. La Steve Hackett Bandfunciona de forma contundente y configura un bloque sin fisuras enel que cabe todo. Los tres temas citados son la espina dorsal deldisco pero no faltan los temas más ligeros, alegres, casi poperos,como “Time to Get out”, ni la inclusión del gustopor la guitarra clásica como en “Two Vamps asguests”, ni la oportunidad del lucimiento paraNick Magnus que no es un Banks pero quedacomo un buen teclista en el suave instrumental“Hammer in the Sand”; “The toast” es de la venade “Blood on the Rooftops”; “The Show “ es el

corte más genesiano, curiosamente muy cercanoal ambiente de “And Then There Were Three”tanto en el tratamiento de los teclados como elde la guitarra. El disco acaba con un de esos temasraros con ambiente “crooner” aires años cuarentaque gustaba incluir Hackett en esos años,totalmente irrelevante y prescindible.

Como las mentes inquietas son contrarias a la estabilidad,a Hackett le debió parecer que no necesitaba reafirmar más su egocomo lider de un grupo digno. Posiblemente cansado de giras,despide al grupo y para ser más auténtico se queda sólo con elteclista Nick Magnus, se centra en su amada Kim y a finales de1981 nos sorprende negativamente con CURED, uno de sus discosmás flojos.

De entrada, como os he dicho, utiliza tan sólo a NickMagnus, asumiendo él la responsabilidad de tocar, como siemprelas guitarras, pero también el bajo y lo que es peor, la voz solista.Hackett es un maestro de la guitarra pero no es un buen cantante.Poco a poco ha ido mejorando hasta llegar a niveles más queaceptables como se evidencia en su más reciente “Darktown”. EnCURED la voz falla. Pero además de la voz, tampoco estuvoexcesivamente inspirado en la composición. Su empeño en tratartextos de amor le forzó a utilizar estructuras más propias delpseudopop-rock blando, canciones en las que se asemeja bastanteal estilo Rutheford – Collins a partir de DUKE. Lo más salvabledel disco lo constituyen los instrumentales “The Air-ConditionedNightmare” y “A Cradle Of Swans” en los que Hackett se muestraen buena forma y el tema inicial “Hope I don´t Wake, algo másvigoroso que el resto.

La portada lo dice casi todo. Una foto de Hacketttomándose una piña colada al borde del mar, seguramente en algunaplaya brasileña (Kim Poor es una belleza rubia anglo-brasileña).Estaba de vacaciones en casi todo.

A lo largo de 1982, en diferentes períodos del año Hackettentra de nuevo en los estudios para grabar HIGHLY STRUNG,publicado en 1983 en el que recupera el tono progresivo de susprimeros discos. Acompañado del entonces inseparable NickMagnus (Teclados), ChrisLawrence al bajo e Ian Mosley(futuro Marillion) a la batería.

“Highly Strung” esmuy superior al anterior y con eldisco recupera tono yreconocimiento crítico, auncuando no alcanza el nivel de suscuatro primeros discos.Nuevamente volvemos aencontrarnos con instrumentalesincendiarios, eléctricos,violentos, imaginativos como “Group Therapy”, “Hackett To Pieces”(uno de los temas clásicos en los conciertos) o “Always SomewhereElse”. Nos reencontramos con temas plagados de gusto y tacto como“Weightless” o “India Rubber Man”. Incluye incluso un tema quealcanzó cierto éxito en las listas como “Cell 151”.

Hubiera resultado mucho mejor aún si para la grabaciónHackett hubiera contratado a un buen cantante.

Los dibujos de Kim Poor, sobre todo el de contraportadason también más inspirados. Los trabajos posteriores de nuestroquerido guitarrista iban, a partir de ahora por otros derroteros muydistintos.

Que Highly Strung fuera medianamente reconocido eracasi milagroso en 1983 en unos años en los que casi nadie hablabaya del progresivo. La exclusión, el olvido y la animadversión de laspublicaciones musicales hacia este tipo de música conllevó unacasi total falta de información sobre o con respecto a las actividadesde los artistas que no fueran los de primerísima fila y aún hasta aellos les alcanzo el desinterés, desinterés en los que participarondiscográficas como Charisma, también en franco proceso de

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desaparición y que no querían gastar dinero en discos cuya ventaestaba condenada a ser meramente testimonial

Hackett no fue una excepción sino una evidencia palpablede la desinformación, tan es así que habiendo publicado en 1983otros dos discos, de factura muy diversa, casi nadie nos enteramosde su publicación. Estos dos discos son TILL WE HAVE FACES yBAY OF KINGS, discos que quien os escribe los encontró porcasualidad en estanterías de alguna tienda de discos europea.

TILL WE HAVE FACES es el resultado del deseo deHackett de incorporar a las estructuras del rock ritmos einstrumentos propios de culturas mucho menos desarrolladas, másprimarias. En este sentido y como se indica en la portada de lareedición remasterizada de 1994 el disco fue precursor de lo quemás tarde y con un éxito sin precedentes realizaron Paul Simon y

Peter Gabriel.Hackett trabajó con

músicos brasileños por pura lógica.Como os he apuntado Kim Poor esmedio brasileña y parte de sufamilia vive en Brasil, de modo queperiódicamente la pareja viajaba aRío de Janeiro por motivosfamiliares, particularmente enNavidades. Allí y cautivado pordeterminados ritmos brasileñosentró en contacto con músicos

locales y poco a poco con ellos fue grabando las bases rítmicas dela mayor parte de los temas que integran tan ecléctico disco grabadoen Río de Janeiro y en Londres, allí con medios de grabación escasos,aquí con los habituales.

Los músicos que participan en el disco por parteinglesa son Hackett, Nick Magnus e Ian Mosley; el restoson músicos brasileños que se ocupan, mayoritariamentede las percusiones ya que tan sólo Ronaldo Diamante seocupa del bajo y Fernando Moura de teclados.

El resultado es simplemente interesante, porqueno sólo se mezclan el rock inglés y los ritmos brasileños,sino que también se mezclan éstos con sonidos orientales,bases de percusión brasileñas con el Blues y muchas másinfluencias.

El primer tema “What´s My Name” combina esasestructuras brasileñas con las orientales. Comienza conpercusión brasileña muy tribal, muy primaria, sonidos de la selvaAmazónica que podrían ser de cualquier selva africana; el textocantado sobre base de percusión menos tribal pero obsesiva, permitela entrada a los teclados de Magnus que apoyan la voz de Hackett;tras cantar la frase que da título al tema existen pequeños puentesinstrumentales japoneses combinados casi al final con laspercusiones brasileñas y acabar con sintetizadores al estilo.Vanguardista.

“The Rio connection” es un corte muy divertido con ungran trabajo de Hackett, casi una improvisación con toques deblues en el tratamiento de la guitarra.

“Matilda Smith Williams...” de 8 minutos es uno de losmejores cortes del disco, sin duda. Variado, cambiante, intrigante.El ritmo es de samba, las percusiones brasileñas pero el fraseadode la guitarra de Hackett es totalmente británico. Nadie que hayaescuchado a Hackett se confundiría escuchando el tema por vezprimera. Sobre la mitad del corte se inicia la base de percusiónpura y dura a la que suavemente se une la guitarra y después losteclados en una conjunción modélica.

“Let My Count The Ways” es un típico “slow blues”, unblues lento característico propio de Clapton o Jeff Beck en el queHackett evidencia su afición por el Blues y evidencia que en estetipo de música podría haber sido un destacado músico. Volvería ademostrarlo en “Blues With a Feeling”. Creo que es la primera vezque incluye un blues tan tradicional y típico. Aquí no existeamalgama con nada que suene a Brasileño. Estupendo tema.

“A Doll That´s Made a Japan”es, ritmicamente un “Bailao”, típico deBrasil en el que Hackett toca también elKoto, instrumento japonés. Por cierto queSteve canta aquí con un registro enmomentos, parecido a David Gilmour.“Duel” es otro de los buenos temas deldisco con la guitarra utilizando la técnicaE-bow, que prduce una sensaciónoscilante y en el que tampoco se nota paranada la influencia brasileña. Podría haberestado en cualquier otro disco de Steve,la verdad.

“Taking To Easy Way Out” esun corte que me recuerda mucho a Police. La forma de cantar, elbajo, el ritmo. Para colmo se incluye un breve fragmento de ¡losConciertos de Branderburgo”! “Taking The Easy Way Out” espreciosa, una canción taciturna, melancólica, lenta que nos hacepensar en la magia de Genesis, con un trabajo delicioso de NickMagnus y del propio Hackett punteando con delicadeza ysensibilidad la eléctrica y la acústica. Uno de los temas más bonitosde Steve en solitario. El disco original acaba con un corto homenajea la música de los dibujos animados de Disney.

La edición remasterizada incluye dos temas procedentesde grabaciones de los años 86 y 87. “The Gulf” muy característicode Hackett, un desarrollo instrumental con una base rítmicapoderosa. “Stadiums Of The Damned” está inspirada, según diceel autor, en “Crimen y Castigo” de Dostoiesvsky, no tiene nada deespecial, el ritmo, por momentos, me vuelve a recordar al“Sinchronicity” de Police. Pasó desapercibido.

También de 1983 aunque publicadoen 1984 es BAY OF KINGS. Es el primertrabajo de HACKETT en el que únicamenteutiliza guitarra clásica acústica-española deseis cuerdas. Steve está convencido de que laguitarra acústica es por sí misma una pequeñaorquesta, convencimiento al que llegó trasescuchar detenidamente a Andrés Segovia y alos grandes maestros del flamenco. ComparteHackett la misma afición instrumental que suprecursor en Genesis, Anthony Phillips y estetrabajo se parece mucho a trabajos de Phillips.

Los dos son unos instrumentistas sensacionales, de los dos Steve esmás purista, su ciñe más a los parámetros de la forma de tocar delos guitarristas clásicos españoles; le acompañan su hermano Johny Nick Magnus que aporta las bases de teclados.

Comentar este tipo de discos canción por canción resultainncesario, se trata de temas compuestos por Hackett en diferentesépocas y que se aglutinan en este disco atemporal. Se incluye unanueva versión de “Kim” muy similar a la de Please Don´t Touch.Disco como todos los de este tipo alejado radicalmente del rocksinfónico, es guitarra clásica sinfónica. Con todo las sonoridadesde temas como “Marigold” en el que la guitarra de seis cuerdas conarmonizador parece de doce; o “St. Elmo´s Fire”, “Petrópolis” o“Second Chance” más medieval son una auténtica delicia. Lasorpresa para nosotros la constituye, también, una nueva versiónde “Horizon”, primer tema copuesto por Steve exclusivamente paraguitarra y, como sabéis, preludio instrumental de “Supper´s Ready”en Foxtrot; con sonoridad distinta debido al diferente tipo de guitarrautilizada, Horizon sigue siendo una pequeña maravilla de algo menosde dos minutos, uno de los hitos diferenciadores del rock sinfónicoa primeros de los setenta

Como curiosidad citar que para “The Barren Land”, Stevese inspiró en los paisajes de San Sebastián, con seguridad para elconcierto que Genesis ofreció allí en la gira de “The Lamb”,uno delos últimos con Gabriel.

La entrega remasterizada no sólo cambia el dibujo deportada sino que incluye tres temas plenos de sensibilidad. Destaca


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“Time Laspse Al Milton Keynes” escrita cuando Gabriel-.Banks. Rutherford- Collins- Hackett, se reunieron paraofrecer dos conciertos. El tema es uno de los más inspiradosdel disco. Destaca asimismo “Tales of the Riverbank” basadaen un composición de Giuliani. “Skye Boat Song” pareceuna composición de A. Phillips. Una delicadeza de discoque pasó todavía más desapercibido, si cabe que el anterior.

Estamos en 1986, año de GTR. Los dos grandes STEVEde la guitarra del rock sinfónico-progresivo HOWE y HACKETT,aquél involucrado en Asia, éste en solitario preocupados por ladecreciente importancia de la guitarra en la escena musical británica,consideran que la unión hace la fuerza y deciden embarcarse en unproyecto conjunto que dio para la grabación de un disco tituladosimplemente GTR y para una gira por Estados Unidos, más biencorta.

Dicho y hecho, reclutan a músicos lo suficientementedignos para constituir una base de acompañamiento sólida comoson Phil Spalding al bajo, John Mover –batería, al cantante MaxBacon y al teclista Matt Clifford.

El disco, una serie de composiciones conjuntas de los dosguitarristas, más cercana a los parámetros de Asia que a loshabituales de Hackett funcionó muy bien. Era lógico ya que poraquél entonces esa mezcla de poderío instrumental unido a uncantante de voz igualmente potente, ese estilo americanizado delprog-rock, con guiños al metal-prog tenía muchos adeptos, de modoque la fórmula complementada con el tirón de la inclusión de dosde los mejores guitarristas del panorama musical y en el que tambiénparticipaba Geoff Downes, no podía fallar.

“When The Heart Rules The Mind” llegó a figurar inclusoen las listas de éxitos y el Lp fue disco de platino.

Pero la experiencia no resultó exactamente como suspromotores esperaban, básicamente porque, como ha explicadoHackett, años después, en aquellos años las exigencias de lasdiscográficas para conseguir ventas, el éxito comercial, eran muchomás fuertes que ahora, de forma que, en parte, se perdió libertadcompositiva. Ello y las tensiones internas de los miembros de labanda hicieron que el proyecto concluyera a los pocos meses. TantoHowe como Hackett han declarado que no les importaría volver atrabajar juntos.

En 1998, Pinnacle (KBFHCD010) editó “GTR Live onthe King Biscuit Flower Hour” que recoge uno de los conciertosofrecidos por GTR. Se trata de un disco interesante porque, apartede siete de las composiciones incluídas en el álbum GTR, incluyelas partes en que tanto Howe como Hackett interpretaban temassuyos. Así de Hackett se incluyen versiones de “Hackett to bits”,“Spectral Mornings” y “I Know what I like”.

Dos años después, en 1988 y tras la experiencia de GTR,Hackett regresó a la composición y estudio de la guitarra clásica yedita MOMENTUM, continuación de Bay of Kings puesto que setrata de un segundo disco en el que, excepto en uno de los temas,tan sólo encontramos instrumentación con guitarra clásica y flauta.

Comparándolo con “Bay”, MOMENTUM profundiza aúnmás en el dominio técnico de la guitarra de seis cuerdas. Salvo quese sea un entendido escuchar este disco es como escuchar un discode Andrés Segovia o el maestro Rodrigo. Que no se escandalicenlos entendidos porque ya he puntualizado que para ellos no va el

comentario. Incuestionablementelas diferencias técnicas seránabismales entre esos absolutosmaestros y el discípulo aventajadoque es Hackett. Con todo y paraun mero aficionado resultafácilmente confundible ya que lasfuentes en las que bebe Hackett sonlas mismas (Vivaldi, Villalobos, DeFalla), etc.

A pesar de que resultadificil destacar alguno de los temas,

me atrevo a remarcar una de ellas “Concert For Munich”,dedicada to Tony Stratton-Smith manager que lo fue deGenesis. La pieza tiene una maravillosa introducción deteclados y flauta, seguida por la guitarra interpretando unamelodía no menos maravillosa.

La nueva versión del disco, el “remaster” incluyetres temas nuevos, grabados en 1994, entre ellos una versión

del “Bourée” de Bach. MOMENTUM es un disco de un granguitarrista clásico, totalmente atemporal.

A partir de aquí se produce un parón en la carrera deHackett, interrupción de casi seis años que no se reanudaría conmaterial nuevo hasta la publicación de GUITAR NOIR ya en 1994.

Durante esos años tan sólo ven la luz en 1992 TIMELAPSE y THE UNAUTORISED BIOGRAPHY. TIME LAPSE esel primer disco en directo de Hackett desde que inició su andaduraen solitario y resulta altamente recomendable para quien quieratener en un disco buena parte de las mejores composiciones delHackett más cercano al rock progresivo.

TIME LAPSE recoge grabaciones de dos series deconciertos ofrecidos en 1980 y 1981 por lo que, como podréisimaginar recoge temas de sus cinco primeros discos más unaincipiente “Camino Royale” que después abriría Highly Strung yuna versión sensacional de “In that Quiet Earth” de Wind andWuthering Los músicos que le acompañan en los conciertos son suhermano John, Nick Magnus, Ian Mosley, Fudge Smith (Batería dePendragon), Julian Colbeck (teclados), Ian Ellis (Bajo) y ChassCronk (cantante).

Temas incluídos: Camino Royale, Please Dont Touch,Everyday, In that Quiet Earth, Depth Charge, Jacuzzi, The Steppes,Ace Of Wands, Hope I don´t wake, The red Flower of Tacchai Bloms,Everywhere, Tigermoth, A Tower Struck Down, Spectral Mornings,Clocks. Como veis un repertorio fabuloso para un directoabsolutamente recomendable.

Por su parte THE UNAUTHORISED BIOGRAPHY, esun “Best Of” publicado por Virgin, deficientemente distribuido quetiene la peculiaridad de que su contenido fue decidido directamentepor Hackett. Coincide en algún tema con Time Lapse pero incorporados temas que anteriormente no habían sido publicados “Prayersand Dreams” y “Don´t Fall away From Me” compuesta al alimóncon Brian May. Como el anterior, recomendable para quien no tengacasi nada de Steve y le sea suficiente con un resumen digno.

Llegamos a 1994, Hackett dispone de discográfica propia,Camino Records y como ocurrió en 1983 ese año publica nada menosque tres discos radicalmente distintos me refiero a GUITAR NOIR,BLUES WITH A FEELING y THERE AREMANY SIDES TO THE NIGHT.

GUITAR NOIR es el primer discodentro del ámbito del rock publicado por Hackettdesde 1983, diez años. La vuelta es, en micriterio, inmejorable. Lo compré cuando fuepublicado y me entusiasmó. GUITAR NOIR esun disco maduro, de síntesis en parte oscuro, enparte introvertido, en parte festivo, en parte lírico y sensible, enparte violento y poderoso, inspiradísimo. Se incluyen temas de todotipo de guitarras, todas ellas tocadas con la sensibilidad y la precisiónde lo que ya es, un maestro. Además con los años canta muchomejor de modo que su voz ya no es un handicap para la música sinoque se va integrando adecuadamente con la misma.

Desde la profundidad y tristeza de un “Dark is the grave”,pasando por la sencillez lírica y acústica de “Paint your Picture” y“There Are many sides to the night”, tema que comienza con unfraseado de la melodía principal con guitarra eléctrica sobre unfondo de teclados para derivar en el tema principal en que utilizala guitarra acústica para recitar primero, luego cantar, el texto; losdos instrumentales centrales que se encadenan “Walking away fromrainbows” y “Sierra Quemada” son magistrales, la primera tocadacon guitarra acústica con cuerdas de nylon para pasar a la segunda.guitarra eléctrica en un desarrollo en el que se combinan punteos y


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notas mantenidas de forma, como digo, magistral. “Lost in youreyes” y “Lttle America” tienen base de blues con harmónicaincluída, blues algo extraños pero blues al fin y al cabo. “In theHeart of The City” y “Vampire With A Healthy Appetite” nosdevuelven al Hackett más progresivo y experimental, en eltratamiento de la técnica y distorsiones de su guitarraparticularmente “Vampire”, tema duro, poderoso, violento. El discoacaba con la delicada y lírica “Tristesse”.

Guitar Noir en mi opinión es uno de los mejores discosrock de Hackett, es un disco globalmente progresivo, se basa en elpasado, captura el presente y se proyecta hacia el futuro. Un aciertopoco escuchado y desafortunadamente olvidado.

Por cierto que para promocionar el disco Steve efectuóuna gira por Inglaterra acompañado por el grupo con el que grabóel disco de blues que comento a continuación. Creo que los conciertosfueron excepcionales, según referencias de entonces.

BLUES WITH A FEELING es un punto y aparte en lacarrera de Hackett. Comentaba al comienzo de este análisis de suobra que en su adolescencia la primera música que le subyugó fue

el Blues. De una u otra forma lefaltaba sacarse la espinita delasunto, le faltaba la demostraciónde que también es un buenguitarrista de blues. Este disco paraél es como aprobar la asignaturapendiente. No tiene pues,absolutamente nada que ver concualquier otro de sus discos. “Blueswith a feeling” es un disco de bluesclásico, no es rhytmn & blues, esblues a secas al modo de manera

de los Mayall, Winter, Beck, King, Clapton, Cooder u otros muchos.Con la ayuda, aquí esencial, de Julian Colbeck, Doug

Sinclair al bajo y Hugo Degenhardt a la batería, Hackett vadesgranando una sucesión propia y ajena de temas en los que puede,por fín, expresar determinados sentimientos por medio de estegénero nacido directamente de los campos de algodón en EstadosUnidos, nacido del sentimiento negro, sentimiento transmitido amuchos blancos que, como Hackett, han sabido utilizarlo como elmismo medio de transmisión del alma.

Por cierto que hay un sólo tema compuesto por los cuatromiembros de la banda titulado “Big Dallas Sky” que se aparta untanto de la estructura básica del blues tradicional acercándose mása cosas habituales de Hackett y que es estupendo.

Quitada la espinita posiblemente sea un disco único queno se repetirá en el futuro. Si algún lector gusta del blues que no selo pierda.

El tercer disco del 94, publicado en el 95, es THEREARE MANY SIDES TO THE NIGHT que no es sino la grabacióníntegra del concierto ofrecido en Palermo dentro de una pequeñagira europea realizada en otoño de 1994 en la que acompañado tansólo por sus guitarras acústicas y por el teclista Julian Colbeckpresentó un especial “unplugged” en el que interpretó temas deBay of Kings, de Momentum, del concierto para guitarra de Vivaldi,de sus otros discos, algún tema nuevo y una corta introducciónrememorando sus tiempos de Génesis.

Uno de los conciertos de la gira le correspondió aBarcelona y fue puntualmente comentado por laantecesora de Lunar Waves, Lunar Suite ya que variosmiembros de la redacción de Barcelona tuvieron lasuerte de enterarse y la posibilidad, no sólo de asistiral concierto sino de hacer una entrevista al Sr. Hackett.El comentario del concierto y el contenido de laentrevista se recogieron en el nº 6 de Lunar Suite.Los afortunados fueron los hermanos Jordi y JaumeTorres y Enric Prat a quienes profeso, además de ungran cariño, una sana envidia por haber estado tancerca de uno de los grandes músicos del género.

El concierto es el contrapunto en directo de Time Lapse,la parte acústica frente a la parte eléctrica. Con ello si se adquierenlos dos discos en directo se puede tener una visión global bastanteexacta de la trayectoria de nuestro amigo en estos sus veinticincoaños de andadura.

En el concierto presentó temas nuevos de impecablefactura como son “Beja Flora”, “Oh How I Love You” con unfenomenal trabajo de Colbeck, “Bacchus”, “A blue Part in town”,un blues. Presentó “Cinema Paradiso” interpretación de un temade E. Morricone. Para los clasicistas el “Concierto in D” de Vivaldi.Para los fans del sinfónico “Horizon”, un “Ace of Wands” acústicocon un no menos fenomenal trabajo de Colbeck al piano eléctrico.Un programa sin duda como decía siempre Alberto “para almasrefinadas”.

A partir de aquí voy a ser ya muy breve porque lo quefalta por comentar ya ha sido comentado en Lunar Suite o LunarWaves o sea que no es cuestión de repetirse ni de ratificar lo yadicho.

Sobre influencias y un análisis más exhaustivo os remitoal Lunar Suite 14 en el que fue comentado por Torró cuyosconocimientos de música clásica son parejos con sus conocimientosdel rock sinfónico-progresivo. Yo de clásica no estoy capacitadopara comentar casi nada.

En 1996 Hackett nos sorprendió a todos con la produccióny dirección de GENESIS REVISITED. Un disco en el queacompañado de un fastuoso plantel de músicos (Wetton, bruford,Thompson, Levin. Ian McDonald, Colin Blunstonem, Palladino yotros) nos ofrece su particularversión, revivida muchos añosdespués, de grandes temas deGénesis. “Watcer of The Skies”,“Dance On A Volcano-Los Endos”,“Firth or Fifth”, “For AbsentFriends”, “Your Own SpecialWay”, “Fountain Of Salmacis”,“Waiting Room”, “I Know What Ilike”, el “Deja Vu” tema de Gabrielcompuesto en la época de Sellingcantado por Paul Carrack con unHackett espléndido y un tema suyo nuevo “Valley of the Kings”,instrumental denso, potente. Versiones actualizadas, muy diferentesunas, muy parecidas otras, de temas esenciales. Versiones en laque comprobamos de nuevo la importancia de Hackett en Génesis.Qué guitarras las de Dance On A Volcano sin ir más lejos. Unapasada de 76 minutos de duración. El comentario más detallado enel Lunar Suite 13.

La revisión de temas de Genesis no se limitó al discosino que se complementó con diversas presentaciones en directo afinales del 96. Acompañaron a Hackett, John Wetton, Ian Mc Donald,Chester Thompson y Julian Colbeck, un auténtico supergrupo. Elresultado, un doble cd THE TOKIO TAPES, grabado con ocasiónde los conciertos ofrecidos los días 16 y 17 de Diciembre de 1996en Tokio y publicado en 1997.

The Tokio Tapes no es una repetición de GenesisRevisited. Fue la excusa para presentarse en directo con temas deGenesis, con temas propios y la excusa para darse el gustazo deinterpretar en directo dos temas del disco que le hizo abandonar su

pasión por el blues para sustituirla por una pasiónmás fuerte, el progresivo de la mano de la referenciamagistral de Robert Fripp. Estando Mc Donald seincluyen aquí versiones bastante fidedignas de esasjoyas del sinfónico-progresivo que son “In the Courtof The Crimson King” y “I Talk to the wind”. EstandoWetton se incluyen “Battelines” y “Heart of theMoment” de Asia. Estando uno de los puntales deGenesis se incluyen “Watcher of The Skies”, “Firthof firth”, “Horizons”, “In That quiet Heart”, “LosEndos” y “I know What I like” (sólo cuatro temas


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del Genesis Revisited). Estando Hackett seincluyen “Riding the colossus”, “Camino royale”,“Walking away from rainbows”, “Vampire witha heathly appetite”, “Shadow of the hierophant”,“Black Light”, “The Steppes” y dos nuevos temasde Hackett de estudio “Firewall” y “The dealer”,

el primero más progresivo, el segundo más en base blues, ambosprecursores de Darktown.

TOKIO TAPES es, como Genesis Revisited totalmenterecomendable. De hecho es uno de losdirectos del progresivo destacables porsu variedad y por la categoría de losmúsicos que completaron una bandaocasional pero excepcional. másinformación en Lunar Waves 0.

También en 1997, Hackettpudo cumplir uno de sus sueños, la decomponer y grabar una suite, unconcierto para guitarra y orquesta alestilo de los cociertos compuestos porlos grandes clásicos de la guitarra.Inspirado en “El Sueño de Una Noche de Verano”, una de las obrasmás líricas de William Shakespeare, acompañado por La RoyalPhilharmonic Orquestra y publicado por Emi Classics, Stevecompuso una obra absolutamente clásica que no podemos comentarni tratar desde el punto de vista del rock.

Lo últimohasta ahora en la venarock es DARKTOWNpublicado hace un año,en Abril de 1999. Eldisco lo he comentadoyo mismo en el LunarWaves 2 o sea quecualquier cosa quedijera sería una

repetición. Simplemente reafirmarme en lo entonces dicho,Darktown avanza va más allá, progresa, explora sonidos y técnicas.En su oscuridad es un disco luminoso, variado, completo. Uno delos mejores discos de Steve en su faceta progresiva.

Después de un disco tan progresivo como Darktown, tocalo clásico. El día 7 de Mayo se publicó SKETCHES OF SATIE,


proyecto basado en la música del gran maestro francés y en el quefiguran como absolutos y únicos protagonistas los hermanos Hackett,John y Steve, aquél, como siempre a la flauta, este como siempre ala guitarra acústica de seis cuerdas. Puesto que se trata de unarevisión de partes de las obras más conocidas de Satie (Gnossienne,Gymnopédie, Nocturnes) en nuestro análisis no podemos sino haceralusión a la interpretación y en este sentido resulta quizás másreseñable la labor de John, quien realmente con su instrumentorecrea las composiciones de Satie de forma excepcional.

L oque sí que seevidencia enel disco es quela música deSatie es unade lasi n f l u e n c i a sclásicas másr e l e v a n t e spara Hackett.Buena pruebade ello es la

escucha decualquiera delos tres cortes en los que se interpretan las obras denominadas“Gymnopédie” y la escucha de uno de los temas más delicados deHackett, “Kim” incluído en “Please Don´t Touch”.

Como últimas noticias sobre Hackett parece que en brevese publicará un CD con temas repescados de la época de GTR yademás el 6 de Noviembre se publica la segunda caja de GENESIS,triple CD con libreto que cubre la etapa “Collins”, desde 1975-76 á1992-3, etapa en cuyos años iniciales la influencia de Hackett en elsonido Genesis fue especialmente relevante. A ver si nosencontramos alguna sorpresa agradable.

Sea como sea parece claro que el futuro de Hackettbasculará ya siempre entre el progresivo y lo clásico, entre elprogresivo y el sinfónico.

Con altibajos, con dudas, con un encomiable empeño enseguir una línea propia y honesta lo que le ha supuesto una mínimaaudiencia, Steve Hackett es y será uno de los grandes, como tal loconsideramos, por muchos años.

Roberto Gracia. Agosto de 2000.

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CONCIERTOS DE OTOÑO: entre los previsto, pocos días después de la publicación de este fanzine Camel habrá pasado por Madrid y Barcelona. Dos semanasmás tarde, el 6 de octubre (Barcelona, Sala Bikini) y el 7 (Madrid, Sala Arena) nos visitará Arena. Hace poco se ha sabido que John Wetton actuará en Barcelona el 10de noviembre en Luz de Gas, tras la anulación de su concierto en junio pasado. Jethro Tull tiene fechas en España en octubre-noviembre, todavía sin concretar.Finalmente, el próximo 25 de noviembre tendrá lugar en la Sala Mephisto de Barcelona el ya anunciado concierto-homenaje a Rush, en el que se hará un exhaustivorepaso a la trayectoria de los canadienses. Actuarán dos bandas, una de ellas formada para la ocasión por los promotores del evento [Nota del editor: he podido asistira uno de los ensayos y quedé sumamente impresionado) ; la otra es la banda barcelonesa Planeta Rana, de la que estoy seguro se hablará mucho tarde o temprano(su batería, por cierto, es un tal Héctor Gómez). ¡De verdad, a todos los fans de Rush, no os lo perdáis!UNOS VUELVEN... Se ha confirmado que Marillion regresan a su sello originario, EMI, tras una etapa independiente que ha durado cinco años, durante los cualeshan editado un doble directo y tres álbumes en estudio (que han sido objeto de controversia en el mundillo progresivo, en especial los dos últimos, Radiation yMarillion.com). Marillion se halla en pleno proceso de grabación de un nuevo álbum, para el que había empezado un curioso proceso de promoción: se propone a susfans la pre-compra del álbum a cambio de ver su nombre en el libreto y recibir una edición especial (buena idea por una parte, aunque no deja de resultar algo chocanteque tu banda favorita te pida dinero por adelantado). Si tenemos en cuenta la trayectoria algo errática de la banda estos últimos años y que, al fin y al cabo, todoscoincidimos en que Marillion ha dado lo mejor de sí mismo en el seno de EMI, no hay duda que se trata de una buena noticia.OTROS SE VAN... También se ha confirmado la marcha de Ray Wilson como cantante de Genesis, después del fracaso comercial del álbum Calling all stations,que funciono especialmente mal en el mercado norteamericano e inclusó obligó a cancelar su gira por los EEUU. Ha quedado claro que el éxito comercial a granescala de Genesis post-Gabriel ha ido indisociablemente ligado al carisma de la estrella Phil Collins, más que a ninguna otra cosa. ¿El fin de Genesis? ¿El origen deAnd then there were two?....¿UNO QUE VUELVE?... Y surgen los rumores de un regreso de Collins a Genesis. No hay planes para un álbum, pero si que parece que los haya para una gira.De momento nos conformaremos con la inminente edición de la nueva Genesis BoxSet, que cubrirá tranquilamente del 1976 al 1992. El culebrón continuará. Para losmás Genesismaníacos os recomendamos encarecidamente la entrevista a tres bandas (Rutherford, Hackett, Banks) que aparece en un reciente número de la revistabritánica Classic Rock, en el que se repasa toda la trayectoria de la banda.¿Y OTRO QUE SE VA? En esta ocasión es Billy Sherwood, miembro oficial de Yes desde el 97 pero vinculado hace tiempo con la banda, quien ha tomado ladecisión de abandonarla para seguir otros caminos. De momento ya vale, ¿no?LOS PLANES DE LEE. El 24 de octubre es la fecha en la que Atlantic Records editará el primer álbum de Geddy Lee en solitario, con diversas colaboraciones comoBenk Mink (que ya tocó con los canadienses en Signals), Matt Cameron (batería con los fenecidos Soundgarden) y Jeremy Taggart. Os contamos algo más aprovechandoel epílogo de la biodiscografía de Rush en estas mismas páginas.DESFILE DE TEMPORADA: Por la pasarela de estos próximos meses desfilarán Jon Anderson e Igor Khoroshev(True to me), Asia (Aura, o aun mejor, ¡Ahora!),Cairo (Time of legends), Marillion, Ozric Tentacles (The hidden step), Rick Wakeman (In concert + An evening with..), Saga (House of cards), Tiles (Presence inEurope 1999), Enchant (Juggling 9 or Dropping 10), Trent Gardner (Leonardo: The Absolute Man), Genesis (Boxset 1976-1992), Gentle Giant (Live in Rome 1974),Patrick Moraz (A Way to Freedom), Renaissance (Tuscany) y Steve Walsh (Glossolalia), entre otros.

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LW: Lleváis un ritmo de trabajofrenético...Hace una año que se editó Day ForNight y poco después un doble CD grabadoen el Nearfest...Neal Morse: ... Si, no se trata realmente de unlanzamiento oficial, simplemente queríamostenerlo a punto para la gira europea y así poderofrecer algo nuevo y de paso recuperar parte deldinero que se invirtió en la gira. De hecho esalgo que hice porque un fan me lo pidió.Retransmitieron parte del show del Nearfest enuna emisora de radio por Internet. No se tratade un auténtico álbum en directo, sólo pedimosprestadas unas grabaciones. Incluso el diseñolo hicimos para que quedara claro que se tratabade una especie de bootleg...

LW: Ahora habéis editado un CD en directo...NM: ... Sí, Don’t try this at home..

LW: ¿Por qué otro álbum en directo?NM: .. Sinceramente fue una idea de la discográfica en Europa...Querían algo para poder compensar los costes que supone esta giraeuropea en la que hacemos de teloneros para Dream Theater. Porquerealmente no recibes prácticamente compensación económica y loscostes son muy elevados. Grabamos un concierto en Holanda en unDAT y teníamos esta grabación, francamente la grabación no saliótan bien como yo hubiera queria, pero Mick lo mezcló muy bien... nocreo que hayamos hecho todavía nuestro disco en directo definitivo,así que... ¡Seguid atentos a nuevos discos en directo en el futuro!¡Seguiremos tratando de hacer uno bien! [sube el tono de voz deforma exagerada, con las consecuentes risas]

LW: ¿Cuáles son vuestros proyectos inmediatos?NM: Hemos grabado ya un nuevo álbum en estudio y lo estamosmezclando en estos momentos... No sabemos todavía como titularlo,quizás simplemente Spock’s Beard [finalmente sería V, como todossabéis]... Lo mezclamos justo antes de irnos a hacer esta gira, nopude estar en todo el proceso de mezcla y supongo que fue un error,hay algunas cosas que creo necesitan una remezcla, así que en estosmomentos nos queda ultimar las mezclas y terminar el artwork. Lacompañía discográfica necesita tener el material totalmente listo tresmeses antes del lanzamiento para hacer toda la promoción y esascosas...

LW: ¿Nos puedes avanzar si será parecido a vuestros trabajosanteriores o si os internáis en alguna nueva dirección?NM: Creo que es diferente... Bueno, por un lado es diferente, por elotro no, al fin y al cabo seguimos siendo nosotros... Ha habido máscolaboración, más intervención colectiva en el proceso decomposición, lo que me parece fantástico. Hay dos temas largos en elálbum, uno de ellos se titula At the end of the day y elotro The great nothing. Este último me gustaespecialmente. Supongo que irá a parar al final delálbum, no se me ocurre un sitio mejor... El resto soncuatro temas más cortos, uno sigue la línea vocal tipoGentle Giant... [risas]... Bueno, no siempre lo hemoshecho, Kindness of strangers no tiene ningún tema alestilo Gentle Giant... [risas]... Así que volvemos conello... Esta empieza con una muy buena idea, laprimera parte la escribió Alan y yo añadí la secciónmás puramente Gentle Giant, pero la idea global deltema fue de Alan. Hay un tema más en la líneaSoundgarden, hay cosas diferentes, quizás másheavies, hay también una preciosa balada, tituladaGoodbye Yesterday... No sé, no sé que va a decir lagente. Seguramente habrá quien dirá, “¡oh, realmentees diferente!”, mientras que otros dirán, “¡vaya, sigue

siendo lo de siempre!”.... No sé cómo lo percibiréis.Creo que es un álbum muy sólido, me siento muya gusto con él.

LW: ¿Tocaréis algun tema nuevo esta noche?NM: No, queremos que la gente que no nos conocetanga su dosis concentrada de Spock’s Beard, asíque haremos lo que pensamos que es másrepresentativo. Es difícil escoger cuando no tienesmás que cuarenta y cinco minutos... ¿Cómo lohaces? Lo que mejor nos salen son los temas máslargos, así que hacemos The doorway, The light ytres temas más cortos: June, Gibberish y Day ForNight. Creo que resulta bastante bien, de momentoha ido razonablemente bien... Excepto en Italia,cuando me tiraron una piel de plátano en elescenario... No sabía que hacer, nunca me habíapasado... ¿Qué hago, la devuelvo, la recojo? Lo

curioso es que nadie más en la banda se dio cuenta... No, no hemosvisto nada... Cada uno estaba encerrado en su propio mundo, sabes...Así que cuando me veían de mal humor tras el concierto decían...¿Pero qué le pasa a este tío? Tocar en Italia fue una experiencia muyespecial... La mayoría de la gente estaba metida en el tema, sólohabía un 20% en las primeras filas, gritando “¡Qué os jodan!”,mientras tocábamos June... ¡Ya ves! Es como cantar canciones deamor ante una muchedumbre encolerizada.... [risas].. Lo último queyo querría es dar a la gente lo que no quiere... Si lo que quieren esque me vaya, por mí de acuerdo, al fin y al cabo, prefiero quedarmeen casa. ¡Si me preguntan sinceramente, por supuesto que prefieroestar en casa con mi mujer y mis hijos, sabes, antes que tocar ante ungrupo de gente furiosa, eso es lo último que querría hacer!

LW: Yo conozco mucha gente que viene a este concierto no sólopor Dream Theater sino por vosotros, incluso hay gente que vienemás por vosotros que por Dream Theater...NM: ¡Oh.. oh...por favor... Necesitamos algo de apoyo... Necesitamosayuda después de Italia!

LW: Hay un montón de gente que espera veros con muchasganas...NM: Oh, es fantástico... Si hay un buen recibimiento la gente que nonos conoce entrará más fácilmente en la música al ver que la genteresponde... Ayuda mucho... Espero que tengas razón...

LW: Hablemos un poco de Transatlantic... Tu tocas los tecladosen este álbum, de hecho sé que en tus grabaciones tocas muchosinstrumentos...NM: Bueno, en mi álbum en solitario no pude con todo, no soy muybueno con la batería. La verdad es que puedo seguir bien algunosritmos básicos, pero no lo conseguía con el resto...

LW: ¿Con qué instrumento te quedarías sipudieras?NM: Oh, me lo pasaría muy bien tocando labatería, pero no creo que me dejen otros... [risas]...Es una pregunta interesante... Probablemente elGrand Piano. No se, me gusta mucho la guitarra,porque la puedes tocar en cualquier parte, tepuedes sentar en la butaca más cómoda de tu casay tocar, pero me encanta el órgano Hammond, loutilicé en todo el álbum de Transatlantic... Y fuegenial... Es tan humano, puedes manipular tantoscontroles, conseguir ese sonido de órgano deiglesia... o esos sonidos tan extremos.... Fueextremadamente divertido utilizar el Hammondpara este álbum. No había hecho nada con elHammond desde The light...

N E A L M O R S Ee n t r e v i s t aE

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Esta entrevista fue realizada el quince de abril, pocas horas antes del inicio del concierto de Spock’s Beard en Barcelona.

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LW : De hecho, creo que tocas algunos teclados en directo...NM: Toco las partes de piano y de sintetizador... Ryo toca las partesde Hammond y de Mellotron.. mayoritariamente.. A veces Ryo seencarga también de las partes de piano cuando yo estoy liado en otrascosas... ¡Le dejo toda la diversión para él!

LW: ¿No es un poco sorprendente, incluso anti-comercial empezarel álbum de Transatlantic con el tema más largo?NM: No si eres una banda de rock progresivo. Si eres una banda derock progresivo los fans del rock progresivo se enfadan si miran unálbum y ven sólo un puñado de temas cortos. Eso es lo que nos pasócon Day For Night. Cogí The healing colors of sound, que es realmenteuna pieza larga y ví que se podían dividir en secciones más cortas ydije, “¡Vamos a dejarlo como temas cortos!”. En las primerasentrevistas todo el mundo iba diciéndome [entonación falsamentegrave, de preocupación]: “¿Qué está pasando? ¡No hay temas largosen tu álbum!” En el mundo del rock progresivo largo es comercial.La gente lo compra más si hay temas que pasan de los treinta minutos,dicen... “¡Oohhh!” [risas]... No, realmente no fue una consideraciónprevia. Queríamos hacer simplemente lo que quisiéramos, no erauna aventura comercial, sino más bien, vamos a encontrarnos y hacerlo que queramos..Bueno, Mike estaba bastante interesado en romperla barrera de los treinta minutos... Sí, sí... En las cintas, cuandopreparamos la base del tema, al final, Roine empezó a tocar unfragmento cíclico, una y otra vez.., ese que hace como da do do di dadi do do di da [tararea el final del tema). Roine pensaba que nodeberíamos dejarlo en el disco; en cambio Mike estaba como loco“¡Sí, sí, dejadle seguir, seguid grabando, será fantástico, como SargeantPepper’s, será como...” [imita la voz de Mike Portnoy], no paraba dehablar mientras Roine seguía también sin parar con lo suyo, estuvohablando sin parar durante todo el outro.... Otra historia divertidasobre ese final es que yo no tuve la paciencia de escuchar todo eltema entero. Roine se encargó de todo aquel final espacial de All ofthe above, y yo me dediqué en seguida a otro tema. Cuando Mikeestaba masterizando el disco en Nueva York me llamó y me ibadiciendo [vuelve a imitar la voz de Mike]: “¡Hey, tío, te has fijado, tehas fijado, el gran final, te has esperado!”... Yo le dije, “¡Me pareceaburrido, yo haría un fade out después de quince segundos, ¿cuántasección espacial necesitas?”... Y él: “¡No, no, es genial, es genial, seacaba con aquel último acorde!”... “¿Cómo? ¿El último acorde? ¿Quéúltimo acorde?”... La verdad es que no había oído el último acorde..Así que finalmente escuché el final entero y después de ese fragmentointerminable llega hasta ese “¡cling.... CLIIIING!”, por fin ese granacorde final [risas].... Y llamé en seguida a Mike “¡Aaahhh, quédivertido, tío... ese último acorde... bla bla!” [haciendo una voz comoun niño llorando de alegría]. Mike hizo varias cosas realmentedivertidas en la masterización, como toda esa sección que va haciaatrás, se lo pasó bien. Yo no lo sabía, pensaba que simplementetocaríamos tal cual hasta el final. No sabía que Mike iba a darle otraforma, como en el tema de Procol Harum, yo pensaba que me sentaríaen mi órgano y ya está...

LW: Creo que es una buena versión...NM: Para mí, lo realmente impresionante de ese tema es la bateríade Mike en ese sección “¡na na na na na na na na brrua brrua brruabrrua brrua brrruuuu pussssh!”. Es mi sección favorita, pero me gustantodas las partes. Estoy muy contento de las partes de órgano, quesuenan realmente igual como lo hicieron Procol Harum.

LW: ¿No tenías miedo que con la gran cantidad de ideas quetenías para este disco acabara sonando demasiado cercano aSpock’s Beard?NM: Sinceramente, no lo pensaba en ese momento, esperaba queRonie cantara más.. Pero digamos que prefirió no hacerlo... Puso lavoz al tema We all need some light, que está en el disco extra de laedición especial y que me pareció muy bueno. Realmente, cuantamás variedad introdujéramos en los temas, menos sonaría a Spock’sBeard... Pero no me preocupaba por ello... Me sentía más preocupado

por “¿Cómo vamos a hacer un buen disco en una semana?” Por esotenía ya preparado mucho material, quería estar seguro de poder hacerun buen disco en una semana. No fue hasta más tarde que empecé apensar... “¡Uhm.. quizás no debería haberlo mezclado Rich Mouser!”...Es el mismo que mezcla los discos de Spock’s Beard y pone su propiapersonalidad al resultado final... De hecho puedes oir algunos sonidosmuy parecidos a los de los discos de Spock’s Beard, porque así comooye él las cosas. Hacelo que sabe hacer y esun artista dentro de sucampo. Esa es una delas razones por las queMike estaba contentocon el sonido deldisco. Una de lasrazones por las queMike siempre hadeclarado que queríahacer este disco esporque a él le gustaSpock’s Beard, yquería trabajarconmigo, lo cual esrealmente halagador.Así que cuando empecé a leer las primeras críticas, pensé.. “¡Oh,no!”. Porque para mí no sonaba como Spock’s Beard, pero es verdadque arreglamos mucho los temas, más de lo que hago yo normalmentey eso hace que el material de la otra gente acabe cambiando bastante...Por ejemplo la versión original de All of the above es bastante diferentea la versión final. Yo no lo pensaba, pero las primeras críticas decían“¡Si estabáis esperando algo diferente, os quedaréis decepcionados.Esto suena como Neal Morse & Friends!” Y yo pensé “¡Oh, no,Dominé demasiado, controlé demasiado!”. Me sentí fatal... EntoncesMike me dijo que no me preocupara, que lo importante era que anosotros nos gustara... Pero probablemente la próxima vez, en elfuturo intentaremos hacer algo que quede equilibrado, dejaremos quecoja su forma propia, dejarlo madurar él solito...

LW: Así que habrá un segundo álbum de Transatlantic?NM: Sí, ya hemos estado hablando de ello y de cuándo podríamoshacerlo... Seguramente nos pondremos en marcha este otoño, pero esposible que incluso preparemos alguna cosa este junio, entre algunosde los conciertos que tenemos previstos. Vamos a tocar en la CostaOeste de los USA...

LW: ¿Así que haréis conciertos como Transatlantic?NM: Bueno, también lo hemos hablado.... Eso dependerá de las ofertasque tengamos, de que tipo de apoyo vayamos a tener, la previsión deventas de entradas.... Eso es importante para una persona como Mike,que tiene una familia y se pasa cuatro o cinco meses de gira... Entoncesqué vas a hacer, ¿descansar un mes y volver a salir para hacer otracosa? Él lo haría, porque está muy metido en el proyecto, pero tiene

ENTREVISTA ANEAL MORSE

L U N A R W A V

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que estar seguro que valdrá la pena... Así quetengo la excusa perfecta en Mike... ¡Si novenimos siempre podré decir que es cosa deMike!... [risas]... Bueno, la verdad es que aestas alturas todo el mundo sabe que tengo unasganas locas de estar en casa...[risas]... “¡Quieroirme a casa, por favor!” [haciendo voz de niñosollozando]

LW: ¿Cuánto tiempo llevas fuera de gira?NM: Este ha sido la vez que he estado mástiempo fuera en gira... Un mes hasta ahora...

LW: ¿Estás añorado?NM: Sí, lo estoy, y además mis hijos me echantanto de menos... Cuando tienes a tus hijosllorando al otro lado del teléfono...”Papá,¿cuándo vas a volver a casa?” [haciendo la vozde niño lloroso]... Eso te deja...aarrg.. Es duro...Especialmente si luego te encuentras conpúblico que no ha respondido como tuquerrías... Pero Spock’s Beard sigue luchandopor su derecho a existir, sigue luchando por sugente... Tengo conmigo un auténtico espíritude grupo, me encanta y eso es lo que me mantiene en marcha, hay unsentimiento tan fuerte por lo que hacemos y por nosotros mismos...

LW: Creo que David Meros no está con vosotros en el tour, sinoen Australia...NM: Sí, es verdad, no podía venir durante toda esta gira porque teníacompromisos con Eric Burdon. Así que he venido con un amigo mío,George Papanassos. ¿Y sabes qué? Al, mi hermano, tampoco estáaquí...

LW: ¿Tampoco?NM: No hizo los primeros conciertos de la gira, pero luego tuvo quevolver a su trabajo, ya que tiene un trabajo estable en una empresaimportante, así que tuvo que volver... Así que tenemos a Dave, queestuvo con nosotros en nuestro anterior tour. Es un guitarrista excelentey además un gran tipo. Estará muy bien, creo que es un conjunto muycompacto. Para nosotros es crucial sacar a la banda a la carretera, seacomo sea, porque siempre habrá alguien que tendrá algún problema,algún otro concierto o cualquier otro compromiso, siempre... Esteaño tuvimos esta oportunidad y decidimos aprovecharla. Al principiollegué a pensar que era unerror, pero ahora veo que no,estoy muy contento y ha sidomuy divertido.

LW: Los Flower Kingstuvieron el año pasado elmismo problema... Suteclista, Tomas Bodintrabaja como músico en unteatro y no siempre puedesalir de gira con ellos..NM: ..¿De verdad?... Sí quees cierto que han salido aveces con gente diferente...Eso pasa cuando no ganassuficiente dinero paraconvertir tu banda en tuocupación exclusiva...Nosotros nos estamosacercando cada vez más aconseguirlo, pero no hemosllegado a esa situación en la

que a todos los miembros del grupo puedanpermitirse dedicarse sólo a Spock’s Beard... Asíque tenemos que hacer otras cosas.. Ya sabescómo son los trabajos, no es fácil ir y decir...“Tengo que tomarme un mes libre”... Es difícil...Pero estamos consiguiéndolo...

