República Bolivariana de Venezuela.Ministerio del Poder Popular para la educación superior.

Instituto Universitario Politécnico “Santiago Mariño”Av. 4 de Mayo, Porlamar, Edo. Nueva Esparta.

Historia de la Arquitectura IIExtensión SAIA.

El Renacimiento.

Porlamar, 26 de Abril del 2015.

Realizado por:Alfonzo G., Willianny.

C.I: 26.344.461

Arq. Estela Aguilar.

Renacimiento Italiano.

Se denomina Quattrocento al periodo del arteitaliano correspondiente al s.XV comprendido dentro de lacorriente renacentista, encontrándose de esta maneratambién la aplicación de las denominaciones de PrimerRenacimiento o Bajo Renacimiento para la designación dedicho momento.

Va a ser éste un siglo de descubrimiento por partede la comunidad artística durante el que la república deFlorencia se constituirá en sede central de la misma, gracias alapoyo de mecenazgo realizado por parte de grandes familiascomo los Médicis y al extraordinario desarrollo económico delque será protagonista.

Arquitectura renacentista en Italia.La arquitectura renacentista nace en Italia durante el Quattrocento.Sus características más importantes son:

• Deseo de realizar edificios perfectos desde el punto de vista de"perfección técnica", basándose en cálculos matemáticos ygeométricos, para obtener la máxima armonía y proporción.

• Para ello toman como módulos el radio y el diámetro de unacolumna. Hay teóricos como Paccioti que hablan de laproporción áurea, que es la más adecuada para la construcción: 1m. de alto x 1,6 m de ancho.

• El efecto ascensional del gótico es trocado por la horizontalidad.

• Tiene preferencia el espacio unitario. Es decir, se busca quedesde el interior se pueda tener una visión total del edificio, sinimportar el punto de vista del observador.

• Se busca la belleza formal.

• La principal influencia, obviamente es la del mudo clásico, muyespecialmente de la arquitectura romana.

Características• El espacio renacentista se inspira en formas geométricas, dando

lugar a una clara delimitación espacial, en contraposición al espacio del edificio gótico, que tendía a desmaterializar el cuerpo del edificio. El uso de las formas geométricas consigue un edificio en el que predomina la claridad, se conjuga la armonía y el equilibrio.

• El edificio se compone a partir de una estructura centralizada, en el que el círculo es expresión de la divina proporción. La planta centralizada es la expresión de la divinidad: Cristo como esencia de la perfección y la armonía, en contraposición a la planta de cruz latina medieval, expresión de Cristo crucificado.

• Se parte de una idea de belleza como la integración racional de las proporciones de todas las partes de un edificio. Se consigue a través de relaciones matemáticas.

• Los edificios cobran dimensiones humanas: el ser humano es el punto de referencia continuo

Pienza.• Pienza fue reconstruida a partir de una villa llamada Corsignano,

que fue el lugar de nacimiento en 1405 de Eneas Silvio Piccolomini, un humanista del renacimiento que se convertiría en el Papa Pío II.

• Una vez convertido en Papa, Piccolomini se encargó de reconstruir la ciudad de acuerdo a sus ideales renacentistas.

• Pretendía que fuera un retiro de Roma, y representa la primera aplicación del concepto de planeamiento urbanístico humanista, creando un interés por la planificación que fue adoptado por otras ciudades italianas y europeas.

• La reconstrucción fue obra del arquitecto florentino Bernardo Gambarelli (conocido como Bernardo Rossellino) quien seguramente había trabajado con el humanista y también arquitecto Leon Battista Alberti.

• La construcción comenzó alrededor del año 1459. El Papa Pío II consagró el Duomo el día 29 de agosto de 1462, durante una larga visita de verano.

Pintura renacentista en Italia.La pintura del s.XV va a experimentar una enorme

evolución, desde el empleo de las formas aún ligeramentedecorativas y el uso de dorados y vistosos colores de FraAngélico en la primera mitad del siglo hasta la consecución,por ejemplo, de los magníficos sistemas compositivosempleados por Mantegna van a sucederse toda una serie deaportaciones pictóricas que depurarán el lenguajerenacentista. Sin embargo, puede apreciarse en general uninterés por la representación volumétrica de las figuras, lacomunión narrativa de las partes y la representación veristade la naturaleza, las dimensiones y la profundidad.

Característica.• Evocación de lo antiguo, cuya belleza idealizada pretendían tomar como ejemplo.

• Observación viva de la naturaleza. Los cuadros se sitúan en paisajes naturales quese intentan recrear con fidelidad, o en marcos arquitectónicos, en los quecolumnas, frontones, palacios y templos sirven de excusa a alardes de perspectiva.

• La figura humana se convierte en centro y medida de todas las cosas. El estudio dela anatomía, incluso la realización de autopsias, ayuda a los artistas a comprenderla realidad del cuerpo humano y sus mecanismos de movimiento, de manera quelo representan de forma más realista pero normalmente, idealizada.

• Dominio de la perspectiva, y de las técnicas compositivas.

• Los efectos de luces y sombras como el claroscuro o la grisalla. De ahí técnicasnuevas como el esfumado (efecto brumoso, técnica en la que destacó Leonardo daVinci).

• Continúan realizándose decoraciones murales al temple y al fresco.

