EL MÚSICO NACIONAL PRESENTA SU SEGUNDA PRODUCCIÓN DISCOGRÁFICA COMO SOLISTA

Apostando por la escena

RED MOSKITOLa banda tributo

TARKUS40 años de rock pesado

De las redes sociales a tus oidos

Volando lejos deloasis

NUMERO 01 / MAYO 2012 / S/. 8.00unplugged.pe

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EDITORIAL

“ El periodismo musical consiste en gente que no sabe escribir, entrevistando a gente que no sabe hablar, para gente que no sabe leer”, dijo alguna

vez el gran Frank Zappa. Sólo él pudo destruir tan elegante-mente cualquier intención periodística respecto a la músi-ca. Y, en cierto modo, el buen Frank tenía razón.

Para entenderlo un poco más, contextualicemos su célebre frase. Era la década de los setenta y la cobertura informa-tiva de la música se limitaba a pequeñas notas, reportajes vacíos y una extensa crítica de producciones discográficas. Si bien ya existían revistas como la Rolling Stone o la NME, los textos estaban inundados de percepciones subjetivas, personales y no necesariamente acordes con el sentir de los propios músicos. Es decir, los periodistas escribían lo que les parecía.

Se inició, entonces, una tendencia por informar superfi-cialmente lo correspondiente al ámbito musical. El primer gran error de los editores fue confundir la reseña de discos (que luego llamarían algunos “crítica musical”) con el pe-riodismo especializado. Expresiones como “un buen riff”, “un gran guitarrista”, “un excelente cantante” y demás enunciados poco argumentados inundaban las secciones musicales de los periódicos, que cada vez se hacían más pequeñas.

Zappa tenía más razones para estar enojado. La música siempre ha ocupado un pequeño espacio dentro de la

sección de espectáculos de los periódicos. Sí, espectáculos. Porque se confunde a menudo que la noticia musical es aquella que informa sobre la vida del artista, no sobre su obra discográfica. “Cuanto más gritas, cuanto más saltas, cuanto más grande es tu sombrero, más gente escucha tu música”, diría alguna vez el beatle George Harrison.

¿Y si hubiera vivido en nuestro país? Bueno, quizás su eno-jo también hubiera sido justificado. Nosotros no hemos estado lejos de esa tendencia informativa. Aquí la verda-dera chamba la han realizado los fanzines y los editores preocupados en mostrar un panorama más amplio de la variedad musical (y, claro está, cultural) que siempre ha existido. Quienes no se han limitado en definir cuál les pa-rece la “buena” música.

Pero nosotros somos fanáticos de Zappa. Asumiremos el reto. Así que durante las ediciones de esta revista se en-contrará de todo para todos. Quienes hagan música tienen las puertas abiertas en esta publicación. Para eso nacemos, para ser una vitrina de quienes dedican su vida a este arte tan increíble. Quizás así dejemos de quejarnos tanto de la ya clásica “poca difusión”. Quizás así estamos aportan-do algo para mejorar nuestra escena local. Quizás así con-vencemos al gran Frank de que el periodismo musical es diferente.

Fernando Alayo OrbegozoEditor General

NOTICIASEntérate de las últimas novedades de la escenamusical nacional e internacional.

ACUSTI ROCK IIIVuelve en su tercera edición el evento que reúne a las bandas más emblemáticas del rock nacional

JHOVAN TOMASEVICHEl ex vocalista de Zen despega con una segunda producción discográfica y lo cuenta todo.

E.T.CCon su disco homónimo, esta banda nacional apuesta por un sonido grunge. Conócelos.

RESEÑASAsí vemos a los nuevos lanzamientos y produc-ciones discográficas nacionales.

SUBWAY ELEPHANTNo son tan subterráneos como su nombre y ya empiezan a sonar dentro de la escena local.

AGENDAPara que no te pierdas ni un sólo concierto, aquí está la agenda del mes completa.

NOEL GALLAGHEREl ex integrante de la gran banda británica Oasis presenta en Lima su reciente proyecto solista.

CAPITAL CITIESRegresa la banda revelación del año pasado para ofrecer un súper concierto en Barranco.

RED MOSKITOConoce a la mejor banda tributo de Pearl Jam de nuestro país y quiénes la integran.

CHACHI LUJÁNDesde Telegraph Avenue hasta Dr. No, pasando por una carrera solista. Conoce a Chachi Luján.

TARKUSCuarenta años de rock pesado en Latinoamérica y todo empezó en Perú. Descubre a Tarkus.

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Raul Figueroa BardalesEs una idea genial! Muchos éxitos! ;)Gracias, Raúl. Esperamos que la revista sea de tu completo agrado.

Sombre SpectrumFelicidades por la revista. Saludos y la mejor suerte del mundo!Suerte a ti también!

Jorge Corona NavarroHola! Excelente revista, increíble cómo graban a muy buena calidad. Quiero hacerles una con-sulta: ¿subirán el concier-to de Jorge González en San Marcos completo? Por favor, espero su respuesta. Saludos.;)Jorge: Gracias por tu co-mentario. Hemos subido un buen número de can-ciones, pero por el tema de derechos no se puede subir todo. Saludos!

Zairam RecordBuena iniciativa!Mil gracias, Zairam! Esperamos te suscribas!

Marco Delgado Felicidades por el apoyo. Yo también tengo música propia. ¿Cómo hago para darsela y la difundan?Envía todos tus datos (fotos, bio, etc) a contacto@unplugged.peGastón Amaro Ojalá podamos trabajar juntos como hermanos en la música. Mis mejo-res deseos.Esa es la idea, Gastón. Juntos hacemos escena.

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theremyn_4 gana importante premio en estados unidos

cadena de café lanza disco compilatorio peruano

“Viaje Peruano” es el disco lanzado por Starbucks y Mamacha Productions, que reúne a las bandas locales Los Protones, Chico Unicornio, Moldes, Los Zapping, Odin A. Kasparian, I Am Genko, Veronik y Los Gatos Eléctricos, Plug Plug, El Aire y Filtro. Esta producción es parte de la serie “Escucha peruano”, creada por el blog “Rock en las Américas”, que busca presentar los más recientes proyectos musicales.

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LA PRENSA PREPARA SEGUNDA PRODUCCIÓN DISCOGRÁFICA

“Hasta que choque Chincha con África” es el nombre del segundo disco que lanzará la buena banda nacional La Prensa. La agrupación se formó en 2009 con músicos de Camarón Jackson, Diablos Azules y Madre Matilda y editó su primera producción “Esperar es lo peor” al año siguiente. Ahora regresan con este material el jueves 31 de mayo en el Help Retro Bar de Barranco.

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El grupo nacional Theremyn_4, liderado por José Gallo, se ha hecho acreedor del prestigioso John Lennon Songwriting Contest, en la categoría de Música Electrónica, gracias a la canción “Fiat Lux” de su más reciente producción discográfica titulada “Fiction Beats”.