LW: ¿Estás contento con tu álbum ensolitario?NM: Oh, sí, lo estoy, aunque durante la mitaddel disco estuviera cantándo por el lado contrariodel micrófono... ¿Sabes?, ¡era mi propioingeniero!.. El tipo que mezcló el disco me dijo..Sabes qué, resulta curioso pero hay ocasionesen las que tu voz se oye muy cerca y en cambiohay momentos en los que suena como lejana...Y le dije, “¡Sí, es cierto, era cuando tenía queirme al control de grabación!”... Más tarde,cuando estaba regrabando el bajo, preparandolos temas para el álbum de Transatlantic, mefijé y ... “¡Dios mío, el micrófono está alrevés!...¡He estado cantando por el lado contrariodel micro y seguro que lo hice en más de untema de mi álbum en solitario!”... Como que

cantaba muy cerca no se notaba mucho, pero lo hice, como mínimoen Lost Cause y Landslide.....

LW: ¿Y como te lo montaste en la suite final?NM: Oh, no hubo ningún problema, porque es lo mismo que hagocuando preparo las demos para los discos de Spock’s Beard... Grabola batería con Nick y luego grabo el resto de los instrumentos encasa.. Estuvo muy bien, me lo pase en grande... Me encanta, sentarmetranquilamente en mi habitación y grabar...

LW: En fin, Neal, espero que esta sea una gran noche para todos,y muchas gracias...NM: Gracias a vosotros... Y cantad con nosotros todo lo que podáisesta noche, ¿de acuerdo?.. Y a ver si traéis chicas...

LW: Uff.. ¡Eso será un poco más difícil!

Entrevista y traducción: Toni Roig.Fotos: Salva Renau

Neal Morse y Toni Roig

ENTREVISTANEAL MORSE

E S

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La rueda de prensa que os reproducimos a continuación reunió, entre otros amiembros del equipo del fanzine Mellotron, el e-zine ProgVisions y el fanzineLunar Waves, amén de miembros de la organización. Seguimos el orden de lasentrevistas: recordad que el orden durante el concierto fue Galleon-DifícilEquilibrio-Finisterre- Minimum Vital. Aprovechamos para lanzar unagradecimiento especial a un sufrido Salva Renau que durante seis largas horasno paró de hacer fotos para que podáis disfrutar de este reportaje. ¡Ahí es nada!

FINISTERRE

¿Cuál ha sido la recepción de vuestro último trabajo, In OgniLuogo en el mundo progresivo?Fabio Zuffanti: En general las críticas han sido muy buenas... Sólohemos recibido algunas críticas negativas que acusaban el álbum deser comercial, aunque nosotros no creemos que sea un álbum comercialen absoluto... Esas críticas decían que queríamos vender más álbumes,pero eso es totalmente falso...

Si echamos un vistazo a vuestros tres trabajos se nota un saltocualitativo muy importante... Cuál es vuestra idea a la hora deplantearos la grabación de un nuevo CD?FZ: ¿Antes de la grabación?

Sí, porque los tres son muy diferentes entre sí...FZ: Intentamos siempre hacer una progresión en cada CD. En el

primero hay muchas influencias degrandes grupos del pasado comoGenesis o King Crimson, pero enIn Limine y en In Ogni Luogointentamos hacer nuestra música,lógicamente con todas lasinfluencias que recibimos, perotambién con nuestras propias ideas,especialmente en In Ogni Luogo,donde creemos que nuestra músicaha adquirido un carácter más

personal, más Finisterre, y estamos muy satisfechos con él, porquetambién conseguimos una mayor calidad de sonido que en losanteriores y contamos con un productor muy bueno, Roberto Colombo,que ha producido a grupos como PFM o Le Orme, y ha sido una granexperiencia.Andrea Orlando: También ha sido la primera vez que hemos dispuestode un presupuesto... De un estudio adecuado y un auténtico productor...En Italia no es fácil encontrar estas tres cosas, y menossimultáneamente, porque la escena progresiva en Italia no está...[busca las palabras, pero todos nos echamos a reir porque nosentendemos perfectamente]... Es difícil..

¿Creéis, después de haber hecho un disco como In Ogni Luogoque es posible combinar las influencias del rock contemporáneocon el rock progresivo clásico, sin que se pierda la esencia delsegundo?FZ: Sí, creo que el mismo nombre “rock progresivo” implica salir alexterior, y coger todas las influencias posibles, pero no sólo los gruposdel pasado, sino, para mí, prog-rocksignifica muchas cosas distintas...Radiohead son para mí un grupo de rockprogresivo, el post-rock, que escuchobastante, grupos como Tortoise y otros,son para mí auténtico rock progresivo.En Finisterre intentamos reunir todasestas influencias y espero seguirprogresando en esta dirección en nuestropróximo álbum. Creo... Creemos...[risas]... que el concepto de rockprogresivo no puede consistir en hacerun revival. Para Finisterre sería posiblehacer un álbum que sonase muy como

los setenta, pero creo queno sería una buena idea.Por poner un ejemplo,“The lamb...” es unálbum fantástico, pero...es “The lamb...” No tieneningún sentido hacer algocomo aquello... Estamosen el año 2000, nopodemos hacer un álbumcomo hace 25 años... Es mi opinión personal... Creo que es importantediferenciar entre dos términos alrededor de los cuales hay bastanteconfusión: rock progresivo y rock sinfónico. Me gusta mucho el rocksinfónico y en mi proyecto paralelo en solitario Höstsonaten hagorock sinfónico porque me encanta, no tengo ningún problema... Perocon Finisterre intentamos hacer rock progresivo e intentamos mirarhacia adelante...

P: ¿Por qué abandonó la banda Francesca Lago?AO: No forma parte de la banda, es una invitada...FZ: Es una cantante que en Italia hizo un disco en 1998, con una granproducción, hizo incluso vídeo clips... Buscamos voces femeninaspara nuestro álbum y tuvimos la oportunidad de trabajar conF r a n c e s c a ,contactamos conella y colaboramoscon ella. Estamosmuy contentos eincluso en algunasocasiones hacantado connosotros en Italia,pero no es unmiembro estable dela banda.

¿Podéis hablarnosdel vuestro nuevoproyecto, que creo que se titula Merlin?FZ: Merlin es un proyecto mío, aunque toda la banda Finisterreparticipa en el proyecto. Es un proyecto paralelo, aunque tampoco setrata de un álbum de Höstsonaten, es otra cosa..... Es una ópera rock...Tiene elementos de rock sinfónico, de rock progresivo, de folk, demúsica celta... Contiene muchas influencias diferentes, lo hemospresentado en un teatro en Italia, porque se trata también de una obrateatral, con bailarines, decorados, cantantes... Se trata de un granproyecto, muy complejo...Hicimos una serie de representaciones elverano pasado, pero ahora ya hemos estrenado el espectáculocompleto. Tenemos algunos contactos en Inglaterra y probablemente,esperemos, el espectáculo llegará también a Inglaterra...

¿Y ha funcionado bien?FZ: [Al principio no lo entiende, pero el guitarra le chiva la pregunta]

¡Ah!. Sí, sí... de hecho es bastantefrustrante, porque cuando hacemos unconcierto con Finisterre y usamos laetiqueta “rock progresivo”, ¡no vanadie!

¡Pero Italia ha dado bandaslegendarias como PFM, Banco...FZ: Pero eso fue hace treinta años... Ytambién hoy, pero es otra historia...AO: En Italia es muy difícil tocar esteestilo de música.FZ: En cambio, si pones en la entradadel espectáculo “Rock ópera”,entonces viene un montón de gente...

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0AMAROK ROCK: TIANA 2000temporada de conciertos

Empezamos nuestro recorrido cronológicamente con el reportaje del Festival Prog Rock de Tiana (crónica en LW5)

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Si la gente lee “rock progresivo” piensan “¡horror!” Encambio ves a la gente decir tranquilamente, “Oh, a mi megustan mucho las óperas rock”...Otros creen que progresivoes el progressive dance...AO: Así que a partir de ahora subtitularemos los álbumesde Finisterre como “Rock opera”, y así vendrá mucha másgente a nuestros shows.

¿Cómo ha influído Edmondo Romano en vuestramúsica?FZ: Edmondo es una amigo mío personal, y cada vez quehacemos un disco le llamamos, porque es un es un gransaxofonista, flautista y ahora además toca la gaita porquetoca música celta. Nos gusta mucho tenerlo en nuestrosdiscos. Desgraciadamente no nos es posible tenerlo en nuestrosconciertos...[risas, nos dicen en italiano que ya les pagan, pero no losuficiente...]AO: Es un músico profesional desde hace mucho tiempo y si le quieresen escena tienes que pagarle..FZ: ...demasiado...AO: porque es sutrabajo, es lógico... Elpresupuesto de nuestrosproyectos no es muygrande, pero nospermite tenerlo en losCD’s.

[Amarok Rock]Amarok Rock es unprograma de radiode un pueblo pequeño y hemos organizado este festival deeste. ¿Qué os parece?FZ: Nos parece perfecto. En Italia no sería posible una organizacióncomo esta, no es posible. Estamos muy contentos...AO: Estamos muy orgullosos, hasta algo avergonzados, de ver a tantagente haciendo pruebas de sonido, de hacer esta entrevista....FZ: Toda vuestra amabilidad y disponibilidad. No tenemos palabraspara agradecéroslo... Es una organización muy buena, tan buena comola que se puede encontrar en lugares como Francia o los EstadosUnidos, pero desgraciadamente no en Italia.

[damos por terminada la entrevista y procedemos a la correspondientesesión fotográfica, que se irá repitiendo en las siguientes]

MINIMUM VITAL

¿Por qué el Vital Duo Project esun proyecto independiente deMinimum Vital?R: Era una idea que teníamos desdehacía tiempo, pero hasta ahora nohabíamos podido hacer realidad.Por una lado es un proyecto que

surge de nuestro amor por la música de la Edad Media y queríamoshacer algo más cercano a este estilo. Es cierto que con la música de labanda podemos acercarnos un poco a este tipo de música, pero no

tanto. La otra razónera queríamoshacer conciertosnosotros dos[ h e r m a n o sgemelos] sobre elescenario. Sinsecuenciadores, nicajas de ritmos...Sólo dos personas

sobre el escenario, lo que lo hace más difícil. Hemoshecho de momento algunos conciertos en Francia y laverdad es que la experiencia ha sido realmenteestimulante. Es un concepto diferente al de la banda.No es sólo acústico, también utilizamos percusión; noes aburrida música acústica, creo que en ciertosmomentos la música puede llegar a ser a veces muy duray en ocasiones muy suave. Es más difícil hacer esto conuna banda, ya que hay más músicos, cada uno tiene susmomentos y es más difícil hacer algo más íntimo.

Es la primera vez que tenemos en el festival a unabanda francesa, y quería preguntaros cómo veis elpanorama del rock progresivo en vuestro país..

R: Creo que si no fuera por festivales como estos acabaríamosdesapareciendo. Creo que está muy bien que se ayude a que esteestilo sea más conocido. Actualmente hay gente que toca realmentemuy bien, con una gran técnica en todos los instrumentos, pero creoque en los setenta las bandas estaban más inspiradas, ¿entiendes loque te quiero decir? Era laEdad de Oro del género.Creo que lo que se haceahora no es tan interesante.Por supuesto hay bandasinteresantes. Por ejemploen Francia teníamos a labanda Tiemko, que eramuy original, perodesgraciadamente handesaparecido...

(Jaume Pujol): ¿Y Uppsala?R: Uppsala, sí, por supuesto, es una gran banda, pero debemosconsiderarla también como una banda de los setenta. Recientementehemos visto 4/3 de trío...

(Jaume Pujol): .. y XII Alfonso, con los que creo que mantenéisamistad...R: .. son gente muy maja... También tuvimos la ocasión de ver a unabanda muy buena... Aft... After Crying... Muyinteresantes...

¿Cuál es vuestro concepto básico, porquevuestra música es una especie de mezcla deestilos muy distintos?R: Queremos estar abiertos a muchos tiposdiferentes de sonidos, no queremos parecernos aestos o a aquellos. Nos gusta escuchar diferentestipos de música, desde música brasileña, músicatradicional, folk, pop. Escuchamos cosas muydiferentes y creo que eso es bueno para losmúsicos. No creo que sea cierto decir que sólohaya buena música en el rock, creo que puedesencontrar buena música en muchos estilos

distintos y por ello queremos estar mantener lamente abierta.

Vosotros sois fans de bandas como MagmaHenry Cow y compositores como Stravinsky...El sonido de estos músicos tiene en común enque es oscuro, o tiene una parte oscura, peromucha energía... En cierta manera es uncontraste con vuestra música, que está llenade luz....R: Simplemente es que nos gusta mantener esaluz en la música. Cuando toco me gusta transmitiralegría, sentimientos positivos y es por ello que nuestra música esmuy positiva. Creo que la música de Magma, por ejemplo, puede ser

FESTIVAL TIANAPROG ROCK 2000

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también positiva,entiendo que aveces puede sonardeprimente, perosi escuchas ciertostemas puedesencontrar tambiénm o m e n t o salegres.

Es quizás unasensación decelebración de la

música en sí misma... Esa personalidadúnica...R: Lo que me gusta mucho de bandas comoMagma es que en el mismo momento en que tepones a escucharlos siente algo muy original, muyespecial, es como una escuela en sí misma....

¿Cómo componéis vuestra música?R: Escribimos los temas en casa y luego nosreunimos... y nos peleamos [risas].. Siempre

tenemos a mano un equipo de grabación y vamos grabando cosasconforme vamos desarrollando los temas... A veces sale algointeresante, a veces no queda bien... y así vamos avanzando, grabandolo que vamos haciendo... Siempre dejamos las voces para el final...Cada músico tiene algo que decir, de forma que al final se tratarealmente de un proceso colectivo, a pesar que nosotros escribamoslos temas se trata de un proceso colectivo, porque cada músico debeencontrar su propio placer en la música...

Tocaréis nuevo material esta noche? Si es así, ¿cómo suena?R: Sí. Creo que estamos buscando algo nuevo, diferente, queremosbuscar nuevas direcciones, estamos trabajando muy duro en nuestrosnuevos temas de estudio, y estamos haciendo un esfuerzo colectivoimportante. Tenemos en estos momentos cuatro piezas terminadas....

[la gente de Amarok rock despide la entrevista preguntando una vezmás a los músicos sobre su experiencia hasta el momento en el festival,que califican como muy positiva, lo que es sumamente de agradecerya que, como ellos mismos cuentan, han tenido la ocasión departicipar en festivales de diferentes partes del mundo]

DIFÍCIL EQUILIBRIO

P: Podríamos ser malos ypreguntar por lasinfluencias...Luís Rodriguez: No hayproblema, no se nos caen losanillos. Están claras, en elsegundo disco están clarascuáles eran y la principalquizás es King Crimson...Alberto Díaz: Sí, con letras

de neón... King Crimson es nuestra primera referencia, aunque haymuchísimas más, desde los Beatles, aunque no entren en el progresivo,hasta Univers Zero, la música New Age, minimalismo. John Cage, ..un amplio espectro, de todo lo que te llega siempre se extrae algopositivo...LR: La onda layetana... Hay que reivindicar a la onda layetana...

(Carlos Romeo): En cierta manera, estáis entroncados en la ondalayetana, por razones históricas y por otros motivos que yo sé...LR: Sí, es cierto, conocemos a mucha gente de aquella época... Comoel primer productor que tuvimos cuando el single; fue muy bueno

porque tenía unmétodo detrabajo muymístico, quehoy en día seecha mucho demenos. Antesla gente secreía esascosas, hoy endía no hay tantoeste ambiente.Recuerdo queteníamos quegrabar un temaque se llamaba Requiem por Quim, quequeríamos dedicar a un amigo nuestro quehabía fallecido. Recuerdo que tío apagó laluz, dijo, “vamos a hablar, vamos aconcentrarnos antes de empezar”. Nos situóen una atmósfera genial. Aquella gentesabía lo que hacía... Tuvieron mucha malasuerte, quizás no era el momento, pero erangrandes músicos y tenían grandes ideas. Yahora hemos trabajado con Joan Salva, eneste último disco saldrá también unacolaboración con él, es un músico que tocaen grupos de otro estilo, pero que también está conectado con aquellaépoca, conocemos a gente muy importante que están en la fronteracon el rock progresivo pero que creo que son importantísimos. Partede lo que ahora se pueda escuchar por aquí proviene de ellos... Sonlos papás de lo que se hace aquí...

(Carlos Romeo): Lo que pasó es que habíauna escena bastante montada alrededor deZeleste, hasta que de pronto llegó la salsay la escena cambió radicalmente , seprodujo un parón extraordinario aunquesiempre hubo gente . . . parece queúltimamente hay un reverdecer en todaspartes , a lgo más progres iva. . . en unsentido amplio, no sólo del rock, sino genteque retoma las ideas... Creo que habéishecho de nexo de unión entre dosgeneraciones...LR: Nos gusta tener un nexo con ellos, porque noshemos visto como los niños de aquella época..Cuando surgimos fue en el lapso entre aquella épocay la de ahora, y nos sentimos muy orgullosos dehaber podido contactar con ellos, sentimos tambiénadmiración por su estilo de vida, todo... Tengo unamigo personal, que está entre los cuarenta y loscincuenta que todavía recuerda cuando estaba enla puerta de Zeleste vendiendo por quinientas pelasel LP de “La vida son colores”, conocía al guitarra..Y yo decía.. “¡Jóder!” En esa época había unmundillo muy interesante, que hoy en día noexiste... Podías conocer a mucha gente en el bar,encontrar más música directa, más arriesgada, ahorano hay tanto este espíritu, no hay sitios donde ir...Este festival es una cosa puntual, pero en aquelmomento era un tipo de vida así... ¡Cómo meenrollo! [risas]

(Jaume Pujol): ¿Qué estáis preparando paravuestro próximo disco?AD: El próximo disco es el que nos ha facilitado el


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contacto conMusea, que pareceque ha llegado abuen término y enprincipio ellos nosdicen que enseptiembre saldrá ala calle y entoncesempezaremos arodar, a ver si esnuestro momento..

(Jaume Pujol): Yo me refiero al nuevo material que ya estáiscomponiendo, que no es el que saldrá en septiembre...AD: [risas] Tenemos el último descubrimiento de Luisito, los UniversZero y a partir de ahí hemos entrado en el mundo de Magma, losUnivers..de grupos del norte de Europa yde Francia y lo que estamos haciendo ahorava un poco por esa línea, estamos buscandoesto... De momento tenemos cuatro o cincotemas, pero están evolucionando, así queno sabemos por donde acabará, hasta queno entras en el estudio... Estamosdescabalgándonos de los Crimson nuevos,que reconozco nos parecen un poco másfríos.....

P: Difícil...LR: Es difícil, porque son nuestros papás,para nosotros lo digital está muy bien, peronosotros no renunciaremos nunca a la analógico, a lo acústico...necesitamos micrófonos... lejos de los teclados incluso...

Vuestra música combina una serie de ingredientes físicos, llenosde fuerza, con otros más ligados a una música que se supone máscerebral. ¿Cómo os enfrentáis a esta relación entre la música

más preparada y la másimprovisada?LR: Ante todo, gracias porlo de la fuerza, bueno, esees un difícil equilibrio...Creo que ahí está todo[risas]..AD: Como cuando en elprogresivo entra elcomponente latino, quesomos nosotros.. Locerebral está ahí, pero paranosotros lo físico, como

dices tú. es un valor muy importante..LR: es conseguir el equilibrio, es lo que se pretende...Enric Gisbert: ...y al trabajar con la improvisación siempre tienes elelemento sorpresa, nunca sabes como va a terminar el concierto... undía puede ser totalmente enérgico, otro puedes tener un día mástranquilo, más místico, hoy puede salir vete a saber qué.

¿Y eso no os provoca mucha tensión?EG: Toda la del mundo, a mí toda, [risas], ellos no sé...AD: Ahí está el vértigo. Eso es lo que nos gusta, trasladar lo quecocinamos, una expresión que me gusta mucho, en nuestro local deensayo y compartirlo con la gente...EG: De eso se trata, de conseguir exactamente lo mismo que consiguesen un local de ensayo sin la presión. El día que consigamos hacer loque haces en un ensayo, en que estás totalmente... colgado... eso teda un riesgo totalmente terrible.. Nos pasó el año pasado con losconciertos de Bikini y otro en Mephisto... El primero fue... un pequeñodesastre... en cambio, cuatro días más tarde nos salió un conciertazo.


¿Habéis tardado muchotiempo en llegar a este tipode cohesión?AD: Creo que la cohesiónla hemos encontrado con elcaballero [señalando aEnric], porque hastaencontrarle a él, que era elelemento que nos faltaba....llevábamos mucho tiempobuscándolo... siemprecomentamos que el local de ensayo tenía una puerta giratoria por laque iban entrando y saliendo..EG: Con el bajista que tenían en el primer disco... Francisco.. habíanconseguido un cierto equilibrio dentro del grupo, pero después dedesaparecer del grupo...

AD: ...Es cuando hemos mezclado lasafinidades de una forma más clara...EG: Hay una diferencia más clara entrelo que yo hago y lo que ellos hacen... osea yo entro en la química de DifícilEquilibrio, pero ellos llevan diecisieteaños desde que se conocen, tocandojuntos, improvisando juntos y yo soy uncuatrero comparado con ellos.. [risas]..yo me arrastro detrás de ellos cuandovoy tocando... [risas].. aportas lo quepuedes pero... es una combinaciónextraña.

Es curioso porque muchas veces cuando ves un grupo ves a unafigura líder, pero en vuestro caso, parece como si los tres déis lacara por el grupo por igual... Esto está muy bien en lo musicalporque puede generar ideas, pero también puede generarfricciones, ¿no?AD: No, no es nuestrocaso, no nos planteamosni liderazgos, niprotagonismos, ni nadade eso. Lo quequeremos es divertirnosy en la medida de loposible, divertir... Nosé, a lo mejor somos unpeñazo...LR: A cada cual segúnsu capacidad y según sunecesidad...

(Carlos Romeo): Escomo una idea quedecía DavidSylvian, “disolver elego en la obra”.AD: Siempre pensamosque la obra es másimportante quenosotros...Siguiendoesa pauta nosotrossomos merosinstrumentos...LR: Yo también meatrevería a nombrar lasinfluencias delanarquismo, de antes dela guerra civil... Haytoda una serie de ideasa nivel social y defilosofía que son muy

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interesantes.. Luego hay otras a nivel práctico que ya se sabeque no se pueden poner en práctica... Pero a nivel social eincluso filosófico las hemos intentado siempre poner enpráctica.. respetarse y crear... Para nosotros es incluso unaliberación... todos trabajamos... así que cuando llegas al locallo último que buscas es fricción con nadie.. lo que buscas espasártelo bien...estamos encantados con que Enric hayallegado por fin... Llevábamos años buscando el bajista ideal..y mira, por fin llegó... [risas]

(Toni Roig): Yo tenía una curiosidad para Luís. Hace pocoos vi en Terrassa, en un magnífico concierto en el barmusical Miramunda, lástima que tuviérais que acabar muypronto para evitar las iras de los vecinos....LR: ... Fue muy bueno, porque vino hasta la policía....P: ....¡Como en los viejos tiempos!LR: Sí, sí, como en el franquismo...

(Toni Roig): Bueno, la cuestión es que en un momento en queestabas totalmente poseído te llevase a la boca una especie deamuleto y quería saber qué significado tenía para tí...LR: Ah, sí.. Bueno, es muy sencillo, no se trata de un amuleto, sinode un silbato.. Hay partes del repertorio en que lo toco... El que síque es verdad, a título anecdótico, es que soy muy apegado a laschorraditas y este silbato lo tengo desde hace quince años y siempretoco con el mismo. Soy un poco maniático con estas cosas. así quepuede ser que sea como un amuleto, no lo se, no me había dadocuenta.

¿Qué os parece el ambiente y la organización del Festival?AD:Para nosotros es un lujo poder tocar con toda esta gente, quemaneja otros lenguajes aunque entren también dentro de un mismo

sector musical, elrock sinfónico y elp r o g r e s i v o . . .Nosotros no estamosmuy dentro del rocksinfónico, pero sí delprogresivo y esexcelente poderestar con ellos,mezclarte, siemprees positivo...L: Está bien tocar enun festival de uncontexto al que

creemos que pertenecemos en parte. La verdad es que hemos tocadoen varios y siempre nos hemos sentido fuera de contexto.. eran degrupos de rock más convencionales, o grupos de pop-rock, este estámuy bien porque estamos dentro, es como estar en casa, está bien...A ver si hay más de estos... porque siempre tocamos con gente quenos toca Raimundo Amador, yo qué se... Que está muybien pero que no es lo nuestro...

GALLEON

¿Estás ya preparado? [informalmente, para irentrando en situación]Göran Fors: No, no... [risas]

Dentro de la escena progresiva sueca, vuestro caso esun poco diferente al de otras bandas de influenciamás crimsoniana y oscura...GF: Sí, Anglagard, Anekdoten, Landberk...

¿Cómo ves tu banda en esta escena con una

personalidad tan marcada?GF: Tiene que existir un equilibrio... Toda esta gentetoca música oscura, así que nosotros nos encargamos dela música más alegre... [risas]... No sé, es simplementenuestro estilo, es lo que nos gusta hacer...

¿Cuáles son vuestras influencias principales?GF: Probablemente ya debes haber notado nuestrasinfluencias... [risas] Como todo el mundo, escuchamosYes, Genesis, Camel, Emerson Lake & Palmer, este tipode bandas, incluso Marillion, IQ... También me gustaBlack Sabbath, Led Zeppelin...

¿Puedes contarnos algosobre vuestro nuevo álbumBeyond Dreams?GF: Bueno, todavía no losabemos, porque hace pocomás de un mes que está enel mercado, no hemosrecibido demasiadas críticashasta ahora, así que serácuestión de esperar y ver...

¿Y cómo lo consideras enrelación a los anteriores trabajos de la banda?GF: Bueno, tenemos un nuevo guitarrista, y toca bastante más duro,así que eso ha añadido un toque más duro a nuestro sonido, másorientado a la guitarra...

¿Por qué abandonó vuestro anterior guitarrista?GF: Bueno, simplemente dejó de pensar que tocar fuera divertido,encontró otrotrabajo, bastantelejos de dondevivimos, queríahacer esetrabajo, y nospareció lógicoque así lohiciera.

¿A qué creesque es debido aque siemprehaya existido esta tradición de rock progresivo en Suecia?GF: No lo sé, es muy extraño, porque los medios de comunicación yla prensa odian el rock sinfónico, así que no sé muy bien por qué,quizás sea una reacción precisamente contra todo esto...

¿Hay algún tipo de organizaciones que se encarguen de dar algúntipo de apoyo a esta música...GF: Sí, un poco, Gothenburg Art Rock Society, quizáshayáis oído hablar de ellos, pero no sé si hay nadamás...

.. Record Heaven...GF: Sí, y tenemos también el nuevo sello a travésdel cual hemos sacado nuetro nuevo disco, Progress...Mellotronen Record Shop... Stephan Dimle, deLandberk es el dueño, conoce a todo el mundo...

[Aprovechamos la sesión fotográfica parapreguntarle por su estancia en la zona, pero comosuele ser habitual, no han tenido tiempo de visitarnada y el domingo a primera hora ya tienen queestar de vuelta... ¡Esto sí que son motivación!]

Fotos: Salva Renau

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TFESTIVAL DE SARLATtemporada de conciertos

Sin tiempo para el descanso, os trasladamos a la pequeña localidad francesa de Sarlat. Igor Huertas y Xanti de Miguel estuvieron ahí

PRELIMINARES

Desde primeros de Mayo veníamos planeando la“escapada” a alguno de los festivales progresivos programados paraesta primavera. Al de Tiana por motivos varios no pudimos asistir,asi que nuestro objetivo era Sarlat donde, a priori,el cartel dividido en dos jornadas, era bastanteatractivo.

El viaje desde Donostia se hace deforma cómoda y si se dispone de tiempo, noera nuestro caso, desde el punto de vistaturístico vale la pena; Sarlat es un pueblo conaproximadamente 10.000 habitantes capitaldel Perigord Negro, famosa entre otras cosaspor su enclave medieval en su centro y susnumerosos resquicios prehistóricos así comosus castillos en sus alrededores.

El Ayuntamiento de la citada localidadhabía cedido su “Centro cultural” junto con una pequeña cantidadde dinero (aproximadamente 250.000 ptas del millón previstoinicialmente) que hicieron posible la celebración del evento sinperdidas para la organización la cual nos atreveríamos a decir, rayóla perfección.

El local libre de asientos y con capacidad paraaproximadamente 1.000 personas constaba de un amplio escenariocon un más que estimable juego de luces; al fondo en la parte deatrás, estaban dispuestos los stands de venta de discos: Musea, Shop33, y los de los diversos grupos en donde una vez finalizados losconciertos se podía conversar con los músicos además de poderobtener sus autógrafos para nuestra colección de CDs; junto a lospuestos de venta, algo imprescindible, el bar con unos preciossorprendentemente asequibles.

A destacar también la posibilidad que brindaba laorganización de poder salir fuera del recinto una vezfinalizado cada uno de los conciertos, (éramos marcados enla muñeca con un se l lo) , ya que las ses iones fueronmaratonianas, alargándose desde las seis de la tarde hastala una de la madrugada.

Por último y antes de entrar en la crítica particularizadade los conciertos nos gustaría asimismo, recalcar la gran armoníaque hubo entre todos los asistentes entre los que por cierto seencontraban en número bastante abundante los venidos desdeBarcelona.

DIA 10 DE JUNIO

XANG (Francia): Bajo: Matthieu HOOGE; Batería: ManuDELESTRE; Guitarras: Antoine DUHEM; Teclados: VincentHOOGE

Fue a este grupo del Norte de Francia a quién le tocó ladifícil papeleta de inaugurar el festival, aproximadamente a lasseis y media de la tarde, y ya para esa hora el aforo alcanzaba cercade trescientas personas.

Estos cuatro músicos, muy jóvenes, practican unprogresivo instrumental con marcada influencia del jazz rock de

los 70 mezcladocon toquesinspirados en elHard rock y que anosotros nos dejóun buen sabor deboca aunque partedel público,pareció aburrirse.

Tocaronsu primer y único

álbum “Destinity of a dream” de forma completa introduciendo solosde sus dos mejores baluartes, el guitarrista A. Duhem y sobre todosu teclista V. Hooge. A destacar dos temas que a mí particularmenteme gustan sobre los demás : “The prediction “ y “The Light”.

Lo dicho, buen punto de partida para entrar en calor.

ABRAXAS (POLONIA):Teclados:Marcin BLASZCZYK;Guitarras y Teclados: SzymonBRZENZINSKI; Vocal: Adam LASSA;Batería: Mikotaj MATYSKA; Bajo:Rafat RATAJCZAK; Guitarra Acústica:Lukasz SWIECH

No lo hemos mencionado alprincipio, pero es justo comentar quepoder escuchar 6 grupos de rockprogresivo de países tan diversos como

Francia, Polonia, Inglaterra, Hungria e Italia con sus diversos yvariados estilos y en tan sólo dos días no está al alcance de cualquieraficionado y esto fue uno de los puntos que a nuestro juicio másayudó al éxito del festival. Sirva esto, para introducirnos en lo quesería el segundo bloque de la tarde- noche, Abraxas, provenientesde Polonia y que venían a presentar su tercer álbum “99”.

Sin quererhacer una crítica duray feroz, diremos que suactuación fue la peor delas vistas en los dosdías. Su vocalistaestuvo desastroso; es laantítesis delprogresivo, luciendouna impresionantemusculatura a imageny semejanza de Rambo,se paseó por elescenario como siestuviera en una formación militar,le metió mano o al menos lo intentóa la encargada de hacerle las voces (por cierto, apenas se le oía), y de suvoz mejor no hablar, cascada ydesafinada, según informaciónfidedigna, producto de la borracheraque la noche anterior había cogido,lo que ayudó bien poco a su grupo; (y pensar que durante el viajehabíamos estado escuchando susegundo Cd “ Profhecies” y su voznos llegó a parecer muy similar a lade Filardi (Galadriel). Si lees esto ,Jesús ¡perdónanos!).

Tocaron casi en sutotalidad su última obra con un sonido de inicio muy espeso quepoco a poco fue mejorando, practicando un neoprogresivo con clarasinfluencias de Marillion años 80, destacando sobre todo suguitarrista, al cual junto con Blaaszczyk su teclista ya habíamostenido oportunidad de verles en la última gira de Colin Bass querealizó por Zaragoza y Tiana el año pasado. Fue de los punteos deSzymon Brenzinski de donde salió lo mejor de su actuación sobretodo en temas como “ Anathema, Czyli Moe Osesje” o el final de“Jezebel”.

A pesar de todos los inconvenientes expuestos, se notóque buena parte del público disfrutó con la apuesta dada por lospolacos aunque los que suscribimos esta crónica acabásemos muyescépticos teniendo en cuenta las expectativas que nos habíamoscreado con el grupo.

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F E S T I V A LD E S A R L A T

ARENA (INGLATERRA): Vocal : RobSOWDEN; Guitarras : John MITCHELL;Teclados : Clive NOLAN; Bajo : IanSALMON; Batería : Mick POINTIER

Nos consta hubo personas queacudieron al festival motivados únicamentepor la presencia de Arena así que para lahora del comienzo de su concierto, la salaregistraba una muy buena entrada (para loque estamos acostumbrados) alrededor de500 personas.

Como suponemos sabeís lamayoría de aficionados a esto del rocksinfónico- progresivo, los cambios de personal en esta peculiar bandahan sido constantes desde su creación, presentando esta vez comonovedades en su último trabajo “Inmortal,” la presencia de IanSalmon como bajista y de Rob Sowden en el apartado vocal, loscuales han suplido de forma desigual las bajas de John Jowitt yPaul Wrightson respectivamente; Ian es un bajista repescado porNolan de uno de sus antiguos grupos “Shadowland” y cuyascaracterísticas difieren de las de Jowitt principalmente en que esmenos tecnico y efectivo en escena. En cuanto a Rob nos pareció unbuen vocalista con unos registros de voz muy parecidos a los de

Wrighstson y con unaimagen y pose que nosrecordó a Robert Planten sus viejos tiempos alfrente de “ LedZeppelin “.

Antes deseguir es necesariomencionar que tuvimosla oportunidad deasistir en su anterior

gira del “Visitor” allá por Noviembre del 98 a un buen concierto,lo que nos hacía esperar que al menos se repitiese la calidad y éxitodel mismo esta ocasión en todo un festival de progresivo. Tal vezsea esta circunstancia la que nos hizo poner el telón muy alto y losresultados allí vistos estuvieron muy por debajo de lo esperado.

Para empezar es imprescindible comentar los constantesfallos de sonido que se dieron durante todo el concierto, llegándosea interrumpir por dos veces lo que no benefició en nada el desarrollodel mismo, todo lo contrario, los músicos, a la cabeza Pointier,culpaban del desastre a la infraestructura organizativa y estos a suvez a los dos técnicos que llevaba el grupo. Desgraciadamente estascircunstancias hicieron que los músicos se desconcentrasen y seresintieran de forma notable en su actuación.[según le contaron ami buen amigo que estaba también en Sarlat, parte del problemasurgió por exigir la banda el pago por adelantado. T.R.].

Por otra parte, suponíamos venían a presentar su últimodisco , pero nada más lejos de la realidad, pues tan sólo sonarondos temas del mismo, “Chosen” que abrió el concierto y la aburrida“Friday´s Dream”, lo cual analizándolo fríamente resultó positivoteniendo en cuenta la mediocridad que rodea a “Inmortal”. De estamanera, los temas de sus anteriores álbumescobraron protagonismo y sobre todo elpenultimo “The Visitor del cual tocaron entreotros temas “Double vision” “Don´t Forget tobreathe” “Serenity” y The visitor”. Junto a estossonaron sus temas más emblemáticos“Solomon” “Jericho” “Sirens” o los Crying forhelp IV y VII” Al final el consabido bis endonde faltó su ya emblemática “Welcome tothe cage...” por falta de insistencia del públicopasando a nuestro juicio sin pena ni gloria porSarlat.

DIA 11 DE JUNIO

Y llegó el gran día . Muchosde los desplazados allí presentesfueron atraídos por el repertorio de estesegundo día , unos pocos por AfterCrying (nosotros) y la gran mayoría(franceses)para contemplar laactuación de uno de sus gruposemblemáticos de los años 70 , ANGE.Esta vez la tarde era más calurosa y serespiraba ambiente de festival deverano, pero a las 18:00 h. los másfieles eran los únicos que tenían

intención en entrar en el recinto musical, mientras, fuera del recinto,se podían escuchar melodías rockeras protagonizadas por unguitarrista espontáneo que al menos nos hizo pasar un buen ratohasta la apertura definitiva de las puertas.

WATCH (ITALIA): Vocal : SimoneROSSETI; Guitarras : FrancescoZAGO; Teclados : Giovanni ALESSI;Bajo : Antonio MAURI; Batería : DiegoDONADIO

Los primeros toquesinstrumentales y la puesta en escenade los músicos en el escenario al frentede los cuales se encontraba sentado suguitarrista Francesco ZAGO al máspuro estilo Robert Fripp hacia presagiarun viaje a través del túnel del tiempo alos años 70 y amigos aquel viaje noiba a tener desperdicio. Faltaba laentrada en escena al más puro estilo yvestimentas Gabriel del solistaSimone ROSSETI. Para los nostálgicosde Genesis fue un autentico shock; la combinación “Fripp” &“Gabriel”, hizó las delicias de todos nosotros, con una actuación enla que no faltaron los tintes teatrales, junto con una buenacombinación de luz y sonido, y que repasó el último álbum“Twilight” en su totalidad. Pero el punto álgido estaba por llegar yel histerismo de algunos creció al sonar los primeros compases del“Selling England by the Pound”. A alguno se le escapó más de unalágrima . La emoción fue subiendo hasta el punto de sobrecoger atodos con el famoso estribillo de esta canción, al más puro estilo“Regénesis”. Al final todos contentos y felices y con un WATCHque se tenía que despedir regalando una canción al público sabiendoque su tiempo se había acabado.

AFTER CRYING (HUNGRIA): Vocal : Legrida GABOR; Guitarras: Tomar FERENC; Teclados : Lengyel ZOLTAN; Bajo y cello: PetjsikPETER; Batería : Madai ZSOLT; Trompeta y piano : WinklerBALAZS; Flauta y sonido : Egervári GÁBOR

Y llegó el gran momento;oscuridad total , intro instrumentalclásica y la tricolor de Hungría en unode los laterales. Por si alguno no sehabía enterado ,un cartel colgaba delfondo del escenario de “Perifericrecords” anunciando a AFTERCRYING. La intro “Viaduc” presentaen plena apertura sinfónica a lo que ibaa ser el concierto; un derroche demúsica , virtusiosmo y destreza

ARENA

ARENA

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musical, tocado por unos auténtico talentos. En escena dos teclados,batería, xilófono, guitarra, mas teclas, piano, trompeta, cello y todojunto After Crying. El concierto basado en su último doble CD“Struggle for life” fiel reflejo de lo que son capaces en escena y desu sonido en directo. Su repertorio recogió básicamente temas de

sus albunes “6”, “DeProfundis” y“Megalázottak.”, juntocon continuasimprovisaciones decada uno de losmúsicos en escena.Memorable fue el sólode Tomar Ferencmanejando la guitarray el sintetizador almismo tiempo creandosonidos de la mástípica escuela Fripp-

Eno , o el sólo de piano a cuatro manos de Lengyel Zoltan y WinklerBalazs interpretando un clásico Ragtime.Lo impresionante es verles en escena, su perfección, su virtusiosmote dejan atónito, perplejo, y un ligero escalofrío recorre tu cuerpoescuchando estos sonidos.

No les hizo falta tocar ninguna versión porque el públicorápidamente conectó con sus temas aunque hubiese sido su primeraaudición, y el hecho de ver en escena instrumentos “tan poco”usuales como el xilófono, la trompeta y el cello llamó la atenciónhasta al más despistado que pasó por allí. Para el final dejaron sutema estrella presentado como tributo a Keith Emerson, que tambiénse alargó hasta los 30 minutos. El sonido perfecto, los tecladosdoblan la trompeta al unísono y la trompeta de Winkler BALAZSque no para de sonar, y el público que no para de saltar y disfrutar.A mitad del tema, presentación de los músicos, incluyendo alnarrador, tecnico de sonido y flautista!!, y al director artísticoGörgényi Tamás. Destacar al jovencísimo batería , un Bruford enpotencia con una exquisitez y un ritmo y una suavidad que pocasveces hemos visto. Keith Emerson estaba presente , pero no unosino dos.....en la despedida con el estribillo de la “Manticore”,“Conclusion” y más “Manticore”. Un final agotador y sin posibilidadde bises otra vez por falta de tiempo, no quedando mas remedioque acabar gritando españoles y belgas al unísono y en “santacomunión” “AFTER CRYING”, AFTER CRYING........

ANGE (FRANCIA): Vocal y Teclados : Christian DESCAMPS;Guitarras :Hassan HAJDI; Teclados : Tristan DESCAMPS; Bajo :Thierry SIDHOUM; Batería : Hervé ROUYER

Totalmente agotados, pero en un estado de absolutafelicidad, contemplamos sorpresivamente como el local se iballenando de un público eminentemente francés (conseguir sitio enlas primeras filas se hacía tarea imposible), para contemplar al que

F E S T I V A LD E S A R L A T

fuera más emblemático y representativo grupo sinfónico-progresivofrancés de la década de los 70.

De los carismáticos miembros de Ange tan sólo queda suvocalista Christian Descamps lider absoluto de la banda, poseedortodavía de una aceptable voz y capaz de interpretar, declamar yescenificar cada uno de los temas que el grupo va desgranando, aveces, valiéndose de marionetas y todo tipo de artilugiosinimaginables, y otras, con sus propias muecas y gesticulaciones loque nos pudo trasladar en algún momento a contemplar fragmentosteatrales musicados.

En la actual formación, Descamps ha incorporado a suhijo Tristan , que de esquelética figura, muy al contrario que supadre al que se le podía confundir con Demis Roussos, estaba alfrente de todo tipo de teclados no parando de saltar y moverse comoun poseso, haciéndose cargo además de las voces bien en los corosbien como voz solista. A la guitarra y bajo aparecen dos músicos deorigen marroquí que para nuestro gusto son excesivamente lineales,correctos técnicamente pero con falta de emotividad y carentes dela más mínima sorpresa e improvisación salvo en la introducciónde algunos toques étnicos en temas sobre todo de su último álbum“La voiture a eau” el cual era desconocido para nosotros. Por últimosu batería , correcto sin más que no es poco.

Descamps y los suyos basaron su concierto en lapresentación de su último álbum ya citado intercalando temas desus trabajos más emblematicos “ Emile Jacotey”,” Le Cimitieredes Arlequins”,” Au-delà du délire”y Par les fils de mandrin”.

Especialmente emotiva resultó la interpretación de “fou”tema del album con el mismo título, así como temas tanrepresentativos como “Ode à Emile” “Ces Gens-là” o “Hymne a lavie”, con los que dieron por finalizado su concierto que clausurabala primera edición del festival de Sarlat.

CONCLUSIONES

Como ya ha quedado dichoa lo largo de esta crónica, el balancedel festival puede ser consideradoaltamente positivo, prueba de ello fuela ovación con la que fuerondespedidos el conjunto deorganizadores a cuyo frente seencontraba George Pinilla de Shop 33.Esto nos hace pensar que el próximoaño habrá nueva edición conposibilidades de contemplaractuaciones de grupos incluso de másalto nivel y consecuentemente de másalto “caché” y esto lo debemos deconsiderar como una fantástica noticiapara los que amamos este tipo demúsica tan desprestigiada.

Por último no queremosdejar pasar esta oportunidad paraenviar un caluroso y sinfónico saludoa la “ banda “ de Manuel Zambrano,Ferrand, Lluis... (perdonad norecordamos todos vuestros nombres),y agradeceros ese café “soluble” y eseWhisky que nos supo a gloria con esacorta pero provechosa tertulia queesperamos poder repetir de nuevo enotro evento de estas características.

Lunes de madrugada, todohabía pasado , cansados y satisfechos volvimos a la realidad cotidianay emprendiendo el viaje de regreso contemplábamos nuestras carasde satisfacción invocando a saber a quien para que no fuese la últimavez. Saludos muy sinfónicos desde Donosti IGOR HUERTAS yXANTI DE MIGUEL.

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THE CONSTRUKCTION OF LIGHT TOURtemporada de conciertosLa visita más largamente esperada. Aún retumban nuestros oídos tras el paso de Su Majestad. Por Héctor Gómez y Toni Roig

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En el momento de escribir estas líneas, la emblemáticasala Zeleste pasa por graves momentos de crisis que podríanllevar incluso a su desaparición. Aunque Zeleste no es la salafavorita de los aficionados a la música rock (incómoda, avejentaday de acústica deficiente), no hay duda que todos guardamosnuestro particular recuerdo mágico de Zeleste. Uno de los másintensos, y espero que no sea el último, lo viví el pasado 26 dejunio, al asistir por primera vez en mi vida a un concierto deKing Crimson. Y eso que las horas anteriores al concierto fueronbastante descorazonadoras.

No quiero parecer desagradecido, pero tengo que criticarpúblicamente la actitud de la promotora Doctor Music, que nosnegó el permiso para hacer fotos del concierto, a pesar que ya lohabíamos acordado, porque en el último momento decidieron darsolamente pase a los grandes medios de comunicación (que alfinal publicaron prácticamente la misma imagen, la de Frippsentado y tocando ausente su guitarra). En este insólito cambiode parecer imagino que existía un efecto de compensación trasel despectivo comportamiento de Doctor Music hacia la prensaen ocasión del reciente concierto de Radiohead en la Sala Tívolide Barcelona. Eso sí, teníamos dos inesperadas invitaciones anuestra disposición, a las que habría renunciado gustosamente acambio de poder hacer bien nuestro “trabajo” (“bueno, os doylas invitaciones si vais a ir a hacer la crónica, ¿eh?, si sólo es porpasar el rato....” ¿para pasar el rato King Crimson?). Llegué abarajar la posibilidad incluso de mandarlo todo al carajo e irmea casa... pero en fin, sé que si lo hubiera hecho me habríaarrepentido el resto de mi vida, así, que, ¡Qué co....!

Finalmente, en cuanto a la cobertura de la prensa, comoera de esperar, ha sido muy diferente de la caña que se da a losgrupos progresivos... ¿Perdón, dijo alguien progresivo? ¡No, porsupuesto! La Vanguardia, en su excelente crítica del conciertoresalta la intensidad de la ejecución y utiliza un ingeniosoeufemismo, “grupo de rock expansivo” (no está mal elmalabarismo, ¿verdad?). En El Periódico se habla de “rockexperimental con pedigrí” (supongo que Yes, Tull, Floyd o ELPdeben ser perritos callejeros). En general y salvo excepciones,la prensa seria les dedicó un cauteloso elogio colectivo. Haceresto con los Crimson está todavía bien visto. Toni Roig<4��

Apabullante demostración de talento la quedispensaron King Crimson en su concierto ( definitivamente,su hábitat natural es el escenario) en la sala Zeleste. Solo hede decir que en absoluto noté la ausencia de Levin y Bruford, ycreo que esto es definitorio de lo que nos ofrecieron esos cuatrogenios llamados Fripp, Belew, Gunn y Mastelotto, de los queante todo quiero destacar su nivel de compenetración, realmenteasombroso, y cercano a la telepatía (sobretodo entre Fripp yGunn, dos mitades de la misma persona que se intercambiaronsolos y sonidos entre sí a lo largo del concierto).

Llevan King Crimson más de treinta años deexistencia, y aún hoy son capaces de sorprender al público (porotra parte, variadísimo y de todas las edades y condiciones) ensus conciertos; conciertos brillantes, completos, arriesgados ymagistrales en definitiva. Además, no creo que a nadie le dolieraque se olvidaran por completo de los 70 y, casi, de los 80; sibien los temas de “The Construkction Of Light” y losexperimentos de los Projekcts le pueden parecer a más de unode difícil digestión, en directo cobran una fuerza y un colortremendos; sin ir más lejos, la batería electrónica de Mastelotto,que en disco se me hace un poco cargante, en el concierto mepareció un torrente inagotable de sonidos, r i tmos yexcentricidades y, por si alguien dudaba de ello, demostró queMastelotto es un maestro, tanto en lo que concierne a la creaciónde inifinidad de ritmos como la originalidad de sonidos ytexturas que logró extraer de sus cibernéticas percusiones. Losotros miembros del grupo fueron ellos mismos, que no es poco:Fripp, sentadito en su taburete y concentrado en sus“soundscapes” y los intensos solos que de vez en cuando se le

escapan...ni siquiera se despidió. ¡Ah!, y desenchufó su guitarra(durante una improvisación) cuando algún desaprensivo le hizouna foto (y eso que antes del concierto se rogó no fumar y nohacer fotos, “a petición del artista”, es decir, Fripp y sus manías,que sabemos como se las gasta...); Belew, sonriente, destrozandola guitarra a su manera (sí, con sus tics de siempre: agarrandola guitarra por los “cuernos”, haciendo su particular “tapping”,sus solos inverosímiles...); también Mastelotto sonreía (y noparaba de moverse), en complicidad de un Gunn muy callado yconcentrado (hasta eso se le ha pegado del maestro Fripp), einconmensurable con sus “touch guitar”.

Nada de focos, ni grandes parafernalias (sólo lailuminación propia del local y una pequeña tela blanca dondese proyectaron sencillas imágenes; muy acertadas las nubesdurante “One Time”); mucha sobriedad (todos de rigurosonegro), e impresionante música y creatividad a raudales,repartidas a lo largo de 105 minutos de concierto y un repertorionovedoso y, en algunos casos, sorprendente. Para empezar, “IntoThe Frying Pan”, un torrente de lava de su último CD que quizáfue lo menos satisfactorio de la actuación; correcta, calcada dela versión en estudio. A continuación, “The Construkction OfLight”, el mejor tema del CD del mismo título, y una auténticademostración de lo que son capaces de hacer Fripp y compañía,interpretando un dificilísimo tema (fabuloso ver la cara desufrimiento de Adrian Belew en la “disciplinesca” secciónintermedia del tema, un auténtico rompecabezas de abstracciónmusical). Siguieron algunos temas del último CD, como“Prozack Blues”, aquí transcendiendo de la mera anécdota (cosaque no logra en el CD), así como una tremenda versión de “TheWorld’s My Oyster Soup Kitchen Floor Wax Museum”, queredimensionó el original en uno de los mejores momentos delconcierto (Belew tuvo aquí problemas con su guitarra, así queFripp solucionó el imprevisto con un insólito, magnífico y“thrakkatiano” solo de “piano”).