• Se extiende el uso del lienzo, que es más económico que la tabla. Los grandesretablos, en que cada cuadro es parte de un tema más amplio, pierde presenciam,en favor del cuadro único, bien como tabla de altar, bien como lienzo. Se adoptade manera casi exclusiva la pintura al óleo. Jan Van Eyck sin haberla inventado,mejora la técnica de la pintura con este material. En Italia, sin embargo, seconserva la pintura sobre tabla y la técnica del temple en la pintura llamada ≪decaballete≫. Es principalmente en Venecia donde, por influencia flamenca, seintroduce el uso del óleo.

Alegoría de la primavera, Botticelli.Cuando Botticelli realiza esta magna obra en pleno Renacimiento

italiano no podía ser completamente consciente de la trascendencia que supondríapara el arte posterior. Lo primero que debiera llamar nuestra atención, en relación conlos usos de la época, es su enorme formato, la pintura profana casi nunca utilizó estasdimensiones, que se reservaban para la expresión de los temas sacros. Esto le confiereun carácter de cristianización de un tema que a primera vista parece totalmente ajenoa las creencias religiosas. Por otro lado, bien pudiera relacionarse con otro género dela época, el tapiz. Los tapices sí tenían este gran tamaño y se dedicaban mayormentea la pintura profana, puesto que su función era decorar muros, cerrar vanos, etc. Losmejores tapices eran los flamencos, procedentes de Gante, Brujas y Bruselas,realizados en la lana de mejor calidad, la castellana. Su precio en el mercado eraelevadísimo, hasta el punto de que comenzó a ser sustituido por materiales másbaratos, como era la pintura. Esta sustitución de materiales baratos -la pintura- porcaros, ya había tenido lugar en el Gótico italiano, donde el elemento desplazado fue elmosaico. Reforzando el paralelismo de esta obra con el tapiz tenemos el suelosembrado de flores, como ocurre en La Anunciación de Fra Angélico, según el modelo"milflores" de tejidos flamencos y franceses. El tema del cuadro es extremadamentecomplejo: abundan las figuras de la mitología clásica, pero no componen ningunaescena conocida de los textos clásicos, aunque parece seguro que se trata de unaalegoría de carácter moral bajo la apariencia de la mitología antigua. La presencia dela diosa Flora, heraldo de la Primavera, es lo que dio su nombre al cuadro, que aparecepresidido por Venus y Cupido, con la presencia, ajena al resto de los personajes, deMercurio en el extremo izquierdo. La explicación es posible intuirla a través del clientedel encargo. Botticelli lo pintó para el jovencísimo Lorenzo di Pierfrancesco di Médici,miembro de la prestigiosa familia Médicis.

Escultura renacentista en Italia.La escultura del Renacimiento italiano incluye el periodo

aproximado entre finales del siglo XIV y principios del siglo XVI,cuando la escultura italiana expresó una reacción en contra de losprincipios de la estética gótica y la asimilación de la influencia delarte de la antigüedad clásica, el humanismo y el racionalismo, ydesarrolló un estilo que fusiona elementos naturalistas e idealistasen proporciones variables. Después de las pruebas preliminares enPisa, Siena y otras ciudades en el estilo italiano renacentista norte-central apareció por primera vez con claridad, en Florencia. Algunosautores indican el inicio "oficial" del renacimiento en 1401, cuandose celebró en Florencia un concurso público para la creación de laspuertas de bronce del Baptisterio de San Juan, y otros apuntan a1408, cuando se le encargó a Donatello y a Nanni di Banco un grupode esculturas de santos para la fachada de la Basílica de Santa Mariadel Fiore. De todos modos, la escultura era el arte de la adopción deuna nueva estética, y fue uno de los más representativos de las artesdel Renacimiento italiano entero.

Característica.Las principales características de la escultura del

Renacimiento italiano fueron su definición como una forma de adquirir elconocimiento y la educación como un instrumento de la ética pública, ysu preocupación por integrar a la oposición entre el interés por laobservación directa de la naturaleza y de conceptos estéticos idealistasdesarrollados por el humanismo. En un momento en que el hombre secolocó en el centro del universo, su representación también asumió unpapel central, con el resultado de que florecieron los géneros de desnudoartístico y el retrato, que desde el final del Imperio Romano habían caídoen el olvido. Se reanudaron también temas mitológicos, se estableció uncuerpo de teoría para legitimar y orientar el arte de la época, y se hizohincapié en la estrecha relación entre el conocimiento teórico y unarigurosa disciplina de trabajo práctico como una herramienta esencialpara la creación de una obra de arte calificado. La escultura delRenacimiento italiano en sus tres primeras fases fue dominada por lainfluencia de la escuela de Toscana, Florencia, que era entonces el mayorcentro cultural italiano y una referencia para todo el continente europeo.La fase final se llevó a cabo por Roma en una época dedicada a unproyecto de afirmación de la universalidad de la autoridad del papadocomo el heredero de San Pedro como del Imperio Romano.

Cristo redentor, Miguel Ángel, 1519-1520.Cristo de la Minerva es la denominación de una escultura de mármol, obra

de Miguel Ángel, finalizada en 1521, que representa a un Cristo redentor, desnudo,abrazando la Cruz (el lienzo de pureza que oculta sus genitales es una adiciónposterior). Esta obra se encuentra en el lado izquierdo del altar mayor de la iglesia deSanta Maria sopra Minerva de Roma.