En esta instancia, Theremyn_4 ahora espera llevarse el galardón de “Canción del año” en julio próximo, tras la resolución del jurado, conformado por miembros de bandas como Grateful Dead y Black Eyed Peas.

Cabe resaltar que en el tema “Fiat Lux” participó Paco Holguín de Emergency Blanket en la voz.

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chico unicornio se presenta en prestigioso festival europeo

la prensa presenta segunda producción discográfica

chico unicornio tocará en prestigioso festival europeo

Tras haber participado en el Red Bull Music Aca-demy 2011, realizado en Madrid, Chico Unicornio ahora nos sorprende con una grata noticia. Esta vez ha sido invitado a participar en Sónar, uno de los festivales más importantes y prestigiosos del viejo continente dentro de la escena de la música elec-trónica y arte multimedia. En su edición número 19, este Festival se realizará este año en Barcelona.

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gaia se enrumbó en primera gira internacional a chile

El grupo de rock liderado por Michael Spitzer viajó por primera vez a Santiago de Chile para formar parte del Tour “American Rockers”, que nace de la necesidad de expandir el mercado de la música nacional independiente a mercados vecinos similares. Con diez años de trayectoria en el circuito peruano, Gaia presenta su último disco “Giroscopios, Coordenadas y la Fábrica de Nubes”.

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reeditan en vinilo el “vol.1”, hito del rock subterráneo

Uno de los íconos de la movida subterránea de los años ochenta fue la maqueta conocida como “Vol.1”, donde participaron bandas como Leuzemia, Guerrilla Urbana, Autopsia y Zcuela Crrada. Gracias a la disquera estadounidense Lengua Armada, este compilatorio ha sido editado en un vinilo de edición limitada, remasterizado desde las cintas originales de grabación. Recomendadísimo.

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proyecto de la lama lanza disco de rock sinfónico lírico

El conocido productor y compositor Rafael de la Lama decidió reunir a los mejores exponentes del canto lírico peruano como Andrés Veramendi, Josefina Brivio, Jacqueline Terry y José Marino para dar vida a su ópera prima: Proyecto de la Lama. Esta producción eleva al rock hacia las esferas musicales de los arreglos de cuerdas y elementos sinfónicos, logrando un disco más que interesante.

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A Noel Gallagher ya no le im-porta planchar su camisa, porque siempre llega a los

hoteles con una casaca de cuero rota y unos jeans viejos. Hace tres años que la palabra “Oasis” no ronda por su ca-beza. Mucho menos el nombre de su hermano, Liam. Hoy, simplemente se sirve un café en su residencia en Man-chester, ciudad en la que nació un 29 de mayo de 1967. Tiene más familia

de lo que parece: es hijo del matrimo-nio conformado por Tommy y Peggy Gallagher, del que se desprende otro hermano no tan famoso: Paul. Desde pequeño, siempre fue “el rarito de la familia”, ya que era el más retraído de todos y tartamudeaba al hablar.

Cuando tenía 9 años, su madre con-sigue el divorcio, debido a los pro-blemas de alcoholismo de su padre y cambia su vida. Durante este tiem-po, empezó su interés por la música,

por lo que decidió aprender a tocar la guitarra. Años después, vio por te-levisión cómo los Smiths debutaban en el programa “Top of the Pops”, un evento que particularmente lo inspiró a seguir., fortaleciendo mucho más su interés musical. Por ese entonces, también disfrutaba de escuchar a gru-pos como T.Rex, The Who, The Rolling Stones, entre otros. Así es como, du-rante los últimos años de los ochenta, después de haber pasado por diver-sos trabajos menores, terminó vivien-

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do en un cuartucho, donde pasaba el tiempo consumiendo drogas y escri-biendo canciones.

Hacia finales de 1992, Noel in-gresa a “The Rain” –la banda de su hermano Liam– y rápidamente se convierte en el principal com-positor del grupo, además de sugerir cambiarse de nombre por uno con el que se harían fi-nalmente famosos: Oasis. Este control le valió el apodo de “The Chief” (“El Jefe”). De ahí en ad-elante, esta nueva agrupación se convertiría en la abanderada del

denominado britpop durante casi toda la década de los noventa. Los excesos, las excentricidades y la terrible convivencia entre los hermanos Gallagher, produjeron la disolución de la banda en más de una ocasión, siendo la defini-tiva en el 2009, meses después de su primera visita a nuestra capital.

Este año, regresa. No como parte de Oasis, sino con su aclama-do debut como solista llamado “Noel Gallagher’s High Flying Birds”. Alguna gente lo ha acu-sado de haberse guardado sus mejores ideas para sí mismo. Él lo niega. No toma ninguna decisión consciente. Eso sería demasiado aburrido para un Gallagher. Sim-plemente salió así. Canciones que reflejan una madurez improvisa-da pero refinada. Noel regresa a nuestra capital y lo volveremos a ver, en pleno vuelo.

NOEL GALLAGHER’S HIGH FLYING BIRDS (2011)Lanzado en octubre del año pa-sado y producido junto a Dave Sardy, quien trabajó en otros álbumes de Oasis. Este disco trae 10 temas compuestos por un Noel más fresco, con un so-nido renovado. Una suerte de liberación respecto a lo hecho antes, algo que se nota en can-ciones como “Everybody’s On the Run” y “If I had a Gun”.

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U na radio local los consagró dentro de los diez más pedi-dos de su ranking del 2011,

por lo que no dudaron en visitarnos y ofrecer un concierto en Lima, que ter-minó con una tremenda fiesta que si-guió en las inmediaciones de la disco-teca de Lince donde se presentaron. El tremendo poder de las redes sociales ayudó mucho a que esta banda cali-forniana logre que temas como “Safe

and Sound”, “One Minute More” y “Center Stage” fueran los más recla-mados por el exigente público que asistió y bailó al ritmo de sus cancio-nes. Lo increíble del asunto: recién van por el segundo EP de 5 canciones.

Un virtual comienzo

Hace 4 años, Ryan Merchant y Sebu Simonian se conocieron a través de un sitio web llamado “Craigslist”, un portal que muchos

colegas del medio musical esta-dounidense utilizan para contac-tarse entre ellos. La química fue instantánea, así que empezaron a componer música para spots televisivos. Durante este tiempo también escribieron algunas can-ciones que sirvieran para tentar suerte dentro de la escena cali-forniana. De aquí se desprende el primer lanzamiento oficial “Be-ginnings”, coproducido por Simon Mills, hacia octubre de 2010.