También hubo ración de “Thrak”: “Dinosaur” (encorrecta versión reducida, sin el interludio al mellotrón), “OneTime” (con una parte central más delicada y detallista, graciasen mayor parte a Pat Mastelotto y su inagotable ingenio), “SexSleep Eat Drink Dream” y “Vroom”, que cerró el concierto consu habitual potencia. Entre éstos temas se colaron numerosasimprovisaciones (donde la estrella fue Trey Gunn), en las quese dio rienda suelta a la filosofía de los Projekcts y acomposiciones como “The Deception Of The Thrush” y“Masque”, del Projekct 3 (de hecho, Adrian Belew desapareciódel escenario durante alguna de éstas improvisaciones, las más“relajadas”, así que podemos considerar que, dentro delconcierto de King Crimson, se inscribió un mini-concierto delProjekct 3); sin duda, los mejores momentos del conciertopertenecieron a éstos pasajes, llenos de investigación y totallibertad, absolutamente emocionantes. Algunos han comentadoque en su último CD no se refleja para nada la investigacióndesarrollada con los Projekcts; desde luego, en su actuación sepudo apreciar que esa investigación sí ha dado inmejorables yfascinantes frutos.Para los bises se dejaron “Larks’ Tongues In Aspic Part IV”(durísima) y la apocalíptica “I Have A Dream” (que concluyeronel concierto de forma electrizante), además de las sorpresasdel concierto: la versión acústica y en solitario, a cargo de unsonriente Adrian Belew, de “Three Of A Perfect Pair” (¿micro-concierto Belew?), deliciosa y coreada por un público entusiasta,así como la interpretación de “Cage”, ese fugaz y paranoicotema de “Vroom”, en una lectura en tono de blues (Belew conacústica y Mastelotto con escobillas) realmente impagable.

Una actuación impecable y vital, que equilibró muysabiamente momentos de tremenda intensidad con otros deetérea fascinación, y que invita al optimismo respecto al futurodel grupo (¿Projekct X, quizás?); me compadezco de todosaquellos que no pudieron asistir, porque se perdieron algo únicoy probablemente irrepetible.

Para acabar me gustaría agradecer a Adrian Belew yPat Mastelotto su amabilidad con los pocos afortunados quenos quedamos “remolonenado” fuera de Zeleste; amboscharlaron de de todo (Belew se quejó “it’s very hot tonight!”;¡y quién no se quejaría de eso en un lugar como Zeleste!) ycon todos, firmaron lo que hiciera falta y hasta regalaronCD’s (bonito detalle de Mastelotto, que repartió copias de su“Mastica”). Fripp, cómo no, se fue directo al autocar (Gunnni apareció) sin mediar palabra, fiel a su personalidad.Incomparable. Héctor Gómez

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DREAM THEATER EN MADRIDf o t o sUn collage a partir del reportaje elaborado por Paco y Luís, del programa Los recuerdos del unicornio

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C L I V E N O L A Ne n t r e v i s t aAgradable pero firme, incansable y tremendamente británico. Así es Clive Nolan.

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Lunar Waves: Háblanos un pocosobre el concepto de Immortal? y surelación con The Visitor...Clive Nolan: Immortal? no es unasecuela a The Visitor. La única relaciónviene más que nada por haber utilizadoal mismo diseñador. Immortal? tratafundamentalmente del intento por partedel ser humano de conseguir lainmortalidad a través del arte, laciencia... ese instinto de tratar demantenerse vivo. También es una luchaespiritual.. Se trata en cualquier casoun impulso que nace de todos nosotros,de ahí el interrogante al final del título.Cada uno de los temas del álbum estáconectado de una forma o de otra conesta idea.

LW: ¿Así que no hay una relación directa con The Visitor?CN: No, no la hay de forma consciente, excepto por el hecho que eldiseñador , Hugh Syme, introdujo diversas imágenes en la portadaque hacían referencia a The visitor. Son pequeños detalles que a él legustan mucho. No hay ninguna intencionalidad. Es cierto que hayalgunos temas que se van haciendo presentes no sólo en The Visitor,sino en todos nuestros álbumes

LW: ¿Cómo te has planteado el trabajo con los teclados en estaocasión? Parece que hayas querido combinar viejos sonidos,sonidos de ambiente, otros más modernos...CN: Quería hacer algo diferente con los teclados, sin renunciar aaquellos sonidos que han estado ligados a nuestra música, como elmellotrón, el moog, el piano, ¡que es bastante antiguo! o elclavicémbalo, que es incluso más antiguo. Me gustan estos sonidosde teclado, pero al mismo tiempo me siento interesado por sonidosmás modernos y formas de aproximarte a los sonidos que permite latecnología actual. Quería utilizarlos para darle al álbum tanta frescuracomo fuera posible. Así, gracias al uso de samplers pudimos capturarsonidos, como decías, de cantos gregorianos, así como voces, ruidos,explosiones, lo que sea.... De lo que quería estar seguro es que losnuevos sonidos encajaran bien con los viejos.

LW: ¿Tiene Moviedrome alguna relación con el film Videodrome?CN: No, es puramente accidental. Quizás subconscientemente surgióla idea de utilizar la expresión “drome”, pero no he visto el film.

LW: Cuéntanos alguna cosa sobre la portada. ¿Qué significa esebebé viendo la televisión?CN: Uno de los temas más importantes en el álbum es la confianzaque el hombre deposita en la tecnología y cómo, sin darse cuenta, seconvierte él mismo en una victima de su propia capacidad creadora.La imagen que utilizó Hugh fue este bebé, que quizás ya tienecincuenta años, pero que no se ha llegado a desarrollar, nunca se hamovido de ese lugar, de su butaca, enganchado a su televisor, conuna epecie de “visión tunel”, sin tener conciencia de si hay algo másahí fuera, podría ser incluso el último hombre vivo.... es ajeno a loque está sucediendo a su alrededor.

LW: ¿Como trabajais estas ideas visuales con Hugh Syme?CN: Hablamos con él durante semanas, la pasábamos títulos decanciones, fragmentos de letras, hablábamos de diversas ideas queteníamos preparadas... Algunas le entusiasmaban, otras no tanto... Yasí, de forma gradual fue surgiendo el concepto para el artwork

LW: ¿Y el extraterrestre ?CN: [risas]... Creo que la idea que era añadir algunos elemntos quereflejaran el ambiente que queríamos dar al álbum. Tal y como lo

veo, creo que el álbum encierra unacierta atmósfera cercana a“Expediente X” combinada con elambiente de “The Matrix”, y creoque el extraterrestre refleja la ideaque si nos quedamos estancados,nunca podremos escapar de estemundo en el que estamos atrapados.Es simplemente una forma visualde representar esta idea.

LW: ¿Por qué resulta tan difícilpara Arena mantener siempre lamisma formación?CN: [risas] ¡Nos gusta echar a lagente! [risas]. No, se trata de malasuerte. Arena es una banda muyintensa, trabajamos muy duro,tenemos unas expectativas muy

altas sobre nosotros mismos, nos exigimos mucho, creo que somosuna de las pocas bandas en nuestro género que se mantienen activasy en marcha de forma contínua...Eso hace que la gente se sientapresionada y puede haber provocado algunos de los cambios en laformación. El otro peligro -que nos ha sucedido- es la tentación que,al entrar en Arena, te encuentras de pronto en que estás viajando portodo el mundo, vendiendo miles de discos, y al tratarse de una bandasustentada en una base de fans muy entregada, terminas por creertedemasiado lo que dicen de tí. Eso, desgraciadamente, te desplazahacia una posición en la que resulta francamente difícil trabajarcontigo... En fin, cada persona tiene su propia historia, sólo planteoalgunas ideas generales. Cada vez que nos vemos obligados a hacerun cambio, uno de estos saltos hacia delante, resulta ciertamentedoloroso e irritante, pero también pienso que nos vamos acercando aconseguir el grupo de personas más adecuado para el trabajo.

LW: También ha supuesto un cambio personal importante paratí, ya que dedicas la mayor parte de tu tiempo a esta banda...CN: Es cierto que estar en Arena demanda una gran cantidad detiempo. Afortunadamente, todavía hago una gran cantidad de cosas.Sólo este mes [mayo], estoy implicado en cuatro proyectos diferentes,como por ejemplo los dos álbumes de Ayreon y el de una banda llamadaNightingale. No es que me haya relajado y que haya bajado el ritmo...Lo que es cierto es que mi prioridad actual es Arena y me roba muchotiempo, pero sigo haciendo de todo.

LW: Recuerdo que en la entrevista que nos concedísteis en vuestraprimera visita a Barcelona decías que notabas que Arena os movíacomo con una fuerza propia, superior a la de sus propioscomponentes. ¿Cómo lo ves ahora?CN: Creo que el hecho que hayamos sobrevivido a todos estos cambioses una prueba que Arena tiene de alguna forma una vida propia y quese sostiene por sí misma. A principios del año pasado perdimos aPaul [Wrightson] y unos meses más tarde a John [Jowitt]. Fue muydeprimente para todos, ya que de pronto nos quedamos sólo tres.Creo efectivamente que Arena tiene una fuerza especial que luchapor sobrevivir.

LW: ¿Qué pasa con Pendragon?CN: Ví hace un par de días a Nick [Barrett], fuímos a ver Gladiator,un gran film, y me dijo que tenía escrito gran parte del material paraun nuevo álbum y conociéndole, creo que querrá grabarlo a finalesde verano, con lo que podríamos tener el álbum a punto a finales deeste año o como mucho a principios del año que viene...

LW: Tienes también en marcha un nuevo proyecto con Oliver

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Wakeman....CN: Sí, ya estamosescribiendo el materialpara la secuela deJabberwocky. Hemosescrito gran parte de lostemas, y hemos grabadoya algunas sesiones.Tenemos previsto hacerun festival la semana queviene con Arena ydespués de ello esperopasarme los meses dejunio, julio y agosto

centrado en este proyecto, juntando todas las piezas...

LW¿ ¿Será sobre El sabueso de los Baskerville?CN: Efectivamente, esa maravillosa historia de misterio, será un álbumefectista y lleno de sorpresas, para el que espero contar con lacolaboración de muy buenos músicos...

LW: ¿Por qué escogíste precisamenteesta historia?CN: Soy un gran fan de las historias deSherlock Holmes, de sus libros, las seriesde televisión, las películas... El personajeme fascina, creo que las mejores historiastienenuna progresión fantástica y esta en concretola tiene, sin duda.

LW: Resulta curioso que habiendo pasado por la banda trescantantes, sus voces tienen bastantes puntos en común. ¿Por qué?CN: Creo que buscamos un tipo de voz típicamente británica, siemprehe pensado lo mismo. Siempre he preferido un tipo de voz más cercanaa Peter Gabriel a... no se.... a un tipo de voz más americana. Noquiero decir que tenga que cantar como Peter Gabriel, sólo que tengaese toque inglés en la forma de cantar. Siempre he intentado pontenciareste aspecto al producir las partes vocales para los tres cantantes quehemos tenido. Rob es el que suena más “inglés” deforma natural, o sea que es el que me ha dado muchomenos trabajo para conseguir que hiciera lo que quieroque haga. Muchos se sorprenden sobre la similitudentre las tres voces, pero yo creo que eso viene dadopor el hecho que yo escribo las letras y que me encargode grabar las secciones vocales e intento dirigir loscantantes hacia una dirección concreta. Por supuesto,cada uno de ellos tiene su propia personalidad y sumanera particular de hacer las cosas, pero lo que estáclaro es que cuando estás en Arena te pones elsombrero de Arena, de forma que es normal que hayaparecidos.

LW: ¿Cuáles son vuestros planes actuales de gira?CN: Bueno, acabamos de volver de una gira por Sudamérica. Hemospasado unos días fantásticos en Chile y Argentina y de momento loque esperamos es poder tener la oportunidad de descansar un poquitoy dormir. Y el diez de junio tocaremos en el sur de Francia, en unalocalidad denominada Sarlat, que por cierto, creo que no estádemasiado lejos de España...

LW: No, la verdad es que en un festival que se celebró hace pocoen Tiana, cerca de Barcelona, los promotores de Sarlataprovecharon para anunciarlo, y creo que irá bastante gente denuestro país.CN: Oh, fantástico.... Ahí estaremos, no sabemos lo que nos vamos aencontrar, pero de una forma o de otra ahí nos vais a tener... Después

tendremos un poco de tiempo para hacer otras cosas (en mi caso ya tehe contado un poco mis planes), pero con Arena lo que tenemosprevisto es dejar mezclado y preparado el álbum en directo y editarlo,si todo va bien coincidiendo con la gira principal por Europa, queempezará a finales de septiembre, concretando, en una -probablemente- lluviosa noche de miercoles en Londres...[risas]LW:¡Cómo no!

CN: Eso será en el London Astoria el 27 de septiembre y a partir deahí Holanda, Escandinavia, Polonia, Alemania... Eso será un mes...Y espero que tengamos la oportunidad de tocar en España...LW: A ver si Esteban Vendrell, de Pan y Música, monta algunacosa...CN: Si tienes contacto con él, a ver si le animas. De momento semantiene muy silencioso...

LW: Lo intentaré... Cambiando de tema, hace un año estuvimosentrevistando a la banda inglesa Galahad y se mostraban muypesimistas en lo que se refiere al panorama para las bandas de

rock de cualquier género enInglaterra. ¿Como lo ves tu?CN: [risa forzada] Inglaterra no es ellugar adecuado si estás una banda derock. Pierdes el tiempo aquí. Muchasbandas jóvenes no ven más allá de lasfronteras del país, y muchas sucumben,abandonan... La vida está fuera delReino Unido para la mayor parte delas bandas y músicos que conozco. Hetocado más veces en Sudaméricadurante estos últimos años que en

Inglaterra. Y me gusta que sea de esta manera, no existe mercado ennuestro país, está demasiado basado en la moda; la televisión, laradio, están totalmente orientadas a lo que está de moda en aquelmomento, y no hay nada que hacer, no hay apoyo para las bandasminoritarias. Hay tantas bandas que intentan salir adelante, hay tantaoferta... Salen muchas bandas en Inglaterra, pero para ser más precisossi quieren sobrevivir acaban “saliendo de” Inglaterra [risas]. EnLondres, cada noche tienes la oportunidad de ver miles de bandas

actuando, y no llegarás a ver a ninguna de ellas entelevisión... No hay apoyo, los locales tampocoapoyan para nada a los grupos. En cambio yo seque en Holanda puedo encontrar un buen concierto,una buena sala, sé que me pagarán y sé que tendréun público.... Así que no tengo porqué perder eltiempo tocando aquí...

LW: ¿Cómo es el público de Sudamérica?CN: Son muy entusiastas... No se como buscar unacomparación adecuada... Me recuerdan un poco alpúblico italiano .... y también un poco al públicoespañol... Empiezan muy callados, escuchando

atentamente lo que estás haciendo y gradualmente, conforme te vasacercando al final del concierto se van volviendo cada vez más ruidososy al final es extraordinario, son muy entusiastas, les encanta vociferarde la forma que a mi me gusta, te buscan mucho para conseguirautógrafos... Siempre nos lo pasamos muy bien...

LW: Bueno Clive, ha sido un placer volver a tener noticias tuyas...CN: Gracias, yo espero... estoy seguro que de una forma u otravendremos a España, y que estaremos ahí, así que espero que vengasa vernos... [¿pues claro, qué tal en octubre en Barcelona y Madrid?]

LW: Por supuesto....

Entrevista y traducción: Toni Roig

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INTRODUCCION

Como lo prometido es deuda,aquí está la segunda y última parte delos artículos dedicados a AllanHoldsdworth. En él vereis suscomienzos, su conexión con elmovimiento Canterburyano, su malasuerte con los productores, suscolaboraciones y mil cosas más. Buenono me enrollo más, pues señores ¡haytela...!

BIOGRAFÍA

Allan Holdsworth nació el 6de Agosto de 1946 en Bradford ,Yorkshire (cerca de Leeds) y ya desdesu más temprana edad demostró unaespecial inclinación hacia el mundo dela música orientado al parecer por su padre Sam Holdsworth,un pianista amateur al parecer bastante bueno.

Al principio Allan pensó en aprender a tocar el saxo, perocierto día su padre trajo a casa una guitarra acústica que habíaadquirido del tío de Allan, otro músico que tocaba por los clubs de lazona. Pagó por ella unos diez chelines y Allan recuerda como empezósu interés por el instrumento: “...recuerdo que por aquel entoncestenía 16 años. La guitarra siempre estaba por casa, empecé a tontearcon ella y poco a poco fuí progresando, aunque aún no me lo tomabamuy en serio. Como soy muy testarudo, nunca quise que me dieranclases. Eso de no pedir información forma parte de mi carácter. Aunqueme muera por averiguar algo me gusta descubrir las cosas. Mi padreintentó ayudarme, pero yo me negué. Fue una estupidez por mi parte,podría haber aprendido tres o cuatro veces más rápido que por mi

cuenta...” A pesar de ello, Allan

desarrolló un sexto sentido a nivelmusical que le hizo progresar muyrápidamente y de una manerasingular en el arte y técnica de laguitarra. Convirtiéndose en unmúsico totalmente autodidactapero no libre de influencias.Django Reinhardt, Charlie

Christian, Joe Pass y más tarde John Coltrane fueron sus primeroshéroes.

A finales de los 60’s, Holdsworth empezó a tocarasiduamente con bandas de la zona y por los clubs. Pero no fue hastamediados de 1968 cuando fundó su primer grupo: IGGINBOTTOM.La banda estaba formada por Holdsworth a la guitarra y a las voces,Dave Freeman a la batería, Mick Skelly al bajo y Steven Robinson aligual que Allan a la guitarra y las voces. El cuarteto llegó a grabar unálbum para el sello progresivo DERAM titulado: IGGINBOTTOM’SWRENCH (1969). Parece ser que la experiencia no fue muy positiva,pues en una entrevista dijo lo siguiente del disco : “...todo lo quehicimos con la banda fue solamente ensayar...”. Más tarde, en otraentrevista (Facelift) el músico aportó más datos: “...del álbumterminado tan sólo se grabaron cinco minutos, fue una experienciabastante horrenda. En la actualidad lamento esa grabación. Todosmis compañeros de la banda lo aborrecemos. Hay otras grabacionesde ensayos que poseo que serian mejor recuerdo que loque se llegó a editar, pero así es la vida...”.

Y como así es la vida, los IGGINBOTTOMduraron lo que dura un caramelo en la puerta de uncolegio. El grupo se disolvió y Holdsworth regresó a surutina habitual tocando de nuevo en los clubs de la zona.Al poco se le presentó una buena oportunidad de trabajobien remunerado con una banda en un club en Sunderland.

Por dos años permaneció con dichabanda hasta que los abandonó paratrasladarse a Manchester. Allí empezóa aprender el difícil arte de tocar elviolín por su cuenta y riesgo mientrastambién asistía a un taller para músicosde Jazz dirigido por un tal GrahamCollier donde hizo grandes amigoscomo el saxofonista Ray Warleigh. Siguiendo la invitación de este último,nuestro hiper-activo guitarra se trasladóa Londres unos meses instalándose enla casa del propio Warleigh por untiempo. Este nuevo éxodo le resultómuy beneficioso, pues le abrió nuevaspuertas a nivel profesional, ya quegracias a ello se introdujo en laefervescente escena del JazzLondinense más vanguardista,

codeándose con primeras figuras del movimiento como Jon Hiseman,Ian Carr o el mismísimo John Marshall de los Soft Machine.

Aunque cabe mencionar que en los primeros días de suestancia en Londres, Holdsworth se implicó en un efímero proyectomusical denominado: SUNSHIP. La banda, con un cierto saborlegendario, prometía mucho. Pues junto a Holdsworth se contaronfiguras tan reconocidas de la escena Canterburyana como el malogradoAllan Gowen (después enGILGAMESH y NATIONALHEALTH) o el peculiar percusionistaJamie Muir (anteriormente en THEMUSIC IMPROVISATIONCOMPANY y más tarde en KINGCRIMSON). DesgraciadamenteSUNSHIP se separó en fase de ensayoy Holdsworth incluso va más allá puesadmite que no recuerda haber tocadoni una pieza con ellos. Una lástima.

Estamos en el ahora lejano1972 (concretamente en Junio) y a

Holdsworth se le presenta una nuevaoportunidad de oro. Jon Hiseman elbatería de los COLOSSEUM le ofrecela plaza de guitarra en su nuevo grupode Hard-Rock-Blues: TEMPEST. Elvocalista Paul Williams y el bajistaMark Clark completaron el cuarteto yen poco tiempo se lanzaron a grabarsu primer álbum con el original titulode: TEMPEST.

Al mismo tiempo, Allan fueinvitado a participar en algunos temas

del álbum de Ian Carr’s Nucleus : BELLADONA al lado de GordonBeck (un viejo conocido de los días de IGGINBOTTOM), DaveMcRae y otros interesantes músicos.

Holdsworth permaneció con los TEMPEST por poco másde un año tocando con la banda hasta justo la edición de su álbum,siendo remplazado por Ollie Halsall (ex PATTO). La marcha de Allanprobablemente se debió a que no quiso compartir escenario conHalsall. A veces los genios tienen estas neuras.

Durante los siguientes meses y tras suexperiencia en el mundo del Rock con Hiseman y compañía,volvió a la escena Jazzy de Londres. Se puso a girar con losNUCLEUS por Inglaterra y Europa, y también participó, anivel local, con una banda llamada KINCADE liderada porel batería Alan Jackson.

Más tarde y ya en 1973, empezó a colaboraresporádicamente con la gente SOFT MACHINE, pero denuevo problemas, pues para entonces Allan tiene que

A L L A N H O L D S W O R T Huna guitarra sin fronteras (2ª parte)B

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Enric Prat cierra esta exhaustivo y apasionante repaso de latrayectoria de un genio

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afrontar problemas burocráticos conuna asociación musical (La UnionRock Clinic) lo cual propició queno fuera invitado como guitarra enalgunos conciertos de los SOFTS.Pero finalmente en Diciembre de1973 y superados los problemas seprodujo su esperado debut comomiembro fijo en la banda.Concretamente el día 23 en unconcierto celebrado en el depositode locomotoras de Londres.

Holdsworth espabiló alMarshall, al Jenkins y compañía a

base de eléctricas y vibrantes demostraciones de técnica y virtuosismoguitarrero haciendo cambiar de una manera radical el registro deunos SOFTS acostumbrados a una vida más contemplativa. En estalinea se grabó el imprescindible álbum BUNDLES en los famososestudios de Abbey Road en Julio de 1974. Y se puede decir que gracias a este álbum Holdsworth empezó aser reconocido de una manera más amplia por un publico super-elitísta que no sólo quedó alucinado por los alardes técnicos delguitarra sino que además supo reconocer su talento. También éstafue su primera experiencia dentro del campo del jazz-rock/fusiónque en aquella época junto con el Progresivo gozaban de una saludde hierro. Con los Soft Machine llegó incluso a pisar escenarios hispanosconcretamente en Barcelona. La revista Vibraciones en su numerode Marzo de 1975 bajo el articulo titulado : SOFT MACHINE ACUERPO LIMPIO destacó el papel de Holdsworth con las siguientespalabras: “...Soft Machine se ha presentado enriquecido con un nuevomúsico, el guitarrista Allan Holdsworth. Su inclusión en el grupo haservido, en primer lugar, para romper con el esquema instrumental/musical adoptado hasta este momento por Soft Machine...”, “...KarlJenkins que hasta ahora desempeñaba el papel de solista, ha quedadorelegado a un segundo plano, pasando Holdsworth a ocupar su puesto.Jenkins posee una gran técnica, pero sus improvisaciones resultanexcesivamente cerebrales e incluso algunas veces frías. Holdsworthen cambio, es mucho más “caliente” sus improvisaciones estánplenamente matizadas, son perfectamente coherentes y arrastran alos demás músicos a acompañarle mientras el expone sus ideas...”

La unión con SOFT MACHINE por desgracia duró pocoya que Allan fue invitado por el batería de color Tony Williams areemplazar al siempre insulso John McLaughlin en su bandaLIFETIME. Así en primavera de 1975 poco después de la edición deBUNDLES Allan cogió los bártulos y se fue a hacer las Américas.

Con los TONY WILLIAMS LIFETIME llegó a grabar dosálbumes : BELIEVE IT (1975) y MILLIONDOLLAR LEGS (1976) lo cual contribuyóa aumentar su prestigio como guitarra al otrolado del charco, pero en vísperas de lagrabación de un tercer álbum Holdsworthabandonó la formación por problemas conlos mánagers y por la inestable situacióneconómica del grupo. En este lamentablepunto Allan decidió grabar su primer álbumen solitario, el polémicoVELVET DARKNESS(1976) al lado de figuras

del Jazz/Rock como Allan Pascua o Narada MichaelWalden. Allan lo describe como “...un desastrerealmente terrible...” y en parte se entiende pues elsello discográfico (CTI) auspiciado por un mánageral parecer bastante impresentable recopiló losapresurados ensayos de la banda para ser editadossin el beneplácito de los implicados. Holdsworthcogió ante la situación un cabreo de los que hacenhistoria y como recuerda en una entrevista: “...no

pude hacer nada. Me volví a Inglaterra y no quise llevarme ni unacasette con los temas. Al cabo de un año, recibí por correo el disco enmi casa. Era espantoso. Y ahora sufro cada vez que alguien mencionael Velvet Darkness. Después de aquello se me quitaron las ganas deseguir tocando... quería dejarlo “.

A través de los años el músico ha luchado para que no sereeditara el disco cosa que finalmente parece consiguió, puesencontrar una copia tanto en disco como en Cd es como buscar unaaguja en un pajar. Yo poseo una copia en Cd y ni en tiendas ni catálogoslo he vuelto a ver, por eso si lo veis no lo dudéis quizás estéis anteuna de las últimas copias del engendro.

Después de este fallido intento de grabar en solitario, seprodujo un suceso sorprendente. Holdsworth pasó a formar parte delgrupo GONG. Unos GONG, todo hay que decirlo, que por aquelentonces ya habían dejado de lado las marcianadas que lescaracterizaban, como lo de comer Camembert Eléctrico o tocarles loshuevos a los ángeles y otras paranoias más, para dedicarse a cosasmás mundanas como la música de fusión. La formación que había

grabado el álbum SHAMAL (1976) sehabía disgregado y Pierre Moerlen(Batería y percusiones) y DidierMalherbe (Flautas) decidieron reclutara nuevos músicos para impulsar denuevo al grupo. Se echó mano delhermano de Moerlen, Benoit para quedoblara a Mirelle Bauer al vibráfono ymarimbas, así como a Francis Moze, ex-Magma al bajo, al percusionista MinoCinelu y al propio Holdsworth a la

guitarra. La nueva combinación, muy orientada al ritmo, con muchamaraca y platillo fue una experiencia musical un tanto extraña paraHoldsworth, como reconoció en una entrevista en años posteriores,pero no imposible. Con ellos grabó el interesante álbum GAZEUSEen 0toño de 1976, y se fue de gira con los Gabachos. Para ese momento,Holdsworth se convirtió junto a PierreMoerlen en el compositor principal dela banda. Desgraciadamente problemasentre Moerlen y Moze propiciaron unanueva fractura del grupo después de lassesiones de grabación del álbum y lagira. Holdsworth totalmente al margende lo ocurrido, mantuvo la amistad contodos los miembros de la banda ycontinuó colaborando con ellos en algúnque otro Show en vivo y muynotablemente como invitado en susiguiente álbum de estudio el EXPRESO II.

1977 fue un año de colaboraciones. Allan es invitado aparticipar como invitado de lujo en trabajos tan destacables como elFEELS GOOD TO ME del ex-King Crimson Bill Bruford, elENIGMATIC OCEAN de Jean-Luc Ponty y el THE THINGS YOUSEE de su amigo el pianista Gordon Beck.

Y finalmente llegamos a uno de los puntos algidos en lacarrera de Holdsworth. Bill Bruford para esas fechas invitó a Allan aunirse a los recién nacidos U.K : el último Super-grupazo de los 70’s.En un principio, U.K iba a ser una nueva reagrupación de los King

Crimson. John Wetton, Bill Bruford y Eddie Jobsontenían planes de trabajar al lado de Robert Fripp pero elguitarra no estaba muy convencido y con otros proyectosen mente se echó atrás. Y por lo tanto, como mencionéunas lineas atrás, Bruford propuso al trío trabajar conHoldsworth. La dirección musical de los U.K en unprincipio atrajo al guitarra. Pero pronto surgieron losproblemas, pues cuatro lideres natos en un mismo estudiode grabación y más tarde sobre un escenario no es cosafácil. Además Holdsworth no se encontró nada cómodocon los métodos del grupo. En una entrevista relató losiguiente: “...los ensayos no tenían casi nada que ver

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con lo que luego salió en el disco. Tocábamos comocachos de canciones y luego ellos (Wetton y Jobson) loscombinaban, los grababan, y después teníamos queintentar reproducir en directo aquellas partes. Yo nome sentía nada contento haciendo aquello. Y cuandomás se acercaba el momento de grabar, más estéril mesonaba la música...”.

Pero donde realmente la cosa se poníacaliente era sin duda en los shows en directo de la banda.Principalmente Jobson no veía con buenos ojos latendencia de Holdsworth hacia la improvisación, puessu particular filosofía del grupo no deja margen para tales excesos.Allan parece ser, pasaba de todo, pasaba de los rígidos esquemas delos temas de U.K y pasaba olímpicamente del Jobson, que veía comoel guitarra acaparaba más protagonismo que él ante su público. Aello Allan hace referencia en la misma entrevista citada anteriormentecon las siguientes palabras: “...una de las tonterias de los U.K es quequerían que tocara siempre los mismos solos. Yo decía: Lo siento, deeso nada. Una vez que has hecho un solo, hay que intentar otra cosadistinta. La verdad es que me parecería muy preocupante que missolos en vivo sonaran como los solos de los discos...”. Así que elchoque entre la rigidez del rubito de Jobson y la espontaneidad deHoldsworth acostumbrado a volar más libre que el Nino Bravo, fueinevitable.

Holdsworth hizo de nuevo las maletas y se largó del grupojunto a Bruford para montarse otra historia más acorde con sus gustosy así poder trabajar con más libertad. El grupo se llamó BRUFORD

y los compañeros de viaje para laocasión fueron Dave Stewart (a lasteclas) y Jeff Berlin (al bajo), dosmúsicos super-reconocidos en laescena del momento. El cuartetograbó en 1979 el recomendableONE OF A KIND. Un trabajo dondese combinan de una manera muyacertada el Progresivo más clásicocon el Jazz-Rock más luminoso. Ungran disco sin duda. Holdsworthincluso aportó un interesante tema

llamado THE ABIGDON CHASP. ONE OF A KIND también esinteresante por dos razones que cabe señalar. Primero, la mayoría delos solos de Holdsworth que aparecen en el álbum fueron tocadosdirectamente sin ningún retoque posterior (esa energía especial sepercibe en temas como FIVE G.) y segundo, la colaboración conBruford es relevante, pues el batería al igual que Holdsworth fue y esuna influencia en su instrumento, un músico innovador con un estiloúnico seguido por jóvenes generaciones de baterías. Y aunque Allanhizo una gira por Inglaterra con Bruford y cia, en la primavera delaño 79 abandona la banda para establecer una banda liderada por élmismo. Así, en vísperas de una extensa gira por tierras americanasHoldsworth fue remplazado por JOHN CLARK en el seno deBRUFORD.

Holdsworth, por su parte se puso manos a la obra y enotoño de ese mismo año formó un trío con primeras figuras del mundodel Rock. Jack Bruce y Jon Hiseman acompañaron al músico en estanueva aventura. Pero el nuevo intento no fue más allá de grabar unas“demos” y enviarlas a varias productoras sin revelar la identidad delos músicos. En todas ellas encontraron la negativa de rigor (O fuemuy malo lo que grabaron, cosa que dudo, o nos encontramos anteotro nuevo caso de rechazo por parte de unos cuantos listillos que secreen que lo saben todo y manejan el tinglado musical a su antojo).Posiblemente las cosas hubieran sido muy diferentes si se hubieraconocido desde un principio la identidad del trío. ¿ Llegaremos aescuchar algún día lo que grabaron estos tres genios?...

Por estas confusas fechas Holdsworth entabló amistad conel batería Gary Husband, una amistad que se extiende hasta el día dehoy y que ha dejado muy buenos momentos a nivel musical. Con elapoyo de bajistas como Henry Thomas, Paul Carmichael y Neil Murray

(National Health y después en Whitesnake),Holdsworth y Husband dieron multitud de conciertosdurante el período 1980-81, apoyados en muchasocasiones por el teclista Dave MacRae, conocido deAllan desde los tiempos de NUCLEUS. La formaciónapareció ante el público bajo diferentes nombrescomo ALLAN HOLDSWORTH & FRIENDS,HANDLEBARS y finalmente FALSE ALARM.

En paralelo a ésto, nuestro querido guitarrano se olvidó de los amigos y nuevamente grabó allado de Gordon Beck otro disco con genuino sabor a

Jazz: SUNBIRD (1980). El dúo incluso llegó a salir de gira porInglaterra a mediados del año 1980 con Jeff Clyne (ex-Isotope) yGary Husband, al bajo y batería respectivamente. Y a finales de añotambién participó en el último disco oficial de los Soft Machine:LAND OF COCKAYNE (1981) junto a viejos coleguillas como JackBruce, John Marshall, Ray Warleigh o Karl Jenkins. LAND OFCOCKAYNE resultó un trabajo bastante discreto muy alejado de losgrandes logros de etapas anteriores. Un triste final, sin duda, para laque fue en otro tiempo una banda vanguardista y puntera en su género.

En 1981 FALSE ALARM se convirtió en I.O.U con la sumade Paul Williams como cantante. Williams era conocido del guitarradesde los tiempos de los TEMPEST banda en la que coincidieron enel año 1972. Paul Carmichael y Gary Husband completaron el cuartetoque grabó el disco que llevó como titulo el mismo nombre de labanda. Pero no fue hasta el año siguiente que el álbum vio la luzdebido a problemas con las productoras y el escaso interés del públicopor este tipo de música. Finalmente los propios músicosautoprodujeron el disco que se editó primero en los Estados Unidos.

Habiendo perdido el interés por la música o más bien diriayo por el nefasto mundillo que lo maneja. Holdsworth se trasladó alSur de California incitado al parecer por un grupo de amigos y fansque si sabian apreciar el talento de este genial músico. Eddie VanHalen que había conocido a Allan en la gira que realizó U.K por lastierras del Tio Sam el año 1978 animó a Holdsworth a tocar de nuevoy gracias a él consiguió un contrato con la Warner Bros para lagrabación de un disco. Un disco que al final resultó ser un E.P titulado:ROAD GAMES. Durante las sesiones de grabación del ROADGAMES la relación Warner Bros/ Holdsworth naufragó cuando losejecutivos de la todopoderosa compañía compitieron entre ellos porel control y la producción del disco. La relación se cortó en seco. Y lograbado sólo dio como mencioné, para un E.P. Hoy en dia estagrabación está fuera de catálogo y es una verdadera lástima pues lalista de músicos que colaboraron con Allan fue muy interesante (JackBruce, Jeff Berlin y Chad Wackerman) y además el año 1984 fuenominado a un Grammy por ésta grabación.

Ante este nuevo fiasco nuestro querido Holdsworth teníados opciones: uno, seguir adelante con todos los elementos en contra,o dos el suicidio. Finalmente optó por lo primero y entabló sociedadcon el sello discográfico ENIGMA que en años posteriores se convirtióen RESTLESS. Este paso le permitió tener el control total de susnuevos trabajos no sólo a nivelcreativo, sino, muy importante,también a nivel producción. Elresultado ha sido una serie dediscos en solitario queprogresivamente han idodesvelando el potencial de esteincreíble músico. “ El guitarra delos guitarristas” con este terminouna revista especializada llamóatención al arte de este monstruode las seis cuerdas, y es que elreconocimiento hasta el día de hoyes unánime, pues hasta guitarrassúper reconocidas a todos losniveles y estilos coinciden en lainfluencia de Holdsworth en la


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música de estas últimasdécadas.Las grabaciones sesucedieron. METALFATIGE (1985) abrió elcamino para esta nuevaexitosa etapa. Le siguieronATAVACHRON, SAND,S E C R E T S ,W A R D E N C L Y F F ETOWER, HARD HAT

AREA y NONE TOO SOON (ver Lunar Waves 5).Durante este período multitud de músicos se pusieron a

las ordenes del guitarra. Antiguos amigos como Alan Pascua, TonyWilliams y jovenes talentos como Billy Childs y Gary Willis así comouna sección de ritmo de infarto con Jimmy Johnson al bajo y GaryHusband, Vinie Colaiuta o Chad Wackerman a la batería no hicieronotra cosa que avivar la leyenda. Además entre los años 1989 a 1994y de una manera consecutiva es galardonado por la revista “ GuitarPlayer “ como mejor Sintetista de guitarra. También en los 80’srecordemos, se atrevió con el Syntaxe. En los 90’s se abrió a lasnuevas tecnologías y experimentó con la guitarra DeLap Baritono

(escuchad “Sphere of Innocence” del álbumWardenClyffe Tower). Holdsworth, para no perderla costumbre durante estos últimos años, también hacontinuado tocando como invitado en multitud degrupos y colaborando con solistas tan dispares comoStuart Hamm, Stanley Clark, Jack Bruce, HerbieHancock, Krokus, Chad Wackerman, Gorky Park yunos cuantos más. A destacar también la aparición

de Holdsworth en el álbumGUARANTEED de los Level 42 (susintervenciones son inconfundibles y deuna brillantez absoluta) con quienesincluso llegó a ir de gira. Cabe resaltartambién su participación en el álbumSUFFER de los GONGZILLA, (viejoscolegas de Gong) y con los suecos Anders& Jens Johansson (ex-Yngwie

Malmsteem Group) en su obra: HEAVY MACHINERY (la cualdesaconsejo, la verdad, es bastante plomo). Y tras cuatro años sin grabar en solitario (su último trabajo de estudiorecordemos, fue el NONE TOO SOON-1996) nos llegó a principiosde año su más reciente trabajo : THE SIXTEEN MEN OF TAIN. Elcual recomiendo a todos los que leéis el LUNAR, pero en especiallos que no haceis ascos a un buen disco de fusión.

También hay posibilidades (como ya mencioné en elanterior número) que para después del verano aparezca una nuevodisco de Holdsworth. Pero bueno, hablar de Allan Holdsworth enestos términos a veces resulta un poco arriesgado, pues facilitar datosy movimientos de él es como aventurarme a decir cuantos pelos lequedan a Phil Collins en la cocorota (contando que a estas horas aunle quede alguno). Actualmente Holdsworth vive en el norte de San Diego y segúncuentan sigue practicando diariamente otra de sus aficiones: elciclismo. Y como un auténtico caballero ingles, entre pedaleo y ensayobien seguro que hay tregua para tomarse un buen trago de Whiskey,a ser posible de los 16 hombres de Tain.

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1969- IGGINBOTTOM’S WRENCH (con Igginbottom).1972- BELLADONA (con Ian Carr’s Nucleus).1973- DIRECT HITS (C.D recopilatorio de Ian Carr’s Nucleus). TEMPEST (con Tempest).1975- BUNDLES (con Soft Machine). BELIEVE IT (con Tony Willian New Lifetime).1976- MILLION DOLARS LEGS (con Tony Willians New Lifetime).

GAZEUSE (con Gong). CAPRICORN PRINCESS (con Esther Williams).1977- FEELS GOOD TO ME (con Bruford). EXPRESSO (con Gong). V.S.O.P- TOUR NARRATIVE (con Herbie Hancock). ENIGMATIC OCEAN (con Jean-Luc Ponty). TRIPLE ECHO (recopilatorio de Soft Machine). TOUCHING ON (con John Stevens).1978- EXPRESSO II (con Gong). U.K (con U.K).1979- SUNBIRD (con Gordon Beck). ONE OF A KIND (con Bruford). TIME IS THE KEY (con Pierre Moerlen’s Gong).1980- THE THINGS YOU SEE (con Gordon Beck). CONVERSATION PIECE PART 1 & 2 (con John Stevens). THE BEST OF TONY WILLIAMS (con Tony Willians NewLifetime).1981- LAND OF COCAINE (con Soft Machine).1983- INDIVIDUAL CHOICE (con Jean-Luc Ponty). RE-TOUCH (con John Stevens).1984- TRANS-ATLANTIC (con Jon St. James).1986- MASTER STROKES (C.D recopilatorio de Bill Bruford). VOLUME 1-#1" (con Cymbiosis Magazine). WINGFUL OF EYES (C.D recopilatorio del grupo Gong). FAST IMPRESSIONS (con Jon St. James). CHANGE OF ADDRESS (con Krokus). SOMA (con Soma).1987- KING’S ROAD (recopilatorio de John Wetton).1988- WITH A HEART IN MY SONG (con Gordon Beck). IF THIS BASS COULD ONLY TALK (con Stanley Clark). VOLUME 2-#1" (con Cymbiosis Magazine). RADIO FREE ALBEMUTH (con Stuart Hamm). THE DISTANCE BETWEEN (con Strange Advance). NO BORDERS (con Carl Verheyen Group).1989- DREAMS (con Gordon Beck). A CUESTION OF TIME (con Jack Bruce). ATTACK OF THE NEON SHARK (con Alex Masi).1990- MVP-TRUTH IN SHREDDING (con Frank Gambale). SILENT WILL (con Andrea Marcelli). THE UNTOUCHABLE (recopilatorio de SoftMachine). BLUE TAV (con Steve Tavaglione). CONTEMPORARY JAZZ MASTERS -SAMPLER (Vario artistas). FUSIÓN-DRUM INTERNATIONAL JAZZFEST. AMSTERDAM (varios).1991- GUARANTEED (con Level 42). LOVE IN PEACE (AMOUR EMPAZ) (conPaz). FORTY REASONS (con Chad Wackerman).1992- VOLUME # 1" (con Guitar on the Edge). VOLUME # 2" (con Guitar on the Edge). ONENESS (con Andrea Marcelli). CMPLER 2 - SAMPLER (Varios artistas). MELTDOWN - SAMPLER (varios artistas). LONE RANGER (con Jeff Watson). THE COLLECTION (con Tony Williams NewLifetime).1993- COME TOGETHER-GUITAR TRIBUTETO THE BEATLES (varios). AFFIRMATIVE : YES SOLO FAMILYÁLBUM (recopilatorio de miembros de Yesen solitario). THE VIEW (con Chad Wackerman).1994- THE THINGS YOU SEE / SUNBIRD (con Gordon Beck). NO BORDERS PLUS (con Carl Verheyen Group)1995- SUFFER (con Gongzilla). BEST OF THE HARVEST YEARS (con Soft Machine).


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1996- STARE (con Gorky Park). HEAVY MACHINERY (con Anders & Jens Johansson). LE VOYAGE-THE J.L PONTY ANTHOLOGY (conJean-Luc Ponty).1997- FROM YOUR HEART AND YOUR SOUL (conSteve Hunt). JAZZ FUSIÓN VOLUME 2 (varios artistas). J.WETTON/G. DOWNES/ ASIA/ U.K COPILATION.1998- GUITAR ZONE (varios artistas).1999- UK/DANGER MONEY/NIGHT AFTHER NIGHT(2 C.D) (con U.K). CONCERT CLASSICS- VOL 4 (con U.K). FUSIÓN 101 (varios artistas).

Y por último, para cerrar este apasionante articulosólo recomendaros un video instruccional del guitarrista queapareció el año 1992 titulado: ALLAN HOLDSWORTH -REH INSTRUCTIONAL VIDEO. No tiene desperdicio, pues

aparte de dars u c u l e n t a sexplicacionestécnicas, sus métodos yde las nutridas escalasque utiliza, le podemosver en vivo tocando consu banda dea c o m p a ñ a m i e n t o(Steve Hunt, SkuliSverrisson y ChadWakerman) variaspiezas pertenecientes asu más que extensa

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discografía. Todo un gozo para cualquier Holdsworthiano que seprecie. Espero que lo expuesto en este articulo y en el anterior oshayan dado una visión muy amplia de quien es Allan Holdsworth yde su influencia en la música de estas últimas décadas. Gracias porleerlos y espero que hayáis disfrutado al hacerlo como yo escribiéndolo.Un Saludo para todos y hasta el próximo LUNAR.

P.D : Este articulo va dedicado a Maribel Rojas, pues sin sudesinteresada ayuda y la paciencia de su familia la cosa no habríasalido como ha salido. Gracias. Enric Prat

E L M E L L O T R O Nf a n z i n e d e r o c k p r o g r e s i v oAntonio Escalante, C/ Fermín Caballero 54 16-A, 28034 Madrid

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Lunar Waves: Durante estos últimos años,el sonido de Porcupine Tree ha evolucionadomuchísimo, de The sky moves sideways aSignify y después de éste a Stupid Dream aLightbulb sun. ¿Cómo lo explicas?Steve Wilson: Sucede de una forma muyorgánica y natural. Si tienes en cuenta lamultitud de experiencias por las que pasamosen la vida incluso en un breve período de tiempoy cómo nos puede llegar a cambiar, no esdemasiado extraño que nuestra expresiónartística quede afectada de forma similar en elperíodo que dista entre dos álbumes.Personalmente nunca he entendido porqué elsonido de otros artistas no cambia de formaradical de un álbum al siguiente. ¿Significa queson exactamente los mismos, que no han tenidonuevas experiencias ni han descubierto nada nuevo sobre ellosmismos? Siempre ha sido importante para nosotros reinventarnos anosotros mismos y a nuestra música. De otra forma nos habríamoscansado en seguida.

LW: Stupid Dream y Lightbulb Sun me parecen las dos carasde una misma moneda, ya que tienen bastante en común peroal mismo tiempo suenan muy diferente. ¿Qué opinas de ello?SW: Sí, creo que de todos nuestros álbumes estos dos son los quetienen un sonido más próximo, ¡y eso es porque también son losdos que hemos grabado más próximos! Stupid dream se editó enmarzo de 1999 y ya estábamos grabando Lightbulb Sun seis mesesmás tarde. Aun así, tal y como tu señalas, son bastante diferentes.Lightbulb Sun es para mí un disco mucho más intenso y personal,posiblemente más melancólico.

LW: En Lightbulb Sun hay algunos temas más largos en relacióna vuestro disco anterior. ¿Fue como retomar algunos elementosde la era de “The sky moves sideways”?SW: Realmente no. Siempre ha habido temas largos en los discosde Porcupine Tree. Grabamos una versión de 15 minutos de EvenLess para el álbum Stupid Dream, pero al final la dividimos en dosmitades y la segunda parte apareció en un single. Realmente, nonos planteamos demasiado cómo será de largo un tema. De hechoes probablemente un error ver los álbumes de Porcupine Treeseparados por temas en absoluto. Para nosotros son ciclos completosde música. Puedes incluso imaginar Lightbulb Sun como un temade 55 minutos, tan fácil como ver The sky moves sideways cmodiez temas unidos bajo un mismo título.

LW: ¿Es el tema principal autobiográfico?SW: Sí. Cuenta la historia de cuando estaba enfermo de niño ycómo me pasé mucho tiempo recuperándome en una habitación sinventanas, donde el único “sol” provenía de la bombilla que teníasobre mi cama.

LW: ¿Consideras Lightbulb Sun vuestro álbum más lírico?SW: Ciertamente es nuestro álbum más personal y el que contienemás emociones en bruto.

LW: ¿Hacéis jams durante vuestro proceso de composición?(pienso especialmente en Russia on ice)SW: Nosotros no hacemos “jams” como grupo, pero cada músicodedica mucho tiempo a trabajar en sonidos e ideas para cada tema.En el caso de la segunda parte de Russia on ice, dejé de formadeliberada la demo original del tema de forma poco definida, muyesquemática, de forma que los otros músicos pudieran pintar suspropios colores instrumentales en el lienzo, como así lo hicieron(puedes escuchar la demo original en un CD single que acabamosde editar).

LW: ¿Crees realmente que nuestroplaneta está a punto de ser reciclado [enreferencia al tema Last time to evacuatePlanet Earth before it is recycled]. ¿Erespesimista sobre nuestro futuroinmediato?SW: De hecho, el tema de “Last Chance toEvacuate Planet Earth Before it isRecycled.” no es en absoluto la ecología.La voz que se oye en el tema es la del liderdel culto religioso “Heaven’s Gate”. Esteculto americano sostenía que sus miembrosvenían de otro planeta y que estaban sólode visita en la Tierra. Para poder volver asu propia “dimensión”, antes que la Tierrafuera reciclada cometieron un suicidio enmasa. La voz en off la sacamos del video

que hicieron antes de suicidarse para explicar al resto del mundoporqué lo habían hecho. Me siento muy fascinado en general por elfenómeno de los cultos religiosos que por el futuro inmediato de laraza humana en su conjunto (¡aunque quizás los dos esténconectados!).

LW: ¿Cuál es la diferencia principal entre trabajar comoproductor externo y ser tu propio productor?SW: Bueno, tienes que aceptar más compromisos cuando trabajascon otros músicos, lo que puede estar muy bien porque te impideser autoindulgente. Pero la diferencia principal para mí es que meda la oportunidad de trabajar en áreas musicales en las que de otraforma no participaría. Por ejemplo, en septiembre me voy a Sueciaa trabajar en un álbum de metal bastante extremo de un grupollamado Opeth.

LW: Vuestro sonido ha estado influenciado por nuevas bandasde rock como Radiohead. ¿Cuál crees que es la importancia deesta banda en el rock moderno?SW: No me atrevería a decir que hayamos sido influenciados porRadiohead artísticamente, pero son importantes en el sentido deque demuestran que todavía existe un gran público potencial parala música rock sofisticada que no tiene miedo de ser ambiciosa. Yesto ciertamente nos estimula.

LW: Voyage 34 ha sido reeditada recientemente como un soloCD con algunas secciones remezcladas. Este trabajo esrealmente muy diferente de lo que hacéis actualmente. ¿Cómote sentiste volviendo a trabajar en él?SW: ¡Me gustó! Normalmente me resulta muy difícil escuchar misálbumes del pasado, pero Voyage 34 fue una experiencia diferentey única, y además muy divertida, de manera que pude volver aexperimentar alguna de las buenas vibraciones que se quedaron enaquel trabajo.