La primera versión de este obra se comenzó en 1514, por encargo dePietro Paolo Castellano, Bernardo Cencio, Mario Scappucci y Metello Vari, quepretendían destinarla a la iglesia de la Minerva. Entre 1514 y 1516 Miguel Ángel trabajóen la talla hasta que, cuando ya estaba muy avanzada, tuvo que interrumpir su trabajopor la aparición en el mármol de una gran veta oscura que cruzaba el rostro de lafigura.

Cuando se acercaba el término del contrato (cuatro años) los clientes insistieron en suejecución. Por entonces Miguel Ángel se encontraba en Florencia, y recomenzó eltrabajo en un nuevo bloque de mármol, comenzando una nueva versión en la quetrabajó entre los años 1519 y 1520. En marzo de 1521 mandó la escultura a Roma,pidiendo a su discípulo Pietro Urbano que la terminara. Sin embargo, esta intervenciónno debió ser muy afortunada, ya que Sebastiano del Piombo escribió a Miguel Ángelpara pedirle que cesara a Urbano y encargara la finalización del trabajo a FedericoFrizzi. Se hizo así, y la escultura quedó terminada, colocándose en la iglesia para la queestaba destinada el 27 de diciembre de 1521. A pesar de todo esto, parece que MiguelÁngel aún propuso una nueva ejecución de la obra, pero Metello Vari no se lo concedió.En compensación, recibió la primera versión inacabada, que colocó en su jardín.

Renacimiento Español.El inicio del Renacimiento en España se liga íntimamente al devenir

histórico-político de la monarquía de los Reyes Católicos. Sus figuras son lasprimeras en salir de los planteamientos medievales que fijaban un esquemafeudal de monarca débil sobre nobleza poderosa y levantisca. Los ReyesCatólicos aúnan las fuerzas del incipiente estado y se alían con las principalesfamilias de la nobleza para mantener su poder. Una de estas familias, losMendoza, utiliza el nuevo estilo como distinción de su clan y, por extensión, dela protección de la monarquía. Poco a poco, la estética novedosa se introduce enel resto de la corte y el clero, mezclándose con estilos puramente ibéricos, comoel arte nazarí del agónico reino de Granada, el Gótico exaltado y personal de lareina castellana, y las tendencias flamencas en la pintura oficial de la corte y laIglesia. La asimilación de elementos dio lugar a una personal interpretación delRenacimiento ortodoxo, que se dio en llamar Plateresco. Asimismo, se importanartistas secundarios de Italia, se envían aprendices a los talleres italianos, setraen diseños, plantas arquitectónicas, libros y grabados, cuadros, etc., de loscuales se copian personajes, temas y composición. Carlos I es el rey que mejor serelaciona con el arte nuevo, paradójicamente llamado la manera antigua,puesto remite a la Antigüedad clásica. Su patrocinio directo logró algunas de lasmás bellas obras de nuestro especial y único estilo renacentista: el palacio deCarlos V en Granada, el mecenazgo sobre Covarrubias, sus encargos a Tiziano,que nunca accedió a trasladarse a España... Pintores de gran calidad fueron,lejos del núcleo cortesano, Pedro de Berruguete, Juan de Juanes, Paolo de SanLeocadio, del que destacamos la delicada Virgen del Caballero de Montesa,Yáñez de la Almedina y Fernando de los Llanos. La pintura del Renacimientoespañol se lleva a cabo normalmente al óleo. Realiza interiores perfectamentesujetos a las reglas de la perspectiva, sin agolpamiento de los personajes.

Arquitectura renacentista española.El desarrollo del Renacimiento se produjo principalmente por

arquitectos locales. De esta manera, se creó una corriente puramente españoladel estilo, que se vio influida por la arquitectura del sur de Italia (dominios de laCorona de Aragón en esa época). Este estilo español llamado plateresco,combinaba las nuevas ideas italianas con la tradición gótica española, así comola idiosincrasia local. El nombre proviene de las extremadamente decoradasfachadas de estos edificios, que se asimilaban al intrincado y detallista trabajode los plateros. En estos años sobresalen los arquitectos Enrique Egas y Juan deÁlava.

Con el paso de las décadas, la influencia del Gótico fuedisminuyendo lentamente, llegándose a alcanzar un estilo más depurado yortodoxo, desde el punto de vista del Renacimiento. El purismo se caracterizapor una mayor austeridad decorativa, que se limita a algunos elementosconcretos, generalmente de inspiración clásica. Hay un cierto cansancio de laexuberancia decorativa a mitad del siglo XVI y se imponen los edificios deaspecto más sereno, armónico y equilibrado. Algunos arquitectos consiguenreciclar su producción tardo-gótica para iniciarse en este nuevo estilo: tal es elcaso, por ejemplo, de Alonso de Covarrubias, Rodrigo Gil de Hontañón y Pedrode Ibarra. El centro de la producción renacentista se localizó en Andalucía conDiego de Siloé (fachada de la Catedral de Granada y la Sacra Capilla del Salvadorde Úbeda); Pedro Machuca (Palacio de Carlos V en Granada), el arquitecto másdecididamente clásico; Andrés de Vandelvira (Catedral de Jaén y de Baeza) yDiego de Riaño (Ayuntamiento de Sevilla).