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Sencillos y más sencillos

Había nacido Capital Cities. Con ese primer sencillo promocional, empezaron el fenómeno que aho-ra conocemos. Posteriormente, lanzan “One Minute More”, aunque sin alguna producción de mayor duración a la vista aún. Así es como, en junio de 2011 y a través de su propio sello discográ-fico Lazy Hooks, debuta su primer EP homónimo. El tema “Safe and Sound” es elegido como sencillo promocional, logrando colarse en el puesto número 2 de “The Hype Machine”, uno de los portales de música independiente más im-portantes de la internet.

Desde ese momento, realizaron una serie de conciertos en difer-entes ciudades estadounidenses, llenando locales de Los Ángeles y San Francisco, además de embar-carse en una exitosa mini gira por

la costa este de los Estados Uni-dos y Canadá.

El nuevo destino: Perú

Sorpresivamente, una emisora lo-cal empezó a programar su tema “I Sold My Bed, But Not My Ste-reo”, hasta posicionarse dentro de su ranking mensual, a sólo un mes de haber sido lanzado a través de la web. Y con esa corta pero bien lograda trayectoria, llegaron a Lima a finales de 2011, para hacer vibrar a más de mil fanáticos en un vibrante concierto. “Es extra-ño que en Perú tengamos tantos fanáticos”, dijo Ryan Merchant.

Esta vez, regresan al Perú con un nuevo EP recién salido del horno: “Kangaroo Court”. Es una buena oportunidad para ver a una exce-lente banda en sus inicios. Si aún no sabes quienes son, pues están a un clic de distancia.

CAPITAL CITIES EP(2011)Cinco canciones integran el se-gundo EP oficial del dúo califor-niano, concebidos bajo un gé-nero musical definido por ellos mismos como Dance Electro Pop. Si bien “Safe and Sound”, que ya había sido incluida en el primer EP del mismo nombre, es la abanderada de esta pro-ducción, también destacan “I Sold My Bed, But Not My Ste-reo” y “Center Stage”.

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Una de las bandas más emblemáticas del grunge es, sin duda alguna, Pearl Jam. Y los liderados por Eddie Vedder no podrían tener mejor homenaje en nuestro país que el reali-zado por la banda Red Moskito. Con más de 5 años tocando en el circuito local, han paseado la música de los muchachos de Seattle por el Sargento Pimienta, La Noche de Barranco, Gó-tica, Help, entre otros lugares.

Todo empezó allá por el año 2006, cuando algunos de los músicos que conformaban las bandas nacionales Emergency Blanket y Bare-to, decidieron iniciar esta travesía musical, ya

que tenían en común a Pearl jam como banda favorita. Desde entonces, la alineación ha pa-sado por diferentes etapas, por lo que sólo el vocalista Paco Holguín y el bajista Lufo Armes-tar, quienes son las columnas vertebrales de este proyecto, se mantienen tocando desde los inicios. Actualmente, los acompañan Luis Jímenez (La Prensa) y Gustavo Makino (Pulsa-res) en las guitarras y Carlos Cubas (ex Gaia) en la percusión.

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S i hablamos de “festivales de rock peruano” –considerando el término “rock” como una

suerte de “gran todo” que engloba a los diversos géneros musicales que se desprenden o no de él– podríamos evocar los numerosos eventos que semana tras semana se organizan en la escena barranquina o del Centro de Lima. Ahora, si nos referimos a festiva-les realmente masivos, esos que con-gregan a miles de fanáticos ávidos por escuchar rock nacional, pues la cosa cambia.

Hacia finales de los ochenta, eran co-munes los grandes conciertos en el Campo de Marte, así como el recorda-do Agustirock. Sin embargo, en 1998, se organizó uno de los más recorda-

dos eventos que tuvo nuestra escena: el Festival “Niño Malo”, realizado en el Estadio Manuel Bonilla, que congregó a más de 12 mil personas, con un car-tel de lujo con bandas como G-3, Leu-semia, entre otros. Del mismo modo, en el 2006, se llevó a cabo el Festival “Rok an Pop” en el Estadio San Mar-cos, que juntó a Mar de Copas, Amén, TK y más.

Esto no se repitió durante años, hasta que alguien retomó la batuta. Pepe Chiriboga es el hombre detrás del “Acustirock”, un mega evento que in-tenta reivindicar esta apuesta por la música nacional y que ha logrado jun-tar nuevamente a las bandas emble-ma del rock peruano. Conversamos con él, quien nos cuenta qué noveda-des traerá esta tercera edición de su festival, así como sus planes a futuro .

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|| ¿Cómo así nace el Acustirock?El primer Acustirock se iba a re-alizar durante tres fechas en el Auditorio del Colegio San Agustín, con shows netamente acústicos. El objetivo era crear una versión peruana de los MTV Unplugged con las bandas leyenda del rock nacional. De ahí viene el nombre del festival. Lamentablemente, el local no tenía los permisos mu-nicipales y se postergó el evento.

|| ¿Por qué decides juntar a las “bandas leyenda” de la escena local en un solo evento?Al no salir como se planeó, el primer festival se tuvo que re-alizar en el anfiteatro del Parque de la Exposición de Lima, el 28 de mayo del año pasado. Se denom-inó “Acustirock Perú 2011: Leyen-das del Rock Peruano”, por lo que convoqué a artistas como Frágil,

Mar de Copas, Rio, Miki González, Daniel F. Fue un lleno total, con las 4 mil butacas ocupadas.

|| Ahora el formato cambió. ¿Cuál es el nuevo proceso de selección de estas bandas? ¿Por qué están unas y otras no?En los siguientes Acustirock, tan-to el II como el III, para la selec-ción de las bandas principales, se toman en cuenta las encuestas que se realizan en Facebook. Con ello se garantiza que el público asista masivamente al Festival. Al no tener auspiciadores que cubran el costo de producción, es demasiado riesgoso colocar bandas que no tengan muchos seguidores. Por ello, tratamos de asegurarnos que la relación ban-das/seguidores/fans pueda llegar al menos a un número que pueda cubrir dicho gasto logístico.

|| Pero en esta edición hay ban-das nuevas.Es que alguien lo tiene que hac-er y nosotros arriesgamos por lo nuevo. En esta tercera edición estamos colocando 6 bandas abridoras, pues la visión del Acu-stirock es tener 50% bandas de fondo y 50% bandas emergentes. Si pensamos hacer más festivales a futuro, tiene que existir un re-cambio de bandas y estamos aprovechando esta vitrina para ello.

|| ¿Por quienes apuestas esta vez?Por ejemplo, Diagonal Zero ya estaría participando en dos fes-tivales, Autobus es un grupo que abre conciertos internacionales, Kendall es ganadora del concur-so “Bandas de Garage”, Carlos Compson es de nivel internacion-

al. La gente tiene que consumir lo nuevo también. Tratamos de crear cultura que escuchen ban-das nuevas. Ojalá se dé una próx-ima versión y podamos convocar un concurso para todos los músi-cos que quieran participar en el Festival.