LW: Leí la crítica que hizo la revista Q de vuestro álbum [podéisleerla en nuestra sección Galería Lunática] y me indigné. ¿Quéopinas sobre la actitud persistentemente negativa de la prensabritánica hacia el rock progresivo?SW: A mí ya no me sorprende. Lacrítica de Q era claramente una críticaal género del rock progresivo y no alálbum. Además se notaba que elperiodista no se había escuchadoadecuadamente el álbum ya que locompara... ¡con Emerson, Lake &Palmer! Los medios de comunicaciónbritánicos están todavía obsesionadoscon la ética post-punk y de la “DJ-culture”. Sólo se acepta la músicarock si es irónica o no está tocada por

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Líder y guitarrista de una de las bandas más representativas e influyentes del actual panorama británico.

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músicos. Ha sido así desde hacemucho tiempo y no veo que vayaa cambiar en el futuro.

LW: Tengo la sensación queactualmente vivimos unaespecie de contradicción. Lamúsica pop parece haberserendido a lo que podemosllamar el mundo digital, peropor otro lado hay bandas comoGomez, The Beta Band oincluso en el espectro máscomercial gente como KulaShaker, Radiohead... que están

teniendo éxito regresando a los“viejos instrumentos” bajo una nuevaperspectiva. Teniendo en cuenta lagran cantidad de instrumentos queutilizáis en vuestro último trabajo, ¿teconsiderarías parte de esta segundatendencia?SW: Sí, supongo que es algo quetambién intentamos hacer, aunquetambién utilizamos mucha tecnologíamoderna de grabación y samplers, queson una característica emblemática denuestra era. Creo que la respuesta mássencilla es que los viejos instrumentostienen mucho más carácter y una ciertacalidad atemporal que aleja a la músicade las modas. La música comercial, porotro lado, pasa de moda en cuestión demeses, en parte por confiar en latecnología más que en el talento y labuena composición. Mi lema es“¡Aprende del pasado pero mira alfuturo!”

LW: Relacionado con la preguntaanterior, ¿hacía donde crees que sedirige el futuro inmediato de lamúsica rock?SW: Es difícil de decir. Cada diez añosla música rock parece tener algún tipode regreso inesperado, o bien en formade la psicodelia en los sesenta, el punken los setenta o el grunge en losnoventa. Parece que algún tipo deresurgimiento está por venir, pero porotro lado hace falta una banda comoNirvana, con buenas canciones y unmínimo de integridad para alcanzar denuevo un gran mercado. El problemacon bandas como Slipknot o Korn esque aunque su música se venda bien,su atractivo se ve reducido a losadolescentes y su impacto culturalglobal es virtualmente nulo. Estoyseguro que algo está a punto de pasar ypronto, ya que todo el mundo con quienhablo se muestran muy decepcionadoscon la escena musical y el dominio demúsica pop sin carácter programada porlas discográficas y están esperando uncambio. Cuando eso suceda espero,obviamente, que Porcupine Tree seauna parte de ese cambio.

E N T R E V I S TAS T E V E W I L S O N

LW: La inevitable pregunta final: ¿Vais a tocar en España envuestra gira de presentación de Lightbulb Sun?SW: ¡Desgraciadamente todavía no hemos recibido ninguna ofertao invitación para tocar en España! Pero por supuesto que nosencantaría venir dentro de nuestra gira Europea que tendrá lugar aprincipios del 2001 si alguién se interesa...[de momento este otoñose embarcan en una gira europea junto a Dream Theater, que parecenlos mecenas de las bandas progresivas]

LW: Gracias por todo y espero veros pronto en nuestro país...SW: Gracias... Paz... Steven Wilson - 24/07/2000

Entrevista y traducción: Toni Roig

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NOTA:15 minutos como límite y nada de preguntasque no hicieran referencia a Planet X. Aunque Derektiene fama de ser la alegría de la huerta, sea porque lepillé en mal día o porque los planetas no se habíanalineado a su gusto, sudé la caesta para conseguirque contestara las preguntas con más de una frase,excepto cuando decidió asumir el papel deentrevistador.... Es que este hombre y yo no..

Lunar Waves: El nuevo proyecto Planet X es untrío. ¿Por qué escogiste este tipo de formación?¿Crées que contiene algún tipo de química especial?¿Es un proyecto único o lo podemos considerar unaauténtica banda?Derek Sherinian: Oh, sin duda, siempre he tenido lasensación de que puedes crear un conjunto muy potentecon un trío. Quiero destacar claramente que Planet X es un auténticabanda, no un simple proyecto. Actualmente estamos haciendo unapequeña gira por Europa y tenemos intención de tocar en España afinales de este año.

LW: ¿Cuál fue el proceso de composición de Universe? ¿Cómoequilibráis los jams y las estructuras de una canción?DS: Trabajamos la composición muy a fondo, y normalmentetrabajamos con más libertad en una canción durante un ratoy a continuación nos dedicamos a proporcionarle másestructura. Trabajamos mucho sobre esa primera versión yes por ello que los temas son en general más cortos.

LW: ¿Cuál han sido las diferencias principales entre elSherinian’s Planet X y Universe?DS: Fundamentalmente la contribución de Tony McAlpine, que hasido muy importante para darle la forma final a Universe. Creo quele ha aportado más dureza, que es lo que estábamos buscando.

LW: ¿Por qué habéis utilizado tanta simbología espacial enUniverse?DS: Creo que normalmente las bandas progresivas se apoyandemasiado en imágenes de espada y brujería, esto está ya todo hecho.Yo quería hacer algo diferente en este sentido y me atraía mucho laidea de recrear la imagen del cosmos.

LW: Siempre me he preguntado como se escogen ciertos nombrespara temas instrumentales. ¿Cómo los asignásteis en el caso deUniverse?DS: Bueno, en un álbum instrumental los títulos de las cancionesno tienen demasiada importancia, no tienen, al menos para mí ningúnsignificado especial.

LW: En la contraportada del álbum se te puede ver sosteniendoun minimoog.. ¿Cuál es tu teclado favorito?DS: Mis teclados favoritos son Korg, y particularmente me gustamucho el sonido del minimoog, aunque uso muchos teclados.

LW: ¿Estás de acuerdo en que existe un sonido típicamente“Sherinian”? A mi se me hace evidente en cada álbum en elque has participado (por ejemplo el tipo de solo que haces enPods of trance). ¿Por qué te gusta tanto este sonido?DS: Es cierto. La verdad es que me gusta que cuando toco los tecladosla gente reconozca este sonido como algo personal, y creo que estesonido me identifica.

LW: Hace poco hablamos con Rod Morgenstein a propósito dePlatypus. Me contó que estabas muy entusiasmado con la ideade trabajar en un tipo de proyecto instrumental en la línea delos Dixie Dregs... Algo del primer álbum de Platypus iba en esedirección, pero parece que has querido emplearte a fondo con

Planet X...DS: ¿Quien te dijo eso? [¿y para eso tanto rollopreguntando?]LW: ...Rod Morgenstein...DS: Ah, bien. Es verdad. Lo que quería hacer conPlanet X era ir en esta línea de música instrumental,con cierta improvisación, pero en una línea más“hard” en relación a otros proyectos en los que heparticipado.

LW: Hay quien dice que existe un mercado parala música virtuosa, pero que sólo unas pocasbandas son realmente bien conocidas por partedel público. ¿Qué opinas?DS: Creo que ciertamente existe un mercado paraeste tipo de música. La verdad es que hasta ahora

nos está yendo muy bien y creo que mientras haya un públicodispuesto a asistir a los conciertos y discográficas dispuestas a pagarpor este tipo de música no dejaremos nunca de seguir tocando,aunque no sea un estilo de grandes masas.

LW: Tengo entendido que e l sent ido de l humor ymanterer un buen ambiente dentro del grupo es muyimportante para tí. Crees que eso llega a reflejarse en lamúsica?DS: Sin duda, creo que cuando consigues cohesionar un grupo demúsicos de gran calidad te lo puedes pasar bien y ello llega a lamúsica y le da un feeling especial. [¡y que lo digas, se nota enseguida!]

LW: Bueno, Derek, tengo otras preguntas pero ya no sonsobre Planet X, sino sobre otros proyectos tuyos...DS: Bueno, quisiera añadir que tenemos un web sitewww.xplanetx.com encontraréis información sobre Planet X ynoticias de nuestra gira.

LW: Oh, de acuerdo, lo consultaré y se lo transmitiré anuestros lectores. Bueno, hasta...DS: ¿Qué te parece el álbum de Planet X?LW: ¿Perdón? .....Bueno, la verdad es que me gusta, aunque nome entró al principio. Creo que empieza muy hard y quizáshasta King of the Universe, que creo que es un tema espléndidono empiezas a cogerle un poco el gustillo. Creo que la segundamitad del álbum es más variada y ayuda a entender mejor lafilosofía de todo el proyecto. Así que tras unas cuantas escuchasesos últimos temas te ayudan a disfrutar del conjunto del álbumdespués de unas cuantas escuchas.

DS: Y que opinas de los músicos, de la ejecución de los temasLW: Bueno.... La verdad es que creo que la labor a la bateríade Virgil Donati es perfecta, muy ajustada a la labor de unbatería en un trío, que no es nada fácil porque tiene que salirsede la simple función rítmica. En cuanto a McAlpine, creo quees el complemento perfecto a tu labor a los teclados. En mihumilde opinión, este Universe me parece tu mejor trabajo alos teclados. Creo, insisto, en mi humilde opinión, que se notaque tocas mejor cuando más cómodo te sientes, cuando máscontrol tienes sobre la composición de los temas, y se nota queeste proyecto era muy personal para tí.

DS: Así que crees que Universe es mi mejor trabajo como teclista.LW: Pués sí, la verdad es que sí.

DS: Oh, me alegro mucho de oir eso, muchas gracias. Bueno hasido un placer y espero que nos veamos pronto en tu país.LW: Yo también lo espero, Derek, muchas gracias.

Entrevista, sudor y traducción: Toni Roig

D E R E K S H E R I N I A Ne n t r e v i s t aEx-Dream Theater, teclista en Platypus, amigo de sus amigos y líder de lo último en power trios. Sin palabras. Por Toni Roig

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En este epilogo haremos un breve repaso de los vídeos, libros y (unos pocos)discos piratas relacionados con la banda, así como algunas páginas web intere-santes y algunos datos sobre algunos personajes que de una forma u otra hantenido algun tipo de relación con su trabajo.

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«Rushian Roulette» (Metal Memory, 1991): Bootleg grabado en el PinkpopFestival holandés, en mayo de 1979. El sonido es correcto, la presentaciónaceptable, con algunas fotografias, y el repertorio clásico, con pocas sorpresas;simplemente, buenas interpretaciones de temas como «Xanadu», «La VillaStrangiato», «The Trees», «Closer to the Heart»... Ciertamente, no es una granjoya, pero se escucha con agrado (Héctor Gómez).

«Fly In The Night» (On the Road, 1991): Este pirata pertenece a un concier-to en Montreal de 1980 (no se especifica el día), y presenta una selección detemas prácticamente idéntica a la del tercerCD del «Different Stages» (cosa que me hacepensar en que éste concierto no se celebró enel 80, sino en el 78), es decir, «Cygnus X-l»,«Cinderella Man», el medley «Working Man/ Fly By Night / In The Mood», «A FarewellTo Kings... El sonido es mínimamente acep-table y la presentación es realmente cutre. Ol-vidad éste pirata y escuchad directamente eldisco del Hammersmith Odeon. (HéctorGómez)

«La Villa Strangiato» (Seagull Records,1992): Grabado en el Keil Audítorium deSt.Louis el 29 de Marzo de 1980, éste pirataes bastante aceptable, con una buena selecciónde temas (aunque bastante clásicos), de entre

los que podemosdestacar «NaturalScience», en una ex-celente versión,«2112», impecable,así como otro mag-nífico solo de NeilPeart. La presenta-ción no está mal, conalgunas fotos intere-santes, y los títulosde las canciones es-tán escritos correcta-mente, aunqueGeddy Lee figuracomo «Jeddy”. (Héctor Gómez)

«The Fly» (Metal Crash, 1992): Un CD bastanteimpresentable, perteneciente a la gira del «Roll theBones», con un sonido espantoso y una presentaciónbastante ridícula (una mosca sobre unas florecitas; apesar de todo, en el interior del libreto hay tres fotosinteresantes). Grabado el 7 de Diciembre de 1991 enel Madison Square Garden de Nueva York, presentaun interesante repertorio, aunque ofrece el conciertoincompleto, cosa que le resta aún más interés. Lo mejorque se puede decir es que os olvidéis de éste pirata, yos intereséis en el siguiente. (Héctor Gómez)

«Over the Europe» (Metal Crash, 1992): Otro pi-rata de la gira “Roll the Bones», pero mucho mejor ymás interesante que el anterior, grabado en Europa enel 92. La presentación es buena, con fotografias, ilus-traciones y sin errores en los títulos y el sonido es bas-tante aceptable. Ofrece un concierto completo, dividi-do en dos CD’s, con excelentes versiones de«Limelight», «Bravado el medley «Xanadu /Superconductor, una extensa «Where’s My Thing?»,el gran final con todos los grandes clásicos («Anthem»,«2112», «La Villa Strangiato», «Red Barchetta»...) Endefinitiva, un doble muy recomendable, y una buenainversión. (Héctor Gómez)

“Run from the fans” (Kiss the stone, 1992)

Grabado en la misma gira pero en los USA, “Run from the fans” es un CDsencillo, con lo que tiene la desventaja en relación a la anterior de no contenerun concierto entero, aunque la ventaja de una muy buena calidad de sonido,habitual en los piratas KTS. Además contiene el tema “Distant early warning”,ausente del “Over the Europe” y perfectas versiones de temas como “ForceTen”, “Limelight”, “Xanadu/Superconductor”, “Roll the bones”, “Tom Sawyer”o.. “Ghost of a change” (de letra). (Toni Roig)

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Exit... Stage Left (PMV, 1981. Edición española de 1986): Documento di-recto de una de las giras más espectaculares de Rush, en las que es una gozadadejar a la vista viajar por los mil y un detalles de la batería de Neil Peart mien-tras unos muy concentrados y modositos Alex Lifeson y Geddy Lee nos entre-gan algunos de sus temas más queridos por sus fans, como Limelight, Tom

Sawyer, The Trees, Xanadu, Red Barchetta,Freewill, Closer to the heart, YYZ y unmedley con By Tor and the Snow Dog/Inthe end/In the mood/2112 finale. Un clási-co. (T.R.)

Through the camera eye. (Spectrum/Polygram, 1984): Ocho videoclips de te-mas extraídos de Moving Pictures, Signalsy Grace under pressure, la mayor parte delos cuales no aparece en el posterior y másconocido Chronicles: las piezas más intere-santes son Vital Signs (grabado en Le Studiode Montreal en las sesiones de MovingPictures), Body Electric, Enemy Within,Afterimage (no sé si Hugh Syme intervinoen la visualización de este clip, pero se pue-de apreciar a un ciclista vestido de luto idén-tico al “Visitor” de Arena) y Countdown.También contiene Tom Sawyer (del Exit...Stage Left) y dos de sus vídeos más conoci-dos: Subdivisions y Distant early warning.Curioso. (Toni Roig)

Grace under pressure tour (PMV, 1986):Una hora de concierto en los Maple LeafGardens de Toronto, con unos Rush muy di-ferentes a los de Exit... Stage Left: sueltos,relajados, con un Geddy Lee eternamentesonriente y animando al público,. Rush ofre-cen material especialmente de Signals yGrace under pressure, con algunos temas ra-

ramente vistos en directo, como The enemy within, The weapon o Witchunt ydos medleys: YYZ/Temples of Syrinx/Tom Sawyer y Vital Signs/Finding myway/In the mood.

A show of hands (PMV, 1989): Como muy bien señalaba Alfonso en la terce-ra parte de la biografía A show of hands no es el álbum en directo más destaca-do de los canadienses, pero, de momento, su video es el documento definitivode Rush en directo. Grabado en el N.E.C. de Birmingham durante la gira Holdyour fire, el vídeo contiene catorce temas mayoritariamente de su tercera etapa(de Signals a Hold your fire), dejando para el final un tour de force donde sinlugar para el respiro se suceden The spirit of radio (esta versión apareceríatambién en el vídeo benéfico Rock for Armenia), Tom Sawyer y un inolvidabley festivo medley con 2112/La villa strangiato/In the mood, donde no faltan nilos globos sobre el público. Una excelente realización, que aprovecha todos losrecursos escenográficos, dibujos animados incluídos, un fenomenal juego deluces y, evidentemente una música impresionante (menos “arreglada” que en elCD) hacen este vídeo de adquisición obligada. Dos momentos para mí muyespeciales son el final de Spirit of radio, cuando el propio Alex sufre para apu-rar su vertiginoso riff (no haberlo inventado, chaval) y cuando Geddy tiene queretrasar un segundo su entrada en la intro de 2112 por un despiste de Alex:Geddy sonríe al público y le señala como diciendo (¡hey, ha sido culpa suya!).¡Es cierto, son humanos! (T.R.)

Chronicles (PMV, 1990): En esta ocasión son doce los temas visualizados,sea en playback, sacados de conciertos o por supuesto, auténticos video-clips.Especialmente recomendable son, The Trees (con sonido directo) y Limelight(filmado en Le Studio). Entre el material entonces más reciente encontramosdos vídeos de Power Windows: The big money (ambientado en una especie deMonopoly virtual con una animación por ordenador muy ingenua vista hoy

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día pero con el detalle curiosode una especie de coche voladormatriculado como Mr. Big) yMystic Rythms (su clip plásti-camente más logrado), mientrasque de Hold your fire nos lle-gan Time stand still (con elatractivo pricipal de ver a AimeeMann paseándose por el set) yLock and key (con numerosasreferencias al artwork del ál-bum). (T. R.)

A work in progress (DCIVideo, 1996): Doble videoinstruccional de Neil Peart, decerca de cuatro horas deduración, que contiene tambiéndetalles de la grabación de Testfor echo, apasionante tanto parael fan de Rush como para todoslos amantes de la batería (y si sedan las dos circunstancias ya noos explico). La portada tambiénes de Hugh Syme. (T.R.)

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Visions. Bill “B Man”Banasiewicz (Omnibus Press,1988). Todavía la biografíapor excelencia y una fuenteinagotable de datos sin loscuales no podríamos haberhecho este repaso de latrayectoria de loscanadienses.

Neil Peart. The masked rider.Crónica de los viajes de Neil alo largo del Africa Occidental,con portada de Hugh Syme.Héctor ha tenido la oportunidadde leerlo y lo recomiendavivamente.

Otros libros sobre el grupo,carne de coleccionista porqueson francamente difíciles deencontrar son Rush (Omnibuspress 1982) y Rush: Successunder pressure (1984).

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La historia de las páginas webde Rush es una historia bastanteconvulsa, altas, bajas,usurpaciones de nombre,

acusaciones mutuas.... La verdad es que hay unamultitud enorme de páginas web sobre la banda,aunque actualmente se nota mucho la falta de unapágina realmente oficial, sobre todo tras ladesaparición de A show of fans y The NationalMidnight Star, que eran hasta hace relativamentepoco las mejores fuentes de información disponible.A continuación os indicamos sólo unas pocas quetienen algún atractivo especial. A partir de ahí lomejor es buscar el apartado de vínculos y perderse....Seguro que encontraréis sorpresas interesantes.

Another work in progress (la más actualizaday de excelente navegación): http://www.oceanrush.com/Perchance to a dream pt. III (muy interesanteen lo referente a material de archivo): http://web2.airmail.net/pscott/perchance.htmlLa Villa Strangiato (tiene la ventaja decontener información muy estructurada, aunquesu presentación sea bastante sencilla):http://lavilla.cjb.net

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De momento parece confirmado queeste próximo mes de octubre Rushentrarán en el estudio para grabar unnuevo álbum, del que no se conocenmás datos. El 24 del mismo mes deoctubre se publica el primer álbumen solitario de Geddy Lee, quecuenta con la colaboración a laguitarra de Benk Mink, ya presenteen la grabación de Signals, más elactual batería de Pearl Jam, MattCameron compartiendo las laboresa la batería con Jeremy Taggart.Según el propio Lee, se tratará deun álbum que recogerá influenciasmuy diversas. Esperamos poderhablaros de él en próximos LunarWaves.

Por otro lado Alex Lifesonestá trabajando en la música para unproyecto televisivo denominadoAndromeda. Ya está disponible en la redun fragmento de un tema titulado “Marchof the High Guard” http://www.andromedatv.com/music.html. Y encuanto a la esperada edición en DVD deDifferent Stages, sólo se desconoceactualmente su fecha de edición, aunqueel proyecto –afectado por algunosproblemas técnicos- parece ser que semantiene.

En definitiva, algo se mueve enel entorno Rush, aunque sea por la puertade atrás y con paso cauteloso..... El eco delos grandes nunca cesa.

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Lunar Waves: La contraculturasurgida a mediados de los añossesenta fue determinante para laaparición del rock progresivo y otrosestilos musicales innovadores, tal ycomo reflejáis en vuestros libros. Sinembargo, hoy día, la “Historia oficial”sólo relaciona con la contraculturaestilos como la psicodelia y el rockexperimental forjado en Nueva Yorkalrededor de bandas como la VelvetUnderground. ¿Cuál es la raíz delproblema? ¿Se puede volver acontextualizar la riqueza de esos añosdecisivos?Ed Macan: Desde mediados de los setenta, la mayor parte de loscríticos de rock y los teóricos de la cultura en general han reaccionadocontra cualquier expresión del utopianismo de los sesenta.Obviamente esto ha afectado directamente a bandas como Yes, peroha herido al progresivo en general. Incluso bandas como King Crimsono Van Der Graaf Generator, a pesar de sus formas de expresión másoscuras, todavía mantenían puntos de contacto con el utopianismo delos sesenta en virtud de su aceptación del concepto de arte-como-trascencencia, la creencia que la música podía realmente cambiar elmundo, y que la evolución de los estilos musicales, la cultura y lasestructuras sociales pueden (por descontado deberían) ir de la mano.Esta actitud es un anatema para los críticos partidarios de la “bluesorthodoxy” -esto es, la plana mayor de los críticos rock másinfluyentes-, quienes piensan que la música rock, para ser consideradacomo tal, NO debe evolucionar, que ve los cambios estilísticos comosimples ciclos y en todo caso involuntarios, y que parecen creer quela música no tiene auténticas posibilidades de trascendencia. La mayorparte de los críticos contemporáneos parecen sostener que la ironía,la cual, como muy bien apunta Bill Martin, normalmente no es másque cinismo, es una de las cualidades supremas a la que debe aspirarel rock, y por tanto ensalza la obra de músicos como Zappa, the VelvetUnderground o Bowie. El rock progresivo, que se tomó en serio susaspiraciones utópicas incluso en sus momentos más difíciles ha sidoatacado como pretencioso, falto de sentido del humor e incluso unatontería sin contenido y desfasada."��3 ��#�4 ��

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se dio cuenta que la contraculturatenía un tipo de música (el rock) queellos podrían explotar para obtenerun beneficio. La única forma por laque los músicos de la contraculturapodrían haber resistido hubiera sidoestableciendo sus propiascompañías discográficasalternativas, redes de distribución,tiendas de discos, estaciones deradio, locales... Pero no lo hicierony acabaron siendo reabsorbidosdentro del sistema a través de lasestructuras pre-existentes en laindustria musical. Fue así de simple.

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rock progresivo. ¿Puede ser posible que enunos tiempos basados en la fragmentaciónen todos los campos se pueda formar unanueva subcultura?EM: Bill trata a fondo este tema al final de Listeningto the future, y creo que él está en mejor disposiciónde dar una buena respuesta que yo. Una vez más,hasta que una fuerte crisis política y social noremueva los sedimentos de complacencia y cinismoen los que vivimos y que el escéptico autollamadointelectualismo de la fascinación post-modernistarevise su creencia que el progreso es siempre

ROCKING THE FUTURE (II)entrevista a bill martin y ed macan (ii)B

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Segunda parte de este fascinante recorrido por el pasado, presente y futuro de la música rock y su significado.

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ilusorio y que nada significa realmente nada, no creo que unasubcultura coherente y unificada pueda tomar cuerpo en los círculosintelectualmente más formados de la sociedad. Además, la políticaeconómica de la industria discográfica postmoderna ha fragmentadoestilos y subculturas potencialmente opositoras -por ejemplo el hip-hop y el tecno-, de forma que, a diferencia de los sesenta, existe pocaconciencia de unidad o incluso de diferentes tipos de personascompartiendo unos mismos principios, luchando por conseguir unobjetivo común.,*��.��3� ��

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LW: Relacionado con lo anterior,¿Cuál es el papel de Internet en elmomento actual en relación a lamúsica rock? ¿Puede ser una ayudao un nuevo peligro?EM: Lo mejor de Internet es que permite afans de la música progresiva o de cualquierotro estilo que tienda a ser ignorada, asaltarse la industria. En otras palabras, estotalmente posible para mí o para cualquierartista independiente utilizar Internet parapromocionar, distribuir y vender misproyectos musicales. Antiguamente habríanecesitado a la Industria para ocupar estepapel de intermediario. Tengo la certeza queveremos el día en que las grandes compañíasdiscográficas, cadenas de tiendas de discos,redes establecidas de distribución, grandes promotores y holdings deradio o televisión quedarán relegados gracias a Internet. O comomínimo se verán forzados a reconfigurar radicalmente su manera dehacer negocios de forma que le tengan que dar a la gente auténticasopciones, más que simplemente una ilusión de opciones, sobre tiposde música que se ponen a la disposición del público.Hay sin embargo algo negativo en cuanto a Internet y es que contribuyea la fragmentación de los públicos lo cual es ya un síntoma de lamayor parte de la escena musical contemporánea.,*�� 4�� $��

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LW: Otro tema interesante que tratáis es el de la mujeren el progresivo. Es casi una broma entre nosotroslamentarnos por el poco interés que suscita entre lasmujeres el rock progresivo, pero tampoco es un problemaexclusivo del género, ya que en muchos conciertos de rockla audiencia es aplastantemente masculina. ¿A qué creéisque esto es debido?

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LW: Me encantan las referencias de Macan al popprogresivo, ya que fue la vía de entrada para una nuevageneración de fans que se introdujeron en la música alfinal de los setenta y que a lo largo de los ochenta fueronconociendo cada vez más el movimiento progresivo (es micaso). Pero por otro lado es posible que bandas como laELO, Supertramp o The Alan Parsons Project hayan

contribuido a simplificar ypor tanto minar la esenciadel estilo. ¿Cuál es vuestraopinión sobre este tema?EM: Creo que no hay ningunaduda que el pop progresivo dela ELO y otros tendieron arestarle energía al rockprogresivo por concentrarse enalgunas de sus característicasmás obvias y comerciales, yreciclarlas hasta el punto deconvertirlas en clichés. Perosospecho que el proceso erainevitable, y no creo tampocoque la música que surgió delproceso fuera necesariamentemala, aunque tampoco le aportó

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comunicación de masas como el cine puede ser un síntomadel mismo problema que menosprecia el rock progresivo?,*�� 0� � �� -��

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LW: Edward discute el uso del término “autenticidad” paraensalzar ciertos tipos de música en detrimento de otros (nosotroslo vivimos intensamente en la moda imperante de “lo latino” enel panorama musical). ¿Bill, que opinas de esto?,*�� -�� 3� ��

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LW: ¿Creéis que hay alguna posibilidad de combinaralguno de los aciertos de la música e lectrónica(esencialmente cícilica) con el rock progresivo? ¿Hayalguna banda que creáis que haya tenido éxito en estadirección?EM: Sin duda. Estoy muy sorprendido de que nadie haya realmenteexplorado estos límites entre el prog y el tecno, sobre todo cuando apartir del trabajo que en este sentido hicieron los Ozric Tentacles delos ochenta todo parecía hacer presagiar esta fusión. Cabe decir queel público del rock progresivo y el del tecno tienen expectativas muydiferentes en relación con sus experiencias como oyentes. En unconcierto el público del rock progresivo espera fundamentalmenteuna cosa de la música: es una música para escuchar, y por lo tanto,como música en estudio tiende a ser teleológica. En un concierto elpúblico del tecno espera que su música funcione comoacompañamiento para el baile y todas las actividades relacionadas.Aunque también se pueda considerar al tecno como un tipo de “headmusic”, la música aparece modelada a partir de la reacción del público.En el prog eso es normalmente al contrario. Así que lamúsica tecno en estudio tiende a ser o bien cíclica ocomo mínimo no es claramente una música de desarrollo(no hay un sentido de progresión inevitable inherenteen la música de los Chemical Brothers de la mismamanera en que lo hay en Close to the Edge o en KarnEvil 9). Así que podría ser sencillo mezclar lascaracterísticas superficiales de cada uno (por ejemploutilizar acordes en forma de pulsos electrónicos en elprog o utilizar algún tipo de métrica poco convencionaltípicamente progresiva), pero para conseguir crear un

estilo definido, el artistadebe decidir qué tipo deexperiencia desea de supúblico, y empezar a crearla música desde ahí.,*��

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LW: Una de las ideas más interesantes para mi gusto deListening to the future era su descripción de la músicaprogresiva como música de desarrollo. En este sentidoSteve Hackett nos contó los problemas de los DJ de radiopara tocar cualquier tipo de música de este tipo, ya queprefieren la música cíclica, en la que puedes entrar y saliren cualquier momento. ¿Por qué parece tan difícil que lagente esté dispuesta a escuchar una pieza musical deprincipio a fin (tanto si se trata de un tema como de todoun álbum)?EM: Bueno, en parte ya he respondido a esta pregunta anteriormente.Bill habla muy extensamente de este tema en Listening to the future.Buena parte del problema tiene relación con la manera en que losmedios de comunicación están dando forma a la conciencia de laspersonas. Obviamente la MTV ha tenido un impacto enorme- la gentejoven que ha crecido con ella espera que la música vaya de la manode cierta imaginería visual y hasta parece confundida si no hay uncomplemento visual asociado a la música. En otras palabras la músicapor ella misma, en especial la música instrumental, parece un conceptodemasiado abstracto, a menos que sea funcional (p.e. unacompañamiento para el baile) o que se proporcione con algún tipode imagen. Por supuesto, otro aspecto clave de la MTV es que susvídeos normalmente no son narrativos ni secuenciales, así que laidea de seguir un hilo narrativo a través de la música, aunque sea através de una canción con sus correspondientes letras, se ha convertidoen un concepto totalmente extraño. De forma más general, lapostmodernidad parece haber rechazado los conceptos de “progreso”y “significado” que son la espina dorsal de la filosofía de la músicade desarrollo. Así que, incluso si le puedes hacer entender a un jovenoyente un concepto intelectual sobre lo que sucede, por ejemplo, enuna sinfonía de Beethoven a nivel del desarrollo estructural de lapieza musical, es mucho más difícil plantear este mismo tema deldesarrollo y la narrativa en la música rock, aunque la sientan máscercana a ellos, porque precisamente han crecido con otra forma muydistinta de recibir este tipo de música.,*��*�� -��

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LW: Ambos autores coincidís en el hecho de que no existemúsica atemporal, y que debemos considerar siempre lascondiciones que han permitido la existencia y viabilidaddel rock progresivo. Por un lado se puede afirmar que notiene sentido utilizar las mismas estructuras cuando lascondiciones culturales ya no son las mismas, pero sinembargo parece innegable que existen algunas cualidadesinherentes a la música que nos permiten disfrutarla eincluso recrearla, de forma que llegue a sonar fresco apesar de ofrecer pocas innovaciones (en el caso de lamúsica pop se sigue utilizando el patrón Beatle como puntode referencia, sin ir más lejos). ¿Qué opináis de ello?EM: Bueno, siempre es bueno conocer a fondo las condiciones en lasque se gestó un cierto tipo de música para disfrutar mejor la obra demúsicos de otras épocas. También es útil para conocer cómo seenfrentaron a ciertos problemas: lo que un músico puede aprender deBeethoven, Charlie Parker o The Beatles puede ser de gran ayudapara afrontar ciertos temas que mantienen su relevancia hoy día. Sinembargo, el hecho es que Beethoven, Charlie Parker y los Beatlesescribieron su música para un tipo de público que ya no existe. Porsupuesto que existen todavía muchos fans vivos que siguieron a losBeatles en su tiempo, incluso a Charlie Parker, pero el panorama delque formaron parte estos aficionados y la expectativas que aportaron

a la música hace tiempo que desaparecieron, porque las condicionesculturales que dieron lugar a aquella música se han extinguido. Asíque si escribo música que suena igual que la de Charlie Parker o TheBeatles sólo lo puedo hacer por dos motivos: lo hago con un espíritude nostalgia (oh, así sonaban esos tiempos), o con un espíritu deironía, introduciendo un distanciamiento irónico para mostrar quequizás sí eran aquellos los tiempos, pero que ya han pasado. Así,creo que es enteramente posible crear música clónica que esté basadamuy de cerca en un estilo que ha visto ya pasado su período de mayor

apogeo. Esta música puede ser agradabley puede sonar fresca. La pregunta quemás me interesa es: ¿Puede esta músicadecir algo realmente importante o vital?No estoy muy seguro, me inclino aresponder que en la mayor parte de loscasos no. En los casos en los que estamúsica clónica está diciendo realmentealgo importante o vital es más probableque haya sido hecha bajo un prismairónico más que de nostalgia, quizás esuna forma de hacer sacar a la gente algúntipo de conclusión sobre lo que hasignificado el paso de una determinada“edad de oro”. En estos casos,deberíamos preguntarnos si realmentese trata entonces de música clónica.

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LW: Tras todo este t iempo transcurrido desde lapublicación de vuestros libros, ¿creéis que ha cambiadoalguna cosa de vuestro punto de vista?EM: La edición de los libros de Martin y Stump no me han hechocambiar de idea en ningún punto esencial. De todas formas, estoslibros me han estimulado para clarificar algunos de los temas que obien pasé de largo o bien no traté de forma exhaustiva en Rocking theclassics. De todas formas, hay algunos temas en los que me he vistomuy influenciado por la lectura de estos dos libros y a los que mereferiré con más detenimiento en mi próximo libro sobre ELP,especialmente en relación con la recepción crítica del rock progresivoy alguno de sus tópicos, por ejemplo:- Afirmar que el interés de los principales músicos progresivos

por la música clásica se limitaba al barroco y a a los estilosclásicos del siglo XIX, de los que se sirvió para sonar como unrock “agradable” y “elevado” y obtener de esta manera laaprobación de las élites culturales.

- Afirmar que su intento de efectuar una síntesis utópica del rock,


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el folk, el jazz y los estilos clásicos estaba destinado a un callejónsin salida y que terminaría destruyendo la esencia del rock yextraerle su energía contestataria.

- Analizar el cambio de actitud de una actitud tolerante de laprensa con lo progresivo por una prensa virulentamente anti-progresiva: cuándo y por qué ocurrió.

- Afirmar que el prog era de alguna manera más frío y menosemocional que otros estilos.También me gustaría responder a la crítica de Bill de que no

reconocí lo suficiente la dimensión política del rock progresivo y suafirmación de que el rock progresivo y, por extensión, la contracultura,eran anticapitalistas.,*��7 �� *��

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LW: ¿Cuales son las nuevas bandas o signos que habéisencontrado tras haber escrito vuestras obras que creáisque puedan suponer una esperanza para el futuro?EM: Es difícil para mi responder a esta pregunta de forma objetiva,ya que estoy implicado en ella no sólo como estudioso o historiador,sino como músico y creador. Ya he comentado que el primer CD deHermetic Science, con su fusión de rock progresivo, jazz espacial yconfluencias estilísticas con la música étnica estaba explorandoterrenos muy interesantes y que me sentí bastante decepcionado conla reacción de muchos distribuidores que me dijeron que el públicono estaría interesado al no ajustarse lo suficiente a los parámetrosdel progresivo clásico de los setenta. Afortunadamente, las críticashan sido muy buenas. Creo que la dirección más prometedora para elprogresivo es explorar los límites de la llamada “world music”, porun lado, y el tecno en el otro. Creo que bandas que se dedican areciclar una y otra vez riffs de Yes y ELP (por ejemplo Spock’s Beard)están llevando la música en una dirección equivocada, aunque haganlo que hacen con mucha calidad. Desgraciadamente, un ciertosegmento de los aficionados al progresivo no les importa demasiadoir más allá. Y, tal y como dije en la entrevista para Big Band conAymeric Leroy, creo que el estilo neo-prog de Marillion, etc. estátotalmente agotado: No acabo de entender qué es lo que todavía


mantiene fascinados a algunos aficionados.,*��7�� ,*� / �9��7 ��

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LW: Finalmente, ¿Queréis añadir algun comentario sobreel hecho de haber escrito Rocking the classics y Listening

to the future y su recepción en lacomunidad progresiva?EM: Cuando empecé a escribir Rockingthe Classics en 1992, me ví trabajando entotal aislamiento. No había ningún estudioserio sobre esta música, los fanzines eranescasos y poco prolíficos, no había nifestivales y sólo unas pocos sellosdiscográficos o distribuidores. Sentíconfirmada esta impresión al acumularnumerosas cartas de rechazo por parte delos editores entre 1992 y 1994, algunas deellas con respuestas bastante ácidas, y lamayor parte indicándome que no habíapúblico interesado en un análisis serio dela música y la cultura del rock progresivo.Obviamente, desde esos tiempos el “prog

underground” ha ido cohesionándose de una manera que hubieraparecido inimaginable incluso en 1990 gracias a Internet, los fanzines,los festivales y - al menos me gustaría pensarlo así- el impacto deRocking the classics, Listening to the future y The music is all thatmatters. Así que ha sido muy gratificante ver como esta subculturafragmentada (o quizás mejor dicho este gusto público) ha idoconvergiendo, literalmente ante nuestros ojos durante estos últimoscinco o seis años. También ha sido muy gratificante saber que milibro ha llegado a su público y que ha generado comentarios positivose incluso un cierto debate sobre lo que es el rock progresivo, de dondevino, hacia donde puede ir y qué es lo que significa. Había tenido laesperanza de que podría ser la chispa que permitiera unreplanteamiento imparcial sobre el prog en la comunidad de los críticosde la “ortodoxia blues”, aquellos que están detrás de publicacionescomo Rolling Stone, Spin, The wire, Option, etc., los que mueven endefinitiva los hilos en el sistema de la crítica de rock. Obviamenteesto todavía no ha sucedido.,*�� !��-��

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Entrevistas y traducción: Toni Roig

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LW: Durante estos años, el legadode Echolyn ha pervivido de algunamanera a través de proyectoscomo Finneus Gauge, Still yAlmost Always. ¿De qué manerase ha reflejado esto en vuestronuevo álbum como Echolyn?Chris Buzby: Creo que el nuevomaterial es la progresión natural decuatro músicos volviendo a trabajarjuntos después de haber pasadovarios años separados haciendomuchas otras cosas musicalmentemuy variadas. En conjunto estetiempo de separación ha sido muysaludable y nos ha permitido reuniren esta ocasión un conjunto detemas aun mejores y más maduros.Brett Kull: Durante los últimoscinco años he aprendido a escucharmejor y a llegar hasta el corazón deun tema cuando estoy componiendo.Esto es evidente en nuestro nuevo álbum.

LW: Cuando editásteis When the sweet turns to sour parecíaque sería imposible ver de nuevo juntos a Echolyn. ¿Qué es loque os ha hecho cambiar de opinión?Chris: Llamé a Brett pensando que era ya la hora de dar una nuevaoportunidad a Echolyn. Él se mostró de acuerdo y entusiasmado,igual que lo estaban Ray y Paul, y con la incorporación de Jordannos pusimos a toda máquina.Brett: Chris me llamó porque quería que trabajáramos juntos denuevo. Yo siempre he dejado la puerta abierta, porque nos lopasábamos demasiado bien.

LW: Habladnos un poco sobre Cowboy Poems Free... Es untítulo un poco extraño, ¿no?Chris: “Cowboy poems free” quiere ser un retrato de la evoluciónhistórica de la gente de nuestro país, un género que se conocepopularmente como “Americana”. Hemos querido que Cowboypoems free sea una “Americana” tanto como nos sea posible. Paranosotros este título ayudaba a resumir el tema de las letras deldisco. Buscábamos un diálogo poético con el siglo XX, y comotenemos libre acceso a todos los acontecimientos históricos de losúltimos cien años pensamos que este título era el que se ajustabamejor al contenido de los temas.Brett: La palabra “cowboy” es muy americana. El título representauna historia que está ahí, específicamente la historia americana delsiglo XX, y que quiere ser escuchada. Es gratis para todo aquel queesté interesado. Sencillamente hemos puesto música a historiasreales y acontecimientos que han tenido lugar a lo largo de estosúltimos cien años. ¡Ahora, esas historias que en su tiempo secontaban por tradición oral o a través de cartas aparecen en un CDde una banda de rock! ¡Bastante extraño!Jordan Perlson: El título es realmente extraño. Pero refleja dos cosas:una historia extraña de un país extraño en el que se basan la mayorparte de las letras de las canciones del álbum...¡También refleja nuestro creciente y extraño sentidodel humor!

LW: ¿Cuándo se editará el álbum en Europa?Chris: Teniendo en cuenta en que tomamosconscientemente la decisión de editar este álbuma través de nuestro propio sello (Velveteen Records)se trata técnicamente de un lanzamiento mundial,así que todas las ventas a Europa hasta el momentolas gestionamos directamente a través de nuestradistribución. De momento hemos dado ya a muchos

distribuidores europeosderechos territoriales dedistribución exclusivos, ya quehan encargado grandescantidades, pero hasta elmomento controlamos todas lasventas y la distribución desdenuestro cuartel general de WestPoint, Pennsylvania.Brett: Ya está disponible enEuropa a través dedistribuidores en Inglaterra,Alemania, Italia, Suecia, etc.

LW: Echolyn es una de lasbandas que más cuida lasarmonías vocales integradasen una canción, como uninstrumento más, como pocasbandas lo han hecho(obviamente un referentedirecto en este sentido es

Gentle Giant). ¿Seguís en esta línea en Cowboy Poems Free?Chris: Para mí, las armonías vocales han sido siempre una extensiónnatural de la música que están tocando los instrumentos, así que enel proceso de composición y en el desarrollo de las armonías,adquieren de forma natural el papel de expresión de ideas, de formasimilar a como lo hicimos como Echolyn entre 1989 y 1995 y comolo hice a título personal en mi trabajo con Finneus Gauge de 1997a 1999. Actualmente, las armonías vocales son algo que creo que lamayor parte de bandas dan por supuesto, así que el duro trabajoextra que supone integralas cuidadosamente en las canciones comopartes escritas/construídas es lo que me parece que ayuda a hacerlasencajar de forma más natural en lo que ha terminado siendo nuestroestilo “Echolyn” o nuestra “marca de fábrica”.Brett: Sí, las voces han sido siempre importantes para nosotros y locontinúan siendo.Jordan: ¡¡¡¡Por descontado!!!

LW: Relacionado con la pregunta anterior: ¿Por qué creéis queexiste esta fascinación con Gentle Giant en las bandasamericanas, más que incluso en Europa?Chris: Probablemente porque Gentle Giant era sobre todo una bandade músicos clásicos tocando su música con instrumentos rock... eranvirtuosos y expandían constantemente sus estructuras musicales.Creo que si el oyente no familiarizado se acerca con una mentalidadlo suficientemente abierta, ese tipo de música puede generar ungran respeto y admiración. Para mí, Gentle Giant era simplementeuna extensión de lo que Stravinsky, Messiaen,Schoenberg, Ives, Carter y otros en el mundo clásico estabanhaciendo en cuanto a ser innovadores, arriesgados y emprendedores.Brett: No se. Eran una gran banda que nunca editaron malos discos.Simplemente se separaron en lugar de continuar con diferentesmiembros e integrarse en el sistema, editar material de poca calidado tirarse los trastos a la cabeza... se despidieron elegantemente.

LW: ¿Creéis que llegará el día en que tengamosla oportunidad de que vuestros primeros álbumesvuelvan a estar disponibles de nuevo?Chris: ¡Sin duda, así lo esperamos!Brett: Con un poco de suerte, pronto.

LW: Personalmente siempre he sido un granentusiasta del inicio de As the world. Siemprehe pensado que era un intento de resumir todoel encanto del rock progresivo en unos pocosminutos de forma condensada... ¿Era una

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NConversamos con esta gran banda americana, que ha protagonizado uno de los más afortunados retornos en pleno 2000

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declaración de principios?Chris: La sección inicial, la introducción de voces e instrumentosde cuerda para Always de same, fue un desafío personal en el queestaba tratando de crear una cierta atmósfera y ambiente para elálbum... tenía casi un aire Bartokiano, excepto que las armoníaseran un poco más radicales que el estilo de Bartok. En conjuntoestoy muy contento con la forma en que funcionaron los instrumentosde cuerda en todo el álbum. Da mucho respeto cuando componesmúsica para que la interpreten otros - es un desafío como no hayotro. Como que las letras de As the world son obra de Brett, le dejoa él contestar esta parte...Brett: ¡Bueno, espero que haya terminado de declarar mis principiosy haya al menos llegado a conocerlos yo mismo! Simplementequeríamos una sección que fuera una suave introducción a As theworld, y Chris hizo un buen trabajo.

LW: ¿Es difícil abrirse camino a través de los Estados Unidos?¿Es más fácil queen Europa?Chris: Es difícil serun artista quecompone einterpreta supropia música...época... fin de lafrase.Brett: La hierbasiempre es más

verde... [en inglés esta expresión viene a significar que las cosasestán mejor, aunque no deja de ser algo críptico]

LW: ¿Cómo fue la experiencia del Nearfest?Chris: El Nearfest fue realmente muy divertido. Había olvidado lomaravilloso que es tocar con Ray, Paul, Brett y ahora también conJordan. Tuvimos una buena asistencia de público (más de seiscientaspersonas) y tocamos realmente bien. Dejando de lado el insoportablecalor y el hecho de que la sala era demasiado pequeña para acogerde forma confortable a seiscientas personas, fue una noche a recordar.Brett: ¡Diversión, volumen,depender de uno mismo, calor,rampas, intenso, sudor...terminado!Jordan: Formar parte del Nearfest2000 ha sido una de las mejoresexperiencias musicales que hetenido. Había oído hablar de Chaddesde hacía tiempo y cuandofinalmente tuve la oportunidad deconocerle, resultó ser tan agradabley genial como todo el mundo decía(nunca vi a Rob). Por lo que serefiere al show, a pesar del calor(que creo que añadió intensidad alconjunto), es de largo una de losmejores ratos que he pasadotocando música - un gran público(por número y por actitud), unosbuenos teloneros con una granactitud y en general unas muybuenas vibraciones que a vecespierdes en conciertos del tamaño delos viernes del Nearfest.

LW: ¿Cómo describiríais estosúltimos cinco años en la escenaprogresiva mundial, mientrasEcholyn ha estado ausente? ¿Quépensáis de algunas de las nuevasbandas más conocidas, como

Spock’s Beard, Flower Kings, Arena oTransatlantic?Chris: Por lo que he podido escuchar lascosas no han cambiado mucho, y para sersincero, creo que el sonido se ha vuelto“retro” más que original. En cierta manerame decepciona en el sentido en querealmente no hay demasiadas bandasasumiendo riesgos en la composición y enel desarrollo de buenas canciones yteniendo en cuenta que el mercadoprogresivo se suele etiquetar como ungénero que se acerca al exceso y a lapretensión, la propia etiqueta de ser una “banda progresiva” terminaañadiendo un estigma negativo... Con un poco de suerte estoempezará a cambiar pronto cuando la gente se dé cuenta de que laesencia de una buena canción es una melodía sólidamenteestructurada, no un “puñado de tallarines” yendo de un lado paraotro sin llegar a ningún sitio.Brett: No estoy muy al día de la escena progresiva. No conozco lamúsica de ninguna de estos grupos a excepción de diversosconciertos que hemos hecho. Me vienen a la mente grandes egos....Jordan: Sinceramente no estoy muy familiarizado con la música deestas bandas. Por supuesto he escuchado la música de Spock’s Beardy Transatlantic, y me ha gustado lo que he oído, aunque de TheFlower Kings y Arena sólo he oído hablar. Además, no me sientotan atraído por la música progresiva como hace algún tiempo. Creoque es un género muy interesante y que contiene mucha profundidady sabiduría, pero creo que lo que crea a las grandes bandasprogresivas y bandas en general, es el “choque” de estilos. Quierodecir “choque” en un buen sentido, por supuesto. Mirando a unabanda como “Yes”, hay una seria influencia clásica y del jazz en loque se refiere a la composición y al sentimiento que desprende.También en el caso de King Crimson, en sus principios casi parecíantener un sonido jazz-rock con una actitud clásica.Remontándome aún más en el tiempo, la Mahavishnu Orchestra deJohn McLaughlin mezclaba jazz, rock, funk (que de hecho ni tansiquiera existía todavía), música clásica y música tradicional de la

India en numerosos álbumessorprendentes. Tambiénrecomiendo mucho el álbum deMiles Davis, Bitches Brew.Este álbum es un precursor ala Mahavishnu. Creo que elmejor conocimiento que unotiene sobre la historia del estilo,mejor música podrá creardentro de ese estilo!

LW: Pues gracias por todoy mucha suerteChris: Espero que nuestrasrespuestas te hayan servido deayuda y gracias por el tiempoque te has tomado enprepararlas. Espero tener laoportunidad de vernos algúndía cara a cara y mientras tantoespero que disfrutéis denuestras nuevas canciones.¡Hasta pronto!Brett: ¡Gracias por ayudar a dara conocer la música de Echolyn!

Entrevista y traduccion: ToniRoig

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Es la primera vez que la redacciónde LUNAR WAVES se enfrentacon la difícil tarea de comentar un disco

de Peter Gabriel puesto que ni siquiera en laantecesora LUNAR SUITE ha existido esaposibilidad.

Y lo cierto es que la publicación deOVO nos ha pillado un poco de sorpresa puestoque las noticias sobre Peter Gabriel eran muydifusas y poco concretas sabiendo que seguíatrabajando en su dilatado proyecto UP y pocomás. Os lo digo con bastante conocimiento decausa porque estoy suscrito a la publicación“Real World Notes” que es una de los fuentesinformativas de las actividades de Peter másdirectas. Pues bien, en el número publicado enprimavera el libreto hablaba profusamente del“Millennium show” y de la intervención de Gabrielaportando la base musical del espectáculo quedurante todo el año 2000 se representa enLondres dentro de la enorme “Cúpula del Milenio”pero nada mencionaba, en cambio, con respectoa la ya inminente aparición de uno o dos cds.Ha sido pues un relativo secreto bastante bienguardado.