Caracteriastica.• Se valora la superficie de los muros. Exteriormente se realzan los sillares mediante el

clásico almohadillado; e, incluso, se tallan como puntas de diamante. En los interiores seanima la propia superficie del muro a través de elementos armónicamente equilibrados:cornisas, pilastras, columnas enmarcadas, etc.

• En cuanto a los soportes, se utiliza la columna fundamentalmente, tanto por su funciónconstructiva (sustentante), como decorativa, bien aislada, formando arquerías ocombinada con pilares. Se emplea el repertorio de los órdenes clásicos. La columna esesencial dado que el estudio de sus proporciones es uno de los fundamentos delclasicismo, y sirve como pauta para determinar toda la proporción del edificio. Estecarácter rector de la columna es el fundamento esencial de la belleza arquitectónica en laconcepción renacentista. Se utilizan todos los órdenes romanos, desde el rústico alcompuesto, enriquecido el corintio, que es el más utilizado.

• El arquitecto renacentista desprecia el arco ojival o apuntado, característico del estilogótico, y vuelve a utilizar, de forma sistemática, el arco de medio punto. Sostenido porelegantes columnas de orden clásico y formando galerías o logias, su repetición rítmicacontribuye a subrayar la claridad racional de los edificios renacentistas.

• En los sistemas de cubierta se produce una profunda renovación, ya sean estas de maderao de piedra. En las cubiertas de madera el tipo más utilizado es el artesonado: unasuperficie plana que se divide en casetones, que pueden ser cuadrangulares o poligonales,y en cuyo centro se suele colocar una flor u otro motivo decorativo, generalmente doradoo policromado. En las cubiertas de piedra se emplean preferentemente las bóvedas decañón, las de arista y las rebajadas o vaídas; en todas ellas es frecuente que el casquete dela bóveda no se quede liso, sino que se decore con casetones, como en la arquitecturaromana. No obstante, lo más importante será la primacía que se le concede a la cúpulacomo forma ideal constructiva (derivada de la admiración que siempre suscitó la cúpulasemiesférica del Panteón de Agripa, en Roma; así como la influencia de la arquitecturabizantina que irradiaba San Marcos de Venecia). La cúpula se eleva sobre pechinas ygeneralmente con tambor, en el que se abren ventanas, y suele estar rematada conlinterna que le proporciona luz cenital.

Monasterio de El EscorialEl Monasterio de San Lorenzo de El Escorial es un complejo que

incluye un palacio real, una basílica, un panteón, una biblioteca y un monasterio.Se encuentra en la localidad de San Lorenzo de El Escorial, en la Comunidad deMadrid, España, y fue construido entre 1563 y 1584.

El palacio fue residencia de la Familia Real Española, la basílica eslugar de sepultura de los reyes de España y el monasterio –fundado por monjesde la Orden de San Jerónimo– está ocupado actualmente por frailes de la Ordende San Agustín. Es una de las más singulares arquitecturas renacentistas deEspaña y de Europa. Situado en San Lorenzo de El Escorial, ocupa una superficiede 33.327 m², sobre la ladera meridional del monte Abantos, a 1028 m de altitud,en la Sierra de Guadarrama. Está gestionado por Patrimonio Nacional.

Conocido también como Monasterio de San Lorenzo El Real, o,sencillamente, El Escorial, fue ideado en la segunda mitad del siglo XVI por elrey Felipe II y su arquitecto Juan Bautista de Toledo, aunque posteriormenteintervinieron Juan de Herrera, Juan de Minjares, Giovanni Battista Castello ElBergamasco y Francisco de Mora. El rey concibió un gran complejomultifuncional, monacal y palaciego que, plasmado por Juan Bautista de Toledosegún el paradigma de la Traza Universal, dio origen al estilo herreriano.

Fue considerado, desde finales del siglo XVI, la Octava Maravilla delMundo, tanto por su tamaño y complejidad funcional como por su enorme valorsimbólico. Su arquitectura marcó el paso del plateresco renacentista alclasicismo desornamentado. Obra ingente, de gran monumentalidad, estambién un receptáculo de las demás artes.

Pintura renacentista española.La pintura renacentista española es la realizada a lo largo del siglo

XVI en las Coronas de Castilla y Aragón. El Renacimiento italiano se difundió porla Península Ibérica a partir del litoral mediterráneo. Así, se aprecian diferenciasentre las regiones a la hora de incorporarse al italianismo: es más rápido en laCorona de Aragón, más vinculada con Italia, y tarda más en llegar al corazón dela Península, donde perviven los modelos flamencos preponderantes en laépoca de los Reyes Católicos.

Suele diferenciarse en tres momentos, dividiendo el siglo en tresperíodos. Es característico del Renacimiento español el predominioprácticamente absoluto de la pintura religiosa, siendo muy ocasionales lostemas mitológicos, históricos, alegóricos, o géneros como el bodegón o elpaisaje. Sí se producen retratos, especialmente vinculados con la corte.

España, en la época del Renacimiento, recibe la visita de algunosgrandes artistas. Las posesiones italianas así como las relaciones establecidaspor Fernando II de Aragón, entrañaron movimientos de intelectuales y tambiénde artistas a través del crecimiento de la influencia española en Europa, y másparticularmente en Italia. Llegan a lo largo de todo el siglo numerosos artistasitalianos, pero también flamencos. De todos los pintores que trabajan enEspaña en el siglo XVI, destaca la figura de El Greco a finales de siglo.