|| Según lo que has visto, ¿qué tan fácil o difícil es el público con respecto al rock nacional?Tendría que diferenciar entre dos clases de público: al que le gusta el rock nacional por lo que escu-cha en las radios; y a los que in-vestigan a las bandas nuevas y asisten regularmente a los conci-ertos en los locales barranquinos o del Centro de Lima. Lo bueno es que en estos festivales, ambos públicos han respondido, pues al menos en el cartel figura alguno de sus favoritos.

|| ¿Crees que esto ha cambiado a raíz de la llegada masiva de artistas internacionales?Definitivamente, aunque el ob-jetivo es inculcar a la gente que aquí en el Perú también tenemos artistas de calidad como los artis-tas internacionales que nos visi-tan. Yo creo que se está creando una cultura de asistencia a con-ciertos. Por ello, intento que el Acustirock tenga ese mismo nivel internacional (pantallas gigantes, LEDs y sonido con los mismos proveedores de dichos eventos).

|| Finalmente, en líneas gen-erales, ¿cómo calificarías esta apuesta que realizas?Muy riesgosa. A veces me califi-can de “loco” al hacer estos con-ciertos. Como dijo Gerardo Ma-nuel en pleno concierto: soy el “Indiana Jones del Rock Peruano”.

|| “El Estadio es el estadio. Estar dentro de de San Marcos brinda la sensación de que es-tamos ante un gran concierto.

Es una atmósfera diferente”.|| “Estamos colocando panta-

llas más gigantes que nunca, así como una pantalla LED detrás

del escenario”.|| “Estaremos difundiendo

música de las bandas nuevas en los intermedios (mientras sale

una banda y entra la otra)”.|| “El cartel es mucho más

extenso, ya que durará más de 12 horas en total”.

|| “Tendremos 6 bandas emer-gentes que abran el evento

principal para calentar”.

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E s un decir, porque Chachi Luján es más peruano que el ceviche, como dice el cliché. Aunque

realmente nació en Ciudad Guayana, un puerto al noreste de Venezuela. A mediados de los años sesenta, llegó al Perú para estudiar medicina, sin ima-ginarse que se terminaría dedicando a la música, siendo parte de una de las bandas más legendarias del rock na-cional. Él mismo nos cuenta un poco de esa historia:

Yo vine al Perú para hacer mis estudios superiores, pero me encontré con una movida interesante. Así fue como des-cubrí un sitio llamado “Galaxy”, donde se presentaban las bandas más con-notadas de Lima en ese momento. To-

dos eran muy jóvenes. Recuerdo a los Traffic Sound y a Los Mad´s tocando canciones en inglés, porque nuestra generación tenía ese sueño de cantar en el idioma del rock, como lo hacían en Inglaterra o Estados Unidos

Y yo no sabía tocar nada entonces, pero siempre fui muy musical. Recuer-do que a los 3 años, en Caracas, como soy hijo único, mis padres me hacían subir al escenario a tocar las maracas y los bongós. Seguramente por la in-fluencia de mi padre, que le gustaba cantar, es que me interesó la música. Hacia 1968, sí que tuvo mucha in-fluencia en mi vida escuchar a bandas como Traffic Sound o como los Mad’s, porque me junto con amigos que ha-

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bía conocido antes para empezar a tocar. Uno de ellos era Walo Carrillo, quien tocaba en ese momento en Los Holy’s.

Déjame empezar

Nunca olvidaré esa fecha: 31 de octubre de 1969. Ese día se realizó el primer concierto de Telegraph Avenue, junto a la banda original conformada por Alex Nathanson, Bo Ichikawa, Walo Carrillo y yo. Durante esas primeras actua-ciones tocábamos algunas can-ciones que yo había aprendido de Los Mad´s y que en realidad eran de The Kinks. Hacíamos nuestras propias versiones. Ahí empezó la historia que nunca pensé iba a trascender tanto. Pero faltaba el disco. Así es como entre 1970 y 1971 decidimos grabar el “Vol. 1”, gracias al apoyo incondicional del Ing. Manuel Guerrero, dueño de los estudios MAG, uno de los artí-fices del rock peruano. Tenían un equipo de 8 canales, micrófonos Neumann, que siguen siendo de los más caros hasta ahora y todos esos privilegios.

A pesar de todo, grabamos con muchas limitaciones porque éra-mos unos mocosos. La produc-ción corrió por cuenta del señor Guerrero y la mezcla de canciones como “Sungaligali” se hizo bajo su criterio. En esa canción es-pecífica, recuerdo que habíamos mezclado dos guitarras rítmicas y él simplemente las sacó. De re-pente, en un parte se escuchaba la voz, el piano, las tumbas, el bajo. No entendíamos que pasa-ba, no era nuestra idea original. Pero la gente compró el disco y les encantó. Eso quiere decir que fue una propuesta muy válida, que quizá para nosotros no lo era en ese momento. Después entendi-mos que sí, que él tenía razón.

Algo está pasando

Originalmente, estábamos con Jerry Lam en el bajo. Tuvo un asunto que resolver en Inglaterra y regresó para allá. Así entra Alex Nathanson, quien estaba en Los Lovos. Él tenía una “vocecita” igual a la de Jerry y trajo unas canciones que había compuesto.

Al comienzo, eran demasiado ex-trañas para nuestro gusto. Entre ellas, “Something Going”. Enton-ces, pensé que debíamos probar con las congas y las tumbas. Le cambiamos el ritmo y comen-zamos por ahí. Bo había estado antes en San Francisco y también estaba envuelto con el asunto mu-sical latino. Por eso sale “Some-thing Going” como sencillo pro-mocional y pegó demasiado. Aún me sigue sonando a “Crystal Blue Persuassion” de Tommy James & The Shondells.

También teníamos temas tran-quilos como “Happy”, así bien románticos, pero no tan “sweet” como los de Alex. Algo que no se sabe es que Ernesto Samamé (We All Together) nos apoyó en la gra-bación de los teclados. Nos aco-modamos bien, nos amalgama-mos. La cosa es que ese tema “Something Going”, como entró con las tumbas y a las chicas les gustaba por el corito, lo manda-mos como sencillo. Una vez más, el productor del disco dijo “ese tema va a funcionar”… y ese fue

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Nos tocó abrirle a una banda entonces desconocida. Se

llamaban los Twisted Sister.

el tema que funcionó. Salió del entorno amical, local… y reventó en todas las radios. Tenía un tre-mendo oído de productor el señor Manuel A. Guerrero, un tremendo ingeniero de sonido.

Las mezclas finales fueron de él. Él era el dueño del asunto: él nos firmó y dependíamos de él. Nunca firmamos una cláusula de exclu-sividad de producción. Creo que lo hizo con mucho cariño, porque tuvo que lidiar con cuatro mo-cosos malcriados y algunas veces tuvo que tratarnos como corre-sponde. Sin embargo, estamos muy contentos. Fue tan buena su mano, que por eso ha trascendido ese disco.