Cuando salió LW5 todavía noteníamos datos concretos ya que la aparición enel mercado de la nueva obra de Gabriel(mediados de Junio) se produjo casisimultáneamente al cierre del número anterior,así que ahora nos toca hacer el comentario unosmeses después lo que tiene sus ventajas ya quehabiéndolo podido escuchar con más tiempo elcriterio está más sedimentado.

Parto de la base, que no quiero ocultar, de que soy un partidarioclaro de la obra de Gabriel. Desde que empecé a conocer a Génesis desdeel año 1972 he venido esperando cada nuevo disco,- tanto del grupo comolos que desde 1975 ha publicado en solitario-, con ilusión y con la curiosidadde escuchar nuevos sonidos, de comprobar cómo iba evolucionando unmúsico singular. Casi nunca ha habido lugar a la decepción porque la ilusióny curiosidad eran siempre colmadas con obras vanguardistas plenas deinvestigación, técnica y belleza. Ello no obstante, de verdad que en estecomentario, como en todos, intento dejar aparte las preferencias y procuroser lo más “objetivo” posible.

US, de 1992, último disco de Gabriel hasta la fecha, hace yaocho años, fue el disco menos “distinto” de los que había publicado. A míme gusta porque era y es la obra de un músico genial en plena madurezpersonal pero reconozco que los temas eran menos sorprendentes, másprevisibles que en otras entregas. Ocho años después, casi una década, ycon cincuenta años cumplidos lo normal y lógico es esperar de él obras deevolución serena no tanto ya de ruptura.

Y esperando su anunciado “UP” nos llega este “OVO” queconsidero debe de analizarse dentro de un contexto especial. Se trata, enbuena parte, de una obra compuesta por encargo, con una temática previaconcreta y como parte musical de un espectáculo más completo, en el queintervienen otros elementos visuales, estéticos y conceptuales. En estoscasos, la música debe de servir para expresar musicalmente y acompañar aesa estética e imágenes que se representan en el espectáculo y ello,obligatoriamente, conlleva limitaciones. De hecho en OVO se cuenta unadeterminada historia (en la que no voy a entrar para no alargar el comentario),con un hilo conductor y con varios personajes lo que explica que Gabriel,precisara de la colaboración de diversos cantantes de su preferencia paracantar la parte o personaje correspondiente. Básicamente por esto intervienenvoces tan sugerentes y diversas como las de ElizabethFraser (Cocteau Twins- Massive Attack), RichieHavens, Neneh Cherry, Paul Buchanan (Blue Nile) oel músico irlandés fichado por Real World Iarla óLionáird.

Se trata, también en parte, de un discoen el que Gabriel ha querido ampliar y dar algo másque la música pensada por y para el espectáculo asíque aprovechando alguno de los temas compuestosdurante estos últimos años para el proyecto “UP” losha integrado sabiamente con el resto, caso de “Father,Son” o de “Downside-up”.

Como inciso, recordar que existen dosversiones o ediciones distintas del disco. Una ediciónespecial titulada “OVO- The Millennium Show” queteóricamente debía de venderse tan sólo a través deReal World Trading y directamente en el DOME peroque se ha comercializado conjuntamente con la otra

ya que muchos aficionados querían lasdos. La otra edición es la general tituladasimplemente OVO. Ambas versionesdifieren en la presentación ya que loslibretos son distintos; en la ediciónespecial el libreto ofrece imágenes delshow e incluye un libro con la historia endibujos de OVO y un segundo cd queincluye la historia de OVO contada ycantada en rap por Neneh Cherry & Rascoasí como un vídeo basado en el tema “Thenest thast sailed the sky”. El libreto de laedición general ofrece con un Artworkfabuloso las letras de las canciones y loscréditos completos; el cd incluye tambiénel vídeo de “The nest that sailed the sky”.También difiere el contenido del disco yaque la edición especial incluye un temainstrumental “The Tree that went up” noincluído en la general y en ésta se incluyeresumido el rap de Rasco con la historiade OVO.

Entrando en la parte musicalOVO es una mezcla de lo que antescomentaba, la música que acompaña alshow ( patente en temas como “The manwho loved the earth..” o “The Tower thatate people” y los temas incluídos y que nose integran directamente en elespectáculo. En el conjunto Gabrielavanza notablemente en la fusión desonoridades, ritmos, melodíasprocedentes de mundos y culturas tandiversas como las africanas, asiáticas,

australianas, británicas o árabes. Avanza notablemente en la fusión de estassonoridades con la tecnología más avanzada ya que la utilización decomputadoras en un trabajo conjunto de Gabriel y de los ingenieros RichardChappel y Alan Coleman durante más de 18 meses se generaliza con unosresultados sorprendentes. La fusión, la amalgama, la unión global de sonidosy conceptos musicales tan diversos y en ocasiones antagónicos se haceespecialmente patente en temas como de “The Time Of The Turning(Reprise)” o “The Tower That Ate People” o “The Nest That Sailed The Sky”(tecnología y computadoras en estado puro). Creo que esto es lo másdestacable de disco pues no existe un músico que haya avanzado yconseguido los resultados obtenidos por Gabriel en esta línea, al menos yono lo conozco dentro del prog-rock. Este avance es indudablementeprogresión y tan sólo por ello cualquier aficionado al género debe de aceptarque Peter Gabriel sigue progresando, no se queda quieto ni vive de lasrentas, estudia, analiza, prueba y sigue evolucionando.

Existe progresión pero sin rupturas, lógica en quien tiene laplenitud de la madurez y por ello las melodías, las estructuras, la expresiónmusical es en conjunto, como ocurría con US, más previsible. OVO contienemuchas ideas, muchos elementos existentes en “Passion “ obra singularque también se compuso para complementar las imágenes de “La UltimaTentación de Cristo” de Scorsese. Contiene temas como la balada “Father&Son” cantada por él mismo y que no difiere mucho de otras baladas previas(Family Snapshot por ej.); contiene referencias claras de Us e incluso de laprimera época GENESIS en la preciosa parte final de “The Tower That AtePeople”. Contiene joyas como “Make Tomorrow” (con cambios rítmicos einstrumentales continuos) “Downside-Up”( para mí uno de los mejorestemas, deliciosa y delicadamente cantada por Elizabeth Fraser y el propioGabriel y que cuenta con un cambio de melodía y ritmo central protagonizadopor la guitarra de David Rhodes antológico) y “The Time of The turning”,

joyas en las que Gabriel se reencuentra con lasensibilidad y con la emoción de SO o US.

Prefiero no entrar en el análisis prolijo decada tema, ni entrar a detallar la exquisitezinstrumental de Levin, Rhodes o Manu Katché quepor conocida es obvia y dejaros esta referencia brevepero creo que suficientemente orientativa de que OVOes casi, casi, una obra maestra ( las obras maestrascon mayúscula las alcanzó previamente en discosde progresión y ruptura como fueron PGIII, PGIV eincluso SO y fijaos, la obra maestra la espero conUP ), un disco que gana y gana con cada escucha alir descubriendo detalles, matices semiocultos en ladensidad de elaboración que nos muestra. Un discoesencial de un artista esencial y espero que en estoestemos todos de acuerdo porque ¿qué artista llevatreinta años investigando, evolucionando de verdad(con o sin ruptura)con resultados tan excepcionales

El retorno más esperadode la mano del genio más sorprendente e incombustible. Por Roberto Gracia yToni Roig

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como éste?.Gabriel canta en Make Tomorrow: “Sitting

up in the spaceship, looking down at the earth...making tomorrow, today”. Desde arriba, desde esavisión superior de los músicos geniales, Gabrielcontinúa construyendo el mañana, desde hoy.

No tendremos que esperar ocho años, elpróximo tendremos UP y tendremos posiblemente,una gira que volverá a ser como lo han sido todas lasúltimas, un regalo visual y acústico.

Hasta entonces, de vez en cuandodeleitaros de vez en cuando con OVO y adivinaddónde se encuentra la diferencia entre los figuras ylos mediocres. (**** ½ Roberto Gracia. Agosto del2000)

OVO supone la primera obra completa dePeter Gabriel en estudio tras ocho años de silencioentrecortado, que no de inactividad. Puntuales colaboraciones en bandassonoras para films como Philadelphia, Phenomenon o City of Angels (engeneral poco destacables), intervenciones en álbumes colectivos (como fueel caso de su versión del tema Suzanne, para el interesante tributo a LeonardCohen Tower of Song), creaciones multimedia como Eve, proyectos, muchosproyectos, rumores, muchos rumores... Incluso una inesperada incursiónen el terreno Genesis, la revisitación de The Carpet Crawlers con el restode miembros de la formación clásica... Aun así, poco para calmar la sed desus numerosos y fieles fans. Y es que Peter Gabriel es uno de los músicosmás respetados y carismáticos del planeta, sin haber necesitado cortar surelación con el mundo real para mostrar que es un genio. No lo necesita.

Aun así, el peso de la música de OVO en la definición de lahistoria es primordial, lo que le diferencia de Passion, que era una bandasonora tremendamente personal pero al fin y al cabo supeditada a un film denarrativa convencional. OVO es una experiencia en sí misma, una auténticaobra conceptual que describe, refleja, puntúa y acoge historia y personajes.

El concepto original pretende reflejar elementos del pasado, elpresente y el futuro a las puertas del socorrido nuevo milenio. Como cuentael propio Gabriel “sugerí que el argumento girara alrededor de la lucha entretres generaciones de una familia”, de forma que se entrelazan los tiempos

marcados por la agricultura, laindustria y un futuro en el quecabe integrar naturaleza ytecnología. Un viaje históricoacompañado de un viajemusical en tres actos, en elque la tradición musical se dala mano con el pasadoreciente, el presente, elfuturo... Todo un desafío. Escierto que otros músicos noshan planteado propuestasaparentemente similares, peromuy pocos están tan bienpreparados como Gabriel. Yninguno podía hacerlo comoél.

Roberto ya os ha comentado las dos versiones editadas de OVO,reflejo del interés mostrado por la industria, sorprendente teniendo en cuentaque no se trata de una obra especialmente comercial (buena parte del discoes instrumental y Peter canta más bien poco, cediendo en cada ocasión laalternativa a las voces, instrumentos, ritmos y arreglos más adecuados a lahistoria). La verdad es que cuesta recomendar una más que otra, a pesarque su contenido musical sea mayoritariamente idéntico. Ya podéis adivinarque he acabado haciendo.

OVO es, como lo fue en su momento aquel memorable Passion,una contribución a un proyecto ajeno, en esta ocasión en colaboración conMark Fisher: la creación del soporte musical de una ambiciosa experienciateatral para el London’s Millenium Dome. OVO me parece un trabajo decondensación de ideas, de destilación de estilos, con lo que Peter recuperadestellos del pasado reciente. En cierta manera ya lo hizo en Us, en el que

coexistían ecos de So (sonrojantes en Steam,sublimes en Blood of Eden), y sueños que nostransportaban más allá en el tiempo (Talk to me vs.Biko, Washing of the Water vs. Here comes theflood).... En OVO aparecen imágenes que nos puedenacercar a Passion y a los momentos más recónditose inclasificables de Us (¿recordáis aquel FourteenBlack Paintings?). Afortunadamente no se trata derentabilizar esfuerzos pasados, sino de acercar lahistoria a un mundo propio y construir un conjuntoheterogéneo, de riqueza estilística extraordinaria yuna milimétrica concepción y una atención al detallecasi obsesiva. No en vano coexisteninstrumentaciones célticas, africanas, del OrienteMedio, arreglos tradicionales y sonidos absolutamentecontemporáneos. En manos de un geniecillo dedominical el resultado hubiera sido catastrófico. Enlas manos adecuadas resulta una obra casi maestra

y sin duda excelente.The story of OVO se sustenta en la música del tema The man

who loved the Earth y su atractivo se limita a su valor como narraciónintroductoria. La auténtica escucha debe empezar por Low light, un temaque parece salido de Passion, de tensa atmósfera pero arropado con lacálida voz de Iarla Ó Lionáird. The time of the turning, se erige en el himnocentral del álbum, uno de esos temas que identifican a su creador cantequien los cante. El ritmo sintético de The man who loved the Earth adquiereaquí su sentido, especialmente al derivar en la alucinada sección The manwho sold shadows, que por unos momentos me ha trasladado a ese tiempoen el que sus álbumes iban numerados con números como el 3 o el 4. Lesigue un reprise de The time of the turning, combinado por el momento mássorprendente y emocionante del álbum, The weavers reel (única composicióncompartida entre Peter y Richard Evans), en el que una alegre melodíacéltica convive con percusión programada y frenéticos ritmos africanos.Funciona y a las mil maravillas. Father, Son supone la anhelada apariciónvocal de Gabriel, en un tema intimista y triste (subraya la muerte de Theo,el “hombre que amaba a la Tierra”), dominado por el piano pero enriquecidopor las intervenciones de la sección de viento y el inconfundible bajo deTony Levin.

El segundo acto refleja un ambiente más industrial y se inauguracon The Tower that ate people, que recupera la formación típica de la bandade Gabriel. Este tema muestra a un Peter Gabriel-cantante en ocasionesirreconocible (o no si recordamos su faceta teatral), entre extraños arreglosfunk que rompen radicalmente con lo que hemos escuchado hasta ahora,aunque sonará familiar a los fans de Us. Revenge es un tema entre tribal eindustrial, oscuro, muy oscuro, basado en la percusión. Uno de mismomentos favoritos, sin duda. Lo que sigue no es tampoco reconfortante,White Ashes enlaza con sonidos programados, voces y gritos oprimidos yomnipresencia de la percusión.

Downside-Up es un tema bellamente triste, con un inicio emotivoque podría haber interpretado perfectamente Kate Bush, pero que cantan aduo Elisabeth Fraser y Paul Buchanan (y segundas voces del propioGabriel), que crece inesperada pero agradecidamente en un clímaxtípicamente Gabriel con unos arreglos excelsos (por algo es el tema dondese utilizan más instrumentos de todo el álbum, una veintena así a ojo).El tercer y último acto empieza con The nest that sailed the sky es un temainstrumental, ensoñador, que acompaña uno de los momentos másdramáticos de la historia, tras la destrucción de la torre. El siguiente tema,sólo si tenéis la edición especial será The tree that went up, un importantegiro hacia la esperanza que probablemente Gabriel no incluyó en “su” OVOpor proximidad al tema de Passion It is accomplished. Make tomorrow esel himno final, que nos pide que hagamos que el mañana se haga realidadhoy. En Make tomorrow comparten espacio las voces Elisabeth Fraser,Paul Buchanan, Richie Havens y Peter Gabriel, una breve pero genialintervención de Tony Levin en su sección central.

Seguramente no es lo que estábamos esperando, peroprecisamente por eso se distinguen los genios. (****. Toni Roig)

NOTA: en una reciente entrevista, cuando se le pregunta a Gabriel sobre sino se le encogió el corazón al volver a hacer un álbum conceptual, esta fue

su respuesta: “No, mi corazón saltó dealegría. Que se jodan, pensé. Era unagran plataforma, una oportunidad parahacer realidad algunos sueños yademás había otras personas quecreían en el proyecto, lo que me resultómuy atractivo. Todas y cada una delas personas que odian los álbumesconceptuales van al cine: una historiacon algo de música. Así que no existeun problema inherente, es sólo lacalidad de la música la que determinasi un álbum es bueno.”

P E T E R G A B R I E L- OVO -

MUSEA RECORDS - PRODUCTION & DISTRIBUTION138 rue de Vallières - 57070 METZ - Francewww.musearecords.com - [email protected]

Jaume Pujol - Representante en EspañaApdo. correos 384 - 08220 TERRASSA (Barcelona)http://galeon.hispavista.com/progvisions - [email protected]

Contactos con grupos y músicos , propuestas de producción y distribución de álbumes, gestión de los asuntosnacionales relacionados con Musea, audición de demos y nuevas promesas, etc.

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Una (a veces varias) miradas a discos de más o menos reciente aparición.

/��EF�� *��2�� ,�<???4Qué pocos grupos norteamericanos

han destacado con continuidad en el género demúsica que nos ocupa. Habitualmente les haperdido esa manía de tratar el rock sinfónico conampulosidad de modo que de lo quemayoritariamente han adolecido ha sido desensibilidad, de delicadeza y de imaginación quesi que ha existido en los grupos europeos que

han destacado y destacan.SPOCK´S BEARD es una más que

honrosa excepción a esa norma general; no sóloeso, después de cinco discos es una formaciónconsolidada, perfectamente ensamblada y contodos los merecimientos está llegando a un lugarmuy elevado dentro del panorama del rocksinfónico mundial, a ese lugar de reconocimientoque en estos últimos veinte años han venidoconsiguiendo unos pocos grupos más.

Y es que NEAL MORSE, compository alma mater del grupo es un músicosorprendente. Como Roine Stolt y pocos más, seencuentra dotado de una extraña facilidad paracomponer temas de más de veinte minutos quese desarrollan con naturalidad, que vandiscurriendo plácida y lógicamente de manera queal terminar su escucha casi no crees querealmente la duración haya sido la que se indicaen los créditos.

Hablando tan sólo del presente año,MORSE nos ha regalado dos “suites” suntuosas.La primera “All of the Above” de media horacompuesta para TRANSATLANTIC. La segunda“THE GREAT NOTHING” de casi media hora,último de los temas incluídos en este más querecomendable disco. Dividida en seis partesdebidamente diferenciadas se constituye en eltema ideal de identidad y definición de lapersonalidad del grupo; sirve también para percibircon claridad que SPOCKS BEARD es un grupocompacto, maduro que funciona con la precisióny eficacia de un reloj suizo; cada pieza por sí sólaes de calidad (ya hemos hablado mucho en LWde la valía instrumental de.. ) pero tan sólo cuandose unen es cuando se alcanza el mejor resultadofinal. Alan Morse, Dave Meros, Ryo Okumoto yNick D¨Virgilio constituyen, hoy por hoy, uno delos bloques más sólidos que existen. La eficaciadel bloque se percibe con claridad y sencillez sise escuchan los discos de NEAL MORSE ensolitario (que también cuenta con un corte deveinte minutos) y este V del grupo. Pero es queV contiene además otro tema largo de algo másde 16 minutos “AT THE END OF THE DAY”, temavigoroso que sirve de arranque para el disco, cuyacalidad no le va a la zaga al anterior y que conseguridad se constituirá en uno de los temas fijosen los conciertos futuros.

El programa se completa con otroscuatro temas más cortos muy acertados en losque MORSE aprovecha para situarse en eseámbito musical de armonías vocales e

instrumentación más simple y acústica que lesacerca más al pop -rock americano “Crosby-Still-Nash style”; cuentan para ello con un juego devoces de unas tonalidades brillantes. De estoscuatro temas “Revelation”( con cambioscontinuos, un riff de guitarra más seco y unasderivaciones levemente jazzísticas muyinteresantes) y la alegre “All on A Sunday”.Tenemos un “remake” de “Thoughs” tema incluídoen “Beware of Darkness” y la sensible “Goodbyeto Yesterday”.De todo lo dicho la conclusión es que V es laobra más completa de SPOCKS BEARD hastala fecha. Obra de un grupo que se encuentra enestado de gracia, en una cima de creatividad einspiración en la que esperamos se instalendurante mucho tiempo. Un disco magnificociertamente. (****, Roberto Gracia) “V” es un CD 100% Spock’s Beard, lo cual esgarantía de calidad. Cierto es que no ofrece nadanuevo, y hasta se le puede achacar ciertaprevisibilidad, pero me parece superior que elanterior “Day For Night”, quizá demasiadocomercial y “americano” para mi gusto. En éstenuevo lanzamiento, los Beard vuelven a “TheLight” y “Beware Of Darkness”, a los temas largosy esquizofrénicos, y a joyas de más cortaduración pero infinito atractivo. Para mí, lo mejordel disco es “At The End Of The Day” (16.28),muy representativo del grupo y realmenteexcelente, digno heredero de “The Light” (hastavuelven al flamenco...y les quedaestupendamente), junto a un maravilloso“Thoughts” (Part II) (4.39), muy Yes/ Gentle Giant,pareja ideal del “Thoughts” original y sin duda elmejor tema corto del CD, y la gran suite “TheGreat Nothing” (27.01), que contiene momentosbrillantes (hay aquí ecos de Asia, Elton John,Genesis, Yes, Deep Purple...y, principalmente,Spock’s Beard, lo cual es digno de elogio), peroque quizá está demasiado alargada y se parecenotablemente a la superior y maravillosa “All OfThe Above” (hasta termina igual, con una largacoda instrumental de carácter atmosférico) deTransatlantic. Quedan “Revelation” (flirteos conel hard rock...), “All On A Sunday” y “GoodbyeTo Yesterday”, temas cortos más discretos,bastante en la línea de lo ya ofrecido en “DayFor Night”, en temas como “The Gypsy”, “Skin” o“Distance To The Sun”, aunque más compactosy coherentes que en el citado CD. Lo bueno deldisco, además de en su impecableinstrumentación (mejor que nunca, sobre todo lasoberbia batería de Nick D’Virgilio, el bajo deDave “Squire” Meros y los hammonds ymellotrones del “chinito” (así le bautizó una amigaen el concierto como teloneros de Dream Theater)Ryo Okumoto y composición brillante, reside enel uso de instrumentos y secciones de cuerda,que añaden colorido al ya de por sí multicolorsonido de la banda. Cierto es que, al igual quesus colegas Flower Kings, la banda de NealMorse empieza a repetirse, lo cual no es buenaseñal, pero, desde luego, “V” no es ni muchomenos tan irregular como “Space Revolver”, ySpock’s Beard no tiene a ningún Hans Fröbergen sus filas.Si no se duermen en los laureles pueden llegara ser una banda de éxito. Por cierto, y cambiandode tema: ¿para cuándo “Transatlantic 2”? (****,HÉCTOR GÓMEZ)

�0��*��.��/�*�@��C�� G��2�� ,�<???4Tras el formidable y merecidísimo recibimientode su Into the electric castle, Arjen –Ayreon-Lucassen nos entrega una nueva y aún másambiciosa propuesta, The Universal Migrator, quemantiene en sus estructura diversos puntos decontacto con su precedente. Como aquél, se tratade un doble CD (en esta ocasión dividido en dos

partes y vendido por separado), conplanteamiento narrativo y con una elenco decolaboradores que sería la envidia de cualquiera(por citar sólo a alguno de los más conocidos,tenemos a Damian Wilson, Neal Morse, LanaLane, Erik Norlander o Clive Nolan). Lasdiferencias fundamentales estriban en lanaturaleza y estructura de la historia (aquí un viajemental en el tiempo y en el espacio por parte deun colono de Marte en un futuro cercano) y en elplanteamiento musical. Lucassen plantea laprimera parte de la historia, The Dream sequencer,en un formato de rock progresivo clásico, mientrasel segundo, Flight of the migrator, transita enaguas más metálicas.Vayamos pues por el principio. The dreamsequencer es un álbum sumamente ambiental,con un uso panorámico de los efectos ynumerosos pasajes incidentales, casicinematográficos, un rock progresivo de fuerteinfluencia floydiana. Como nos ha contado AlfonsoAlgora en diversas ocasiones, una de las mayoresvirtudes de Lucassen es su capacidad paraasimilar influencias muy diversas dentro y fueradel rock progresivo (a veces de forma explícita,como en el caso de Strange Hobby). En definitiva,una fusión entre su imaginario personal y un sanoeclecticismo. Lucassen es un auténtico artesanodel rock con una idea muy clara de lo quepretende. Eso le permite integrar en sus proyectosa enormes músicos y cantantes sin que seresquebraje la coherencia de su trabajo. Nadafácil. Aunque The dream sequencer es para migusto un muy buen disco, aunque le encuentroun problema en relación a Into the electric castle.La opción de alejar estilísticamente los dos discoses sumamente atractiva, pero despoja a Thedream sequencer de esos arranques de energíainherentes al rock progresivo, y hay momentosen que la música lo pide. En definitiva, músicaexquisita pero en último extremo demasiadocontenida.Su cinemática introducción, nos recrea elambiente ensoñador de Shine on your crazydiamond, hasta llevarnos a “House on Mars”, unode los momentos puntales temática ymusicalmente (teclados con reminiscencias GeoffDownes y una voz a medio camino entre DavidGilmour y ... ¡Leonard Cohen!, unosextraordinarios coros femeninos de los queLucassen sabe sacar mucho partido a lo largo

del álbum, sin olvidar, por supuesto, las guitarrasfloydianas). En “2084”, Lana Lane le da réplica auna guitarra extraordinaria en ese punto medioentre emoción y melancolía. “One small step”saca provechoso partido de los teclados en otrotema melódico en una línea cercana a “House onMars”, que termina en una explosión de guitarrasy coros. “The shooting company of Captain FransB. Cocq” oscurece el tono general, en unmomento de suma tristeza, de nuevo con lasguitarras y unos severos coros en primer plano,sustentados sobre un ingenioso fondo electrónico.

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En “Dragon on the Sea”, Lana Lane borda con suextraordinaria voz uno de los temas más emotivosdel álbum. A partir de ahí, Lucassen empieza asacudirse sus fijaciones floydianas: así porejemplo, “Temple of the cat” es un juego desensuales voces femeninas a duo (mejor dicho,Jacqueline desdoblándose magníficamente), conunos arreglos y una orquestación a la vez ricos ysimples, y una de las mejores melodías delálbum. “Carried by the wind” nos acerca a airesmedievales, como si de repente los músicos sehubieran convertido en trobadores eléctricos. “Andthe Druids turn to Stone” es una cálida balada decorte clásico interpretada por Damian Wilson,mientras que “The First Man on Earth” acogenumerosos guiños a los Beatles (ese mellotron alos Strawberry Fields o ese sonido de viento queparece provenir de All you need is love). NealMorse canta este tema con suma comodidad, noen vano “The First Man on Earth” podría haberaparecido perfectamente en su álbum en solitario;en definitiva uno de los temas de mayor feelingorquestal y de los más lanzados, con el atractivoextra de un apasionado solo de guitarra final.Cerrando el círculo, “The Dream SequencerReprise” nos devuelve al inicio del viaje, un viajeplacentero e inquietante a partes iguales. (enconjunto, ***1/2, aunque diversas seccionesmerecen ****. Toni Roig) (***½, TONI ROIG)

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He escogido realizar la crítica de lasegunda parte del proyecto Universal Migrator yaque, pese a que la primera parte se asemeja alrock progresivo-sinfónico más espacial y cercanoa los patrones del género, es en este Flight of theMigrator donde el sentido “progresista” y de riesgode Arjen Lucassen adquiere más trascendencia.En unos tiempos donde bandas realmentemediocres como Stratovarius o Rhapsody sonencuadrados dentro del “metal progresivo” cuandorealmente ejecutan melodías y escalasrelativamente sencillas cuando se ahonda en sutécnica interpretativa, Arjen rinde tributo al metalprogresivo de toda la vida, algo que en la décadade los 70´s se encuadraba dentro del “hard rock”sin más pero que englobaba a bandas del calibrede Deep Purple, Uriah Heep, Birth Control, etc.

De hecho el que Arjen haya evitado latentación de grabar un insípido Cd de “happymetal prog” teniendo como invitados a TimoKotipelto (Stratovarius), Fabio Leoni (Rhapsody),Andi Deris (Helloween) o Ralf Scheepers (exGamma Ray y ahora en Primal Fear) ya tiene unmérito brutal. ¿Cuál es el secreto de este Cd?,pues ni más ni menos que las aportaciones deKeiko Kumagai (solo de hammond deproporciones legendarias en “The New Migrator”)y, sobre todo, ese gran teclista amante de lossonidos analógicos que es Erik Norlander, quesabe dar un punto Purpleliano a todo lo que toca.Para redondear el recontrapoker de ases tenemosa Gary Wehrkamp (Shadow Gallery), Ian Parry,Damian Wilson (ex Threshold), la novia deNorlander, Lana Lane, y un Bruce Dickinson queestá viviendo una segunda juventud desde sureincorporación a Iron Maiden.

Los temas mantienen una tónica queme recuerda al sonido de “Perfect Strangers” delos Purple con ciertos matices de la comercialidadde los Rainbow de Bent out of shape o Straightbetween the eyes, un tipo de hard rock que nosdevuelve a esa gloriosa étapa para el género quefueron los 80´s. De hecho, si tuviera que citar untema con sonido más 90´s sería el instrumentalque abre el album “Chaos”, con un solo vertiginosode guitarra/teclados que no desentonaría encualquiera de los primeros álbumes de YngwieMalmsteen. Tras este tema entra como un cañón

“Dawn of a million souls”, que posee un estribillomuy pegadizo, y que canta Russel Allen(Symphony X) con unos coros muy efectistas deDamian Wilson. Mención especial al punteo finaldel guitar hero Michael Romeo (Symphony X).Muy inquietante, y en la linea de los temasmisteriosos de Maiden tipo “Hallowed be thyname” es “Into the black hole” con un Dickinsonpletórico. Igualmente impresionantes son “To thequasar” de tintes arabes y muy psych con partesde metal prog (muy dosificadas), “To the solar

system”, un grandísimo tema que rezumamaestría técnica y alma a partes iguales y, porsupuesto, un “The new migrator” que solo porescuchar el solo de hammond de Mrs. Kumagaiya merece la pena el Cd. Más previsibles, perono exentos de calidad instrumental, son “Journeyon the waves of time” –aunque el solo dehammond de Norlander salva el tema porcompleto-, “Through the wormhole” o “Out of thewhite hole”. No quiero con ello decir que los temasson mediocres, que no lo son, pero deboreconocer que las voces de tipos como Kotipelto,Leone o Scheepers no dan la talla ante tan magnodespliege instrumental por parte de Lucassen alas guitarras y de Norlander a los teclados.

Sinceramente me encuentro, encuanto a gustos se refiere, en las antipodas delllamado metal progresivo. Ni siquiera me gustanDream Theater. Dentro del hard rock/heavy metalprefiero lo tradicional a lo novedoso y esta es larazón por la que esta segunda parte de la sagaMigrator me ha tocado el corazoncito. No es undisco recomendado para los progheadsdemasiado puristas, pero si habéis llegado –comoles ha pasado a muchos- al redil del progresivodesde el mundo del hard setentero, este discocreo que puede gustaros y mucho. (****,ALFONSO ALGORA)

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La historia de Echolyn es una de la mástristes de la década de los noventa: de gran promesaa tener contrato con una multinacional, para acabarfinalmente defenestrados y sufrir una amargaseparación. Así que la noticia de su regreso no puedeser más dulce. A excepción de su anterior bajista,Tom Hyatt, Echolyn recupera su formación alcompleto: Brett Kull (guitarras y voces),Christopher Buzby (teclados y voces), PaulRamsey (batería y voces) y Ray Weston (voz yahora también bajo); además, un nuevopercusionista, Jordan Perlson, se incorpora paracompletar un nuevo quinteto para el 2000.

Desde un buen principio Echolyndiseñaron su sonido propio, muy personal aunpartiendo de referentes claros (sobre todo GentleGiant), con un actitud y una seguridad poco vistasentonces y ahora. Lejos de un simple revival su estilose revela fragmentado, conciso, detallista,

condensado y denso a la vez que vital y moderno.El secreto es el impulso creativo de unos excelentesmúsicos que poseen la capacidad y la disciplinasuficiente para trabajar tan duro como sea necesario,pero no para demostrar su técnica comoinstrumentistas sino para darle a cada tema lo quemejor necesita. Lo primero trasciende entonces deforma natural.

Cowboy Poems Free es un nuevo pasoadelante en la carrera de Echolyn, recogiendo eltestigo de As the world como si nada, manteniendoy renovando todos y cada uno de sus principios conuna sorprendente madurez. Cowboy Poems Freees uno de esos raros álbumes en que cada tema,cada idea, cada sonido ha sido tratado con igualatención y máximo cariño... Todo se lleva el tiemponecesario, como el buen vino.

Bastan los segundos instrumentales dela introducción de Texas Dust para comprender quese ha reinstaurado el reinado de Echolyn, a la vezque las congas de Jordan Perlson nos avisan quenuevos ingredientes cálidos se han añadido al cóctel.A pesar de su veloz introducción Texas Dust sedesarrolla sin prisas, de forma envolvente, paulatina,una entrada suave aunque sin olvidar sus múltiplesdetalles y carambolas caracerísticas.

El primer poema es ligeramenteespacial, un sedante para preparar nuestros sentidosa la descarga adrenalínica de Human Lottery, untema repleto de recovecos, sobrecargada de ideas,pero sólido y ligado como una obra arquitectónica,lo que le hace tremendamente asequible por su airefestivo (un posible single en otro planeta). Un temaperfectamente vinculado con As the world,condensado y con toques genuinamente GentleGiant. Temas así demuestran que Echolyn soncomo una versión progresiva de los dibujosimposibles de Escher.

Gray Flannel Suits es una nueva páginavitaminada de este fresco americano, cada vez másestablecido en su propio terreno. ¿Cómo podríasonar un cruce entre Gentle Giant, Yes y The police?Uno de sus temas que mejor entran a la primera.

Tras el segundo poema, Hammond yguitarra perturbadores proviene High as pride, untema lento, donde una batería manipuladadigitalmente sirve de fondo a un piano, guitarra, bajoy ruidos con un emocionante tratamiento vocal...

ensoñador.American Vacation Tune nos devuelve

a la velocidad tras un vibrante arranque instrumentaly un estribillo obsesivo, mientras que Swingin’ theAx tiene un ojo puesto en el rock americanocontemporáneo (Soundgarden, Pearl Jam...) y elotro en el folk, gracias a un genial riff de banjo. 1729Broadway es un nuevo giro hacia la delicadeza, unahistoria de soledad y añoranza, que casi sin darnoscuenta adquiere un clímax final prácticamenteGenesis. Es el mejor momento para un nuevopoema que introduce un oportunísimo saxo, unnuevo nivel de emociones. 67 degrees es la historiade un viaje, un tema de estructura extraña,aparentemente suave pero va creciendo con vidapropia.

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Para Britanny Jordan Perlson nos tiene preparadauna introducción con percusión oriental para un temaque funciona en multitud de niveles distintos, unadelicia en progrescope, unas voces más incisivasque nunca.

El último poema, el único cantado, surgerodeado de loops, guitarras retroalimentadas ypalmadas, que en estado hipnótico nos transportanhasta Too late for everything, una balada pararecuperarnos lentamente de la intensidad de estosabsorbentes 67 minutos.No sólo da gusto ver como estos años difíciles nohan quebrado el espíritu de la banda, sino cómohan sabido buscarle el reverso positivo y legarnosesta maravilla. Sólo espero que su empeño encontrolar la distribución de este trabajo (demasiadosdesengaños) no limite su difusión y que todospodamos disfrutar de este soneto musical. No osarrepentiréis. (****1/2. Toni Roig)

��* � H�� 2�� 9�� ,�<???4Tras un álbum dubitativo (Venus), Everon hanvuelto sobre terreno seguro para darnos unamuestra de lo que mejor saben hacer, unir lomelódico con lo épico, el lirismo con lacontundencia alrededor de una parcela que leses propia y que, si nos paramos a pensar, se erigeen una de las pocas propuestas que juegan con

el metal progresivo sin serlo, que saben navegaren estas confusas aguas con inequívocapersonalidad.

Si es cierto que Fantasma es unajugada segura, también lo es que han sabidorecoger lo mejor de sus trabajos anteriores conpocos de sus defectos. Oliver Phillips sigue siendola figura omnipresente tras Everon, componetodos sus temas, canta, toca la guitarra y co-produce junto a la otra “alma-mater” del grupo,Christian Moos. Pero por fin, Phillips haconseguido el equilibrio y la madurez en suscomposiciones del que carecía Venus y queafectaba a la regularidad de los notablesParadoxes y Flood.

Tras una producción clara y cristalinapresente en primer plano, parece que por finEveron han sabido fundir su potencial sentido dela composición con su denso tejido sonoro, comoya demuestran por ejemplo en un gran tema comoA day by the sea. Incluso momentosaparentemente más intrascendentes, como Finewith me, hard-rock puro y directo, se visten deencanto. Y es que en sus puntos álgidos, Everones una banda tremendamente emocional. Tras laapariencia fantasiosa de su siempre cuidadoartwork y la aparatosidad de sus momentosgrandilocuentes, Everon cuentan historiassencillas, tremendamente personales, paisajesque aunan fuerza y belleza en la antítesis de lafrialdad profesional de muchos productosactuales. Si me permitís un pequeño sacrilegio,

Everon saben acercarse más que nadie a losprimeros Marillion, no en la forma (como hacetodo el mundo) sino en su fondo (¿cuántosálbumes progresivos, por brillantes que sean,comparten con nosotros experiencias realmentevitales, directas? Muy pocos, y en cualquier caso,este es uno de ellos).Fantasma, el tema, es una de sus rarasincursiones en temas de larga duración y granformato y el primero que presenta forma de unasuite de temas enlazados. Superlativa eficaciainstrumental y ensamblaje perfecto: Fantasma esel tema adecuado en el momento adecuado. Encontra de lo que se podía temer, los árboles yales permiten ver el bosque y así consiguen porejemplo que los violines no actuen de simplescomparsas sino que contrarresten la dureza deRight now till the end of time, el fragmentadofragmento que abre el tema. Hace falta una granseguridad en tí mismo (y otras cosas) paraintroducir un violoncello y una guitarra clásica enla bellísima The real escape. Finalmente Battleof Words es el clímax final imprescindible en elque Phillips and Co. disfrutan como niños.

Tras el tema Fantasma, uno de lasjoyas intimistas por excelencia de la carrera delos alemanes: May you arranca con una lecciónde lirismo a cargo de la voz de Phillipsacompañada por el piano, hasta explotar con labanda completa en un final palpitante.

Ghosts se abre de forma inquietante,cercana a aquella sobrecogedora introducción altema Flood de su álbum homónimo. Ghosts esun tema melancólico y cercano: los fantasmas alos que alude todo el álbum no son los de nuestraimaginación, sino aquellos (¿nosotros mismos?),que “nacidos libres elegimos vivir encadenados,que pensábamos que estábamos en camino perono lo estábamos, que nos quemamos antesincluso de arder, si no aceptamos riesgos pormiedo de perder, si nunca elegimos sino quedejamos a elegir a los demás, si no amamos pormiedo a no ser amados, si anhelamos el tactopero recubrimos con guantes nuestras manos...”Parafraseando la frase promocional del patillerofilm de terror Phantasma: “Si este disco no osemociona (aunque sea un poquito, ¡va!) es queya estáis muertos :-).” (****, TONI ROIG)

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Somewhere to elsewhere no esestrictamente un álbum de “retorno” de Kansas.Aunque han pasado cinco años desde su anteriortrabajo en estudio Freaks of nature, sólo estamosa dos de su alabada revisitación Always neverthe same. Evidentemente sí que se trata de unálbum de reunión, por el retorno a primera líneade uno de los miembros fundadores del grupo ymotor compositivo por excelencia, Kerry Livgren,lo que ha creado aún mayor expectación. Si leañadimos la presencia de David Hope, serecupera la formación original de la banda:Livgren, Hope, Steve Walsh, Robby Steinhardt yRichard Williams (reforzados por si hacía faltapor el también de sobras conocido Billy Greer albajo y voces).

Empezar un álbum como este con untema denominado Icarus II, apelando de formadirecta a su clásico Icarus incluído en Masque(1976) es un llamativo giro a las raíces. Yciertamente este tema no podía empezar mejor,con un sonido que es la quintaesencia de Kansas,dirigido a transmitirnos la trágica historia de unheróico piloto de aviación de la Segunda GuerraMundial que se sacrifica para salvar a suscompañeros. La dura sección central que reflejala batalla aérea, esa marcha final que homenajeaa este patriótico nuevo ícaro, son muestras deese aliento épico inequívocamente americano.

When the world was young sesustenta en el blues-rock con nervio, mientras queGran Fun Alley es un tema atípico, en la línea deltema anterior pero añadiéndole un feeling funkyque le da un aire muy setentero y con cambiosde ritmo sorpresivos y en ocasiones cardíacos (esegran solo de guitarra). The coming down es unabalada de tono navideño (no faltan ni lascampanas), coherente e interpretada con pasión,aunque en último extremo algo blanda y poca cosapara una banda de su poderío. Algo más, muchomás, es Myriad, el tema más genuinamenteKansas, el más arriesgado y sorprendente...paradójicamente el más antiguo del lote (lasprimeras ideas para este tema datan de 1970).Clásica y adecuadamente desconcertante (esosextraños coros dislocados) y una composiciónexigente con todos y cada uno de los músicos,que se mueven como peces en el agua. Un tematenso, maestro...Look at the time, en otro giroradical nos trae aires Beatles en una pequeña

delicia pop, aunque de alegría pasajera. Y es quehablando del inexorable paso del tiempo, eloptimismo se congela en una seccióninstrumental estremecedora. Un gran temaagridulce. que mantiene el alto nivel del discodespués del trallazo de Myriad. Dissapearing skintight blues empieza de forma inesperada con unaintro de violín que enlaza con blues, folk y corosAOR. Distant Vision nos devuelve el sonidoKansas más progresivo, sobre todo en su soberbiaintroducción y una (otra) lección de maestría enel uso del piano y el violín. El himno por excelenciadel disco. Byzantium nos acerca al misticismoeuropeo (coros gregorianos, violines turcos..),historias de batallas, pugnas religiosas alrededorde la capital del Imperio Romano de Oriente, quesupongo debía ejercer una fuerte atracción sobreKerry Livgren. Cierra el disco Not Man Big, unlógico número final en clave rockera, un “GrandFinale” con los ojos puestos en el directo... Eloyente paciente podrá disfrutar de un divertidotema country grabado de forma doméstica, queda una buena idea del buen ambiente que harodado esta reunión.

En definitiva un buen álbum sin duda,muy variado, aunque adolece de la contundenciade Freaks of nature, (particularmente le echo afaltar algo de gas en ciertos momentos), aunqueIcarus II, Myriad, Distant Vision o Look at the timeya lo convierten en adquisición obligada. (me hepasado todo el verano deshojando la margaritaentre ***1/2 y ****, entre otros asuntos de menorimportancia, así que ahí queda. T.R.) (, Toni Roig)

Tras el imprescindible “Always neverthe same”, nos llega lo último de esta legendariabanda norteamericana. Se trata de “Somewhereto elsewhere”. Y el acontecimiento, lejos de serun disco más, podemos asegurar que se las trae,pues la formación original es la que firma estenuevo trabajo, con un recuperado Kerry Livgrena la cabeza (autor de todos los temas), tras más

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de quince años apartado del grupo. El resto, loshabituales: Steve Walsh, Billy Greer y RichardWilliams, más la incorporación de otros de susmiembros fundadores: Robby Steinhardt al violín,que ya participó en su anterior grabación) y DavidHope al bajo.Parece ser que le han cogido gustillo a lo deorquestar las canciones y si a todo esto leañadimos su obsesión por recuperar su clásicoestilo que dejaron apartado a finales de lossetenta, hacen de este trabajo obligatorio no sólopara los fans convencidos sino para todo el quebusque música de calidad. Una música que ellosmismos definen sin complejos como rockprogresivo (palabra prohibida e incluso malditapara mucha gente dedicada en cuerpo y alma ala prensa musical de nuestro país) y dondeademás combinan estilos como el hard rock, elcountry, el blues y la música folk.En cuanto al contenido, creo que el álbum les hasalido redondo. Hay momentos para todo.Canciones directas al más puro estilo Freaks ofnature, como son “Byzantium” o “When the worldwas young” o temas como Icarus II” donde seconjugan a parte iguales el sonido clássico deKansas con el hard rock al más puro estilo yanqui,para desembocar en una sección finalorquestada y sinfónica al cien por cien. El restode los temas también están repletos deinteresantes detalles y formas, pero no voy aaburriros intentando explicarlos, pero sí que osanimo a que los descubráis por vosotros mismos.Kansas están en un buen momento no lo dejéispasar. Recomendado (*****, Enric Prat)

E��.��*��C��E��H��.C��2��.��,�<???4King Crimson necesita pocas presentaciones, porlo tanto vamos al grano. Disuelto el doble trío,The Construcktion of light nos presenta a unosCrimson en formato de cuarteto y en línea con suanterior trabajo, el soberbio Thrak, aunque a mijuicio con algún factor en contra que me gustaríaseñalar.El album es duro, quizás de los más duros detoda su discografía. Yo personalmente echo demenos algún respiro intermedio como muy biennos tenían acostumbrados en sus trabajosantecesores (Matte Kudasai, Two Hands, Walkingon air, One time...), y que un servidor, al igualque otros muchos, agradeceríamos en elmomento de la escucha. Por lo tanto, para gozou horror de los miles de seguidores del grupo,este nuevo trabajo no deja lugar al reposo. Lostemas en su mayoría explotan la cara más cruda,aspera y paranoica de unos Crimson con pocasganas de ñoñerías y dispuestos a no bajar laguardia en ningún momento.Y por otra parte la ausencia de Bruford (más quela de Levin) se nota muchísimo. Mastelottocumple bien, pero no aporta nada que nos hagaolvidar el buen hacer de su ilustre compañero.Francamente lo encuentro poco imaginativo,machacón y con tendencia a abusar demasiadode los efectos y de la electrónica. En fin, supongoque es lo que desea Fripp para los Crimson deeste nuevo siglo, y por tanto, aunque no conforme,hay que aceptarlo así. El que manda, manda....Con todo ello, y a mi humilde juicio, Theconstrucktion of light resulta poco equilibrado; ycuidado, que no estos diciendo no que no meguste ni que sea malo, sino que noto la ausenciade ciertos detalles que llenaban de magia susúltimas producciones.

En su favor destacar la labor de los músicos ensu conjunto, la brillantez de algunos temas (lasdos partes de The Construcktion of Light, Into thefrying pan o la actualizació nde Fracktured) y aesa incansable búsqueda de Fripp por el “más

allá musical” y que parece negado a la mayoríade grupos y compañeros de su generación. (***,Enric Prat)

Ciertamente, King Crimson es un gruponuevo en cada obra que publica (hacen loque les da la gana, sí, pero siguen siendoinconfundibles), y éste “The ConstrukctionOf Light” no iba a ser menos, por lo quetenemos aqu í una nueva rac ión desorpresa, de evolución, de modernidad, dele t ras c r íp t i cas y mús ica muy, muyarriesgada. Es éste un CD que tanto puedefasc inar a unos , como desconcer ta r(a lgunos se p regun ta rán ¿pero quédemonios han hecho?) a otros, aunque estoúltimo sólo sucederá en el caso de que eloyente no sepa exactamente quién son KingCrimson y a qué se dedican; de todasformas, “The Construkction Of Light” no esapto para todos los públ icos. Ante laevidencia de que este CD es incalificablee inclasificable, se me antoja observar quees un repaso a toda la historia del grupo(tanto por lo que sugieren los títulos como“FraKctured” o “Lark’s Tongues In AspicPart IV”, como por la música que contiene)ultramodernizado y radicalizado, desviadohacia la tecnificación, cierta frialdad (quizáalgo “ industr ia l”) , y mucha paranoia ysurrealismo, todo ello con un cierto toquefrívolo (escúchese ese absurdo, extraño yquas icómico “ProzaKc B lues” ) . “TheConstruKction Of Light” es un 30% de“Red”, un 20% del Crimson ‘81-’84 (hay unpoco de “Discipline”, prácticamente nada de“Beat”, y bastante de “Three Of A PerfectPa i r ” , sobre todo su segunda cara .Además,en las letras se citan de pasada“Elephant Talk” y “Frame By Frame”), un20% de “Thrak” y “Thrakkatak”, y un 30%de los “ProjeKcts” (sobretodo del Projekct2 y, en menor medida, del 3 y el 4), todoesto concentrado en una música áspera,agresiva y a lborotada (pero a l mismotiempo, estrictamente milimetrada) comopocas.Para empezar, el ya mencionado “ProzaKc Blues”(5.29), un inicio desconcertante, que desorienta,con una voz ralentizada realmente impagable(parece una especie de B.B. King cibernético ehistérico). A continuación, “The ConstruKction OfLight” (8.39, dividido en dos partes), uno de losmejores temas del disco, con un largo desarrolloinstrumental (atención a Trey Gunn) y unaextraordinaria parte intermedia en la quepodemos escuchar las secuencias de guitarrastan características del estilo “Discipline”,acompañado de una voz excelente y unas letrassurrealistas (“...a speck of lint in the penis of analien buried in gelatin beneath the sands ofVenus...”) de Belew. “Into The Frying Pan” (6.54)es lo más cercano a “Thrak” (y al Projekct 3; dehecho, es una versión pulida del “Masque Part

6”) del CD, un tema bastante potente y con lavoz filtrada. Bueno, aunque un poco másconvencional que el resto del disco. “FraKctured”(9.06) es una actualización radicalizada yendurecida, con momentos inquietantes(terroríficos) que son puro “Red”, del mítico“Fracture” del 74, y los dos juntos hacen muybuena pareja. “The World’s My Oyster SoupKitchen Floor Wax Museum” (6.22) vuelve aremitirnos a “Thrak” (bastantes reminiscenciasde “Vrooom”), con una letra y un título hermanosde “Sex Sleep Eat Drink Dream”, aunque denuevo aquí está todo llevado al extremo, con unasguitarras desquiciadas (hay un solo de “piano”que es puro “Thrakkatak”), Trey Gunn tomandomucho protagonismo (si hay un sucesor al “trono”,es él) con sus “Touch Guitars”, y Mastelottoexprimiendo sus extrañas percusioneselectrónicas.A continuación, la cuarta parte de “Larks’...” (9.07,dividida en tres partes), que cumpleperfectamente su función de poner al día losmíticos instrumentales del 73, como ya lo hizo latercera parte en “Three Of A Perfect Pair”,aunque saturando sus posibilidades con unsonido que es pura esquizofrenia (hay momentosen que cada instrumento va por su lado, conMastelotto rompiendo constantemente el ritmo,tal y como le gusta a Mr. Fripp, cada día másradical y complejo con su guitarra, convertida enuna inagotable fuente de locura). Para finalizar,“Coda: I Have A Dream” (3.56), unido al temaanterior, un tema de letra apocalíptica (se citanKosovo, Kennedy, el doctor Kevorkian...) ymúsica abigarrada, perturbadora (parece que elreproductor de CD vaya a estallar de un momentoa otro). Como bonus track hallamos “Heaven AndEarth” (7.46), del ProjeKct X, más relajado queel resto del disco, más atmosférico (con notablepresencia de “soundscapes”, de los que se haceun uso mucho más sutil en el resto del disco); untema instrumental excelente para concluir ésteCD, una obra extrema, única en su estilo, 100%anticomercial y nada accesible.Además, comentar que el libreto del CD es ideal,muy a tono con la música, frío (tonos metálicos yazulados), tecnológico e inquietante (esas cartasastrales azuladas que decoran el CD, muyreminiscentes de los “soundscapes”).No sé cómo calificar “The ConstruKction Of Light”(por cierto, no podían haberle puesto un nombremás adecuado al CD), pero es una puerta desdeel pasado abierta al futuro que sé que os gustará.(HECTOR GOMEZ)

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Martin Orford y John Jowitt son losmiembros más activos de IQ, por lo menos en loque respecta a su partipación en otros proyectos.Ambos han estado implicados intermitentementeen Jadis, Jowitt prestó durante un tiempo su buenhacer a Arena mientras que Orford ha colaboradoestrechamente tanto con Gary Chandler a dúocomo con el mismísimo John Wetton. Así, trasel excéntrico proyecto personal de Jowitt –Dirtbox-, en el cual también participó Orford, nos llega elmucho más tradicional álbum. Conociendo susentido del humor, no puedo dejar de pensar quellamarlo Classical Music and Popular Songsencierra una cierta ironía, aunque también muchode verdad.