Características.

• Ausencia de temática profana y predominio de la religiosa.La clientela será fundamentalmente la Iglesia.

• La técnica preferida es el óleo sobre tabla, o sobre lienzocon escaso desarrollo del fresco.

• Dependencia de las formas italianas que conviven conrestos góticos y caracteres populares.

• En Época de Felipe II, El Escorial se convierte en el centrode la producción pictórica más importante.

• Mención aparte merece el genio individual del Greco.

Fragmento del Entierro del Conde Orgaz, El Greco.

El entierro del señor de Orgaz, popularmente llamado Elentierro del Conde de Orgaz, es un óleo sobre lienzo de 4,80 x 3,60metros, pintado en estilo manierista por El Greco entre los años 1586 y1588. Fue realizado para la parroquia de Santo Tomé de Toledo, España,y se encuentra conservado en este mismo lugar. Está considerada unade las mejores y más admiradas obras del autor.1

El cuadro representa el milagro en el que, según la tradición,san Esteban y san Agustín bajaron del Cielo para personalmenteenterrar a Gonzalo Ruiz de Toledo, señor de la villa de Orgaz, en laiglesia de Santo Tomé, como premio por una vida ejemplar de devocióna los santos, su humildad y las obras de caridad llevadas a cabo.2

El Greco aceptó el encargo de realizar la obra en 1586, algomás de dos siglos y medio después de los hechos que en ella representó.Recibió detalladas directrices sobre cómo debía aparecer el milagro dela zona inferior del lienzo, pero una vaga descripción de la zona de laGloria. El pintor cretense incorporaría a la zona superior larepresentación del Juicio y la aceptación en el Cielo del alma del señorde Orgaz. También cargaría a la escena del entierro de un aire deactualidad, retratando a varones de su tiempo con ropajes del siglo XVIy situando los hechos en un oficio de difuntos con las características dela época.

Escultura renacentista en España.La aparición del arte renacentista en España se consolidó casi un siglo

después de los comienzos de este estilo en Italia. El quattrocento no existió como talestilo renacentista pues predominaban todavía las formas y el gusto por el gótico. En elsiglo XVI, el cinquecento italiano, aparecieron las primeras demostraciones, comoconsecuencia de las relaciones políticas y militares con Italia y bajo el mecenazgo ytutela de los reyes y de la nobleza. La escultura renacentista se hizo presente a travésde tres vías distintas: Escultores italianos mandados llamar por los mecenas y querealizaron sus obras en España; obras importadas, procedentes de los talleres italianos;primera generación de artistas españoles.

En el primer grupo se encuentran los escultores Domenico Fancelli, PietroTorrigiano y Jacobo Florentino, llamado el Indaco. Entre las obras encargadas a Italiasirvan de ejemplo el San Juanito del taller de Miguel Ángel para la ciudad de Úbeda yunos cuantos relieves del taller de la familia Della Robbia. En cuanto a los artistasescultores españoles, la primera generación estuvo compuesta por Vasco de la Zarza(trascoro de la catedral de Ávila), Felipe Vigarny (retablo mayor de la catedral deToledo), Bartolomé Ordóñez (sillería del coro de la catedral de Barcelona) y Diego deSiloé (sepulcro de don Alonso Fonseca en Iglesia de las Úrsulas de Salamanca).nota 1

A partir del segundo tercio del siglo XVI surgieron en distintas regionesespañolas unos artistas escultores que llegaron a ser los grandes maestros deRenacimiento español. Aunque siguieron las normas italianas, supieron dar a sus obrasun carácter puramente español, creando escuela en las distintas regiones del ámbitonacional. El material utilizado fue el mármol y el bronce, pero sobre todo la maderapolicromada y estofada. De los talleres de los grandes maestros salieron gran cantidadde retablos, sillerías de coro, imágenes y escultura funeraria.

Características.Se desarrolló la escultura renacentista española en los géneros de

sepulcros, sillerías de coro, imaginería y retablos, en escultura aplicada a la arquitectura y el retrato en círculos de la nobleza. Se combinó el antiguo estilo gótico con el nuevo Renacimiento venido de tierras de Italia, aunque sin la introducción del tema mitológico y mostrando en sus esculturas más los sentimientos anímicos que la belleza formal que daban los escultores italianos.

La piedra fue uno de los materiales empleados más habituales en las fachadas, con un amplio repertorio ornamental de guirnaldas de frutos y follajes, volutas, medallones y grutescos. El mármol y el bronce se utilizaron para obras exclusivas de los grandes comitentes. El material más trabajado y más representativo en el renacimiento español fue la madera con acabado de policromía, cuyo proceso es el de dorado y estofado. Se recubrían con panes de oro las imágenes y los retablos que, aunque encarecían el coste de las obras, lograban un acabado rico y llamativo que se completaba con la aplicación de pintura de color con el que se conseguía el parecido a diversas telas en las vestiduras; en las partes del cuerpo descubierto se aplicaba la «encarnación», consiguiendo un color similar al de la carne.3 Algunos retablos se hicieron en madera blanca, es decir, madera sin pintar, encerada o barnizada lo mismo que las sillerías de los coros.