Adiós Lima, Hola Nueva York

Lanzamos el “Vol. 2” de Telegraph en 1975, pero las cosas habían

cambiado por el régimen de Ve-lasco. Así que la banda se disolvió y empecé a trabajar para el gobi-erno de Venezuela. Gracias a eso, tuve los privilegios de toda mis-ión diplomática como el acceso a muchos lugares o residir en sitios lindos. Desde ese año me mudé a Nueva York. Mi casa se ubicaba en la calle 71 con Broadway. A una cuadra, en el edificio Dakota ubicado en la 72 con Central Park West, vivía John Lennon. Él era un “pata” que caminaba con su espo-sa por todos lados, sin necesidad de un guardaespaldas ni nada de eso. A veces yo iba al Victor’s Café y me lo encontraba ahí.

Con todo esto, decidí formar ahí una nueva banda: “Singles”, conformada por grandes ami-gos como Tony Scaglioni, Eddie Marino y Joe Coangelo. En una ocasión, nos tocó presentarnos en la discoteca “2001 Oddyssey”, donde fue filmada la película “Saturday Night Fever” de John Travolta. Aunque era la época disco, regresó el rock and roll a Nueva York y en esa fecha especí-fica compartimos el escenario con una bandita de Long Island, desconocida hasta entonces: Twisted Sister. Esas son algunas cosas que me tocaron vivir y no las cambiaría jamás.

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FUE DIFICIL DEJAR ZEN. Nunca pense que la banda seria la catapulta

para mi carrera como solista

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feliz. Antes de conversar, sale sonrien-te con la última compra que ha hecho por internet. No es una nueva guita-rra. Tampoco un disco compacto. Es una máscara del popular superhéroe Batman. Parece que se tomó en serio el tema de la nueva identidad. Aun-que no siempre fue así, porque vein-te años de carrera musical confirman que Tomasevich aún tiene para rato.

Quisieron creer

Pero Jhovan es mucho más que sólo el frontman de esta recordada ban-da. Hay que descubrir un poco cómo evolucionó con los años. Todo empe-zó en los años noventa con Huelga de

N o podía ocultar su identidad. A todo lugar donde acudía, lo relacionaban con Zen. Sa-

lía en algún programa de TV y era pre-sentado como “el ex vocalista de”. En la radio, la cosa no era diferente. Has-ta sus amigos más cercanos le seguían preguntando si seguía en la banda. Al verse acorralado por ese recuerdo, tuvo que cambiar por completo, aun-que sin dejar de lado la esencia musi-cal. Necesitaba un nuevo alias. Pensó en su nombre: Jhovan Tomasevich. “Esto pega”, pensó. Manos a la obra.

Nos abre las puertas de su departa-mento, donde, paradójicamente, no esconde nada. Vive con su familia y es

Hambre, una agrupación influenciada por el sonido grunge de la época, que se paseó por todos los oídos locales durante ese tiempo. Ahora, se han convertido en una suerte de banda de culto. Jhovan audicionó y entró en los libros del rock peruano con ellos. Aunque no fue su primera experien-cia como músico.

“Empecé en la música un poco antes de Huelga de hambre, en 1993. Tenía algunas bandas de covers, sin planes concretos de lanzar un disco. Sólo to-cábamos en fiestas para los amigos”, recuerda. “Luego de eso, pasé una especie de audición para ‘Huelga’ y así comenzamos, también tocando covers, pero juntando dinero de a pocos pensando en grabar nuestro primera producción. Con ese méto-do, pudimos lograrlo en 1998, donde lanzamos nuestro único disco como banda”.

Conquistando los oídos

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Allá por el año 2001, apareció una de las bandas más importantes dentro de la nueva escena local de entonces. Su nombre era Zen. El sonido que des-plegaban sus guitarras se introdujo dentro de la programación de las emi-soras radiales, y esto fue bien aprove-chado por ellos para hacerse conoci-dos. Por esa época, la tecno-cumbia y la música electrónica habían saturado a las audiencias. Era una nueva opor-tunidad para el rock peruano.

Sacaron cuatro discos: “Zen” (2002), “Desenchufado en La Noche de Ba-rranco” (2004), “Revelación” (2005) y “Horizonte” (2007), además de co-locaron 9 videoclips en MTV. “En rea-lidad, el primer disco de Zen era un disco de demos. Queríamos presen-tarlo a las disqueras que existían en esa época en Lima. Una de ellas abrió oficinas para firmar bandas”, recuer-da. “Nuestra idea era esa: buscar al-guien que financie nuestro proyecto, pero eso nunca pasó. Mientras está-

bamos en la búsqueda, ya tocábamos en vivo y la gente se enganchó con los temas. Vendíamos los discos de forma artesanal y fueron casi 2000 copias hechas en casa. Esto fue realizado por dos personas, la banda se formó des-pués de los demos”.

Para Jhovan, lo vivido con Zen cata-pultó su carrera como solista. Le está agradecido a la banda que le dio el empujón. Pero del pasado no se vive. La idea es evolucionar. El boom de las radios en el 2001 fue clave para que la banda agarre peso y esté en el re-cuerdo de todos. “Zen fue una de las últimas bandas que cogió un pedazo de esa torta”, nos dice. “Nos fue bien. Entramos en la época de oro de los vi-deoclips, cuando se hacían las premia-ciones a nivel sudamericano. El rock latinoamericano tenía otro cartel. Tu-vimos la suerte de que, cuando nos invitaban a estas premiaciones, nos daban el mismo trato que tenían los americanos o europeos. Eso era bue-

no, te permitía codearte con mucha gente. Te daban el respeto que me-rece todo artista. Lamentablemente, ahora el nivel bajó y creo que eso se debe a Youtube”.

Aún los tienes

Ahora, ya desligado de la sombra y el éxito que obtuvo junto a Zen, empieza a construir una carrera musical como solista. ¿Le costó? Bastante, según sus propias palabras. Así que decidió coger su guitarra para emprender el rumbo. Aunque su principal instrumento es la voz, que tiene esa característica nece-saria para ser reconocida al instante: un estilo propio. Cualquiera que la es-cuche, automáticamente dará con él.

Cerca de cumplir los veinte años de vida artística, Jhovan no se preocu-pa si su música llega a masas o a un grupo reducido en internet. Para él, es universal. “Hago canciones porque me gusta hacerlas. Si son comerciales,

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ESENCIA IMPERFECTA(2011)Segunda producción discográ-fica de Tomasevich como so-lista. Catorce componen este disco que presenta más gui-tarras con distorsión, riffs más elaborados y letras que crean un concepto más personal que las anteriores producciones del cantautor. Destacan “Heroe” y “Todo lo que nos rodea”.

genial. Si no, también. El éxito de un disco es no estar pensando cuánto vas a vender o a cuánta gente le va a gustar”, comenta el músico. “Yo no sé qué público me sigue. Si mi disco lo escucha una abuela de 80 años o un niño de 14, no puedo decir ‘esta músi-ca no es para ti’”.