No sólo Orford es un teclistaextraordinario como solista, sino uno de los másversátiles y uno de los mejores creadores defondos que conozco. Allí donde la utilización deteclados puede ser fatal para los momentosintimistas de muchos álbumes, eso no sucedecuando Orford está al mando. En general el tonode este álbum se aproxima más a la luminosidad

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de Jadis que al dramatismo emotivo de IQ,aunque Orford aprovecha para dar rienda sueltaa su pasión por lo clásico y hasta por el AOR.

Tras un precioso inicio pastoral, Thefield of fallen angels se nos transforma en un temade Jadis en toda regla, salvo por el hecho que elprotagonismo de la voz/instrumento solista pasade Chandler/guitarra a Orford/teclados. Y es quetenemos a la formación de Jadis al completo (GaryChandler, John Jowitt, Steve Christey y Orford,más David Kilminster a la acústica). Orfordsiempre ha hecho coros en los álbumes en queha participado, aunque no tiene como vocalistasolista el carisma de Chandler (aun así, cuandose llega a los coros eso poco importa). Un temaalegre, con algún toque folkie (esos teclados queasemejan gaitas), que encantará a los fans deJadis y un buen inicio.

Como explica Orford magníficamenteen el libreto, A part of me es un tema simple ydirecto, que podría salir de cualquier re-re-reuniónde Asia con John Wetton al frente (¡un momento,es que aquí está Wetton al frente!): corospegadizos, un magnífico solo de teclado, arreglosplenamente AOR, y un Chandler entregado ymucho más capaz que otros guitarristas pseudo-howe que han transitado por la machacadasuperbanda asiática.

Quilmes es un precioso ejercicio depiano que no sorprenderá a aquellos que recordéisaquel fantástico My baby treats me right ‘causeI’m a hard lovin’ man all night long, del álbumdebut de IQ. The days of our lives tiene unmarcado aire de balada a lo Genesis con PhilCollins, mientras que Fusion nada tiene que vercon delirios jazzísticos: se trata de un temainstrumental compuesto en su adolescencia alcual Mike Holmes le otorga el dinamismonecesario. Un buen precedente de lo que acabaríasiendo The Lens, la banda que finalmenteterminaría convirtiéndose en IQ

The final solution es rock melódico denuevo en la onda más Jadis (y de nuevo con todala formación), destacable por su habilidad en laconfección de los coros y su perfecta ejecución.The picnic, ¡oh, sorpresa! ¡Orford y una guitarraacústica! Un tema breve, bello y casi digno deHackett. A continuación será la formación de IQcasi al completo la que se reune para un tema deOrford que finalmente fue desterrado deSubterranea, titulado The overload (recordad queen The lost attic ya encontrábamos algunos temasque fueron concebidos inicialmente para aqueldoble álbum conceptual). Digo casi toda laformación porque aquí Mike Holmes estáausente, cediendo su parte a Gary Chandler, conlo que obtenemos un segundo aliciente teórico,el de comprobar cómo suena Chandler en loszapatos de IQ. Lástima que el tema le den pocasoportunidades de lucimiento y quede en unsegundo plano.

Tatras es un nuevo acercamiento a lamúsica clásica, concretamente al romanticismo

francés. En palabras de Orford, era un intento dehacer algo “parecido a un concierto de piano, yaunque consiste en un sólo movimiento, Tatrases lo más cerca que he estado de conseguirlo”.Este tema apareció en una versión sólo para pianoen el álbum en directo de Wetton Nomansland, yen esta ocasión se ofrece en su versión “original”.

Nada mejor para terminar este trabajoque un placentero tema instrumental, Evensong,inspirado por la campiña inglesa de Hampshire,con el inmejorable contrapunto de la guitarra deGary Chandler, en el que es quizás el mejormomento del entente entre ambos músicos eneste disco (la verdad es que si este tema hubierareforzado el Understand de Jadis éste lo hubieraagradecido mucho).Un disco algo heterogéneo, que se nota hechode retazos, siempre interesantes, pero que noterminan de darle consistencia al conjunto. Apesar de ello, es un pequeño regalo para los fansde Orford (***½, Toni Roig)

��*� ��/�2��.��,�<???4Todo el mundo lo sabe. A lo largo de la historiadel rock (y el jazz), los tríos han supuesto siempreun capítulo aparte, puntos de giro en momentos

clave y muchos aparecen rodeados de una ciertamítica. Personalmente me he sentido siemprefascinado por la energía y la magia tan particularde los mejores tríos (no en vano mi primer “amor”en la música rock fue The police y el primerorealmente progresivo ELP).La mera combinación de hammond-bajo-bateria,no excesivamente transitada, será capaz deprovocar un escalofrío de placer a más de uno.Pero Niacin no pretenden ser los nuevos Emerson,Lake & Palmer (afortunadamente), porque susplanteamientos son simplemente distintos, perono hay duda que Deep es uno de los mejoresdiscos para el 2000. Niacin es una combinaciónde elementos de altísima valencia, cuyatrayectoria previa define perfectamente susafinidades: Dennis Chambers a la batería (SteelyDan, Stanley Clarke, Parliament/Funkadelic yJames Brown), John Novello al Hammond B3(Edgar Winter, Chick Corea) y Billy Sheenan albajo (Mr. Big, Talas, David Lee Roth...).Afortunadamente el atractivo de Niacin va másallá de la calidad de sus músicos. Porque en elcampo del que intentamos en Lunar Wavesmostrar aunque sea un leve reflejo, no sorprendea nadie encontrar interpretaciones de alto nivel,por la propia naturaleza de la música. Si Niacines un triángulo de maestros, lo es también deestilos: el jazz, el funk y el rock (en éste últimoingrediente la sombra del blues-rock y el hard esalargada) se suceden, se combinan, se interpelancon facilidad pasmosa. Con ello Deep consigueevitar ser cansino a pesar de ser, con un únicaexcepción, instrumental y sus intérpretes siempreencuentran vías de escape para sus perfectascomposiciones. Es de ahí de donde surge lo

progresivo, como una síntesis de todos estosingredientes, sin complejos ni miedo a lasetiquetas. Es cierto que cada tema parte de unabase estilística concreta (el contagioso funky deSwin Swang Swung abre de forma inmejorableeste Deep), y que cada tema se acerca más auno u otro vértice del triángulo, pero en generalla química surge de la adecuada dosificación desus elementos. El segmento central del álbumes probablemente el más rock, con temas comoStompin’ Ground o Blue Mondo, o el jazz-rock dePanic Button con una escalofriante exhibición deBilly Sheehan al bajo (es casi inmoral destacarun momento instrumental en este tour-de-forceconstante, así que permitidme hacer esta solamención). Incluso se permiten alguna joyagenuinamente progresiva como Bootleg Jeans (elseñor Novello se sale de las teclas, segundamención, aunque no debería) o Ratta McQue (unode los tantos puntos álgidos del perfecto yendemoniado tratamiento rítmico la máquinaChambers y Sheehan, última mención honorífica).Es perfectamente coherente que en estostérminos Niacin se atrevan con un clásico de VanHalen, Mean Streets (¡para más inri una de losguitar-bands por excelencia versionada por un tríoinstrumental sin guitarra!).Things ain’t like they used to be supone unparéntesis radical en relación al resto del disco.Con dos colaboradores de lujo, Glenn Hughes alas voces y Steve Lukather a la guitarra, este temano deja de ser una correcta muestra de blues-rock de calidad aunque poco aporta a la propuestade Niacin. Cierra el disco un tema de “regalo”,Bluesion, que con su mismo título lo dice todo.Quizás Niacin haya nacido del deseo de unosmúsicos de crear un álbum único en su(s)género(s), si es que puede encajar cómodamenteen alguno, pero tenga o no continuidad, hanllegado mucho más lejos que buena parte de laproducción actual y, hay que reconocerlo, se haerigido ya en una de las propuestas más brillantesjamás editadas por el sello Magna Carta (****, T.R.)

�;�� * � ��0��2��//��,�<???4Swirly Termination es un trabajo tremendamenteasequible y agradable, que mantiene lasconstantes de los últimos trabajos de OzricTentacles sin rupturas radicales, pero con llevadohasta un un impresionante grado de sofisticación(sólo hay que ver esa curiosa portada que trazauna casi invisible espiral que atraviesa uno deesos paisajes típicamente Ozrics que pertenecena varios mundos al mismo tiempo, como su propiamúsica)Música instrumental de elevada sugerencia, quemezcla armónicamente elementos muy actualescon otros más clásicos tanto a nivel decomposición como de instrumentación. OzricTentacles han sido maestros en el acercamientode los desarrollos instrumentales tradicionalmente

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asociados al progresivo con las estructurascíclicas e incrementales de la música tecno. Estadualidad se da también en el uso de losinstrumentos, en esa tensión entre la secciónrítmica y los sintetizadores por un lado y la guitarrapor otro, pero también entre cada instrumento yél mismo, de forma que las líneas se llegan acruzar una y otra vez hasta quedar desdibujadas.Steep es una breve y perfecta vía de penetraciónen el mundo tentacular, con un espectacular solode guitarra, mientras que Spaced Out se define así misma: una flipada espacial que pone enpráctica a la perfección lo expuesto en el párrafoanterior.El viaje sigue la adrenalínica Pyoing, un viaje estavez hacia el espacio interior, pura alucinación aescape libre con un bajo que corta la respiración,hasta que la guitarra viene a devolverte un pocoel aire.Far Dreaming nos deja coger un poco de alientoen un tema ingrávido, dominado por unaatmosférica guitarra y ciertos apuntes árabes.Waldorfdub aporta el elemento reggae/dubtambién habitual en sus álbumes, con unasección rítmica que me recuerda a los añoradosjams instrumentales que Stewart Copeland ySting construían en directo en los primerostiempos de The police (y que más tarde retomaríael propio Copeland en su obra maestra RumbleFish).Kick 98 es un frenético trallazo rock, con unaguitarra dominante y endiablada, bajo ritmos deelevadísima temperatura y efectos cósmicos parano parar de bailar hasta caer agotado. Terapiamusical para cuerpo y mente.Yog Mandala es un largo tema, de basenuevamente reggae, con fondos étnicos ypausada gestación hasta elevarse en unfragmento de space-guitar algo repetitivo. A pesarde ser menos intenso que los anteriores, peroigualmente disfrutable. Podemos seguir confiandoen ellos (****, TONI ROIG)

/��1*��2�� ,�<???4Es normal considerar este trabajo como lacontinuación lógica del proyecto de DerekSherinian Planet X, aunque por lo que parece,

este Universe supone la presentación en sociedadde una nueva banda en formato power-trioinstrumental, completada por Tony MacAlpine(guitarras, que ha tocado junto a gente BillySheenan o Vinnie Moore) y Virgil Donati (bateríaque ya participó en el Sherinian’s Planet X y queha colaborado con el saxofonista BranfordMarsalis). Resulta así curioso que en un breveintervalo de tiempo haya surgido una nuevapropuesta de trío instrumental tras el maravillosoNiacin, aunque poco guarden en común.Probablemente el éxito de proyectos similares,como Liquid Tension Experiment, y los buenosresultados de sus dos álbumes con Platypus, quetambién contenían temas instrumentales y

espacio para jams, han espoleado a Sherinian adiseñar este álbum contundente a su gusto,arropado por músicos de primer orden. Se notaque Sherinian se siente cómodo y es por ello quea pesar de la irregularidad del conjunto podemosconsiderar que es uno de sus mejores trabajoscomo instrumentista.La mayor debilidad de Planet X es que consumemuchos minutos anclado en la pirotecnia, antesde elevar el interés a partir de King of the Universe,y ganar en variedad. Hasta ese momento el discono pasa de ser un correcto y espectacular ejerciciode rock progresivo agresivo sin muchos matices,funcionando más por acumulación que porevolución.En este sentido Clonus arranca el trayecto deforma predecible: tema duro y veloz, construídoa partir de una simple melodía permite a cadainstrumentista su momento de gloria, un ejerciciode calentamiento para impactar más que paraseducir al oyente. Los tres siguientes temasmantienen una estructura similar y se salvan porciertos apuntes melódicos a cargo de Sherinian(por ejemplo el estribillo de Her Animal), sinmenospreciar la entrega del trío patente en el solode guitarra de Bitch o el solo distorsionado deteclado del propio Sherinian.Tras el recitado introductorio de King of theUniverse la música da por fin un pequeño giroque reequilibra la propuesta, (sin que tampocoquiera decir que nos encontremos ante una obramaestra, ni mucho menos). Bajando latemperatura de la guitarra y subiendo la del bajo,los teclados toman el control en su tema másestructurado (y ello sin renunciar a su energía enbruto).Le sigue Inside black, que mantiene el interés ensu propia estructura algo caótica. Europa semantiene en un punto intermedio entre elmachaque de los primeros temas y el mayor pesode los teclados, al igual que en el agotador iniciode Warfinger. Sin embargo, Warfinger seinterrumpe bruscamente para dar entrada a unagradecido solo de bajo que rompe la monotoníadel exceso.Ignoro que es lo que les llevó a titular el siguientetema Chocolate, ya que se trata de su tema másespacial y abierto a la sugerencia. Pods of tranceaporta un acercamiento lúdico al hard rock conleves toques entre el jazz y el blues, lo que le dacancha a Sherinian para desmadrarse un poco,que siempre es bueno. Universe se despide con2116, que cuenta con un hermoso inicio y undesarrollo espasmódico, tan desigual como todoel disco. Un álbum muy indicado para los amantesde las emociones fuertes en formato instrumental.(***, TONI ROIG)

�C�� H�� E��.*� /�� 9��2�� 9H�1��,�<???4Por fin y tras una larga espera durante el mes deJulio tenemos en nuestras manos uno de lostrabajos del grupo puntero por excelencia en elambiente progresivo. Se hizo esperar este SpaceRevolver y por motivos de distribución se editóprimero una versión para USA (3 de julio) y enEuropa más tarde (17 de julio) en dos formatos,uno de Edición limitada (con formato distinto ylibrillo amplio) pero con la misma duración 76minutos. La edición Japonesa si tiene los famososbonus tracks y un cd mas, y es que son exigenciasdel mercado nipón, impuestas por susdistribuidores.Comentaré la edición europea que es a la quetodos nosotros tenemos fácil acceso.A estas alturas las exigencias para un grupo comoFlower Kings son altas y lo primero que hay quedecir es que “Space revolver” mantiene el nivelde calidad de los anteriores trabajos de los Flowersin entrar si es mejor o peor que otro Flower cd.Nos encontramos con un cd donde ya las

comparaciones no existen, el cd es Flower Kingsy suena Flower Kings. El cambio de JonasReingold al bajo por Michael Stolt da más fuerzay vitalidad al grupo, y sin duda el cambio ha sidobeneficioso. Nuevamente Roine hecha mano delcolaborador y amigo Hasse Bruniusson y de UlfWallander al saxo, dando un toque si cabe másFlower a las composiciones.El trabajo vocal y lírico está muy cuidado en Spacerevolver y las partes vocales abundan aquí conmuchos juegos y apoyos entre Roine y HansFröberg, el cual vuelve a tener su canción comoen Flower Power, pero interviene en muchas másocasiones que otras veces.El Cd comienza con la parte 1 de “I am the Sun “probablemente la composición mas elaborada ycon la aportación de todos los músicosdemostrando su calidad, destacando el tandemJaime Salazar– Jonas Reingold. Aclarar queJaime no aparece en los créditos de este trabajopor despiste de Roine, un despiste incomprensibledel cual ha pedido disculpas Roine a todos .“Dream on Dreamer” presenta a un Roine máscálido con Ulf apoyando al saxo. Es una canciónal estilo nana que conecta con la poderosa“Rumble Fish Twist” donde el gran Tomas Bodinpresenta su artillería a “su” estilo y es que Tomastiene una forma de tocar y acoplarse a Roine muysingular, no faltan sus toques característicos yruiditos que tanto le gustan, y que en “MonsterWithin” canción a “su” medida continúa. JonasReingold nos deleita con un pequeño “jazz free”de bajo que en directo me imagino que lo alargaráhasta dejarnos boquiabiertos. “Monster Within” ensus 12:55 minutos nos lleva por ambientes másruidosos y con una voz ecualizada de Roineintenta dar un ambiente de terror si cabe a lacomposición.“Chicken Farmer song” es la canción pegadizadel cd y la favorita para muchos, pero también laque más puede acabar cansando. Nos demuestrael potencial vocal del tandem Roine-Hasse´s y labelleza exquisita de los Flower.“Underdog” comienza de forma singular con unasgaitas y mezcla estilo country, que volveremos aencontrar en la siguiente canción “You don´t knowwhat you´ve got” pero con harmónicas.Nuevamente la base de estas dos canciones esvocal y la segunda es la canción para HansFröbrerg. “Slave to money” es una canción conmucho ritmo vocal y que nuevamente le toca aHans en la primera parte, pero ya el estilo es máscaracterístico de los Flower y Tomas vuelve areaparecer con sus teclas, lo cual se agradeceun montón.Y para el final dos auténticas, maravillas “ A KingsPrayer” con un Roine fantástico que nuevamentehace una composición de una delicadeza increíbley que nos llega a lo más profundo. Con “I am theSun (part two)” se cierra el Space revolver demanera brillante envolviendo el trabajo de todo elcd y cerrando a manera “reprise” el cd.Todas las canciones del Space están unidas lo

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cual se agradece y está hecho de manera quetambién se pueden escuchar de forma separadasin perder un ápice de música. Es un cd paraescuchar mucho antes de dar una opinión y queno impresiona porque a estas alturas todossabemos y hemos escuchado cosas de los Flower,pero el Space innova y da un paso más en en lacreación de un estilo no comercial pero accesiblea todos los progresivos y demás. Probablementees el destino de estos grupos punteros, que aligual que Spock´s crean su estilo de música perosin olvidarse de que viven de la música y tienenque hacer algo accesible a todos los públicos (merefiero a la gente del mundillo prog y similares), ypor eso yo creo que los grupos cada vez orientanmás sus trabajos al público americano, dandomás importancia al trabajo lírico-vocal y dejandoatrás las composiciones muy complejas, largas einstrumentales. De hecho en el ranking de losFlower Kings fans el “Stardust we are” ocupa lacabecera y parece que será el trabajoemblemático de este grupo y de toda la décadade los 90. (*****, IGOR HUERTAS)No sé si es bueno o malo, pero el grupo de RoineStolt y compañía sigue igual. Esto quiere decirque “Space Revolver” es un buen disco, comotodos los anteriores, pero no representa ningúntipo de progresión. Es más de lo mismo, cosaque no me desagrada tratándose de FlowerKings, pero según la faceta del grupo puedellegar a ser un lastre; me explico: hay excelentescomposiciones que siguen haciendo honor a lareputación del grupo, como las dos partes de “IAm The Sun” (sobretodo la primera, que recuerdaen algunos momentos a la maravillosa “My NewWorld” de Transatlantic, así como a locurasdignas de “Circus Brimstone” y líneas jazzy muyrefrescantes), que conforman una magnífica suitecasi tan buena como “Stardust We Are” (y máscoherente que “Garden of Dreams”) o “MonsterWithin” (un tanto confusa, pero envolvente; untema al estilo de “Deaf, Numb and Blind” ),canciones típicas como “Slave To Money” o “AKings Prayer” (secuelas naturales de “KingdomOf Lies”, “Painter” y similares), miniaturasdiscretas como “Dream On Dreamer”...y cosasflojitas como “Underdog” o “You Don’t Know WhatYou’ve Got” (insoportable cúmulo de pajaritos,guitarritas y gorgoritos dignos de un grupo de“Cumbayás” alrededor del fuego). Lo másinteresante y novedoso es el instrumental“Rumble Fish Twist”, bastante alejado del estilocaracterístico del grupo y cercano al jazz fusióny otras sonoridades más frescas y libres (su partefinal da buena cuenta del gusto de Roine Stoltpor la música de películas). Creo que deberíanexplotar más ésta faceta jazzística.Jonas Reingold hace un excelente trabajo al bajo,pero no difiere demasiado de lo que hizo MichaelStolt en anteriores entregas, y hay algunostoques cercanos al heavy (Salazar empleaprofusamente el doble bombo en el CD; en laintroducción de “Rumble Fish Twist” parece MikePortnoy...¿influencias transatlánticas quizá?) untanto desconcertantes, pero con gancho. Losdemás miembros siguen excelentes, pero nosorprenden. En todo caso, hay que agradecerun mayor protagonismo del excelente UlfWallander en algunos temas (debería ser unmiembro oficial de la banda, y no merocolaborador).Después de escuchar “Space Revolver”, sientoque el disco empieza y termina muy bien, peroque tiene una parte central muy floja con temasde relleno; no decepciona, pero tampocoentusiasma. Hans (o Hasse, o como se llame...)Fröberg me parece un tipo insufrible al que Roineno debería dejar componer (y casi cantartampoco, pero no seamos crueles... aunquepueden acabar pareciendo Europe si ésteterrorista sigue minando la salud del grupo),

porque hasta ahora solo ha hecho temitasedulcorados y tópicos dignos de Michael Bolton(y eso que su aportación compositiva en ésteCD sólo dura dos minutos, no aquellos torturantesocho que alcanzaba “Magic Pie”). Lo que sí quees cierto es que en éste CD no hay un “In TheEyes Of The World”, un “Retropolis” o un “BigPuzzle”, y que “Stardust We Are” sigue estandomuy, muy arriba (no me cabe la menor duda deque ese es el trabajo por el que los Flower Kingsserán recordados...de momento, espero).La presentación del CD es exquisita, muyatractiva visualmente, pero sigue presentandoextrañas deficiencias, que se repiten disco adisco, y que conciernen principalmente a lainformación de miembros y composición: elnombre de Jaime Salazar no aparece por ningunaparte (y eso que su participación en el disco esmás que evidente), y no figura por ninguna partequién o quienes son los compositores de “RumbleFish Twist”. Eso sí, los gráficos y fotografías dePer Nordin son preciosos.No sé, creo que el grupo necesita replantearsesus propuestas, componer menos y mejor (oquizás aprovechar más las ideas desarrolladasen sus numerosos proyectos paralelos), y nodejarse engañar por los halagos.Habrá que verlos en directo y averiguar si se lepuede sacar a “Space Revolver” más jugo delque aparenta tener.“Space Revolver” no es el “Open Your Eyes” delos Flower Kings, pero deja entrever unagotamiento de ideas ciertamente preocupante.(***½, Héctor Gómez)

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Segundo CDeditado por Margen tras laexcelente acogida delprimer Músicas desde elabismo. El impacto delprimer volumen haprovocado un cambiosubstancial en lapublicación gallega, hastael punto que Margen pasaa ser una publicaciónbisemestral en la que cadanúmero contendrá unnuevo volumen deMúsicas desde el abismoy un CD extra. En estaocasión, Rafa Dorado yequipo han preparado unnuevo cóctel de músicas innovadoras intentandocubrir nuevos espacios y dar cabida a nuevas yen ocasiones fascinantes propuestas. Como enel primer CD de la serie, también de obligadaadquisición, los temas han sido agrupados porciertas afinidades, aunque aquí se han reducidolas categorías, creo que de forma acertada, yaque eso le da mayor unidad al conjunto. Así loétnico, que tenía una representación testimonialen el primer MDEA, gana peso en cantidad ycalidad. Personalmente, Paranoise, con suWedding Chant han resultado un hallazgoextraordinario. Esta banda americana se dedicaa construir un fondo rock paralelo a temas vocalestradicionales africanos, de ahí el hábil juego deletras. Una buena muestra de lo que podría habersido el Rythmatist de Stewart Copeland si sehubiera centrado más en las guitarras que en lossintetizadores. Lászlo Hortobágyi se acerca a lamúsica griega con un fuerte trasfondo oriental delque él es un gran experto: un cántico espiritual ala vez marciano y arrebatador, sobre el que sevan fundiendo sonidos que crean un conjunto

realmente mutante, en una especie dereencuentro entre oriente y occidente. Moedra,de vidnaObmana (no está mal el título) es unamisteriosa melodía guiada por una lejana flautade pan.

El segundo apartado, músicas desdeun abismo cíclico y espacial se inaugura conArtemiv Artemiev (curiosamente, el hijo deEdward Artemiev, músico de los films de midirector favorito, Andrei Tarkovski) y sus fantasíasespaciales para guitarra y sintetizador bajo elinflujo musical del también cineasta JohnCarpenter. Force Majeure nos proponen atrevidosjuegos electrónicos afines a Tangerine Dreamdesde Finlandia y Ozone Player presenta unaacumulación de elementos en tono bajo y conecos del añejo OIdfield.

El último segmento, Músicas desde unabismo homogéneo, a veces jazzy o caótico esun poco “cajón de sastre”, pero también el quedepara mayor número de sorpresas: Bjorn Lynne,viejo conocido de Lunar Waves, se desenvuelvepor los parámetros más típicamente neo-prog,entre sintetizadores y guitarra acústica, levementeétnico aunque con diversas texturas en sutrasfondo. José Luís Prieto presenta una perfectalección de guitarras dobladas en plena tradiciónhard-prog mientras que los recuperados KosmicMuffin nos ofrecen un osado y ambicioso temajazzy sólo lastrado por un despreocupado(conscientemente) trabajo vocal. Viaje a Erlebnisnos muestra cómo suena Magma en versiónchilena, o el caos de la mano de Akinetón Retard.Probablemente el 2000 sea el año de DifícilEquilibrio, así que no podían faltar con un avancede su inminente nuevo trabajo, en el más allá delas obvias influencias King Crimson me han hechorecordar el trabajo de Andy Summers, tanto enlos olvidados temas instrumentales de The police(¿alguien recuerda Shambelle?) como sus

colaboraciones con RobertFripp. Finalmente,NeBeLNeST, con su Improv.1 da lo que promete. Se tratade un hueso duro de roer, untema RI(O)tual quelentamente va cobrandoforma.

En definitiva undisco seductor, que sabeponernos en contacto con lacantidad de calidad que existea poco de rascar un poco enla superficie de la músicacontemporánea, y eso graciasa estar en manos no sólo dela mejor selección sino de losmejores seleccionadores.

¡Y atención! Porque por si fuera poco,en esta ocasión el CD extra viene de la mano nimás ni menos que de la discográfica italiana BlackWidow, de la que Alfonso Algora os hablóextensivamente en nuestro número anterior.Children of the black widow es una ocasión únicade acceder al aparentemente tenebroso mundode la viuda negra. Como buen ignorante de laescudería Black Widow, tengo que reconocer queAlfonso ha tenido un gran ojo clínico a la hora deescoger lomejor deB l a c kWidow. Ag r a n d e srasgos, lamúsica de ladiscográficase divide endos grandeslíneas: unade ellas escuidadísima

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música progresiva, con fuerte influencia medieval,de planteamientos algo más oscuros de lo habitualpero muy atractivos para el amante del género(UTO, Abiogenesi, Gian Castello, Il segno delcomando...). Por otro lado encontramos unconjunto de propuestas más endurecidas,adscritas al rock gótico, la psicodelia o incluso alpunk-rock, tremendamente desiguales pero engeneral poco interesantes (en algunos casosfrancamente horribles). El CD se abre a lo grandecon UTO, con un bellísimo tema al piano,violoncello y voces angelicales, que trasciendelas fronteras del rock para convertirse en unclásico con urgencia. Otros momentos de interéscorren a cargo de Presence (música cargada deatmósfera y misterio, con más voces femeninas),Gian Castello (más coros femeninos en un temade aire medieval), Il segno del comando (con untema instrumental donde lo fantasmal nosmuestra su lado más amable), Standarte (únicotema del CD grabado en directo, con unaapreciable exhibición de dominio del Hammond,lo que le añade un adicional encanto retro) y porsupuesto Abiogenesi, puramente italiano, con untema en el que la música pide paz mientras lavoz (aspecto a mejorar) entona tenebrosos cantos.En el otro extremo, para espíritus más prosaicoso amantes del cachondeo os recomiendo unaatenta escucha al tema Promises, de Northwinds,puro macho-rock con reminiscencias musicalesde los primeros Rush y una letra impagable (paramuestra un botón: “See my big erection/Readyfor ejaculation”; todo romanticismo y sutilidad).Children of the Black Widow es un inmejorablepunto de partida para atravesar las puertas delcastillo de la viuda negra. A pesar de algún queotro susto vale mucho la pena. (T.R.)

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El tercer álbum de los noruegos WhiteWillow se presenta con una total remodelaciónde su formación, que de hecho ha ido variando

disco a disco. Sólo Sylvia Erichsen y Jacob Holm-Lupo repiten en relación a su álbum anterior; dehecho Holm-Lupo es el denominador común delos tres álbumes de White Willow y es claramentesu alma-mater. Su personal visión musicalimpregna todos sus trabajos hasta tal punto demantener una coherente evolución, a pesar detodos estos vaivenes. Cada disco de White Willowes distinto, pero forma parte de un continuum,del que Sacrament se erige en último eslabón, ydonde se combinan con singular acierto lo vocaly lo instrumental, o citando a Eisenstein, lo viejoy lo nuevo.

Anamnesis consta de dos seccionesclaramente diferenciadas. La primera es uno delos fragmentos más delicados y frágiles que heoído en mucho tiempo y Sylvia Erichsen una delas voces más dulces que lleguen a fluir a través

de unos altavoces (para mi gusto Sylvia estáincluso más acertada en relación a su notablelabor en Ex Tenebris). Emoción (auténtica) a florde piel, que abre Sacrament con mano maestra.Poco a poco la percusión, el órgano y el bajo sevan incorporando para avisarnos de la perfectatormenta que está a punto de estallar. De repentese cierne la oscuridad y los ambientes nórdicoslo dominan todo. La voz de Sylvia se transformahasta parecer poseída por el espíritu de Bjork enuno de sus momentos torturados.

Paper Moon parece el encuentro entrediferentes personalidades musicales que tienenen común hurgar en los más recónditos lugaresdel alma humana: desde Porcupine Tree, denuevo Bjork y el llamado pop-rock emocionalencarnado por bandas como Unbelievable Trutho los Radiohead más intimistas, se funden conlos intereses más genuinamente White Willowen un tema que busca (y encuentra) un punto deequilibrio, moderno, etéreo, un gran hallazgo.

The crucible es un tema instrumentalque recupera el ambiente lírico y medieval tanquerido por Holm-Lupo, puro alimento para lasensibilidad que desemboca en una fiesta paralos sentidos: una alegría inquebrantable seapodera de la flauta, (¿es esta vez Ian Andersonse filtró en las sesiones de grabación?), quearrastra hipnóticamente a toda la banda, plagandoel tema de influencias árabes y beneficiandosede un portentoso trabajo de las guitarras.The last rose of summer es una limpia baladacantada por Jacob Holm-Lupo y Sylvia, al cual lesigue Gnostalgia, un tema cargado de atmósfera,con una Sylvia pletórica y sobrecogedores pasajesde flauta y oboe.Una melodía infantil abre The reach, tras la cual,Sylvia se transmuta en la quebradiza y firme vozde una Tori Amos, para sumergirnos en unambiente subyugante, a la vez que los músicosvan construyendo un magnético entramado deantigüedad y modernidad, lo que les terminaacercando -tenía que decirlo- a los mejoresAnglagard, valga la redundancia. El final de Thereach, con Sylvia repitiendo el coro inicial es unpunto y final memorable para otro gran disco deWhite Willow, el mejor para mi gusto personal.Tras Ex Tenebris, White Willow han dejadodefinitivamente la casa de Tanatos y se aproximanpoco a poco a la de Heros, con una bolsa de viajeen la que saben incorporar lo mejor que vanencontrando en su camino. (****½, Toni Roig)

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Tony Levin, en estos últimos tiemposestá que no para. Un disco en solitario conmúsicos afines al genio Gabriel y proyectos conla gente de Dream Theater (Liquid TensionExperiment), con Bill Bruford (Upper Extremities),o con Bozzio y Stevens se han ido sucediendo alo largo de estos años al margen de su militanciaen su ahora ya ex-grupo King Crimson.Con Bozzio y Stevens, recordemos, grabó el año97 un trabajo denominado Black Light Syndromey que a raiz del entusiasta comentario de micompañero y amigo Roberto Gracia no tuve másremedio que lanzarme a por él. Gracias desdeaquí.

Tres años después nos llega unanueva grabación del trío denominada: “SituationDangerous”. Y os puede asegurar que elimpecable trabajo de estos tres experimentadosmúsicos queda de nuevo reflejado en este nuevocapítulo.

Los planteamientos son básicamentelos mismos: música instrumental que bebe defuentes tan variopintas como son el hard-rock, lamúsica vanguardista e incluso el flamenco (enrelación a esto último, Stevens ha editado hace

poco un CD con el amenazante título de“Flamenco a go go”, lo digo para los lectores másvalientes).Pero parece ser, y lo digo por el resultado final,que se han tomado más tiempo a la hora decomponer y grabar el disco (recordemos queBlack Light se grabó en tan sólo cuatro días): lostemas están más estructurados, con más detallesy se percibe menos improvisación.

En cuanto a los temas, los hay detodos los colores: potentes (“Dangerous”, “Crash”y “Lost”), ambientales y llenos de matices(“Endless”, con un cello por parte de Levin quepone los pelos de punto y “Spiral”), o comodecíamos anteriormente temas con un marcadoaire flamenco (“Tziganne”), y es que a pesar de lavariedad de estilos que tocan en todos ellos seperciben detalles técnicos propios de maestrossobradamente experimentados y con una actituddesafiante al riesgo (son años de trayectoria y senota); eso les da libertad par hacer lo que quiereny como quieren.Por lo tanto un muy buen trabajo del trío, quizásno tan espontáneo como el primero, pero rico ysiempre jugoso por la calidad de los implicados.Esperemos que Levin continúe impulsando yparticipando en proyectos de este calibre; meconsta, es un tío sin un pelo de tonto (****, EnricPrat)

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Bruford y Levin son entrañables, sehacen querer y respetar. No le hacen ascos anada, tienen amigos por todas partes y, sobre todo,son grandes músicos y honestas personas. Este“Blue Nights” corrobora que, definitivamente, losuyo es crear música, pasárselo bien y, de paso,hacernos disfrutar a los demás. La músicacontenida en éste doble CD (106 minutos en total)es irresistible e inclasificable, una afortunadamezcla de sonidos crimsonianos, jazzísticos yvanguardistas de altísimo interés y disfrute. Apesar de resultar un cuarteto eminentementerítmico (y hay aquí una auténtica exhibición de

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batería y stick), la trompeta de Chris Botti y losefectos guitarrísticos de David Torn (especie deprimo hermano de Robert Fripp) son ciertamenteinsustituibles. Upper Extremities exprimen lostemas, en medio de pasajes de jazz postmodernoy absoluta independencia (que no desorden) entreinstrumentos, hasta que ya no dan más de sí;rítmica demoledora en “Etude Revisited” y “CobaltCanyons”, crescendos emocionantes como los de“Picnic On Vesuvius” y “Three Minutes Of PureEntertainment” (no por casualidad, los dos temasmás largos del disco, con diez minutos cadauno...los chicos se toman su tiempo para modelarsu sorprendente sonido), ambientes electrizantesen “Dentures Of the Gods” y “Piercing Glances”,jazz “casi” puro en “Original Sin” y “Deeper Blue”(con ese título...)... Las guitarras de Torn, enparalelo con las de Robert Fripp, recrean milesde sonidos y texturas que le dan a cadacomposición su propia personalidad, matizada porlas constantes e imprevisibles pinceladas de laexquisita trompeta de Chris Botti, un maestro dela discreción y la elegancia. De Bruford y Levinpoco puedo decir; ambos están extraordinarios yhasta más desmelenados que de costumbre.

Ellos disfrutan, y nosotros también, yaque los dos CDs transpiran esa vitalidad y libertadque consiguieron los intérpretes en los escenarios,unos escenarios pequeños y acogedores (HouseOf Blues, Birchmere Theatre, Bottom Line...)rodeados de un escaso pero entusiasta público,tal y como nos explica un simpático Tony Levinen sus entretenidas notas (llenas de datos yanécdotas, como la inoperancia de Bruford parahacer de copiloto y guiar a Tony Levin por lasenrevesadas carreteras yankis) sobre la giraincluidas en el “booklet” del CD. Un aliciente máspara ésta obra imprescindible (y a un precio muyrazonable: 2600 el doble CD)de sobriapresentación y contenido brillante, en la que loúnico que sobra es ese “Outer Blue”, uninnecesario e inoportuno “bonus track”, un remixde temas del grupo realizado por un tal SplatterCell, nombre que intentaré olvidar ya mismo.

Música compleja que no entra a laprimera, pero que implica al oyente de forma muyintensa y acaba entusiasmando. (****, HéctorGómez)

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Pioneros del metal progresivoamericano en los años ochenta, Fates Warninghan contribuido a desarrollar un subgénero quese ha acabado conviertiendo en uno de los máspopulares en la actualidad. Fates Warning haseguido los pasos de bandas como Queensrycheo incluso Metallica, y ha influído en bandas comoDream Theater, Shadow Gallery o Digital Ruin.Como es de rigor mandan los riffs y lasalternancias entre ritmos y texturas opuestas,aunque Fates Warning tienden a una mayorausteridad incluso que Queensryche (enDisconnected no hay prácticamente solos tal ycomo los entendemos, sino riffs y más riffs). Labanda actual está compuesta por Ray Alder (vozy co-letrista), Jim Matheos (guitarra, compository co-letrista). Joey Vera (bajo), Mark Zonder(batería) y, desde 1996, Kevin Moore, elprestigioso teclista original de Dream Theater.Otras señas de identidad en relación a los grupospioneros del metal-progresivo es en su uso de losteclados y una mayor tendencia a lo melódico.En su trabajo con Fates Warning, Moore se revelamás próximo a su faceta de creador de atmósferas(como hizo en Chroma Key, su proyecto paralelodel que se acaba de publicar su segundo CD),que a la de teclista prestidigitador de su ex-superbanda.

Para Disconnected, Fates Warning

han tenido la suerte de contar con un productorcomo el veterano Terry Brown, muy solicitadoúltimamente. Disconnected es un disco quevuelve su escéptica mirada a los peligros del futuroinmediato, la incomunicación, la amenazatecnológica... temas recurrentes para un álbumtemático más que conceptual. El CD se abre yse cierra con sendos temas instrumentales:Disconnected 1 y 2, bastante perturbadores y delque destaca el motivo central del álbum y en lasegunda parte el emotivo final al piano. Otrostemas destacados son Pieces of me, una tímidaaproximación a la fusión entre el metal y laelectrónica (acercándose a unos White Zombieaunque obviamente en otro registro); Somethingfrom Nothing, uno de los temas más largos deldisco, se inicia emitiendo sonidos envolventes,que nos llevan hasta una sección donde seestablece un diálogo entre lo eléctrico y loacústico, muy a la (centro)europea, para recuperarfinalmente su desasosegante introducción. En Stillremains, lo más parecido a una suite que ofreceel disco, la velocidad se torna angustia mientrascada instrumento añade su particular calidad enla carrera final sin traicionar su modus operandi.Uno de sus mejores momentos instrumentales,al otro lado del espejo de la seductora saturacióndel sonido Dream Theater.

En definitiva un disco interesante ymeritorio por su estricta disciplina, que gustará alos fans del estilo (***, TONI ROIG)

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Chronometree es otra agradablemuestra de rock sinfónico lúdico desde Tenessee,

que narra con irónico sentido del humor unahistoria conceptual que no tiene desperdicio: Tom,el personaje central es un adicto al rock progresivoy en especial a Close to the edge, hasta el puntoque empieza a oir extrañas voces surgiendo delvinilo, procedentes del espacio exterior y que ledan instrucciones sobre cómo construir una

extraña máquinadel tiempod e n o m i n a d aChronometree(?!). Tansurrealista comoun disco de Gongy purometaprogresivo.

E s t eálbum de Glasshammer (el primero que he tenidola ocasión de escuchar) rinde lógico homenaje alsinfónico clásico: Fred Schendel es una auténticabestia de los teclados, sobre todo el Hammond, ycuando toma el control no pierde ocasión deacercarse sin miedo a los confines del reino deKeith Emerson (fragmentos instrumentales comoEmpty Space, Revelation y Shapes of the morningson simplemente asombrosos). Por otra parte, lasguitarras se encargan de rendir tributo a SteveHowe: de ellas se encargan Terry Clouse, el propioSchendel y...¡un tal Arjen Lucassen!

Chronometree funciona mejor en supropio virtuosismo instrumental que en suscomposiciones, compactas e intermitentementebrillantes, pero que suelen dejar un poco a medias(un momento que llama la atención por susingularidad es el melancólico Carousel, con unmarcado toque Radiohead, y en el que el cantanteBrad Morter se siente más cómodo que en otrassecciones vocales más tradicionales).Tras una escucha sin demasiados sobresaltosllega el clímax final, titulado paradójicamenteChronoverture, tras lo cual tenemos un pequeñocastillo de fuegos artificiales, con guitarras yteclados en plena traca final, y a modo de ecofinal un precioso y breve tema de aires medievales,que deja un buen sabor de boca a un disco si nohistórico al menos curioso. (***, Toni Roig)

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��2��/�� ,�<???4Muy interesante cuarteto canadiense

que practica un progresivo instrumental,comprometido políticamente y lleno de contrastes.Three meals from revolution es su tercer álbum yla formación está compuesta por Mike Anderton(bajo), Tracy Gloeckner (batería), Gary Bourgeois(guitarra) y Elio Bruno (teclados). La música deThree meals from revolution, que se ha gestadodurante un año se asemeja a una versión ligera(por asequible, no por superficial) de las primerasencarnaciones de King Crimson, tamizado por losDjam Karet más accesibles y el sinfonismo delos Yes de Time and a word o The Yes Album(incluso hay ciertos toques Oldfield).

Mind Gallery es, de los grupos que heconocido últimamente, quien mejor sabecombinar un grado enorme de libertad decreación, ansias de experimentación a la vez quejuega con los elementos más reconocibles delrock progresivo clásico. Sus temas parecen crecerde forma natural, a partir de una estructura sólida

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pero que no compromete su frescura y lo hacesumamente próximo.

Una de las cosas que más llama laatención conforme el álbum va avanzando es suatemporalidad. Un uso muy consciente de losteclados y una producción brillantemente austerahacen que este álbum parezca proceder de laebullición de los setenta, sin que necesiten imitaro recrear ningún referente en particular.

En ocasiones, como en “To the fourwinds”, se suceden los pasajes plácidostransgredidos por irrupciones guitarreras de lasque Fripp se sentiría satisfecho, construyendo unarmazón casi narrativo. “Armageddonouddahere”(no se me han ido los dedos) es másrepresentativo del estilo de la banda: un temaambiental que despega lentamente para crecer ycrecer hasta el infinito, con una espontaneidadque no parece reñida con una extraordinariaprecisión y definición de ideas. Temas como“Nothing is not” sorprenden porque a la vez queestablecen un vínculo directo con la mismamúsica en la que se inspiran tantos gruposprogresivos, suenan radicalmente distintos a loque estamos acostumbrados (ese ajustadísimo yenérgico solo de teclados en duelo perenne conla guitarra, superlativos todos ellos, la verdad).

A pesar que Mind Gallery demuestransobrado talento para temas de menor duración,en los que aprovechan para introducir mayoreselementos melódicos (The increate) o inclusoinfluencias clásicas (Martin Orford firmaría sinpensárselo un tema como Ennul in you)., su fuertees desarrollar sin estridencias sus temas el tiempoque necesitan, recurriendo al folk (Medieval toFullevil o Custer’s Last Stand, que probablementeencantarían a los fans del primer Oldfield) y alrock sinfónico cotidiano como en la deliciosa yyessística What goes a round.

Un rock progresivo de primer orden,que trasciende límites temporales con naturalidad,una auténtica y tentadora bocanada de aire fresco.(****, Toni Roig)

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Segundo trabajo de esta bandaalemana algo desconcertante, autores de un debutmodélico dentro de la escena neoprog, aunqueescasamente original, Deliverance. Ahora nospresentan un álbum más duro (aunque enDeliverance ya existían chispas metálicas endiversos temas), aunque también más diverso ymaduro. Encounters consta a grandes rasgos detres temas, el último de los cuales se desplegaen diez temas ligados a modo de suite, tituladaprecisamente Encounters.Si nos atenemos al primer tema, “No way out”,no parece que nos alejemos demasiado de unamuy correcta aunque ya conocida revisitación delestilo Queensryche con toques de Live. “Essenceof life” ya prefigura un cambio: a pesar de seguiruna línea predominantemente eléctrica contienenumerosos contrastes y elementos puramenteprogresivos. Y es que Sylvan dirige su miradamás a gente como Pearl Jam que al metalprogresivo más adocenado. A ello no es ajenoque la voz de Marco Glühmann tenga ciertassimilitudes a la del cantante de la banda de SeattleEddie Veder, combinada con inflexiones cercanasa Geoff Tate, James La Brie e incluso a RayWeston, la voz más reconocible de Echolyn.¿Unos Pearl Jam progresivos? Bueno, tampocoes imposible, y más teniendo en cuenta discoscomo Yield o Binaural, sumamente setenteros ensu concepción. Sea como sea, se trata de unaaproximación que diverge de la línea dominantedel hard rock progesivo y merece al menos porello un reconocimiento.

Al igual que en Deliverance, mi mayor

crítica al sonido Sylvan va dirigida a su teclista,Volker Söhl, no porque no sea competente en suejecución, ya que su técnica es irreprochable, perosu paleta de sonidos es francamente limitada. Susmejores momentos van siempre ligados al usodel piano, lo que sucede –afortunadamente-bastante a lo largo del álbum. Otra historia es suhermano Kay, omnipresente a las guitarras y piezaclave, junto a una adecuada sección rítmica.El tema “Encounters” es el lienzo donde Sylvanlanzan todos su cartuchos. Se nota que hanemprendido este proyecto con mucha seguridad,tanto en sus momentos más eléctricos como ensus registros más ligeros (“Your Source” es undelicioso tema pop que reune en otro extrañomatrimonio los propios Echolyn con CountingCrows y que contiene como valor añadido unrelajante pasaje de saxo). A pesar de algunosempalmes chirriantes, el tema “Encounters”navega sin hundirse en diversas caras del progcon la mirada puesta en el rock americanocontemporáneo y es en su punto medio donderevelan su máximo atractivo (“About to leave”, “Allof it” o “Presentiments” son buena muestra deello).El hecho que en “In Vain” se deslice un pasajejazz no es que resulte especialmente rompedor,pero sí es un compromiso que se agradece en sucontexto; probablemente “In vain” sea de lo máscaracterístico de lo que buscan sus músicos enúltima instancia. Rock progresivo energético, queacepta sus convenciones pero intenta no caer enlos tópicos, un buen salto adelante de una bandaque seguro nos acabará legando obrasimportantes. (***. Toni Roig, si disfrutásteisDeliverance o tenéis buena disposición, ***1/2).

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Los habituales lectores de LunarWaves ya sabéis que procuramos dar lainformación mas variada posible con respecto alos discos que van apareciendo y que seencuadran dentro del ámbito del denominado rocksinfónico, prog-rock y/o derivados. La información,

entendemos, debe de abarcar las que serelacionan con músicos o grupos que en la décadadorada del estilo -años 70- fueron relevantes demanera que así se les sigue la pista y no nosolvidamos totalmente de ellos.

En esta línea se sitúan los comentariosa estos dos discos de la que fuera cantante deRENAISSANCE, Annie Haslam y ello a pesar deque hoy por hoy el contenido de los discos quepublica esté mucho mas cercano al pop pseudosinfónico que al rock , lo que no utilizo en absolutoen sentido peyorativo puesto que en música -comoen todo- para los gustos están los colores y puestoque escuchar a Annie Haslam no deja de ser unplacer para los oídos; su timbre no ha perdido entodos estos años ni potencia ni calidad.

El primero de los discos objeto de estecomentario conjunto “LIVE Under Brazilian Skies”no es nuevo, tiene ya mas de dos años ya que fuepublicado en 1998 y recoge el contenido de unconcierto ofrecido en Rio de Janeiro en Marzo de1997 y en el que Annie estuvo acompañada tansólo por el multiinstrumentista David Giblin ,

músico de estudio en cuyo “currículum” seencuentran colaboraciones con artistas como ArtGarfunkel, Laura Branigan , etc y que adorna lostemas con base de piano o guitarra acústica.

Creo que para los seguidores deRenaissance que puedan estar interesados en eldisco lo mas rápido y operativo es citar el repertorioque se incluye en el cd que la verdad es queresultó bastante acertado.

De RENAISSANCE se incluyenversiones sencillas de “Carpet Of the Sun” , “Ithink of you” , “The captive heart” (en una versiónrealmente preciosa con un Giblin al piano y corosfenomenal), “Spare Some Love”, “Northern Lights”y “Let it Grow” (rescatada de Ashes Are Burning).Seis canciones que Annie canta con emoción.