Los sepulcros se representaron con la imagen en posición yacente u orante, en construcciones arquitectónicas adosadas a los muros o en monumentos exentos y reflejando el concepto del Renacimiento del «triunfo sobre la muerte» a través de la «Fama», o sea, el recuerdo de las obras realizadas por el difunto, que son narradas normalmente mediante relieves en dichos monumentos funerarios.

San Jerónimo de Torrigiano.Esta escultura fue realizada en barro cocido policromado,

material muy de moda en la ciudad de Sevilla (Dos Hermanas )del sigloXV y XVI. Según cuenta Vasari en la biografía de Torrigiano, el escultortomó como modelo un viejo criado de los comerciantes florentinosBotti, afincados en Sevilla.

Fue una obra maestra, admirada y muy valorada por losartistas sevillanos de fines del siglo XVI. En ella aprendieron a esculpiranatomía todos los escultores andaluces de generaciones posteriores.Uno de los grandes admiradores, ya en el siglo XVIII, fue el pintor Goya,de quien se cuenta que se detuvo en el monasterio de Buenavista dosveces, con la sola intención de contemplar la escultura. Estádocumentado que comentó a su amigo Ceán Bermúdez su granadmiración por este San Jerónimo.

La escultura presenta una anatomía perfecta del cuerpo deun anciano, realizada en tamaño mayor del natural. Con una rodilla entierra, el santo muestra una cruz con su mano izquierda mientras que laderecha cobija una piedra, instrumento que le servía para mortificarsegolpeándose con ella. La policromía aporta realismo y una gran calidad.Torrigiano sentó un precedente con esta imagen; el santo fuerepresentado casi siempre de esta forma a partir de esta iconografía.

Renacimiento francés.Renacimiento francés es la denominación

historiográfica del Renacimiento en el reino de Francia; unmovimiento cultural con dimensión intelectual, literaria yartística que se localiza temporalmente desde finales del sigloXV hasta comienzos del siglo XVII, entre el comienzo de lasguerras de Italia (1494) y el edicto de Nantes (1598). Seincluye dentro del denominado Renacimiento nórdico, comoextensión al norte de los Alpes del Renacimiento italiano, queen la primera mitad del siglo XV no tuvo mucha proyección enFrancia, por entonces inmersa en la guerra de los Cien Años.

Arquitectura renacentista francesa.La arquitectura francesa es modelo a seguir en el diseño

de edificios a nivel mundial. El arte francés es de caracter elegante yrefinado, cosa que se proyecta en sus obras arquitectónicas. Losarquitectos franceses del Renacimiento y del período neoclásico sonespecialistas en construcciones palaciegas, poseen los castillos másbellos del mundo, miles de turistas acuden para admirar estasedificaciones monumentales, que aun se encuentran en perfectascondiciones.

La mayoría de castillos de Francia están en la región delLoira, allí existen numerosas construcciones palaciegas. La mayoríade ellas fueron edificadas durante el Renacimiento, época de gloríapara los arquitectos franceses concentrados en París. Para conseguirlevantar estas construcciones magníficas aplicaron su finacreatividad estética y técnicas de ingeniería avanzada. Dentro deesta zona se ubica la castillo morárquico más famoso de Francia, elChambord. Una parte del valle del Loira, con 42 castillos, ha sidonombrada patrimonio de la humanidad por la UNESCO.

Características.• Los artistas del siglo XV dejaron de lado el estilo gótico para

unirse al movimiento italiano del renacimiento, este tomaba lasobras antiguas de griegos y romanos como modelos de bellezaperfecta.

• La arquitectura renacentista interpreta el arte clásico e intentaimitar la estética de aquellas construcciones.

• El nuevo pensamiento se contraponía al empleado paraproyectar las construcciones góticas, sus arquitectos fuerontildados de cultivar el feísmo en sus obras.

• Es modelo a seguir en el diseño de edificios a nivel mundial

• El arte francés es de carácter elegante y refinado, cosa que seproyecta en sus obras arquitectónicas.

• Los arquitectos franceses del Renacimiento y del períodoneoclásico son especialistas en construcciones palaciegas,poseen los castillos más bellos del mundo.

Castillo de Azay le RideauTambién conocido como “El Diamante de las Mil Facetas”

por Honoré de Balzac, se encuentra construído en una isla en mediodel Indre y es uno de los grandes logros de la arquitecturarenacentista.

Este impresionante Castillo fue construído entre 1518 y1527, sus cimientos se elevan directamente del Río.PhilippeLesbahy, esposa de Gilles Berthelot, tesorero de Francisco I yalcalde de Tours, fue la que dirigió el curso de los trabajos para queeste magnífico castillo fuera posible, incluyendo la idea de unaescalera central, que es la mayor innovación de Azay.

En este castillo se mezclan motivos arquitectónicos, lasdimensiones largas y bajas y las decoraciones esculturales de Azayson italianas, pero las esquinas de bastión capsuladas por conospuntiagudos, los montones verticales de ventanas agrupadasseparadas por cursos de cuerda enfáticos horizontales, y la altaazotea de pizarra inclinada son inequívocamente franceses. Losfortalecimientos y las torres medievales donjon dieron un aire denobleza tradicional al tesorero del rey recién ennoblecido.

Pintura renacentista francesa.En Francia se inicia el renacimiento con autores de clara influencia

flamenca, como Jean Bellegambe (1470-1534), que se inspira en los artistas deAmberes. En torno a las cortes de Francisco I y Enrique IV se dan dos escuelasllamadas de Fontainebleau, que siguen modelos italianizantes.