Y es que es muy diferente salir al es-cenario solo que con la banda que te acompañó casi una década. Aunque el protagonismo siempre recayó en él, los tiempos cambian. “Una cosa que no se puede controlar en las bandas es que el vocalista tome más protago-nismo que los demás. En los últimos meses de Zen, se sentía una incomo-didad con respecto a eso. Cuando íba-mos a un show, la gente conocía más al cantante que al resto. En las entre-vistas también pasaba lo mismo”, refiere. “Cuando salí como solista, sentí la pegada. No tenía miedo, pero

me costó. Los medios me cerraron la puerta y tuve que comenzar de cero. Iba a los programas con mi guitarra en mano para hacer cola junto a muchos artistas y me sentía mal. Era la única forma. Hasta ahora es difícil, a pesar de que ya tengo algo de cancha”.

Las transiciones entre etapas nunca son fáciles. Para él, lo más difícil que le ha tocado ha sido justamente eso: dejar Zen. Esto se sumó a un proble-ma de salud que lo mantuvo alejado durante varios meses. Pero ahora re-gresa con una segunda producción discográfica: “Esencia Imperfecta”, que destapa su lado más personal, se-gún comenta. Más guitarras con dis-torsión, letras más profundas. Como un escape de su identidad pasada. Un disco que disfraza esas sensaciones a esconder, porque si algo sabe Jhovan, es que nada es perfecto.

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Q uizás pocos sepan que hace 40 años exactamente, apa-reció una banda que cam-

bió para siempre el sonido de lo que conocemos como “rock” en nuestro país. Su nombre era Tarkus y sólo dejó para la posteridad un LP del que sólo se hicieron 500 copias. En ese mo-mento, fue un completo fracaso para los estudios MAG, el sello encargado de lanzar el disco. Nadie comprendía qué era lo que habían grabado.

La banda nació durante el hiato que significó la primera disolución de Te-legraph Avenue, por lo que Tarkus se conformó por Alex Nathanson, quien se encargaría ahora de la voz principal, y el baterista Walo Carrillo. A ellos se

sumaron los argentinos Darío Giane-lla en la guitarra y Guillermo Van Lacke en el bajo.

Al cumplirse cuatro décadas del lanza-miento de este trascendental álbum, reproducimos en esta primera parte del especial una nota aparecida en el diario “La Crónica”, publicada el 30 de junio de 1972, donde se habla preci-samente del lanzamiento del disco en mención:

IMPONEN EL HEAVY ROCKTarkus es un nuevo conjunto que aca-ba de formarse y cuya personalidad es el ritmo HEAVY ROCK. El grupo está formado por Alex Nathanson (solista), Darío Gianella (guitarra), Guillermo

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La personalidad que han dado al disco es el Heavy Rock

// TARKUSMAG (1972)Una de las piedras angulares del rock peruano del que solo existieron 500 copias. En el año 2006, el sello peruano Repsy-chled lanzó la reedición en dis-co compacto de este álbum y ahora prepara una 2da edición de aniversario en versión mini LP con material inédito.

Van Lacke (bajo) y Walo Carrillo (Ba-tería). Alex tiene 22 años y es nacio-nalizado peruano (argentino), mide 1,92 su hobby es la gimnasia y tiene de vida artística 4 años como solista, actuando para otros grupos.

Darío Gianella, es argentino, tiene 17 años y llegó al Perú hace 3 meses, mide 1,75. Guillermo Van Lacke, ade-más de tocar el bajo es el compositor del grupo, tiene 20 años, mide 1.82 su hobby es la música, que la toca en su casa, en el campo o en el estudio, admira a Led Zeppelin, es argentino y llegó a Lima hace 3 meses. El año pa-sado estuvo por estos lares e hizo con-tactos con los muchachos peruanos. Walo Carrillo, peruano de 22 años, mide 1,65 y estudió Administración de Empresas en la Villarreal. Los Tarkus han grabado para el sello MAG un long play que lleva el nombre del gru-

po, está grabado en castellano para mejor comunicación con sus admira-dores. El long play contiene 8 temas, siete de los cuales pertenecen a Darío Gianella, el octavo tiene la firma del solista Alex Nathanson.

Los temas que contiene el larga dura-ción son: EL PIRATA, MARTA YA ESTÁ, CAMBIEMOS YA, TEMPESTAD, TEMA PARA LILUS, TRANQUILA REFLEXIÓN, RÍO TONTO y TIEMPO EN SOL. La personalidad que han dado al disco es el Heavy Rock, en cuyos arreglos han insertado la música clásica; esto ya es muy importante por la variante que han dado a la música moderna, cada tema tiene fuerza y sentimiento y cada solista brinda lo mejor de su ta-lento demostrando que sienten amor por su profesión: la música. Además algunos temas tienen cierta solemni-dad en su ejecución.

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la banda nueva

Escribe: Renzo Solari

Tres letras que juntas pueden decirnos muchísimas cosas. Ese es el nombre de esta nueva banda: E.T.C., que aca-ba de lanzar su primera producción discográfica. Paradójicamente, con el mismo nombre. Ellos hablan con la música, aunque por esta ocasión, tra-tarán de contarnos su propia historia.

Conoce qué sucede cuando dos hermanos y un amigo del mismo colegio, deciden hacer una banda de rock

|| Como muchas bandas locales, todo nace en el colegio, ¿cierto?Así es. Originalmente, empeza-mos a tocar en 1999. Los tres in-tegrantes estábamos en la misma promoción de colegio, aunque sólo Diego estaba metido en el mundo de la música. Él fue quién nos motivó a formar un grupo de rock.

// ¿Y qué música empezaron a tocar?Hacíamos covers de varios grupos noventeros hasta que decidimos hacer temas propios. Por esa razón, decidimos grabar nuestras seis primeras canciones. Algunas aparecen en nuestro primer disco que acabamos de lanzar. Luego vinieron los primeros conciertos en diversos locales de Lima.

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// ¿Siempre se llamaron e.t.c? ¿Por qué ese nom-bre?Nunca hubo un primer nombre. Queríamos que fuera corto, fácil de recordar y que pudiera signifi-car muchas cosas. Poco a poco, conforme íbamos avanzando como banda, sentíamos que el término “e.t.c “ era el indicado. Es algo que engloba a varias cosas a la vez y se adecúa al contexto que uno está utilizando. En el caso de la música, “e.t.c” se adecúa a lo que uno percibe con nuestra música, dejamos que cada oyente interprete nuestra música como quiere.