De sus pocos discos publicados ensolitario (Annie In Wonderland, Still Life, AnnieHaslam, Blessing In disguise) se incluyen otrosseis temas , a saber “Blessing In Disguise”,“Seashell Eyes”, “Nature Bo/If I loved you”, “Afeterthe oceans are gone” y “Brazilian Skies”. Incluyeun estreno el tema “Summon The Angels” queforma parte de su disco publicado en el 2000El disco se completa con dos versiones, el“Moonlight Shadow” de Mike Oldfield y la yaconocida versión del “Turn Of the Century” de Yesmuy acertada ya que encaja perfectamente conla voz de Annie. (***, Roberto Gracia)

El segundo disco objeto de comentario“THE DAWN OF ANANDA” es otra cosa. Se tratadel primer disco en estudio de Annie Haslamdesde 1994, acaba de ser publicado y para mí ,sin lugar a dudas es su mejor disco desde ladesmembración de Renaissance.

“The Dawn Of Ananda” es un discoque sin ser musicalmente conceptual si que segira en su integridad en base a temascomunes,como el deseo de la felicidad completa

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(Ananda es una palabra hindú que significa eninglés “Bliss” y la traducción de “Bliss” es algoasí como “felicidad completa”) o como el de losAngeles ; de hecho el disco está dedicado a “todoslos ángeles celestiales y terrenales” y cuatro delos temas incluyen en su título la palabra “Angel”.Se trata, en todo caso de diez temas que cuentandiez historias reales o ficticias y que cada unaencaja adecuadamente con su adaptaciónmusical.A nivel de composición los textos de las diezcanciones que se incluyen son propios de Anniey la música se reparte entre Michael Dunford ,Rave Tesar, David Biglin (citado antes) , TonyVisconti , Mickey Simmons y Larry Fast. Nombresbastantes conocidos y músicos con los que Anniehabía trabajado previamente . La produccióncorre a cargo generalmente de Rave Tesar aexcepción de los temas compuestos por Visconti,Simmons y Fast en los que se encargan tambiénde la producción y de la interpretación de buenaparte de la base instrumental.

Predominan en un noventa por cientolos teclados y el acompañamiento orquestal demodo y manera que en este sentido es un discoinstrumentalmente sinfónico, tan es así que lapresencia de batería en créditos se limita a trestemas y la del bajo a uno. Esta utilización masivade la base orquestal en ocasiones rememora elestilo Renaissance (caso de “Precious One”,“Summon The Angels”, la sencillamente deliciosa“A Thousand Angels” o de la no menos deliciosa“Angel Blue” con la que concluye el disco y queincluye unas variaciones de piano y orquesta ensu parte final que seguro que os hacen pensar enese querido y singular grupo ) pero en ocasionesla instrumentación y la forma de cantar recuerdaal estilo de cantantes del pop americano comopueda ser Barbra Streisand (caso de “Twig”,“Michael Prince of Angels” ) por citar unareferencia ampliamente conocida.

Disco en el que Annie derrochasentimiento y emoción; disco de melodíassensibles como nubes aterciopeladas, discosimplemente para disfrutar de una vozverdaderamente “angelical” y nunca mejorempleado este símil, de una de las voces quebien podían haberse dedicado - y posiblementetriunfado- en géneros clásicos como la ópera yque sin duda es una de las mas bellas que hemosescuchado en el sinfónico. No es rock,obviamente, pero a poco sensible que uno seaes díficil no rendirse a temas tan bellos como “AThousand Angels”, “Angel Blue” o “Precious One”.Lo dichom lo mejorcito de esta chica.

Me da la impresión de que el disco noserá fácil de conseguir a través de distribuidorespero sí puede conseguirse directamente porinternet en la página web de Annie http://www.annie-halsam.com (***½, Roberto Gracia)

.��*��0�� 2/��.��,�<???4Con este Beyond Dreams, Galleon vienen a cubrirel vací dejado por Pendragon en estos años deretiro (que parece que finalmente llegan a su fin).Prog melódico (llamadlo neoprog, como prefiráis),sumamente animado, con una activa guitarracomo estrella, que comanda la evolución de losdiferentes temas sobre un fondo de tecladosdigitales y piano. Temas sencillos pero efectivos,reforzados por las fantasiosas letras de UlfPetterson, la resultona voz del encantador GöranFors y una sección rítmica cumplidora. Ni más nimenos.Before the sunrise recoge punto por punto lasconstantes vitales del estilo de Galleon, mientrasque Let us be amazed arranca de forma algo másaventurera antes de volver a un cauce másmelódico. Aun así resulta un tema sumamenteentretenido, avanzando a saltitos entre distintas

melodías como en un agradable paseo demediatarde (creo que ahí me he pasado dehortera, lo siento).En definitiva, música sin sorpresas, pero conefectivas composiciones. Se trata de la adecuada

experiencia Galleon, disfrutada en buenascondiciones, y con los matices que resultaron másdifíciles de apreciar en su actuación en Tiana, yun conjunto algo mejor que álbumes más grises,como Mind over matter. Aun así, sólo parairreductibles fans del neoprog bien hecho. (**½,TONI ROIG)

�G*��C��2.�/,�<???4Poca presentación requiere este disco ya que“Subterranea” , doble CD de IQ publicado en 1997es junto con “Ever” lo mejor del grupo, lo queequivale a decir que es de lo mejorcito del rock

sinfónico en la década de los noventa; opinión,por otra parte, mayoritariamente coincidente a lavista de los resultados de la encuesta publicadaen anteriores números de “LUNAR WAVES”.En los primeros meses de 1999 , IQ realizó unagira de presentación de “Subterránea” en la que,al igual que hiciera Génesis en 1975 con la girade “The Lamb” interpretaron el doble CD completosin cortes ni pausas. No llegó a España la gira enese formato ya que el concierto que vimos enBarcelona muy pocos meses después ya noofrecía “Subterránea” completo sino tan sóloparcialmente y sin la presentación escénica, taly como ya comentamos en su día al reseñar elconcierto.Más de un año después y a la espera de nuevomaterial de IQ nos llega el testimonio acústico deuno de esos conciertos, del ofrecido en Tilburg(Holanda) el 4 de Abril de 1999. “Subterranea TheConcert” es la versión en directo de “Subterránea”en idéntico orden y sin que se haya incluido ningúnotro tema.Y como no podía ser de otra forma la versión esabsolutamente fidedigna ya que el grupo endirecto se hizo acompañar por el saxofonista Tony

Wright para que en el directo no pudieran echarseen falta tan siquiera las partes en las que intervieneen el disco en estudio. Y con decir que la versiónes fidedigna ya se dice todo puesto que plasmaren directo y sin pausas la complejidad de unaobra que supera los cien minutos de duración noes sencillo, requiere de una compenetración, deuna concentración y de un gran dominio técnico.IQ pasó la prueba con seguridad y convicciónpor lo que no puede concederse a la ejecuciónde su magna obra otra calificación que la desobresaliente. Carezco de datos sobre si en lalabor de producción del disco se han producido“retoques” pero no creo que sean muchoshabiendo apreciado personalmente el gran niveldel grupo en su concierto de Barcelona pocosmeses después.No me parece oportuno destacar el trabajoindividual de ninguno de los miembros ya que loscinco cumplen con su tarea a la perfección, nopuedo dejar de admirar porque me puede elgrandioso trabajo de Martin Orford a los teclados(Tunnel Vision, The Sense of Sanity- State OfMine, The Narrow Margin), fenomenal. Para mí ysin desmerecer a ningún otro (como puedan serClive Nolan o Tomas Bodin) el teclista máscompleto en el rock sinfónico desde losWakeman-Banks-Wright, etc.) Ya digo que escuestión de gustos y otros apreciaréis más laguitarra de Holmes, el bajo de Jowitt, la bateríade Cook o el no menos fenomenal trabajo vocalde Nichols . A pesar de que ya tengáis Subterránea en estudioy a pesar de que el contenido musical sea elmismo creo que merece la pena adquirir estaversión que aporta algo más de frescura y, sobretodo, evidencia la categoría y el mérito de un grupoesencial en la evolución de este género musicalque nos tiene cautivado a unos pocos.Imagino que se publicará también un vídeo puestoque en la escenografía del concierto se contó conun actor específico plasmando visualmente comopudo la historia que cuenta Subterránea. (****1/2. Roberto Gracia, septiembre de 2000) (****½,Roberto Gracia)

��*��.��H��H�,��/��E�H��0 �2��.�� ,�<???4Nueva ocasión para reabrir el viejo debate sobrelos álbumes tributo, aunque en esta ocasión,Signs of life surge en un momento en el queparece que la moda haya sido substituida por losproyectos colectivos, de los que a lo largo del 2000hemos tenido cumplidas muestras. Signs of lifees un álbum ambicioso, que se acerca a uno delos grupos de trayectorias más cambiantes y dela historia del rock. No es fácil homenajear a unabanda que redefinió los parámetros de lapsicodelia en sus inicios, que redefinió tras lamarcha de Syd Barrett los parámetros del rockprogresivo y revolucionó el concepto de “sonidorock”, y que sucesivamente redefinió los de la

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rock-ópera, álbum conceptual y que en susúltimos tiempos sin Waters optó por una víaintermedia, más o menos cómoda, y quesimplemente se redefinió a sí misma alrededorde la siempre inconfundible guitarra de DavidGilmour (eso sí, siguen a años luz del resto delos mortales a la hora de diseñar álbumes endirecto donde la música es incluso secundaria).Signs of life es un disco sumamente cuidado ybien hecho, que acierta a reflejar todas las carasy todas las épocas de la banda británica, aunqueno puede evitar todas y cada una de las “trampas”de este tipo de proyectos (selección de los temas,de los intérpretes, y solución del problema delograr un nuevo acercamiento a “viejos” temassin traicionarlos). Es evidente que el éxito de estetipo de proyectos está asegurado por el atractivoque ejerce sobre todos los fans de las bandasclásicas, ávidas de reencontrarse con sus viejosy adorados temas en nuevos tratamientos. En estesentido Signs of life, por lo menos, tiene elementosde interés propios.Lo que me ha llamado la atención escuchandoeste disco es que tenemos que tener en cuentano sólo quien y a quien se homenajea, sinotambién de donde surge este proyecto. Dicho deotra manera, un homenaje a Genesis hecho enCentroeuropa, Italia o USA, más allá de lapersonalidad de sus intérpretes concretos, tienena la fuerza un feeling distinto, porque cada territoriotiene sensibilidades distintas que se reflejaninevitablemente en sus estilos. Sings of life esfundamentalmente un homenaje a Pink Floyddesde Alemania, con algunas contribucionesaisladas individuales de Canadá, USA, Australiay Suecia (la contribución de Pendragon esanecdótica, se trata de Schizo, un tema propiode (Nick) Barrett inspirado en (Syd) Barrett. Engeneral eso supone un acercamiento cerebral,más tendente a elevar el tono que a hacerlo máspastoral, con fuerte sensibilidad melódica, buenaejecución aunque mayor dificultad para recrearmagia. En definitiva, no es de extrañar que sesientan como pez en el agua especialmente enlos temas de The wall.Así, tras entrar en materia con el tema Signs oflife, firmado en esta ocasión por los eclécticosSylvan, pronto nos encontramos con Run like hell,a cargo de Angel Dust, adopta formas másmetálicas, aunque resulta bastante adecuadas eneste caso. No es el caso de la versión de Wishyou were here, que no resiste su tratamientometalprog por parte de Ziff, por mucho que unavez superado el primer desmayo contengaalgunas ideas simpáticas, como la inclusión devoces femeninas que parezcan provenir del DarkSide.... RPWL, los recuperados Violet District (vercrítica de la reedición de su álbum) hace unaespléndida y sentida revisitación de Cymbaline,para nada fría. Welcome to the machine,versionado por Das Zeichen, tiene como máximoelemento de interés sus pasajes con acústica dereminiscencias orientales. Vanishing point ofrecenla aportación australiana con On the turning away,que dinamizan hasta hacerla parecer una canciónde sus compatriotas Midnight Oil. Entrando en lopersonal, a mí nunca me ha gustado demasiadoeste tema, así que esta versión ligera ha sido unaagradable sorpresa. Solar Project (no podíanfaltar) se acercan a uno de los Animals,concretamente haciendo un Pigs, con la lógicaseguridad de una trayectoria que bebeprofundamente de fondos y formas floydianas.El primer CD lo cierra el ya conocido Schizo, dePendragon, que sigue siendo un bonito y sincerohomenaje en otra dimensión, aunque sigue siendocien por cien floyd.

El segundo CD empieza con triplesalto mortal. Shine on your crazy diamond es uncaramelo muy seductor para cualquierfloydmaníaco, pero también un arma de doble

filo por su dificultad de trasladarse a CD con algode interés. Lo encargados son los suecos, GrandCross, que siguen con bastante fidelidad loscaminos del original, con la inevitable adición deuna sección rítmica más contemporánea, en unintento de revitalización que no molesta, pero noes necesaria. Los americanos Pangaea le dan elconsabido tratamiento “agresivo” –que nometálico- a Time, lo que le da un ambiente másdesesperado que el original, una vía honesta deadaptar un clásico entre los clásicos. Pruebasuperada. Una hueca voz declamando “Is thereanybody out there?” inicia un no muy prometedorComfortably Numb, a cargo de los americanosEternity X, basculando entre lo gótico, el hard yun cierto intimismo (que finalmente saleperdiendo), que gustará a aquellos que disfrutaroncon los Scorpions participando en el concierto deThe Wall en Berlín a cargo de Roger Waters.Eléctrico y aceptablemente caótica resulta laversión de When you’re in, a cargo de Tiamat,mientras que, sorprendentemente, The dogs ofwar abandona una previsible explosión deguitarras por un aire intimista y de ambiente bluescon voz femenina, de la mano de Megace. Queuna banda denominada The crack of doom le hagala cirugía estética a Another Brick in The wall, yapermite imaginar por donde van a ir los tiros:iIrreconocibles fondos de electrónica de baratilloy voz de cazalla para un pequeño atentado contrael floyd menos floyd pero el más popular al fin yaal cabo. Hail, people, leave the progkids alone!No hay más que esto, gracias a Dios y por lomenos el guitarra sí parece un músico. Carefulwith that axe, Eugene se oscurece sin perder susraíces psicodélicas, gracias al trabajo de Theelectric Family. Liquid Visions nos ofrece una muyfresca versión de uno de los mayores clásicos desu primera época Interstellar Overdrive, con mayorpresencia de guitarras. El viaje cósmico prosiguecon Mindala y una panorámica y sobrecargadaSet the controls for the heart of the sun, para cerrarel homenaje una correcta One of these days, acargo de Fantasyy Factoryy (no lo he escrito mal,de verdad).

Buen repertorio e irregularidad a gustodel consumidor, pero esto ya estaba en el trato.Con excepciones, un sentido homenaje hacia unade las bandas a quien más músicos le deben algo,lo reconozcan o no (***½, Toni Roig)

��.�*��/��C��.C��2�� F�� ,�<???4Vertigo es una banda holandesa formada porFrans Hermans (voz-bajo) y Maarten Huiskamp(guitarras y teclados), más la nada despreciableadición de Fred Satious a la batería, aunque noha intervenido en la composición de este disco.Viper thoughts es también el título que abre elálbum, un excelente tema instrumental, debrillantes arreglos y logrados toques de los Sagade los ochenta o los primeros Asia.Un tema hecho para enamorar yenganchar al oyente. Aunque a veceses peligroso dejar el listón demasiadoalto cuando lo que viene acontinuación sigue otros caminosalgo diferentes.Y eso sucede un poco con los temasvocales que, al fin y al cabo, son loque ofrece el resto de Viper Thoughts.Son temas entre el neo-prog y elAOR, hecho, y muy bien hecho, porfans del rock americanizado, con uncuidado remarcable tanto en loinstrumental como en lo vocal (crucialen esta onda) y que en sus mejoresmomentos nada tienen que envidiar al trabajo deun Robert Berry. Vertigo demuestran tenerse muyaprendida la lección y se notan las horas invertidasdisfrutando de discos de Prism, Saga, Rush,

Journey, Boston, Styx, Survivor, Foreigner, MeatLoaf, Asia (los de antes pero sobre todo los deahora), etc. Así es normal que se filtren numerosasreferencias a través de este álbum: a modo deejemplo, la dinámica Raining in my heart dejatranslucir involuntariamente algunos acordes delRed Barchetta de Rush. Vertigo luchan en todomomento por mantener elementos progresivos ensus temas, en forma de pequeños desarrollosinstrumentales y solos que enriquecen aunquenunca rompen las estructuras de cada tema.

Aparte del tema Viper Thoughts, Too much troubleliving, You make the devil smile, Losing you (quépedazo de introducción) son quizás los másdestacados, aunque no hay temas que carezcande algún momento de encanto (incluso en temasmás tópicos como No change of seasons, hayuna buena sección instrumental preparada parael rescate y que le lava la cara en segundos).Un álbum sin pretensiones, de factura ejemplar,confeccionado por unos músicos europeos conel corazón puesto en América (y la verdad, muyadecuado para momentos de resaca musical trasexponerse a música de alto voltaje) (***, Toni Roig)

/�� .��*� �C��C��0�@DI@9<???2��HH�� ,�<???4Nick Barrett tiene ya perfilados los temas quecompondrán el nuevo disco en estudio dePENDRAGON tras un descanso de más de cuatroaños desde su “Masquerade Overture”; el títuloprovisional es “NOT OF THIS WORLD”, los temasestán definidos y parcialmente grabados y estáprevisto que las sesiones definitivas de grabaciónse lleven a cabo el próximo otoño de forma que elretoño vea la luz con el comienzo del nuevo año.Para seguir cubriendo este hueco temporal y trassus dos discos de rarezas, “Once Upon A TimeIn England”, volúmenes 1 y 2 de escaso interés,PENDRAGON publica ahora una especie de“Best of” que prefieren titular “Historia 1981-2000”.

Cubre pues los añosdorados de la bandadesde la publicación de“The Jewel” hasta laactualidad.“The History” es un discoprevisto inicialmente deforma exclusiva para elmercado polaco en el quePENDRAGON goza degran popularidad pero locierto es que ladistribución se haampliado y puedeconseguirse a través de

TOFF Records.La selección incluye un tema de “The Jewel” enconcreto “The Black Knight”; otro de “Kowtow”del que se ha elegido “Total Recall”; dos de “TheWorld”, la inevitable “The Voyager” y “And We´ll

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instrumentales de alta belleza (“Lovelorn”), e in-cluso de presentarnos un par de temas con mu-cho encanto, con fuerte carga étnica, y bastantedelicadeza instrumental (“Persia”, “The Red andthe Black”).Se están poniendo muy de moda las for-

maciones progresivas con mujeres al fren-te. Aquellas que lo hacen solamente por lamoda se les acaba notando el truco y su fal-ta de calidad les delata, pero otras como TheGathering o Arise from Thorns saben real-mente lo que hacen y aprovechan muy bienel hecho de arropar musicalmente a poten-tes voces femeninas como la de MichelleLoose, una voz a tener muy en cuenta. Sios gustan las propuestas poco arriesgadaspero con carga emocional, os recomiendoeste Cd, un Cd que hará las delicias de todala familia y, ante todo, muy bello de escu-char. Con tac to : h t tp : / / l i s ten . to /arisefromthorns (***1/2) Alfonso Algora

�� C�� .� ��*� �� C�� .� ��2�0� 0�� ,�@DDJ4Under the Big Tree (UTBT) es el proyecto personalde Nick Peck, un personaje que proviene de esecurioso sub-género progresivo que es el pomp-rock y que tanto parece gustar a algunos.Afortunadamente Peck entra con este Cd dentrodel redil del progresivo ortodoxo y lo hace conmuy buen pie. De entrada se sacude de lostópicos americanoides del género (interludioinconexo: el odiar el pomp americano no implicaodiar TODA la música americana, lo digo por losexcesivamente snobillos o los “abiertos de mente”que parecen fundar su sapiencia musical por elnúmero de Cds que poseen) y nos presenta unCd conceptual de larga duración y con todo tipode ingredientes que auguran una buena escucha.Peck canta y domina los teclados (hammonds ymellotrones incluidos) y se ha rodeado, ademásdel típico rock-line-up, de flautas, sitares, cellos,etc.Musicalmente el Cd no descubre la pólvora peroes uno de esos discos que agradan al oyenteprogresivo exigente, aunque al igual que ocurrecon Pär Lindh o con The Flower Kings, ignoramossi es por “amor al arte” o por dar al oyenteprogresivo lo que quiere –algo que a mi,sinceramente, me importa un bledo mientras queel resultado sea “positifo” y no “negatifo”. Segúncomenzamos a escuchar “Prologue”; “Mars” o“Finale: Into the Trunk” nos damos cuenta queestamos en un cruce de caminos entre los JethroTull (los elementos Tull planean durante todo elCd) del “Thick as a brick” (soberbias flautas) y losarrebatos hammondianos del Emerson de“Tarkus”, y, claro, a quien no se le ponen las orejastiesas con esas referencias. “Mouths and Frogs”es una mezcla de space rock con los Genesis de“Wind and wuthering”. Ahora tocan las influenciasYes-Genesis en “Writer in a Rainstorm”, “Into theOpera House” o “The Mountain, the Mirror andthe Pocket Watch”. Más experimentacióntenemos en “The Teepee Morgue”, con vocessusurrantes, pianos leves que entran enambientes jazzies, guitarras redondas, etc; “TheCandle Card Game”; “Portrait/Bow in the Cabín”o en “Boulder and Cactus”, lleno de sitares yambientes desérticos en lo que, para mi, son los

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Go Hunting Deer”; otros dos de “The Window ofLife” representado por “Am I really Losing you” ypor “The Walls of Babylon”; de “Masquerade” haytres, “The Shadow” en la versión del disco y dosversiones acústicas grabadas en 1999especialmente para el disco de “The King of theCastle” y “Paintbox” de unos cinco minutos deduración escasos cada una de ellas y queconstituyen la “ sorpresa o “regalo” dePENDRAGON para sus fans de Polonia..Se completa la entrega con un video de “Tle LastWalz” grabado en directo en Cracovia (cincominutos).La presentación es realmente fastuosa, en undigipack que se abre en tríptico, una portada condiseño en la línea habitual y un libreto-historia delgrupo.El contenido de la compilación particularmenteno me parece muy acertado aun cuando sí queincluye algunos de los temas referenciales delgrupo. Como historia puede servir, como “bestof” no tanto. (***, Roberto Gracia)

��H��C��*9�5��H�� H��8�2��/�� @*DDD4Desde EE.UU. llega este interesante quintetocomandado por la presencia –siempre es buenala aparición de féminas dentro del mundillo pro-gresivo- de Michelle Loose (voz, piano, teclados),la cual junto a Scott Loose (guitarras), Tom Phillips(guitarras), Trevor Schrotz (batería) y ChrisWelborn (bajo), forman una de las propuestas más

interesantes que he escuchado últimamente pro-venientes de ese país. De hecho, soy sincero,me imaginaba otra banda intentando emular aDream Theater y, afortunadamente, me he equi-vocado. De hecho, este segundo Cd de la bandaposee sobradamente todos aquellos elementosque tanto adolecen las bandas americanas y quetanto admiramos en Europa. Quizás el hecho desuplir la técnica y la espectacularidad por el sen-timiento y la emoción sea algo que los america-nos no aprueben, pero nosotros aceptamos esecambio con toda la ilusión del mundo.El Cd, de principio a fin, destila elegancia por to-das las notas, basándose más los momentos po-derosos en la impresionante voz de Michelle queen descargas guitarreras sin sentido. Las com-posiciones están correctamente ejecutadas yduran lo que tienen que durar, no prorrogandoinjustamente el minutaje para aparentar un su-puesto “progresismo”. Los temas, tal y como hedicho, tienen una duración standard en la quehay tiempo suficiente para comprobar la facilidada la hora de ejecutar un tema directo y frescocomo “Dreaming” o “Bluer Skies”, de ambientaratmósferas intensas a lo The Gathering (“TimeAlone”, “Lure”), de desarrollar composiciones decorte más clásico como “Surrender” o “Surrenderthe Stars”, de desarrollar momentos

momentos de mayor originalidad de todo el disco.Particularmente atractiva resulta igualmente“Where do we connect?”, con una melodía vocaly una impresionante intervención del hammondy la flauta.Sinceramente creo que estamos ante unextraordinario músico y compositor que ha dadola espalda al pretencioso mundo del pomp rockamericano y que se ha decantado hacia el humilde–pero infinitamente más rico- mundo del rockprogresivo hecho “a la europea”, es decir, sin mirardemasiado el bolsillo. Si os gustan The FlowerKings y todo el sinfónico setentero ajeno asubestilos metálicos, neo, etc., deberíais lanzarosen plancha a por este disco. Particularmente loencuentro superior a “Flower Power” o “SpaceRevolver” y me gustaría escuchar vuestra opiniónal respecto. (****½, Alfonso Algora)

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/��2��/�� ,�@DDI4Si en algo debéis la vida a Toni Roig es por haberosdado a conocer a los californianos Djam Karet,para mi gusto la banda más infravalorada de laescena progresiva “seria” internacional. Los LiquidTension Experimets, Black Light Syndromes,Platypuses, uniones bastardillo-crimsonianas ydemás combos fusión-prog-rockeros de laactualidad deberían estar eternamente

agradecidos a la mala suerte de los Karet, ¿porqué?, pues simplemente porque estos chicos sondefinitivamente una de las bandas másinteresantes de los últimos...¡20 años!. CuandoPortnoy y demás miembros de los Theater sereventaban las espinillas en Berkeley, los Karetya estaban experimentando con sus innumerablesinfluencias musicales, que van desde la músicaétnica pasando por el hard-rock, el ambient, elavant-garde, hasta llegar a un etcétera que rozacasi el infinito.

Bien es cierto que comprarse a ciegasun disco de Djam Karet es como adivinar cómojugará Anelka el próximo partido. De entradatenemos Cds melódicos y “asimilables” como“The Devouring”, discos lanzados a la vez contemáticas completamente diferentes (el hardrockero Burning the hard city y el electrónico-ambiental Suspension and Displacement), obrasdestinadas a musicalizar exposiciones, etc...,aunque la faceta más interesante (y más coñazopara muchos) es la improvisación. Pues bien, este

Still no commercial potential es uno de esosdiscos grabados en una sola toma y con unmicrófono y cuyos temas (6) son desarrollosde improvisaciones con duraciones quefluctúan entre los 7 minutos de “Twilight inlonely hands” hasta los 28:10 de la salvajadade “Strange wine from a twisted fruit”. GayleEllett (guitarras de toda índole, e-bow, órganoy percusión), Mike Henderson (guitarras y e-bow), Chuck Oken Jr (batería, percusión yteclados) y Henry J. Osborne – no confundir

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con Bertín o con Ozzy- (bajo, percusión ydidgeridoo) son los encargados y maestroscostureros encargados de tejer las más ricassedas musicales y de crear los matices másinsospechados que hayáis podido escuchar enmucho tiempo.

La verdad es que es inútil extendersemás. Si os gustan las excelencias improvisadorasy amais la experimentación, este es vuestro discosin duda alguna. Por si os sirve de algo, losmiembros de Pallas jamás comprarán este Cd.Exquisito (****, Alfonso Algora)

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Cuando tuve la oportunidad de fijarmeen los favoritos de los 90´s para uno de loscolaboradores de Amarok Rock me sorprendiógratísimamente la inclusión de este “Robin delleStelle”, que supone el magistral retorno de unade las bandas más míticas del progresivo italiano,CAP. Pues si, este album es uno de los mejoresde la pasada década sin duda y un artefactomilimétricamente ensamblado para satisfacer acualquier paladar progresivo que se precie, seade la tendencia que sea. De entrada sorprende elimpresionante “artwork”; aquí no admitodiscusiones: el mejor de la pasada década y unode los mejores que jamás haya visto. Después,la duración de los temas: 66 minutos en totalrepartidos en cinco cortes (haced la media).Romolo Bollea y Fabrizio Sellone (teclados);Chicco Mercandino y Massimo Gorlezza(guitarras); Luigi Secco (bajo); Maurizio Mercadino(impresionante voz); Maurizio Venegoni (vientos);y Luca Bonardi (batería) son los artífices de estaobra maestra que supera su trabajo precedente“...Nei gorghi dil tempo”. Los cinco temas soncinco joyas pulidas hasta el límite, llenas dematices, terriblemente bien acabadas. Soloescuchar “Signori del tempo” (14:00) da una ideadel potencial de la banda: rock sinfónico “del detoda la vida” con todos, absolutamente todos, loselementos que han glorificado a nuestro género.Demostraciones instrumentales llenas de coloridoe imaginación, cambios de ritmo, elementosrománticos, una voz llena de pasión, lirismo eternoy un sin fin de etcéteras, es la música de CAP.Los dos teclistas y guitarristas dotan a esta obrade una dimensión más profunda, agradeciéndoselos momentos instrumentales en los que tecladosy pianos toman el mando. Si algún “pero” pondríaa este Cd sería el protagonismo de Luca Bonardi,un excelente batería que a veces abusa de lapirotecnia innecesaria, sobre todo en la utilizacióndel doble bombo, pero eso es irrelevante y seríabuscar la cuadratura del círculo en una obrainmortal.

Podía extenderme en comparaciones,valoraciones, etc. pero a veces las palabrassobran. Lunar Waves es un fanzine dedicado alrock sinfónico-progresivo y CAP es de lo mássinfónico-progresivo que hay en la actualidad. Siamais el sinfónico clásico anglosajón de los 70´sy lo mezcláis con ese inequívoco toque italianode bandas como Banco o PFM, este es vuestrodisco. Compradlo, aunque sea a ciegas, no osarrepentiréis. (****½, Alfonso Algora)

��C��*� �� 2��;�� K/��E��/�� ,�@DDI4Lothlorien es un nuevo ejemplo del fértil panoramadel rock progresivo italiano, realmente una gratasorpresa, que ha llegado a mis manos un pocopor fortuíta casualidad. Ya el primer tema delálbum, La storia del contrasto arranca a todamáquina, entre flautas y guitarras, en plenatradición italiana. Sorprende la soltura y laseguridad con que se desenvuelven, con la quese establece un ambiente de comodidad que

ayuda a encajar una voz funcional pero resultonaque dobla muy bien las evoluciones de losinstrumentos. El sentido melódico y festivo leacerca a bandas vecinas como Minimum Vital.

Genesis (!!) De tono muy intimista, empiezaarropado por la acústica y piano, hasta la acertadairrupción de la flauta como avanzadilla de laentrada de los instrumentos eléctricos y la bateríaen un momento brillante que desemboca en unpasaje jazzy y una larga sección sumamentetradicional pero de irresistible encanto. I musicanties otro vibrante tema folkie, muy directo y fresco,fuertemente influenciado por PFM. Malalti di unDio es el tema más largo del disco, una sucesiónde fragmentos más que una suite propiamentedicha, que mantiene el lazo con sus ilustresantepasados italianos, aunque bajo la influenciadel sonido claroscuro de IQ. ...Se lo sogno... esun regreso al impacto directo, en un nuevo festivalpara el que se reservan algunos recursosrealmente ingeniosos. Redobles de campana,graves acordes de guitarra, cierra el disco con untema otoñal, melancólico, titulado justamente Ilsale sulla coda.

Moraleja: una horrible portada puede albergar ensu interior una pequeña joya. (***½, Toni Roig)

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Al comentar el último trabajo deAbiogenesi, hablé de los altibajos de ladiscográfica Black Widow, la cual es capaz deeditar auténticas obras maestras así como obrasciertamente mediocres tales como estos –tambiénitalianos- Presence. Pues bien, Presence es unode tantos y tantos grupos que proliferan en laactualidad y que pretenden llevar un cierto rolletemetálico-oscuro-progresivo, que intentan haceralgo en condiciones pero que al final no se quedaen nada, ya que de donde no hay no se puedesacar.

Pues eso, “Black Opera” va en esa ondaque tanto gusta a los que piensan que existe algollamado heavy progresivo y que por el mero hechode llevar teclados, poner un par de minutos mása las canciones y hacer un par de chorradasinstrumentales, ya es la releche y un canto a latécnica; en fin, allá penas. Bueno, antes de quese me vaya la cabeza y empiece a pensar si losMaiden son progresivos o no, os voy a comentarpormenorizadamente este “pedazo” de Cd.

En todo este tipo de Cd´s debe haberuna pequeña intro instrumental con tecladillospara predisponer al oyente a escuchar el prog deltercer milenio; tras la demostración entra enescena un doble bombo de esos que te retumbanen el píloro y ya está, el tema se llama “TheBleeding” (acertadísimo título) y es machacón deverdad, la sensación de espiritualidad que quedaen la habitación tras los 7.34 del tema es lo mejor.Después del horroroso comienzo, comienza

“Eyemaster”, más lenta pero igualmente aburridae insubstancial, con una Soffia Baccini que intentasolucionar el tema con su voz, adaptándola éstaa registros soul en ciertos momentos. Tras uncuarto de hora de audición entra un temamínimamente interesante “Night Ritual”, bastantearriesgado en algunos momentos instrumentalesy correctamente compuesto y ejecutado, aunqueesto más bien es un espejismo ya que lo siguienteque nos espera “Sterling” es la repetición y lacondensación hecha música, jamás me habíaagobiado tanto en tan poco tiempo. La siguienteperla “J´accuse” podría haber sido escrita porJudas Priest para una cara b de single, con esoos digo todo (y, ojo, estamos hablando de 7minutos y medio). Otro destello de gracia brillaen “On Travel”, un medio tiempo muy biencantado, con una intensidad bastante notable ycon unas buenas maneras instrumentales a lolargo de su desarrollo.

Bueno, y llegamos al plato fuerte del Cdcon una suite de homenaje a Verdi en el que serevisan 4 de las óperas más inmortales de este

genio. La primera de ellas (bastante conocida,por cierto) pertenece al “Il Trovatore”, y pese aque no está nada mal, me recuerda a lasrevisiones que hacen los cantantes pop como elhortera de Michael Bolton sobre óperas famosas.Muy buena melodía y una fantástica voz de laBaccini, la cual se esmera durante toda la suite(cuesta pensar que sea la misma que canta elresto del Cd). La siguiente ópera homenajeadaes “Rigoletto”, muy bien adaptada al estilo delgrupo y que, todo hay que decirlo, desgranan conbastante acierto, salvo el batería, el cual se hapropuesto comerme la moral con su doble bomboy las leches que endosa a los platos. La partefinal del tema, más tranquila y reposada, esciertamente sobresaliente. Bueno, ahora le tocael turno a “La Forza del Destino”, la cual recreancon un cierto estilo entre lo hortera y lo épicobastante curioso; parece que en cualquiermomento Demis Roussos va a unirse a la fiestacon su voz en un arrebato tipo “Rain and Tears”de Aphrodite´s Child. La suite se acaba, y quemejor para ello que un trocillo de “La Traviata”, alprincipio muy a tono con la anterior pero que alfinal desprende un toque lírico y sinfónico muyagradable. Tras el homenaje a Verdi, el grupo sedespide con “Just Before the Rain” un temarelajado de leves reminiscencias Queen y con unfinal de esos épicos para que no se diga que noson progresivos.

En fin, creo que he sido suficientementeclaro, “Black Opera” es un Cd potente (aunqueno tanto como indica su nombre) que no superalos mínimos controles de calidad que los oyentesprogresivos exigimos. De 11 temas tan sólo sesalvan completamente de la quema un par de lasuite y otros dos del resto, y creo que con eso nose puede pretender llegar muy alto. Quizás si sededicaran de lleno al heavy, lo mismo tendríanmás fortuna, pero ese, afortunadamente, no es

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mi problema. (**, Alfonso Algora)

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2��/�� ,�@DDJ4Poco tiempo antes de la salida al

mercado de su buen segundo album, losnorteamericanos Arise from Thorns (ahora Brave)lanzaron su Cd debut homónimo mediante unainteresante autoproducción. Si bien el segundodisco navega por mares cercanos a las heavenlyvoices de The Gathering mezclado con losmatices líricos de Tori Amos, este primer discoes el producto de “progresivizar” los gustos gótico-metálicos de algunos de los componentes de labanda. Por supuesto, estamos hablando de rockprogresivo sin lugar a dudas, pero en el que nos

podemos encontrar algunos fragmentos quepueden recordar a bandas oscuras como Theatreof Tragedy, sobre todo por la utilización –aunqueescasa- de voces masculinas depresivas junto ala cristalina voz de Michelle Loose, aunque eneste caso los tratamientos acústicos nos acercanmás a propuestas de bandas del estilo de The3rd and the mortal o Anathema

El Cd se abre con una introducciónllamada “Restoration” con un tratamiento de

teclados muy similar al utilizado por suscompatriotas de Saviour Machine y que da pasoa “Ivy” una deliciosa composición acústica concolchones de teclados en los que la voz deMichelle se recrea formando ambientes muydescriptivos. El tema está muy bien, aunque lascoordinaciones vocales de los hermanos Looseno están demasiado acertadas. Tras ella “To danceby moonlight” nos devuelve a las atmósferascreadas, p.e., por Blackmore´s Night, músicafolkie con toques bucólico-medievales. “TheCalling” posee mucho de The 3rd and the mortaly de los primeros The Gathering aunque conmucho predominio de las guitarras acústicas queembellecen el resultado

Para finalizar también aparecen un parde temas que posteriormente se lanzaron en susegundo Cd “Before an audience of stars” y queson “The red and the black” y “Remember thestars”, peor grabados y con menos arreglos. “Fireof the night” posee una interesante introducciónde teclados y piano y otro gran trabajo de guitarras,aunque es un tema eminentemente másencaminado a derroteros comerciales puesto quecomienzan a entreverse las futuras influencias deTori Amos. Para finalizar “Return of the old forest”es un corto tema instrumental de leves tintesLacrimosianos

En definitiva, este Cd debut de A.F.T.representa un boceto de la música que crearíanen su siguiente obra. Poco pulido y algo ásperoen cuanto a la producción (los medios no fuerondemasiados), pero aún así el disco tiene suencanto y creo que aquellos que disfruten con susegunda obra no se veran defraudados con laprimera (**½, Alfonso Algora)

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Antes de nada pienso que mi opiniónes francamente objetiva a la hora de valorar esteCd. porque no me gustan nada Ñu y por ello nome va a llevar la pasión en ningún momento. Elcaso es que siempre he pensado, y pienso, queJosé Carlos Molina (Ñu, al fin y al cabo) es un

mero clon de Ian Anderson sin ningún tipo depersonalidad en cuanto a lo musical, e imitar aMr. Anderson tiene sus riesgos. Otra cosa es quesus composiciones sean buenas, cosa en la queprefiero no entrar puesto que lo mío es valorareste Cd. De todos modos, si pensáis que Ñu notienen cabida en esta revista es que no los habéisoído atentamente ya que son “nuestros” JethroTull (por copiar copia hasta las pintas y el peinadode Ian) y punto de referencia para todos aquellosque piensan que lo de mezclar rock con flautases una originalísima idea suya o, peor aún, deCeltas Cortos.

Pues bien, “La Taberna Encantada”,sin ser nada del otro mundo, es una completarevisión de muchos de los temas insignia deMolina tratados desde una vertiente acústica,como si de un concierto en una tasca se tratara.Considero que el mérito del Cd es el espíritu“medieval” que se imprime a los temas merced ala gran cantidad de instrumentos poco comunes(todo tipo de flautas, viola, panderos, percusiones,etc...), y que desde luego aumentageométricamente la calidad de los temasoriginales hasta conseguir que el Cd sea dignode una muy atenta escucha en sus momentosinstrumentales, siempre dejando de lado la vozde Molinanderson y sus pueriles letras (casi contantos tópicos como las de Georgie Dann).

Dieciséis temas caen uno tras otro sinhacerse pesados en casi ningún momento.Clásicos (por decir algo) como “El Flautista”, “NoHay Ningún Loco”, “Tocaba Correr” o “En UnJardín de un Palacio” se desvisten de ese auraheavy-folk-Tulliana a lo Songs From The Wood yllegamos a la conclusión de que tienen vida propiasi se tratan de otra manera. La verdad es queMolina ha tardado unos cuantos años enconvencerme; eso si, lo ha hecho con un granCd, repleto de musicalidad y lírica, excepcionalpara los que se emocionan pensando en la EdadMedia con cosas como Blackmore´s Night oRenaissance. El Cd es bueno y recomendable y,por supuesto, sería la releche si fuera instrumental(**½, Alfonso Algora)

N O V E D A D E S( r e l a t i v a s )

John Burns en elquirófano

A pesar que hace unos meses que se ha editado este álbum, he tenido ocasión de conocer recientementeeste interesante trabajo del canadiense John Burns, que a pesar de tener un pie en la Zona Límite poseesuficiente atractivo y clase para entrar, aunque sea en último momento, en estas páginas. John procedede Burlington, una pequeña y adorable localidad situada entre Toronto y las cataratas del Niagra y unactivo núcleo donde además se alojan la compañía de management de Saga (muy cerca vive su bateríaSteve Negus, amigo de John) y también la editorial del muy recomendable libro The progressive rock files,que comentamos hace algún tiempo en Lunar Waves. La música de John Burns es rock melódico deprimer orden, elaborado de forma exquisita y entregada con una convicción y sinceridad que me ha hechorecordar una afirmación que leí hace más de quince años sobre esa habilidad par lograr esa calidad desonido de la que sólo los canadienses tienen el secreto. A pesar de su origen, John Burns fija su mirada enel viejo continente, especialmente en el rock británico, con lo que no es difícil ver en este debut ecos deMarillion (época Clutching at straws) y de grupos como Jadis o más lejanamente Galahad, mientras unasombra floydiana recorre de forma constante el CD. Todo ello envuelto en temas directos, una produccióncristalina que parece hecha con bisturí (el señor Burns, por cierto, es cirujano y especialista en tecnologíamédica, todo un cerebro, vamos).Como curiosidad “John Burns Out” puede leerse como una sola frase que significaría algo así como “Johnse quema”, en sentido figurado, buen reflejo de su entrega y voluntad de hierro para llevar adelante este

proyecto. Un tipo ingenioso, ¿verdad? Out contiene mayoritariamente elegantes temas de medio tiempo, cantados con total convicción por Burns (quien seencarga también de tocar diversos instrumentos). En este sentido son destacables Alice, que abre el álbum, Fields o Interestellar Drifter, algunas baladascon fundamento (The wave, I don’t want this to end...) y algunos temas dinámicos (Were do we go from here, que nadatiene que ver con White Russian, o Way back, uno de los pocos que le aproximan al AOR típicamente americano).Out es un álbum compacto, con buenas composiciones, sin figuras instrumentales, ya que sus temas no lo exigen,aunque la influencias progresivas afloren de vez en cuando, especialmente en temas como Here I stand, con un gran

solo de guitarra y saxo, o Man Overboard. En mi opinión, en algunos momentos elálbum pide pasión más que no ajustada perfección, y en este sentido algún pequeñoarranque instrumental y algo de desmelene hubiera beneficiado al conjunto (piensopor ejemplo en lo que podría haberle hecho Steve Rothery a un tema como el citadoMan Overboard). Pero nada de ellos impide disfrutar de un álbum inteligentementeaccesible, un baño de optimismo. Cuenta el propio Burns: “Todos somos creadores,poseemos el poder de crear y construir un mundo mejor para los que nos rodean ylas generaciones futuras. Espero que lo que he creado influya en tu vida y te

estimule”. Sin duda (***½, TONI ROIG)

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��/C��*�H��H�0�2,�@*DIJ�� @*DD=4En vistas de la cierta expectación

creada con las críticas de Ars Nova y del samplerde rock progresivo japonés, creo que no vienenada mal ir rescatando del baúl de los recuerdosaquellos álbumes clásicos de prog nipón quemerecen la pena. Si bien reconozco que este tipode rock progresivo se presta a que el habitualsnobismo de muchos progheads se incrementéhasta cotas insospechadas (hemos de reconocerque queda cojonudo eso de decir a los amiguetesque uno posee 2.758 discos de progresivojaponés), hay muchas bandas del país de Benjique merecen mucho la pena. Este es el caso deBellaphon, banda considerada como los Cameljaponeses y que cuyos comienzos datan delaño 82. Tras muchas idas y venidas la bandaacaba por lanzar su primer y único disco(bueeeno, luego sacaron “Delphi” con temasinéditos y todo eso) con la formación deMitsutaka Kaki a los teclados, Toshihiro Tanakaa las guitarras, Taiqui Tomiie a la batería, yMasahiro Torigaki al bajo.

Como comenté en la crítica delsampler de Musea, si hay algo echa para atrásde las bandas japonesas es el uso de susparticulares vocecillas, sobre todo cuando sonfemeninas. Pues bien, con Bellaphon no tenéisexcusa puesto que son instrumentales. Delmismo modo, tampoco tenéis excusa para nohaceros con este disco si sois fanáticos de Camel,aunque la cosa no queda aquí. Bellaphon es unabanda exquisita, repleta de matices cuan paletade pintor inspirado; si bien es cierto que lareferencia más directa es la de la banda deLatimer, estos chicos sacan a relucir todo tipo deinfluencias del sonido progresivo británico deprincipios de los 70´s, especialmente Genesis oCaravan. Los 8 temas que componen este disco(en el que se incluye la bonus “Laberynth”) sonuna muestra de lenguaje musical exquisito, dedesarrollos naturales y no forzados por parte demúsicos muy versátiles que saben sacar de susinstrumentos la nota, la potencia y el ritmoadecuados en cada momento.

Sobre los temas es imposible resaltar uno sobreotro. Tan sólo decir que el estupendo ejercicio depiano de “Mistral”, los cambios de ritmos y el ciertosabor mediterraneo en “Belle du jour” o lademostración de la banda al completo (atencióna Kaki y a Tanaka) en “Vent du midi” os puedendevolver a las campiñas inglesas del progresivobritánico de su mejor época y haceros devolverla fe en el estilo. Además, Bellaphon andanmetidos en estudio para grabar lo que será supróxima obra...¿aún os lo queréis perder? (****½,Alfonso Algora)

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Oportuna reedición de este míticodoble lanzamiento de los americanos que se hanautocalificado como “carentes de potencialcomercial”, pero sobrados de potencial artístico,que les ha llevado desde su fundación a mediadosde los ochenta a desarrollar sus ideas en diversasdirecciones, hasta el punto de decidir publicarsimultáneamente estos dos discos en 1991.

Como definen ellos mismos, “Burningthe hard city es un rock progresivo instrumentalclásico, que persigue de forma agresiva, potentey sin descanso la intensidad rítmica y los solosapasionados”. Poco más se puede añadir, salvoque los largos temas de este álbum tienen comomáxima estrella a una enloquecida guitarra, sinque ello signifique que se relegue su absorbentesección rítmica a un segundo plano. Djam Karettrabajan en varias dimensiones. Aunque la guitarrase halle en este álbum en primer término, nuncase aisla del resto, de forma que a lo largo delproceso de crecimiento de cada tema (métodode trabajo del que ya os hablé en la crítica de Thedevouring del LW3) resulta inevitable engancharsea los detalles de su extensa paleta de sonido. Así,si en el final de Province 19: The visage of warparece que la guitarra se vaya a romper enpedazos, pasamos de forma brusca a un celestialfragmento ambiental. Así es el esquizofrénicouniverso de Djam Karet. Resulta fascinante seguirel desarrollo de unos temas que sabes comoempiezan pero nunca como acaban. Entre unconjunto tan homogéneo, quisiera resaltar uno desus temas más insólitos, Grroming the psychosis,un caos controlado muy, muy directo precedentede Liquid Tension Experiment (estos sí tienen“potencial comercial”).

Llegados a Suspension &Displacement, qué mejor que cederles de nuevola palabra: “Suspension & Displacement essubversivo en sus texturas y perturbadoramentelánguido en sus cualidades como de banda sonoray su ambiente ensoñador”. EfectivamenteSuspension & Displacement resulta más difícilde clasificar. Tan homogéneo como sucompañero, es puro trance en el que los sonidosse equilibran y se vuelven de otro mundo. Sinapenas rupturas (sólo la narración del temaConsider Figure Three), con incoroporación de

elementos de otras músicas, con mayor equilibrioentre los instrumentos, los temas se desenvuelvenen trance hipnótico, etéreo, sin nada que ver conla simplonería de la mayor parte de la producciónnew age. En ocasiones, la repetición se utilizapara situar al oyente en estado de ánimo muydeterminado, como si se tratara de un mantra (esel caso de los doce minutos de meditación deErosion). Poco a poco el disco se va desplazandomás y más hacia el espacio, interior o exterior,poco importa, con leves toques de guitarraacústica como mayor elemento de proximidad conla realidad y en The Naked & The Dead ruidosinquietantes, como si fuéramos el astronautaBowman de 2001, odisea del espacio atravesandoun tunel espacio/tiempo.

Filigranas de elevado poder físico(Burning the hard city) y psíquico (Suspensionand displacement), son experiencias arriesgadas(sobre todo la segunda) pero en último extremoreconfortantes, extremos contrarios que seatraen. Como dicen los mismos Djam Karet: “Unono existe sin el otro” (****, TONI ROIG para losdos)

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Ya os he hablado en anterioresnúmeros de “Lunar Waves” de los Goblin, un grangrupo italiano de culto, bastante conocido por losaficionados, pero creo que notablementeinfravalorado e injustamente olvidado. Con lasrecientes ediciones de “Symphonic Holocaust”,de los Morte Macabre, y “...E Tu Vivrai NelTerrore”, del sello Black Widow (ya comentadoacertadamente en éstas páginas), dos obrasmaestras, se hace evidente que tenemos querecordar a los magistrales Goblin, probablementeel grupo cuya sombra se hace más alargada alescuchar las obras citadas, que versan sobre elcine de terror y, sobretodo, el cine de terror italiano,del que, por otra parte, soy un gran entusiasta. Si“Suspiria”, una fascinante historia de brujería, esla obra cumbre de Dario Argento, su música es laobra cumbre de Goblin, el grupo que puso bandasonora al terror italiano en los 70 y 80. La músicaaquí contenida es inquietud, superstición,esoterismo y pavor en estado puro; ideal paraescucharla en la más absoluta oscuridad y dejarvolar la más tenebrosa de las imaginaciones.Desde el inquietante tema principal “Suspiria”, conesa aparente fragilidad que pone los pelos depunta, pasando por los estertores y susurrosparoxísticos de “Sighs” (que acompañan en el filma espeluznantes asesinatos), el órgano hipnóticode “Markos” (que en la película ilustra una lluviade gusanos...), el vals macabro de “DeathValzer”... Ideal para provocar en el oyentepesadillas y visiones sin descanso.