Francisco I llamó a su corte a Leonardo da Vinci y Andrea del Sarto.Pero fueron artistas italianos posteriores los que dominaron la primera escuelade Fontainebleau. En el palacio de Fontainebleau trabajaron decoradoresitalianos como Rosso, Primaticcio y Niccolò dell'Abbate. Muchas de estasdecoraciones de Fontainebleau se divulgaron gracias a la labor de diversosgrabadores, como el francés Jean Mignon.

En esta época alcanza gran esplendor el género del retrato, conJean Clouet y su hijo François. El primero realiza lienzos mitológicos y retratosdibujados o a lápiz. François busca la caracterización social de sus modelos,aproximándose más a los modelos italianos y flamencos.

Otro retratista predominante que trabaja en Francia, más próximoa Jean Clouet que a su hijo, es Corneille de Lyon, también conocido comoCornelys, llamado de Lyon o de la Haya, posiblemente holandés.

En París trabajan los Cousin, padre e hijo. Jean Cousin padre,llamado el Viejo para diferenciarlo de su hijo, Jean Cousin el Joven, realizó elprimer gran desnudo pintado por un artista francés: Eva Prima Pandora (Museodel Louvre).

Características.El periodo fundamental de la pintura renacentista

se centró en elementos nuevos y clásicos en armonía. Elclaroscuro se introdujo de nuevo para mostrar las cualidadesrealistas y humanas de los sujetos. El claroscuro es unatécnica que contrasta la luz y la oscuridad en la pintura.Durante este periodo, los sujetos humanos en el arte serepresentaban como las mediciones. El "Hombre de Vitruvio"de Leonardo da Vinci retrata con precisión esta idea porque susujeto tiene proporciones iguales. Los pintores delRenacimiento también se centraron en la producción deposturas, movimientos realistas y emociones en su trabajo.

Escuela de Fontainebleau: Diana cazadora, 1550-1560.

Es una pintura de oleo sobre madera llevado alienzo con dimensiones de 192 x 133cm, realizada entre 1550-1560, ubicada en el Museo de Louvre, Paris. Fue ejemplo depintura de la Primera Escuela de Fontainebleau. La pinturarenacentista francesa experimentó el progresivo declive de lasformas góticas tradicionales y la llegada del nuevo estilo, enellas se observaba el gran esplendor del genero de los retratosy mitológico dibujados a lápiz; en estas pinturas cabe destacarque utilizaban modelos italianos y flamencos.

Renacimiento Alemán.El Renacimiento alemán es parte de ese renacer que

hubo en los Países Bajos para los siglos XV y XVI. En Alemania la corriente que existía era de influencia flamenca, a pesar de que en Alemania tenía un estilo artístico muy particular. Los temas religiosos abundaban en las obras de arte de los alemanes. En Alemania, la arquitectura conservó fuertes influencias del gótico medieval. El renacimiento artístico no fue en Alemania una tentativa de resurrección del arte clásico, sino una renovación intensa del espíritu germánico, motivado por la Reforma protestante. Durero fue una figura dominante del Renacimiento alemán. Su obra universal, que ya en vida fue reconocida y admirada en toda Europa, impuso la impronta del artista moderno, uniendo la reflexión teórica con la transición decisiva entre la práctica medieval y el idealismo renacentista.

Arquitectura renacentista alemana.El Renacimiento en Alemania fue inspirado por

filósofos y artistas alemanes como Johannes Reuchlin y Alberto Durero, que había visitado Italia. La arquitectura más destacada de este período son la Residencia Landshut, el castillo de Heidelberg, el castillo Johannisburg en Aschaffenburg y el Ayuntamiento de Augsburg. En julio de 1567 el consejo de la ciudad de Colonia aprobó un diseño de estilo renacentista realizado por Wilhelm Vernukken para el Ayuntamiento, con una loggia de dos pisos. La iglesia de San Miguel, en Múnich, es la iglesia renacentista más grande localizada al norte de los Alpes. Fue construida por el duque Guillermo V de Baviera entre 1583 y 1597 como centro espiritual de la Contrarreforma y se inspiró en la iglesia de IlGesù en Roma. El arquitecto es desconocido.

CaracterísticasDebemos tener en cuenta que en Alemania, a diferencia

de la pintura y la escultura, la arquitectura tuvo un lento desarrollo en el siglo XVI. La Reforma protestante impidió el avance de la arquitectura religiosa y la falta de un poder político central, la aparición de una arquitectura regia. La influencia italiana fue relativamente escasa y hay que esperar hasta la segunda mitad del siglo XVI para que el vocabulario italiano (órdenes clásicos, volutas, hornacinas, etc), aparezca con cierta frecuencia, aunque sea en edificaciones de carácter gótico.

• El impacto del Renacimiento en países como: España, Portugal, Alemania, Países Bajos y Francia, fue bastante duro, ya que los artistas de esos países emigraron a Italia y luego regresaron a sus países a imponer el Renacimiento italiano.

• Se produjeron numerosas transformaciones económicas, derivadas del relanzamiento del sistema capitalista.