// Hasta que llegaron al primer disco. ¿Cómo se dio la composición de los temas?Escogimos entre todas las canciones que teníamos en ese momento. Algunas canciones salieron en al-gunos ensayos, mientras improvisábamos horas y horas. Otras nacen de riffs de guitarra que Diego llevaba al estudio y, entre el aporte de la batería, el bajo y nuevamente la improvisación, se concre-taban.

// ¿Qué temas nacieron así?Un par en particular. “Ayer” y “Sistema” salieron un par de semanas antes de la grabación del disco. Asimismo, temas como “Sed”, “A comenzar” y “Aquí estoy” se compusieron para el primer demo de la banda. Es decir, este primer disco refleja la evolu-ción que ha tenido e.t.c musicalmente.

// ¿Cómo fue el proceso de grabación de este primer material?Se grabó en el estudio AVD, con el productor Sandro García, reconocido por trabajar con grupos como Gaia y Zen. Hicimos sesiones de días enteros para las grabaciones de la batería. Los bajos y guitarras se hicieron en sesiones más ligeras, aunque las de voz y coros fueron un poco más tensas. En general, fue un trabajo duro. Llegamos a tener en algunas canciones, dos versiones de la batería o varios ar-reglos de la guitarra, y voces que con el pasar de los días íbamos depurando hasta que quedó el pro-ducto final.

// Supongo que algunos temas quedaron fuera del disco.Habían canciones que eran fijas y creo que todos concordábamos en eso. Pero tuvimos que acudir a varios de nuestros patas más cercanos para poder

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decidir sobre algunos temas. Recuerdo que dejamos de lado una canción muy oscura, ruda… una de esas canciones que normalmente tocábamos en concier-tos con otras bandas de géneros más pesados pero bueno… así como esa canción, estuvimos a punto de dejar de lado el quinto tema del disco, “Bad Girl”, y hoy es uno de los temas más reconocidos por la gente que nos sigue. Incluso fue el tema oficial del torneo de Futsal que se transmitió por CMD.

// ¿En qué género musical se definen? ¿Por qué escogieron ese género y no otro?Hacemos rock alternativo. Las principales influ-encias de la banda son Nirvana, Silverchair, Bush, Stone Temple Pilots, RATM, Deftones, Chevelle, Al-ice in Chains, y muchas más.

// Finalmente, ¿se sienten conformes con este material grabado?Para nosotros, todo es el reflejo de una evolución musical desde 1999. La idea de hacer el disco con el material que teníamos desde entonces nos deja muy tranquilos. Juntamos canciones que tienen más de 10 años con temas que se hicieron 2 sema-nas antes de empezar a grabar. En ese disco, hay material de casi toda la vida de la banda.

// E.T.C.Independiente (2010)

Disco debut de esta banda nacional, com-puesto por 10 temas que definen un sonido

bastante duro con matices del grunge noven-tero. Existe un equilibrio constante entre el

uso de la distorsión que no satura para nada las canciones, sino que se justifica. Destacan

“Tuntún” y “Bad Girl”.

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Escribe: Carlos MarroquínIlustra: Jotaro

“Gracias totales”, escuché en el equipo de sonido. Era 1997, año en que oía por

primera vez la voz de Gustavo Cera-ti. Mi hermano había conseguido un cassette del “Último Concierto”, que reproducía sin parar. “Ellos son Soda Stereo, la mejor banda de América”, me dijo. Me senté a su costado, sin en-tender por qué me había menciona-do eso. Sin embargo, preste atención al cassette. Y cada letra, cada riff, cada melodía, me cautivó por completo. Sin darme cuenta, esa tarde quedaría marcada en mi memoria. Mi ídolo dejó de ser Batman. Su lugar lo ocupó un flaco de cabellos ensortijados. Un rockero, un ser humano, un líder. (Ojo, no exagero).

Cerati es (no, no “era”) el artista que le dio al rock latinoamericano de los ochentas lo que necesitaba: mucha in-tensidad e identidad. Hasta su llegada a esa escena en 1984, la mayoría de bandas tan solo eran grupos de ami-gos que jugaban e imitaban a sus “gui-tar heros”. Los peinados raros y el de-lay exagerado de su guitarra Jackson celeste, le valieron el reconocimiento de todo el continente. Se hablaba de una ‘sodamanía’, una situación similar a la de los Beatles en los años sesenta, donde todas las muchachitas corrían por una foto u autógrafo.

De los tres integrantes de Soda, Cerati es el único que siempre se la creyó. Era zurdo, pero aprendió a tocar como diestro, con el único fin de encontrar guitarras en las tiendas. Ni bien sacó el primer disco, ya estaba pensando en el

siguiente. Nunca se quedó qui-eto y estuvo a la vanguardia. Con decir que el tercer álbum, “Si-gnos”, lo compuso él sólo en una noche. Siempre buscaba la forma de re-versionarse a sí mismo.

No se complicó con el producto que vendía, siempre siguió ad-elante. Algunos no entendían sus letras, y él respondió a quienes lo criticaron con un dardo: “Intento reproducir esa idea de los soni-dos, más allá de sus sentidos. Yo no hago historias ni cuentos. Son pinceladas que se aglutinan en una canción”. La mayoría de can-ciones no son situaciones de su vida misma, sino que son el pro-ducto de la inspiración que vivió en fábulas eternas, en sueños.

La música lo llevaba a las letras. Cada acorde era una suerte de palabra. Pero un 15 de abril del 2010 su voz se apagó. Se encon-traba en Caracas, la última ruta. Y todos sabemos qué pasó luego. Son dos años ya. Dos años sin ti y más que nunca contigo.

Se divirtió con sus “vitaminas”, su-frió cuando no lo “trataban suave-mente” o cuando viajaba por la “ciudad de la furia”. Se tomaba una “crema de estrellas”. No que-remos que seas un “fantasma” ni que mandes “señales luminosas”, ni mucho menos un “médium”. Te queremos “vivo”. Seguiremos tus “pasos” por “un millón de años luz” aún, en un “disco eterno”. Te veremos volver.

P aquidermos en el subterrá-neo, atravesando ciudades noctambulas con su andar

imaginario. ¿Los has visto? Por su-puesto que no. Primero, tendrías que haberlos escuchado. Sí, escucharlos. Por encima del tráfico y del concreto, en el grito de los locos y el silencio de los ascensores. Susurrándote noches luminosas y mañanas mórbidas. Ele-fantes enormes, cotidianos, reco-rriendo calles y recuerdos.

¿Los has escuchado? Por supuesto que sí. Pero si aun crees que sólo es el eco del dejá vu o la estática de las mul-titudes, acércate un poco y escucha de nuevo. Es rock. Y es el rock de una nueva banda local, que se interna en los laberintos de nuestra ciudad, para capturar historias invisibles. Monta-dos en su elefante de luz y sonido.