Además, se incluyen temas que no

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Reediciones, remasterizaciones, recopilatorios, sesiones inéditas... cualquier excusa es buena para revisitar los clásicos u otras reliquias

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aparecen en el film, como son “Black Forest” y“Blind Concert”, un tanto alejados del estilocaracterístico del disco, aunque constituyen dosexcelentes muestras de progresivo jazzísticoinstrumental lleno de fuerza y color típicamente70’s (sobretodo “Blind Concert”), así como tomasalternativas del tema principal, que no sirven paraotra cosa que para agudizar la sensaciónmaravillosamente desasosegante que provocaescuchar éste CD.De todas formas, os recomiendo fervientementeque veáis el film para tener una experienciainquietante completa. (****, HECTOR GOMEZ)

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Y sigo con Goblin...porque, esprácticamente una obligación (tampoco hay quetomárselo al pie de la letra...) que los conozcáis y

los escuchéis. Cualquiera que disfrute con PFM,con Banco..., o simplemente con el sinfónico delos 70 en su vertiente más tenebrosa y enérgica,será feliz descubriendo a Goblin. No es que mepaguen por hacerles publicidad, ni cobro milpesetas por cada vez que escribo su nombre...sonmuy buenos, y ya está. Además, da la casualidadde que su música acompaña las imágenes defilms de terror, con lo que su poder de fascinaciónes aún mayor. Ahora os comento el cuartovolumen de ésta colección que felizmente editaDRG (y de cuyas anteriores entregas ya os hehablado). Aparte de lo que representa, éste CDincluye dos incentivos muy interesantes para elaficionado: por una parte, se incluye casi completo(sólo falta un tema, “Il Risveglio del Serpente”, yaincluido en el volumen 2) su extraordinario álbuminstrumental (no es una banda sonora) “Roller”(1976) (temas como “Goblin” (11.10), auténticocompendio del estilo del grupo, y “Aquaman”(5.22) son inolvidables, muy del estilo de“Suspiria”; de hecho, “Aquaman” y otro tema grande “Roller”, el enérgico “Dr. Frankenstein” (6.00),formaban parte originalmente de la banda sonoradel film), una perla sinfónica (¡dos teclistas!)prácticamente inencontrable (ésto añade valor alCD); la otra “joya” son cuatro temas compuestose interpretados por ¡Keith Emerson! (del que yaos comenté su “Inferno”) para la película “LaChiesa” (1989; en España se tituló “El Engendrodel Diablo”), de cuya banda sonora se incluyenseis temas, compuestos en colaboración entreEmerson y Goblin, realmente excelentes, muyinquietantes y atmosféricos, con profusión desonidos eclesiásticos y espíritu gótico (sondestacables “The Church” (4.02), que recuerdaal “Changing States” del álbum de ELP “BlackMoon”, y “Possessione” (3.24), compuesta porFabio Pignatelli, que pone los pelos de punta consu coro del averno).

El resto de temas incluidos, hastallegar a 19 (y completar 75 minutos de música),

pertenecen a la banda sonora del film “SquadraAntigangsters” (1979); aún siendo excelentes (ymuy pegadizas...), se trata de composicionesfunky y de cierto aire “disco” un tanto lejanas delestilo característico de estos maestros italianosdel terror musical; de todas maneras, “SquadraAntigangsters” reserva una joya a todos losamantes del buen jazz-rock, un excelente temahiperrítmico, de frenéticos solos y trompeta vivaztitulado “Trumpet’s Flight” (3.28) que no tienedesperdicio.En fin, debéis descubrir a Goblin, para así poderdisfrutar de una música potente, enérgica, muysugerente y de inequívoca personalidadmediterránea.Buscad éste CD (de importación...), y seguro quelo disfrutaréis. (***½, HECTOR GOMEZ)

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Lujosa reedición de uno de losprimeros síntomas de revitalización del rockprogresivo en la Europa de los noventa, y que hagozado desde su edición en 1992 de un ciertoprestigio. A pesar de haber sobrevivido a lo largode la década con diversas formaciones, VioletDistrict sólo editó este álbum, y actualmentevarios de sus miembros preparan su reapariciónbajo el nombre de RPWL (si queréis haceros unaidea de su sonido, lo podéis comprobar en eldisco-homenaje a Pink Floyd, Signs of life, queos comentamos en este mismo número).

El núcleo de Violet District lo formaronsiempre Mischa Schleypen (voces y teclados) yKarlheinz Wallner (guitarras y coros), a los queen este CD se sumaron Giselher Richter(teclados), Chris Postl (bajo) y ChristianBrenninger (batería). Terminal Breath es unejemplo paradigmático de lo que se acabaríadenominando neoprog de los noventa: un crucede influencias que proviene fundamentalmente dela primera época de IQ con Peter Nichols (Thewake, Tales from the lush attic) y Marillion (hastaincluso Seasons End), sobre todo en lo referentea la instrumentación, mientras que la estructuradel álbum se acerca al patrón de los Floyd deThe wall o Animals .

Desde los primeros segundos delálbum, tras esos sonidos procedentes de unalejana radio que abren el tema Lustreless Fright,se va desarrollando una perfecta interconexiónentre los teclados de Mischa Schleypen y lasguitarras de Wallner. Schleypen aporta gran partede la personalidad a la banda con sus ingeniososefectos y fondos que pueblan todos losrecomendables temas de este Terminal Breath,además de su muy ajustada labor como vocalista.Eso sí, tanto ahora como me pareció en susmomento, destaca con luz propia Hommage for

the irretrievably lost, el punto álgido sin duda deViolet District. El formidable ambiente creadoalrededor de Hommage... tiene todavía su eco

en el siguiente tema, Assurance. Son en definitivasus momentos más originales, que no le debennada a nadie y la mayor demostración de haciadonde podrían haber llegado Violet District sihubieran podido desarrollar más sus puntosfuertes.

Además de la edición remasterizadadel original, nos encontramos con la gratasorpresa de un CD adicional en directo grabadoen 1996, que recoge tanto temas de TerminalBreath como algunos otros inéditos. Se trata deuna correcta grabación aunque algo gélida (elpúblico apenas es audible). La doble labor deMischa a la voz y los teclados, difícil de trasplantaral directo, hace que la guitarra cobre mayorprotagonismo en un CD que recoge cinco temasde Terminal Breath y dos temas nuevos, CapillaryAction y Principles of alternation, más eléctricosy para mi gusto menos inspirados a los de sudebut, que al fin y al cabo, sigue siendo el mayoratractivo de esta reedición (***½, Toni Roig)

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Viendo la casa discográfica esevidente que estamos ante un Cd pirata de lashuestes de Ian Anderson. En este caso se recogen13 temas que, siempre según el libreto, fuerongrabados en dos shows de dos giras diferentes;los 8 primeros en 1988 en Philadelphia, y el restoen 1.985 en Inglaterra (Hammersmith Odeon).No soy muy amigo de los Cd´s piratas pero eneste caso debo hacer una excepción ya que elsonido es estupendo y la fuerza de unos Tullpletóricos se recoge fidedignamente en estos dosconciertos.

El Cd (y, por ende, el primer concierto)se abre con “Songs From The Wood”, en unaversión poderosa y con un Anderson gustándose,como los buenos toreros, en el uso de la flauta,haciendo cambios e improvisaciones por doquier.Tras la tempestad llega la calma en forma de“Living in the Past”, y vuelta a las improvisacionesy a la maestría, esta vez con la inestimable ayudade Martin Barre, el cual se sale con la guitarramientras arropa al jefe en un impresionantedesarrollo instrumental final. Cuando ya no sabessi cortarte las venas por no haber podido asistir alshow, aparece “Serenade For A Coocoo”, uno deesos instrumentales que quitan el hipo y con IanAnderson desbocándose a placer con la flauta yhaciendo ruidos guturales. Por si no fuera poco,la andanada de genialidad continúa con elprincipio de “Thick As A Brick”, del que obvio loscomentarios ya que mi torpe léxico no puededescribir con justicia ese pedazo de obra maestra.Tras tanto clásico le toca el turno a una de lasnuevas (del concierto), “Farm on The Freeway”,baja un poco el listón y a uno le sale la sonrisillapensando en el Grammy que dieron a los Tullcomo “mejor grupo de Heavy Metal” por “Crest OfA Knave” (sólo me alegré por el chasco que sellevaron Metallica, que se pensaban absolutosvencedores). La bajada de listón es breve ya queel grupo se vuelve a poner el mono de trabajopara soltarnos dos clásicos del tirón, “Too Old ToR´n´R...”, en una versión que difiere poco de laoriginal, y la incombustible “Aqualung”, el brochede oro para finalizar un concierto y con un solo deguitarra de Martin Barre que quita el hipo.

La segunda parte del Cd comienza conuna espectacular intro de piano que acabadesembocando en “Locomotive Breath”, con unfraseo intermedio de flauta lleno de fuerza ysabiduría. Tras ella, un caramelo para los fans detoda la vida, un “Dharma for One” de casi 9minutos y completamente revisado, corregido yaumentado. Aquí es donde acaba realmente todolo interesante del Cd, ya que después aparecentemas menores como “Under Wraps” (que horror),“Pussy Willow” y “Clasp”, finalizando

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completamente el Cd con una nueva versión de“Living in The Past” bastante inferior a la del otroshow.

Lo que es evidente es que el showamericano completo y la mitad de los temas delshow inglés valen su peso en oro por la calidadde sonido y por la magia que desprenden JethroTull. Ignoro si el Cd es, hoy por hoy, fácil deencontrar (hace un par de años si que lo era) ybarato (idem), pero si lo encontrais por algunaparte no dudeis un momento y haceos con él sinninguna duda; y si os piden un pastón por él,pues sacrificaos, el premio merece la pena. Undocumento imprescindible (****, Alfonso Algora)

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�G��2/ �,�@DD34Antes os he hablado de Goblin y del

progresivo-sinfonico mediterráneo, y, en númerosanteriores, de grupos como Barcelona Traction oPegasus. Pues bien, ahora le toca el turno a unade las bandas más conocidas en el estilo, laElectrica Dharma, auténtica gloria del rock catalánen los 70 y ya leyenda viviente. En el 93 loshermanos Fortuny se sacaron de la manga ésteexcelente “Que No Es Perdi Aquest So”,continuador de su definido y reconocible estilo,con el saxo soprano y la “gralla” de Joan Fortunyen primer plano, y auténtico compendio deinfluencias a lo largo y ancho de la mediterránea.El CD se abre con “El Llibre Vermell”, extensacomposición instrumental de más de 22 minutos,que consta de seis partes, y que constituye lacolumna vertebral del álbum. Esta composiciónrecoge influencias de la música antigua, de lossonidos medievales, y ciertas referenciasarábigas, plasmadas mediante una variopintainstrumentación que incluye mandola, acordeón,trompeta, fiscorno, clavicordio, congas, djembé,

tablas... Sondestacables lai n t r o d u c c i ó n“ S t e l l aSplendens”, lapercusiva “CunctiSumus” y lap o t e n t econclusión, deinenarrable título,“ E p í l e gC a l i d o s c ò p i cAmb Una EntradaParoxística i UnaR e s o l u c i óBalsàmica”. Elresto del disco lo

completan siete temas cortos, de estilos másvariopintos, aunque predominan los aires del nortede Africa en temas como “Parada d’un MercatAfricà” (elocuente título) o “Nuviances”, ambascompuestas por un tal Abdullah Ibrahim, a quienel nombre le delata. “La Gnossienne” es unadelicada adaptación, con mucha presencia delacordeón (cómo no), de una composición de ErikSatie; los dos temas cantados son, simplemente,curiosidades, y no tienen mucho más valor queeso: “L’Avalot De La Caterva” es una especie dehimno para fiestas mayores, sin más, y “QuanNo Tocàvem De Peus” carce prácticamente deinstrumentación, aunque tiene un texto emotivo,recitado por el batería Josep Fortuny, lleno denostalgia y de recuerdos hacia una vida que yapasó.

Un CD de inequívoco sabor (hasta eldiseño de la carátula es característico, conilustraciones de gaviotas, oleaje y flautistas enbosques de pinos), muy agradable de escuchar yejemplo del valioso patrimonio musical queposeemos. ¡Ah! Y en los agradecimientos ydedicatorias citan a la Mahavishnu Orchestra,Frank Zappa, King Crimson, Jethro Tull...”Casiná”. (***, HECTOR GOMEZ)


Distribución en España: Luís Santiago. Heavencross, Ap. 302, 34080, Palencia, (Mail: [email protected])

/��2�� 4Ataraxia. Orlando (Prikosnovenie, 1998):

Adoro esta banda. Cada obra suya es algo irrepetiblee inclasificable. Lo mismo se introducen en el estudio dela música medieval (“Historiae”) que en la música barroca(“Concerto nº 6”) o en la experimentación (“Lost Atlantis”).En este caso, Ataraxia rinden tributo con este mini Cd a lainmortal obra de Virginia Woolf “Orlando”, la cual fuellevada a las pantallas hará unos cinco años. “Orlando” locomponen cinco temas muy intimistas y llenos deenigmática belleza. El primero de ellos, “Bonthrop” es unacomposición para guitarra acústica y leves teclados sobrelos que planea la voz de Francesca Nicoli de formaenigmática. Esa voz se torna más operística para“Orlando (... a female)”, un tema de corte neoclásico conelementos orquestales que parece recrear cualquier corte

francesa de principios del XVIII. La melancolía regresa con “Orlando (... a male)”, un temaprecioso y lleno de nostalgia. “Shelmedine” es más monacal y épico, con muchos elementos debanda sonora. Para finalizar, el sonido de la lluvia y las voces dobladas de Francesca para“Elfine”, tema corto y broche de oro para esta pequeña joya que salió hace tiempo en forma deedición limitada y de la que deben quedar pocos ejemplares. Preciosismo musical condensadoen 20 minutos. (****, Alfonso Algora)

Strange Hobby. Pictures of matchstick men (Transmission Records, 1996):Ahora que Arjen Lucassen goza de reconocida fama internacional gracias a su

proyecto Ayreon, es el momento de recordar su pasada obra. Ya os comenté su divertimentobajo pseudónimo para versionar clásicos de los 60´s llamado Strange Hobby en el que recreabaa The Beatles, Pink Floyd, Simon and Garfunkel, The Kinks, etc... Ahora os comentobrevemente el Cd single que sirvió de promoción para ese disco. En este Cd single aparecenlas versiones de “Pictures of matchstick men”, “(Further reflections) in the room of percussion)”y “For no one”, que ya aparecieran en el album y sobre las que no me extenderé. Lo que si quees interesante para coleccionistas, completistas y demás freaks es el tema “Pretty girls” temacompletamente inédito, compuesto por Strange Hobby (a.k.a. Arjen) y que posee un aireinequívocamente sesentero que mezcla la brutalidad (de la época, claro) de unos The Who conla melodía “beat” de unos Monkees. No es muy extensa (solo 2:40) pero puede interesar a losque disfruten con la movida revival. Además, junto a las tres versiones (de lo mejor del Cd)hacen de este “petit suite” un bocadito entre horas. (**½, Alfonso Algora)

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Parece mentira que laprimera vez que tengo laoportunidad de comentarun nuevo álbum de King’sX tras la inauguración dela Zona Límite meencuentre con un discosumamente atípico. Y escurioso porque unacaracterística de la bandaamericana es quehabiendo establecido suspropias e inconfundiblesbases estilísticas desdeprácticamente el principiohan ido puliendo ymoldeando su sonidocaracterístico pacientemente con el paso deltiempo y la colaboración de diversos productoresque sin alterar su esencia les han ido añadiendonuevos detalles y vínculos con el mundo real: SamTaylor, su particular Terry Brown, ha sido unelemento clave presente en sus cuatro primerostrabajos (Out of the silent Planet, Gretchen goesto Nebraska, Faith Love and Hope y King’s X),tras los cuales entró Brendan O’Brien, experto enel resurgir del metal y el sub-pop americano yque les acercó ligeramente al grunge (Dogman)y posteriormente, Arnold Lanni que intentó añadirun tono más cálido (Earcandy). Tras abandonarAtlantic Records y lanzar un aceptable “Best of”King’s X editaron en 1998 un álbum típicamente“back to roots”, Tapehead, producido por suguitarrista Ty -Boss- Tabor.Y ahora aparece este Please come home Mr.Bulbous. A pesar que su título y estética puedanhacer presagiar un trabajo más alegre (inclusocon la esperanza que el inexpresivo batería GerryGaskill llegue a sonreir), eso no es exactamenteasí. Mr. Bulbous es un álbum bastante oscuro y apesar que siguen haciendo falta sólo unos pocossegundos para identificar ese sonido típicamenteKing’s X encontramos numerosas diferencias: laprimera, el intento de darle al sonido un aspectoalgo más “inacabado”, más espontáneo, condiversos fragmentos que parecen (yprobablemente son) primeras tomas. La segundaes que el cantante principal Doug Pinnick (todoshan hecho siempre voces) cede protagonismo aTy Tabor, que repite como productor y quetambién lleva a primer plano la guitarra, con másespacio y solos de lo habitual. En este punto síque creo que la banda ha salido un poco perdiendoporque no sólo encuentro mejor y más carismáticocomo cantante a Doug, sino que se desequilibraun poco el sonido de trío en favor de uno de susvértices (aunque tampoco es un problemademasiado grave, Ty es un músico excelente).

El tono general del álbum es bastanteclaustrofóbico, aliviado en general por los corosaunque con intermitentes rupturas de tono. Elprimer tema, Fish Bowl Man es una declaraciónde principios, mientras Julia se acercaría a supatrón de balada, aunque truncada por el accesode unas ácidas guitarras. She’s gone awaymantiene esta estética algo más “sucia”, aunqueresulta uno de los temas más tradicionales deldisco y donde King’s X dan rienda suelta a suconocida pasión por los Beatles.

Marsh Mellow Field es de los pocostemas que de principio a fin podemos considerartípicamente King’s X. Incluso un tema deplanteamiento tan delicado como When you’rescared termina tamizado por ese“embrutecimiento”. Charlie Seen (!?), en cambioes un sencillo tema pop tampoco ajeno areferencias anteriores de la banda, pero essorprendente en el contexto de este Mr. Bulbous.

Smudge regresa a las tortuosas aguas de estedisco angustiado, rescatado de la desesperaciónuna vez más por su contagioso estribillo; ruido yarmonía dándose la mano. Bitter Sweet, que sería

una buena definición de lo quees este trabajo es una baladapura, sin sobresaltos, cantadapor Ty. Concluye Move me, laletanía final, una interpelacióna ese Dios que ha servido defuente de inspiración desde sufundación, relacionesfructíferas pero no siemprefáciles.Mr. Bulbous no es el disco querecomendaría a quien quisierainiciarse en el mundo King’s X(en ese caso yo optaría porGretchen goes to Nebraska,King’s X, Dogman oTapehead), pero es una buena

noticia que una banda con ocho discos a susespaldas sea capaz de darle la vuelta a su estilosin traicionarse, lo que debería servir de referentepara otros muchos. (***½, TONI ROIG)

��.��C� .��*��/��C�� 2��0K�/��,�<???4Como muchos otros, Roger Hodgson estáviviendo una segunda juventud gracias a Internet,y ello le permite seguir publicando discos concierta regularidad, incluso con cierta repercusióny en una discográfica importante, como es el casode éste “Open The Door”; es más, Hodgson yaha publicado 4 discos ensolitario (el interesante “InThe Eye Of The Storm”(1984), el mediocre “Hai Hai”(1987), el irregular “Rites OfPassage” (1997), y el queahora nos ocupa) desde sumarcha de Supertramp(más que el propio grupo sino contamos los “live”), conlo que podemos deducir elpotencial creativo de Roger,y su importancia crucial enel sonido clásico de labanda. Esto último se haceevidente escuchando “OpenThe Door”, que suena aSupertramp (hasta el “artwork” tiene un estilo“hippioso” inconfundible) por los cuatro costados.Sin ser una obra maestra, y pese a sonar un tanto“demodée” (lo cual, en el fondo, es una virtud), loúltimo de Roger Hodgson se escucha con agrado,y recuerda mucho más a los viejos y buenostiempos de Supertramp que la “actual” versióndel grupo.

Hay en “Open The Door”, el mejortrabajo de Roger desde “In The Eye Of The Storm”(con el que comparte no pocas similitudes), todolo que uno espera que Hodgson le ofrezca (y, engeneral, lo que le gustaría que Supertramp leofreciera); es decir, bonitasmelodías, guitarra de docecuerdas por un tubo,mucho folk (los aires celtasde “Along Came Mary”) yhippismo (buenasvibraciones, dirán otros), yalgo del sinfonismo de los“tramps” (“Open TheDoor”). “Love Is AThousand Times” recuerdaincreíblemente a “Give ALittle Bit”; “The Garden” esuna composición que datade 1969, con lo que podríahaber aparecidoperfectamente en

cualquiera de las obras clásicas del grupo;“Hungry” tiene un indudable sabor al álbum“Breakfast In America” (ese inconfundiblesaxo...)... Hay temas más comerciales, como lafloja “The More I Look” (con, atención, TrevorRabin a la guitarra), o de carácter más rockero,como “Showdown”. De todas formas, lo mejor deldisco se halla en los temas largos, realmenteexcelentes: “Death And A Zoo” (7.32), con unabuena parte intermedia dominada por laspercusiones y los efectos sonoros, y llena dedetalles perfilados por violines, flautas..., y “OpenThe Door” (8.54), que recuerda notablemente enalgunos momentos a “Fool’s Overture”, con ungran crescendo en el que todo tiene cabida: unpoco de flamenco, una flauta 100% Jethro Tull,un Hammond, la Orquesta Sinfónica de Praga,un coro de voces búlgaras...

En fin, si os gustan los Supertrampclásicos (en lo que a “supertrampismo” se refiere,Hodgson le gana la partida a Rick Davies), y elpop con mil y un detalles interesantes, “Open TheDoor” es una buena opción. (***, HECTORGOMEZ)

��.�;��*� ��C��C�� ;��C��2��E��,�@DDI4

Parece ser que mis comentarios sobreLacrimosa y sus últimos dos trabajos “Stille” y“Elodia” han calado bastante entre la parroquia“lunática”. Ello lo he deducido por vuestrasvotaciones y cartas, amén de los amiguetes a losque he tenido la oportunidad de alienar con losalemanes de oro. En la redacción de Lunar Waves

Inc. nuestras bellassecretarias nos inundan conmiles de cartas y emails enlas que, además de otro tipode proposiciones, se nospide con fervor que demosel nombre de bandasparecidas a Lacrimosa(bueno, a mi hasta me paranlos niños por la calle parapreguntármelo). Noproblem. Aquí os presento alos hermanos pequeños deLacrimosa, los austriacosAngizia.

Si Lacrimosa esel juguete de Tilo Wolff,

Angizia lo es de un chavalín (lo mismo tiene 36años, pero aparenta 19 o 20) llamado Engelke.Hasta la fecha, la mente calenturienta de estehombre ha parido ya 3 discos conceptuales denombres tan largos como impronunciables(perdonad que no cite los títulos pero estoy devacaciones y no tengo los cds a mano). En estetercer disco Angizia por fin se han despojado deuno de sus mayores handicaps, que no era otroque la voz de Engelke, el cual, en los dos primerosdiscos, parecía que cantaba mientras unamáquina fresadora le reducía los testículos acenizas. Afortunadamente Engelke se dedica a

labores de composición y apocas voces, y se saberodear de muy buenoscoros y vocalistas,especialmente la sopranoIrene Denner, por lo que sitenéis la oportunidad dehaceros con cualquiera delos dos primeros discos tansólo tendréis que sufrir lavoz de Engelke en escasosmomentos. Merece la pena,no obstante, hacerse conesas primeras obras ya quela música de Angizia es, sicabe, más operística que lade Lacrimosa (ojo, cuando

Z O N A L Í M I T Ec r í t i c a sZ

ON

A

LÍ

MI

TE

Rock, folk, música céltica, hard rock, pomp, gótico, música experimental.. Con una cierta actitud.

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hablo de la obra de Lacrimosa excluyo ese pedazode obra maestra que es “Elodia”). No tanmajestuosa ni tan solemne, pero si más versátil ymenos repetitiva. Como en sus anteriores obras,“Das Schachbrett...” es conceptual, cuenta conotro maravilloso artwork y libreto –en plan ópera-en la que relata la historia del album... en alemán(o en austriaco, vaya usted a saber).

La música de Angizia es herederadirecta de la música clásica centroeuropea –especialmente flamenca-, óperas de Mozart oWagner, Chopin y música de vodevil u operetaalemana de entre guerras. Muchos diálogos entrelas voces, violines, acordeones, tremendautilización del piano, guitarras eléctricas y bateríasque sirven de apoyo a la música y a la melodíapara darles potencia (no, nohay momentos “metaleros”), yteatralidad y dramatismo araudales. Música que entra,bajo mi punto de vista, deforma más lenta que la deLacrimosa, pero que se quedaen el cerebro mucho mástiempo. Evidentemente, y aligual que “Inferno” o “Stille”, lamúsica de Angizia no deberíaenclavarse dentro de laetiqueta sinfónico-progresiva,aunque al paso que van creoque dentro de poco seguiránla estela de Wolff y cía.

***0� � ��****

IRON MAIDEN. BRAVE NEW WORLD (EMI, 2000):¿¡Cómo!? ¿¡Iron Maiden!? ¡Que no cunda el pánico! Simplemente se trata de hacer brevealusión al último disco de la banda de heavy metal. Titulado “Brave New World”, en su interior podemos hallar, además de potentes temasmetálicos que no creo que fascinen a nuestros lectores, algunas composiciones espectaculares que sí pueden ser de vuestro interés, como son“Blood Brothers” (7.14), “Dream Of Mirrors” (9.21) o “The Nomad” (9.07), en los que se incluye una orquesta, sintetizadores, guitarras acústicas yagradables influencias arabescas. Además, Bruce Dickinson canta en un tema del último CD de Ayreon. ¿Alguien le da una oportunidad? (,HECTOR GOMEZ)

UFO. COVENANT (STEAMHAMMER RECORDS, 2000):Un retorno muy esperado para los fans del hard-rock clásico, con una formación de lujo:Michael Schenker, Phil Mogg, Pete Way y Aynsley Dunbar (este último, aunque no formó parte de la alineación clásica de UFO, tocó con FrankZappa y ha colaborado en bandas del calibre de Journey o Whitesnake). Tras una primera etapa, a principios de los setenta, enclavada en el rockprogresivo, la banda, a pesar de sus diversos altibajos, ha escrito páginas de oro en la historia del hard rock y el AOR. Covenant es una enérgicamuestra de rock puro gran altura, y como dato curioso cabe destacar que su productor es Mike Varney, uno de los cerebros tras el sello MagnaCarta. Nada de rutina o agotamiento creativo. ¿Y encima un segundo CD grabado en directo? Música vibrante para caer agotado a los pies de losases del hard rock. (***½, TONI ROIG)

IAN PARRY. SHADOWMAN (MODERN MUSIC RECORDS, 2000): Nuevo trabajo en solitario del vocalista británico Ian Parry, respaldado por elinefable Arjen Lucassen, con quien trabajó en la banda de heavy metal Vengeance. De hecho, Parry tiene a sus espaldas una nada despreciabletrayectoria que incluye la colaboración en el proyecto de Jason Bonham (hijo del malogrado batería de Led Zeppelin) Acefree. Shadowman no esotra cosa que un competente disco de metal melódico, con presencia puntual de teclados, afiladas guitarras y entrega total de Mr. Parry, aunquepara los no convencidos resultará un trabajo predecible y cansino. Lo mejor del álbum, aparte de la labor de Ian Parry y de Mr. Lucassen son ciertosapuntes épicos de Turn back the tide, y los solos combinados de teclados-guitarra de Wildhearts y Beggers can’t be choosers. Para incondicionalesde este estilo y fans de Lucassen (**, TONI ROIG)

RACER X. TECHNICAL DIFFICULTIES (MASCOT RECORDS, 2000): A finales de los ochenta, cuatro músicos de reconocido talento en laescena hard & heavy, entre ellos el bajista Billy Sheehan y el guitarra Paul Gilbert, formaron la superbanda Mr. Big, de gran repercusión comercialespecialmente a lo largo de los años noventa y que hizo su primera gira junto a Rush en 1989 (Billy incluso colaboraría en el disco homenaje a RushWorking Man y, ojo al detalle, un tema de su primer disco se titulaba Addicted to that Rush). En este año 2000, mientras Billy Sheehan acaba deeditar el excelente Niacin, su compañero en Mr. Big, el genial guitarrista Paul Gilbert nos acerca el esperado retorno de su banda original, Racer X,una de las bandas clásicas dentro del heavy metal de calidad en los ochenta. Más que nunca despliegan su estilo veloz, incisivo pero a la veztremendamente animado (me recuerdan en ocasiones a mis queridos y añorados Tesla); incluso se permiten algún leve coqueteo con el metal

progresivo en el tema que da título al álbum. Technical Dificulties, que cuenta con un divertido e ingenioso artwork, irradia una energía contagiosa y muy positiva, locual es de agradecer (¡y Bolt in my heart es un clásico ya!). (***1/2, TONI ROIG)

Cyrille Verdeaux/Menestreyl. ETHNICOLOR’S (Clearlight 888 Music, 1999)/TRIBAL HYBRID CONCEPT (Clearlight 888 Music, 1999)Algunos recordareis que en el pasado número os comentamos en la sección “La máquina del tiempo” una maravilla titulada Clearlight Symphony,obra y gracia de Cyrille Verdeaux. Ahora han llegado a mis manos sendos trabajos que muestran el trabajo actual de Verdeaux, asociado al expertoen música electro-acústica Pascal Menestreyl. La primera observación es que, como era de esperar, ni Ethnicolor’s ni Tribal Hybrid Concept tienenmucha relación con su obra de los setenta, como es muy lógico. La segunda es que su interés, más allá de la loable intención de rescatar ritmosy músicas de tribus indígenas, es francamente escaso. Ethnicolor’s es una malograda colección (más bien obvio batiburrillo) de músicas pararituales sagrados de todo el mundo (Nueva Guinea, Australia, los Indios americanos, música azteca, el Amazonas, Nueva Caledonia, Islas Fidji,etc.). que probablemente estaban más tranquilos sin el tratamiento tecnológico de los músicos occidentales, que consiguen robarles prácticamentetoda la magia, hasta parecer música para un anuncio de televisión. En general, cuando no destrozan demasiado los samples originales, Ethnicolor’ses más o menos audible, y contiene algún momento aislado aceptable, digno de su ilustre autor (parte de su Danza de la lluvia y Odysseus sonsalvables). En cualquier caso es más soportable que Tribal Hybrid Concept, un festival del despropósito con ritmos étnicos masacrados por ritmosprogramados y puro cachondeo tecnológico que convierte a cualquier tema house en una obra conceptual. Si los hacen embajadores de la buenavoluntad en el Amazonas, lo llevamos claro. (Ethnicolor’s**, Tribal Hybrid Concept*, Toni Roig)

Escuchadles sin prejuicios en temazos como “2Millionen Rubel” o “Ungeliebter Kammerfrienden”y después me contáis. (****, Alfonso Algora)

��*��H��.02��,�<???4El principal interés de este album proviene másde la personalidad de sus intérpretes que de laoriginalidad del propio material. Secrets ofAstrology es un perfecto ejemplo de disco basadoen materiales de sobra conocidos y quedifícilmente provocarán la sospresa del respetable,pero que mantiene un innegable atractivo por elcuidado y la exquisitez de su acabado. El pesode la producción corre a cargo de Erik Norlander,

que dirige todo su empeñoa crear un sonido de rockclásico y épico, buscandoel sabio equlibrio entre ladureza, el sinfonismo y lomelódico, con la miradapuesta en la músicapopularizada sobre todopor bandas americanas (oamericanizadas) en lasegunda mitad de lossetenta (desde el AOR ola impronta de JimSteinman).Pero no podemos olvidarque Lana Lane es el

nombre artístico de su cantante femenina. Ellaaporta su variedad de registros que se acoplan ala medida de las dimensiones épicas de un trabajovagamente «conceptual», con la astrología comohilo conductor y lúdico pretexto. Se trata pues depuro entretenimiento, muy, muy bien hecho, sinnada al azar, buenos momentos instrumentales,melodías pegadizas....Al igual que en los discos de Ayreon (el tercerelemento de peso en este álbum es elomnipresente Arjen Lucassen), se persigue unsonido atemporal a través del uso de lossintetizadores analógicos y la dosificación en eluso de la tecnología. Una apuesta segura perointeligente.Secrets of Astrology contiene un puñado decorrectas y en ocasiones realmente buenascanciones, plagado de excelentes solos deteclados y guitarra y unos coros impecables.Resulta difícil rescatar temas estrella, ya que semantiene un ritmo constante, balanceándose sinproblemas entre baladas (como sólo lo puede serun tema denominado The Bell) y temas másacelerados (¿qué iba a ser si no The Speed ofSound?). Personalmente mis favoritos son elPrelude/Postlude y el tema central, Secrets ofAstrology, que recogen por sí sólos todos lossecretos de un álbum que no engaña a nadie yque una vez aceptadas las reglas del juego,proporciona un disfrute directo y a la primera.(***, TONI ROIG)

Z O N AL Í M I T E

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Por muy trágica que sea la historia de un pueblo, por muy complejosque hayan sido los avatares sociales y políticos de cualquier país,probablemente ninguno de esta absurda esfera del universo puedecompararse al sufrimiento ancestral del pueblo ruso ytambién en consecuencia a lo que han hecho sufrir amuchos otros pueblos.La gran madre Rusia. La víctima propiciatoria del desti-no fatalista de la existencia humana. Difícil comprenderel carácter de un pueblo eslavo como el ruso, de unasgentes lamentablemente acostumbradas a todo tipo dedesmanes políticos, horrores y caprichos de la historiadesde Ivan el Terrible y la oligarquía zarista, hasta loshorrores del temible sistema sovietico Es muy recomen-dable leer a Tolstoi o a Dostoievsky para comprender elsino fatalista de estas gentes o bien darse un paseo porlas páginas de la historia reciente de sus últimos setentaaños protagonizados por el terror y el silencio.Sin embargo se dice que de los grandes pesares, de loslímites del drama, del aguante humano y de la supervi-vencia, nacen los grandes genios, los artistas irrepetibles. Del páni-co surge la creación y de las exigencias de una vida injusta, la ima-ginación.Llevar al hombre al límite y de él surgirá lo imprevisible. (para bieno para mal)

DOS SIGLOS DE MÚSICA

Rusia ha sido y es en las artes y en la ciencia un puebloprodigioso. Sin embargo la música genuinamente rusa des-pertó relativamente tarde y fue a mediados del siglo XIX. Lainfluencia de las cortes y escuelas europeas, en concreto laitaliana, francesa y alemana habían influido de manera casiabsoluta en la aristocracia rusa bajo el imperio de los zares.La tradición occidental había oscurecido el fol-clore autóctono, rico y variado de ese inmensoy frío país, y... como suele ocurrir con demasia-da frecuencia... en sitios donde no se valora lopropio, se tiende a considerar mejor lo del veci-no.

UN BREVE APUNTE DE SUS PROTAGONIS-TAS

Se podrían considerar dos grandes bloques históricosque por lógica representan los siglos XIX y XX. El llamado naciona-lismo ruso estuvo representado en una parte por el denominado GRU-PO DE LOS CINCO: Modest Mussorgsky (1839-1881).Alexander Borodin (1833-1887) Mily Balakirev (1837-1910).

Cesar Cui (1837-1881) y NikolaiRimsky-Korsakov (1844-1908). Labase de estos compositores fue SanPetersburgo donde fundaron el famosoconservatorio.Por otra parte la vena romántica de lallamada escuela de Moscu competía condos compositores de talla: AntonArensky (1861-1906) y un músico quecasi no necesita presentación: PiotrIlich Tchaikovsky (1840-1893).

La llamada “generación intermedia”seguiría tanto los pasos de los naciona-listas de San Petersburgo, más centra-

dos en el folclore ruso y en los orientalismos, como la tendencia untanto más sofisticada y occidental y algo más amanerada de los com-positores moscovitas claramente influenciados por Tchaikovsky.

Leanse Alexander Glazunov (1835-1936). AnatolyLiadov (1855-1914) o incluso el polémico AlexanderScriabin (1872-1915).

El siglo XX trajo tanto a la música rusa como a la uni-versal, figuras revolucionarias y verdaderos genios quecambiarían para siempre el arte del sonido. Desde elmás conservador como Sergei Rachmaninov (1873-1943) pasando por la figura clave en la ruptura y elcambio que representa Igor Stravinsky (1882-1971)(al igual que Rachmaninov exiliado tras la revoluciónde 1917) y culminado por los dos grandes composito-res soviéticos del siglo XX: Sergei Prokofiev (1891-1953) y Dimitri Shostakovich (1906-1975)...............................................................................................Quiero hacer aquí un inciso para aclarar que esta es

la última entrega del Lunar Classic debido al escaso o nulo interésque esta sección a despertado. No hay problema puesto que rectifi-car es de sabios. En tal caso no voy a extenderme en más datosbiográficos ni en más literatura...pero quizá sí en una pequeñadiscografía recomendada de la música rusa que creo interesará aToni Roig y en el mejor de los casos a alguno más. Gracias a los queme dedicaron su tiempo en estas páginas...............................................................................................DISCOGRAFIA SELECTIVA SOBRE LA MÚSICA RUSA:

Son fundamentales los Cuadros para una Exposición deModest Mussorgsky. Los que conocéis la versión de ELPpodréis disfrutar de esta obra genuina infinitamente más ricaen una orquesta sinfónica como la de Chicago y dirigida por

Carlo Maria Giulini en grabación delaño 78 por Deutsche Grammophon.También de la Deutsche es el doble Cdque recoge los tres principales ballets deIgor Stravinsky: La consagración de laprimavera (1913) (obra revolucionariay fundamental para entender la música delsiglo XX). Petrouchka (1911) (obra bri-llante llena de colorido con danzas vibran-tes y polirítmicas) El pájaro de Fuego(1910) (una partitura maravillosa aquí en

versión de suite y texto básico de toda la música rusa). Ladirección corre a cargo de LeonardBernstein y la Filarmónica de Is-rael . Grabación DDD impecable(1983-85)De la generación del grupo de loscinco el sello NAXOS tiene prácti-camente grabada la obra orquestalcompleta de Rimsky Korsakov y deBorodin .

De Korsakov es indispensable lasuite sinfónica Scheherazade. Cua-tro movimientos y cuarenta minutosde lirismos máximos donde la melo-día y el colorido orquestal se impo-nen. De igual manera son recomen-dables las suites extraídas de lospasajes orquestales de sus óperas: La

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LA MÚSICA RUSA (y sus obras esenciales)

ALBERTO TORRÓ

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Igor Stravinsky

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doncella de nieve, El Gallo de Oro o elCuento del Zar Saltan. Obras encanta-doras que derritirán de gusto al sinfónicomás recalcitrante. Puedo recomendar sustres sinfonías pero sólo en el caso de ha-ber asimilado correctamente las obras an-teriores.Con Borodin ocurre lo mismo. Su músicaes muy hermosa y brillante. ¿Quien no haoído tatarear en su infancia las famosasDanzas Polovtsianas con su preciosa me-lodía...? Muchos sin saberlo. Sus Estepasdel Asia Central es otra obra muy cono-cida y desde luego lo que no debéis dejarpasar es su Sinfonía nº2 verdadero de-leite para los oídos.NAXOS también ha grabado la obraorques ta l comple ta de AlexanderGlazunov un compositor muy indicado para las almas cándi-das y tendencias más románticas. Tiene poemas sinfónicosdeliciosos como Spring o El Kremlin.

La obra de Tchaikovsky puede resultarhoy en día un tanto amanerada y cursi perocomo compositor fue muy inteligente y degran facilidad para la melodía. Me encan-tan el Lago de los Cisnes o La Belladurmiente porque te transportan a unmundo infantil, ingenuo e inocente. Pa-radój icamente su música fue e l poloopuesto a su carácter difícil, amargado yparanóico. No obstante en sus sinfonías4, 5, y 6 (la patética) subyace una pro-funda tristeza y desesperación. Se suici-dó un 6 de noviembre de 1893. Se diceque “obligado moralmente” por un tribu-nal de la corte muy escandalizado por sustendencias y conductas homosexuales. Lasgrabaciones de sus obras son muy nume-rosas por lo que dejo libertad de elección.Existen excelentes integrales de su obrasinfónicaTambién son muy recomendables las se-r ies edi tadas en Cd por el sel lo rusoMelodya y distribuidos por BMG Classics. Tres samplersdobles con los t í tulos Symphonic Poems from Russia,Russian Moods y Orchestral Pictures From Russia son muyinteresantes porque recogen obras y otros compositores rusosno tan conocidos como Vasil i Kalinnikov (1866-1901)Reinhold Gliere (1875-1956) Liadov, Arensky ...etc

En lo personal mi compositor ruso favorito es y será SergeiProkofiev. A mi juicio superiorinc luso a Strav insky, .Prokofiev es más original, máspersonal. Enfant terrible quevolvía locos a sus profesores deconservatorio con sus composi-c iones sa lva jes , ex t rañas ydisonantes. Sus siete sinfoníasson siete experiencias. Aconse-jo a l respecto la Caja de 4CD´s . London SymphonyOrchestra . Dir. Wal terWeller. Decca Records (ADD1975-79).Para los amantes de la épica

L U N A RC L A S S I C

grandilocuente no pueden faltar dos obrasimportantes de Prokofiev.: Ivan el Terri-ble y Alexander Nevsky (en doble CD.EMI CLASSICS. London SymphonyOrchestra . Ricardo Mutt i . AndréPrevin ADD 1972-76)O sus suites: Ballet Chout, ScythianSuite (la barbarie al poder) TenienteKijé. La flor de Piedra. El hijo Pródi-go. (Doble Decca. Abbado. Doratti etc.ADD 1965-75) Indispensables tambiénsus conciertos para piano 2 y 3 (DeccaAshkenazy. London Symphony. Previn.ADD 1975)El último gran sinfonista ruso fue DimitriShostakovich. Su biografía forma un nudoen la garganta. Para su desgracia fue “hijode la revolución” y “héroe de la clase

obrera” Su música debía servir al espíritu “optimista” de lossoviets muy rimbombante y triunfalista. Nada de “perversadecadencia occidental” ni “modernismos burgueses” Debenprevalecer los intereses del partido por el bien de una socie-

dad “sana y feliz”. Esa fue la vida de pe-sadilla de un hombre que soportó la hu-millación, el terror psicológico y el mie-do visceral hasta el final de sus días en1975. Stalin fue su tormento.Sin embargo todo lo que le exigió el par-tido lo camufló de manera magistral enun engaño magistral. Toda la música deShostakovich esta plagada de cinismo, deironía, de sarcasmo, de disimulo. Cuandoes grandilocuente, se está burlando. Cuan-do es rimbombante, rítmico y marcial en-cierra un odio descarado e histriónico.Otras veces su lado más profundo lo lle-va a pasajes extraños, misteriosos y com-plicados. La crítica impotente no podíaentenderlo y esa ambigüedad lo salvó.Aunque su vida peligró en muchos mo-mentos por acusaciones de “formalismo”y tendencias pesimistas ajenas a la volun-tad “alegre del pueblo”, supo arreglárse-las para salvar el pellejo. Para más inri y

cachondeo recibió múltiples condecoraciones y premios altiempo que tenía siempre preparada la maleta por un posibleviaje a Siberia sin retorno.Compuso nada menos que 15 sinfonías y 15 cuartetos de cuer-da y mucha música patriótica de encargo.Sus sinfonías 4, 5, 7, 8, 11 y 12 tienen su miga y momentosmagistrales. NAXOS ha grabado la integral sinfónica en 11Cd´s que pueden adquirirse de forma individual.

Nada más.

En próximos números hemos preparado una nueva secciónque sustituirá al Lunar Classics, denominada Futuro Pri-mitivo. Esta vez la cosa no irá de clásica sino de progresivo;más bien de aquel rock progresivo genuíno de los primeros70 y de algunos grupos que nunca han aparecido en la revis-ta.Os suenan Argent...? Rare Earth...? Los primeros Chicago...?Traffic ...? Quizá Flock ...o Manfred Mann...? WishboneAsh ...? Brian Auger...?Un cambio de vez en cuando viene bien. Aunque sea paraviajar en el tiempo.

Alberto Torró. Sep.2000

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Prokofiev

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Existen diversos motivos que hacen que este libro no sea una propuestaconvencional. Por un lado, se trata de uno de las pocas obras quetrata de forma exclusiva del rock alemán experimental surgido acaballo entre los sesenta y los setenta, la Kosmische Music, conocidainternacionalmente como Krautrock. Por su origen y evolución, elKrautrock se puede considerar uno de los mayores aglutinantes de lahistoria del rock, ya que se nutrió fuertemente tanto de la psicodelia

británica como del experimentalismoneoyorquino, para terminar siendo unainfluencia decisiva tanto sobre el rockprogresivo, la música electrónica eincluso el punk. Bandas legendariascomo Faust, Neu!, Amon Duul I, AmonDuul II, Tangerine Dream, Kraftwerk,Can, Ash Ra Temple, Harmonia, GuruGuru y otros muchos conforman unelenco complejo y fascinante, que tuvola mala suerte de «suceder» fuera delos grandes focos de atención de lamúsica popular, pero que nadie seatreve a ignorar.

El otro gran motivo deexcepcionalidad de Krautrocksampleres su autor, Julian Cope. Describir la

trayectoria de este músico convertido ocasionalmente en escritor mepodría ocupar páginas enteras que exceden el ámbito de interés deeste fanzine. Sólo puedo decir que es uno de mis músicos favoritos yuno de los genios malditos de nuestro tiempo. Testigo de primeramano de la escena punk de Liverpool fue, a principios de los ochenta,líder de la banda pop The Teardrop Explodes, de tempestuosaexistencia por las constantes fricciones y excesos de sus miembros, ydonde se ganó fama de personaje intratable y desequilibrado. Tras laprevisible disolución de los Teardrops, empezó una excéntrica peromuy coherente carrera en solitario que basculó en sus principios delpop-rock al garage rock, y que siempre ha contado con influenciastanto de la psicodelia (su grupo favorito es The 13th Floor Elevators),el kraut y cierto rock progresivo (Julian admite odiar profundamentea ELP y especialmente los Pink Floyd post-Syd Barret, pero no ocultasu simpatía por los Moody Blues y su pasión por Van Der GraafGenerator, Peter Hammill y especialmente Magma). A principios delos noventa Julian Cope radicalizó sus propuestas musicales y estosúltimos años ha ido alternando su labor como músico, estudioso delas culturas y monumentos pre-cristianos y escritor (las dos partes desu biografía, Head on/Repossesed, este Krautrocksampler y la crónicade su viaje por los monumentos megalíticos de la Gran Bretaña Themodern antiquarian, que paradójicamente le han reportado más éxitoque sus últimas obras musicales). A pesar de que la mayor parte desu carrera se puede situar en el pop-rock, todos su álbumes soninteresantes e incluso varios de ellos desde una perspectiva “limitrofe”con el prog, siempre desde postulados poco habituales. Pero esto yaes otra historia.

Siento la parrafada, pero tener una referencia, aunquemínima de Julian “Mad” Cope (el loco más cuerdo que he conocidoen mi vida) es imprescindible para acercarse a este Krautrocksampler.Aunque planteado de forma rigurosa, con una estructura cronológica,con capítulos dedicados a las principales figuras del estilo y una listacomentada de los principales discos de la escena, su punto de vistasigue siendo tremendamente personal, y no tiene porqué ocultarlo.Julian Cope no pretende trazar la historia objetiva y completa de losgrupos que nacieron del Kraut. Él es un enamorado de la música, unescritor apasionado y con una personalidad vehemente, que habla desonidos que son parte de su vida, para él auténticas historias de amorcósmico. Tal es su poder de convicción que uno siente ganas decomprarse inmediatamente los cincuenta discos seleccionados comosus favoritos (tarea nada fácil en algunos casos), aunque deja lagunassobre todo en aquellos grupos que continuaron su trayectoria más

allá de los primeros setenta (a modo de ejemplo, no menciona elfamoso LP de Can Soon over Babaluma, del 74 ni el retorno de Fausten los noventa, a pesar de tratarse de sus grupos kraut favoritos). Aligual que en sus discos, Julian Cope no persigue llegar a entregaruna obra “perfecta”, no lo necesita, desborda pasión y talento.Krautrocksampler no es “la guía” de la música cósmica alemana,pero si una experiencia deliciosa y motivadora para todo amante dela música que se precie. Toni Roig

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L I B R O S / V Í D E Ol i b r o s / v í d e oNo sólo de oído vive el progmaníaco.

LI

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EO

71

Don

Simpho,

LOG

OTIPO

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LOXXI

“LunarSim

pho”by

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¡¡¡PRIMO

CHIM

FO,

PRIMO

CHIM

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RICHI

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PRONTO

VEN

DRÁ

AECH

PAÑA.

PODREM

OCH

ENTREV

ICHTARLO

PARA

ELLU

NAR

GUEICH

,PO

RQ

UE...

¿QUÉ

HAY

MÁCH

CHIN

FÓNICO

QUE

ECHTO...?

MEN

UDO

RECORT

ABLE

NOS

HA

TRA

ÍDO

ELAUTOR...

LAS

FOTOS

ESTÁN

MÁS

PASADAS

QUE

ELCA

BALLO

QUE

VIEN

EDE

BONANZA...

YM

ENOS

MAL

QUE

LAIN

SPIRA

CIÓN

TAM

BIÉNHACE

VACA

CIONES

,SIN

O,

OTRA

AVEN

TURILLA

SIN

FÓNICA

NOS

HUBIERA

CAÍD

O...

¡¡¡SIM

PHO!!!

¿QUÉ

ESTODO

ESTE

ALBO

ROTO?

AHORA

MIS

MO

VOY

ABA

RRERLOTODO

YA

ECHARLO

AL

CUBO

DE

BASURA

...NO

PERMIT

IRÉQ

UE

LLENES

LACA

SA

DE

POSTERS

DE

DIS

COTECA

PLAYERA

DE

VERA

NO.

HASTA

AHÍ

PODÍA

MOS

LLEGAR...

AM

IGOS

SIN

FÓNICO

S:

DES

PUÉS

DE

ESTE

PARÉN

TES

ISVERA

NIEG

O,

ESPERO

VERO

SEN

LOS

PRÓXIM

OS

NÚM

EROS

CON

MÁS

AVEN

TURA

S.

MIEN

TRA

S,

AQ

UÍ

OS

DEJ

OCO

NUN

SEN

CILLO“CO

LLAGE”

PARA

QUE

VAYÁ

ISHACIEN

DO

APET

ITO

DE

CONCIERT

OS

SIN

FÓNICO

S...

NOS

VEM

OS

PRONTO...

CIAO...

Lunar Waves #6

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