La Capilla de FuggerUna serie de realizaciones donde arquitectura y ciudad están una

en función de la otra son llevadas a cabo en Augsburgo durante el siglo XVI einicios del XVII; es un capítulo en sí mismo concluso respecto a esta ciudadalemana, para la cual las vicisitudes de la Guerra de los Treinta Años -sitiada ytomada por Suecia en 1632, es reintegrada al Imperio cinco años después-,suponen la interrupción de su desarrollo urbano.

Desde fines del siglo XV y durante toda la primera mitad del XVIAugsburgo es el centro comercial e industrial más importante del Sur deAlemania. Familias poderosas y enriquecidas durante el cuatrocientos, como losWelser o los Hóchstetter, están en la base del gran capitalismo augsburgés delsiglo XVI; pero éste y la propia ciudad son sinónimos de Fugger. Casi podríadecirse que los Fugger son a Augsburgo lo que los Medici a Florencia.

Familia que había hecho su fortuna durante el siglo XV en relacióncon los tejidos, industria tradicional de la ciudad, hacia 1525, año delfallecimiento de Jacob Fugger, el omnipotente banquero de Carlos V y León X,detentaba un auténtico monopolio de varios sectores de la minería europea,que pasaba por la exclusiva del mercurio de Almadén e incluso por variasconcesiones hispanas en América, y controlaba buena parte de las intensísimasrelaciones comerciales de Augsburgo, con Italia -Venecia, sobre todo- por el Sury con Flandes hacia el Norte. A mediados del quinientos, la prosperidad de losFugger, y con ellos la de su ciudad, inicia un lento y progresivo declive que,desde el punto de vista económico, es ya irreversible tras la primera bancarrotade Felipe II, a quien habían seguido financiando, en 1557.

Pintura renacentista alemana.Con el Renacimiento surgió en Alemania un tipo peculiar de arte, en

contraposición con las obras creadas en Italia. Se abre así el llamado Siglo de oro de lapintura alemana, con pintores como Grünewald (1470-1528), Hans Holbein, Alberto Dureroy Lucas Cranach. A la tradición gótica alemana, expresionista y patética, se le une ahora lainfluencia italiana y la llegada de la Reforma protestante, lo que provoca una pintura conpersonalidad propia.

El más vinculado con la tradición gótica anterior es Grünewald, y por ello aveces se le clasifica entre los pintores góticos, o se dice que se encuentra a caballo entre lapintura gótica y el renacimiento, cuando en realidad es estricto contemporáneo de AlbertoDurero (1471-1528). Grünewald prolongó en el tiempo las concepciones góticas, enpinturas que mantiene el patetismo típico de los primitivos alemanes, con actitudesarrebatadas y luces intensas. La obra más notable de este artista, calificado como«extraño», o «visionario», es el Retablo de Isemheim (1510), conservado en el Museo deUnterlinden de Colmar, con imágenes de la Crucifixión con una extraña iluminación eimágenes de carnes casi putrefactas.

Pero las dos figuras que sobresalen del resto, de fama internacional, sonAlberto Durero y Hans Holbein el Joven. Durero es el artista alemán por antonomasia.Formado en Núremberg, viaja a Italia, donde conoce la pintura veneciana, singularmente laobra de Mantegna y la de Giovanni Bellini. Así, en sus obras fusiona el estilo gótico alemáncon la pintura renacentista italiana. Cultiva diversos géneros, como la pintura religiosa (losApóstoles de Múnich) y el desnudos (Adán y Eva del Prado), así como retratos de granpenetración psicológica, destacando los autorretratos que fue realizando a lo largo de suvida. Además de la pintura al óleo, Durero cultiva el grabado creando infinidad de láminas eimágenes que posteriormente fueron muy divulgadas y copiadas: La melancolía, elApocalipsis, el Rinoceronte, etc. Igualmente, cabe citar sus numerosas acuarelas, depaisajes, animales y plantas, con gran detalle y realismo, siendo uno de los primerosdibujantes de paisajes puros, esto es, escenas urbanas o rurales sin pretexto de contar unahistoria.

Características.El renacimiento alemán recogió, por un lado, las

características expresionistas de la pintura religiosa gótica del siglo XV y, por otro, la influencia del Quattrocento italiano. Matthias Grünewald es el seguidor más cercano de esa tradicion germánica. Las escuelas alemanas del Renacimiento deben su origen y casi toda su personalidad a tres relevantes pintores que florecen durante la primera mitad del siglo XVI: Alberto Durero, Hans Holbein el Joven, y Lucas Cranach el Viejo. Gran importancia en la creación del género del paisaje Albrecht Altdorfer, creador de la Escuela del Danubio.

Lucas van Leyden (1494–1533) Verkündigung an MariaRetrato de un momento divino en la historia de la religión

católica, su autor no solo era un gran pintor sino un excelente grabador. Locación actual: Pinacoteca Antigua de Múnich. Múnich, Alemania

El renacimiento alemán recogió, por un lado, las características expresionistas de la pintura religiosa gótica del siglo XV y, por otro, la influencia del Quattrocento italiano. MatthiasGrünewald es el seguidor más cercano de esa tradicion germánica. Las escuelas alemanas del

Renacimiento deben su origen y casi toda su personalidad a tres relevantes pintores que florecen durante la primera mitad del siglo XVI: Alberto Durero, Hans Holbein el Joven, y Lucas Cranach el Viejo. Gran importancia en la creación del género del paisaje Albrecht Altdorfer, creador de la Escuela del Danubio.