Subway Elephant es rock sin preten-siones. Sensato, natural, que se mue-ve entre los márgenes del ya bien defi-nido “indie rock”, pero con un carácter

emocional que los libera de cualquier categorización mezquina. Aunque, para ser honestos, podríamos repro-charles el hecho de haber lanzado un EP con sólo 3 temas, los cuales pode-mos encontrar en su cuenta oficial de Facebook, junto a un par de remixes bastante interesantes. Todo ese ma-terial nos deja con la sensación inevi-table de estar viendo al elefante y no poder montarlo.

“Morning Day”, “Start Again” y “Just One More Night” son can-

// SUBWAY ELEPHANT EPIndependiente (2011)

Tres canciones componen el primer EP de esta nueva banda peruana, el cual fue producido por Gustavo “Tweety” Neyra, quien además colabora en los teclados. Las grabaciones se realizaron en el estudio El Techo y en Garage Records. Muy bueno.

ciones que fluyen con energía, magníficas en su sencillez, de-sprovistas de cualquier alarde poético innecesario. Digamos: honestas, porque no dicen más de lo que se tiene que decir para lograr hacerte sentir mejor, porque en realidad sí te hacen sentir mejor. Y es probable que al escucharlas vayas a echar mano a referencias muy marcadas de las bandas más representativas del indie.

No tendrían por qué negarlo. Suenan muy bien como banda y la voz del vocalista Álvaro Rev-olledo es genial, con un aire de serenidad y ese acento extraña-mente británico. ¿No eran peru-anos? Claro, pero como muchas otras bandas vienen haciendo por acá, buscan ser consecuentes con su sonido más que con un parámetro social o geográfico. Sí, lo decimos en cristiano, las letras están en ingles, y es un cuarteto de estructura básica, con dos gui-tarras (incluyendo a Álvaro), bajo y batería, además de un teclad-ista invitado para lograr la may-or fidelidad posible en vivo. Lo acompañan también Carlo Aldaz (guitarrra), David Soriano (bajo) y Michael Euribe (batería).Ahora que sabes de ellos, no te los pier-das, porque tocan muchos más temas de los que han lanzado.

* Vocalista de Theremyn_4

DISCOS

Don’t Want the Sun to Shine Today // henry gates

Buh Records, Perú (2011)

Uniformidad que jamás se siente monótona. Cuatro canciones que configuran un EP de sonido parejo, con una influencia evidente de The Jesus and Mary Chain en la época del álbum “Psychocandy”. El disco es un ejercicio melódico por demás interesante, con guitarras ejecutadas en el momento preciso y distorsiones que parecen abrirle paso a la voz de Gates, que por momentos parece disfrazarse de una mezcla entre Jim Reid y Jarvis Cocker.

Gates es un viejo conocido de la escena local. Ha sido bajista de la buena banda de shoegaze Resplandor, además de haber presentado algún material propio hace buen tiempo a través del proyecto “Cajas y Burbujas”. “Don’t want the sun to shine today” es su primera producción discográfica solista, la cual ha sido lanzada por el sello independiente nacional Buh Records y mezclada, arreglada y compuesta por él mismo en una edición limitada de 250 discos.

Este EP es un interesante asomo de lo que podría ser una futura producción más extensa de este talentoso músico. Destacan la canción que titula este disco y “Refugio”.

(Fernando Alayo)

solara// cecimonster vs donka

NewerTown, Perú

(2011)

Guitarras y voces súper sucias, que invitan a iniciar un gigantesco pogo, hacen de Cecimonster vs Donka una de las mejores bandas de punk nacional de la nueva escuela, siguiendo el camino trazado por Metamorphosis, Plug Plug y otros proyectos.

“Paranoia” y “Standby” son de esos temas que tienen toda esa energía del rock guitarrero con matices de punk noventero, que nos trae a la mente a lo hecho antes por Billy Talent o Millencolin.

Altamente recomendado. ”Solara” es de esos álbumes para escuchar en el auto, de regreso del trabajo. Demasiada energía.

(Jose Mendocilla)

dulce calor // altocamet

Automatic, Argentina

(2010)

A primera impresión, el sonido de este álbum nos remontó al mítico “Dynamo” de Soda Stereo, quizás uno de los discos menos valorados pero más interesantes de la emblemática banda argentina. Sus compatriotas de Altocamet han logrado sincronizar igual de bien la atmósfera electrónica de las secuencias con la pertinente ejecución de los instrumentos tradicionales.

“Dulce calor” es el tercer álbum de este dúo conformado por Adrián Valenzuela y Pedro Moscuzza que, gracias a la impresionante labor del sello discográfico peruano Automatic, podemos disfrutar en nuestro país. Destacan “Disipa dudas” y “Todo para bien”.

(Fernando Alayo)

sinapsis// liquidarlo celuloide

Buh Records, Perú

(2010)

Sinapsis, según Wikipedia, es la conexión entre neuronas mediante la cual se lleva a cabo la transmisión del impulso nervioso. Según Liquidarlo Celuloide, es la transmisión del impulso sonoro (ruido) mediante la conexión de varios sonidos. Lo que podemos llamar eclecticismo.

Pero hablamos de ruido con sentido. Hay que recordar que el caos es sólo un orden que aún no hemos llegado a entender.

No se asusten, “Sinapsis” es un disco que se puede escuchar con placer, un 3.5 de 5. “Corriente eléctrica en la membrana de la célula pre sináptica” es el single.

(Lu Falen)

las partes// ese perro

Independiente, Argentina

(2011)

¿Rock? ¿Pop? ¿Indie? Escuchas este disco y solo te queda redondear. Muy melódicos sí, pero con un dejo de modernidad que los mantiene frescos siempre. Son argentinos y se les nota, con una lírica desenfadada y ritmos entusiastas.

Ojo, no son teenagers dándole a la guitarra que les compró papá. Son chicos serios, con huevos. Los vimos hace poco por aquí en Lima, montados en su casa rodante, de gira por el barrio latinoamericano. Súper recomendables, un 4 de 5.

“Las Partes” es su disco debut, donde destacan “Te compro todo” y “Ciencia”.

(Lu Falen)

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Desde los créditos, uno queda enganchadísimo. La película nos convierte en el alma de un joven drogadicto, que se pasea por la ciudad de Tokio, y logra ahondar en su pasado, ver su muerte y lo que hay después de ella. Enter The Void está filmada casi en su totalidad con una cámara subjetiva, recreando incluso los movimientos de los ojos, hasta cuando estos pestañean. Demasiado original. El bonus: un tremendo soundtrack a cargo del genial Thomas Bangalter de Daft Punk, como para terminar de reventar nuestras mentes.

Esta es una de esas películas que tiene tanto fanáticos como enemigos. The Tree of Life es todo un viaje de imágenes que narra, como su mismo nombre lo dice, el significado del “árbol de la vida”: Dios, la creación del planeta Tierra y el análisis de las relaciones familiares y del yo mismo. Las tomas son asombrosas, con técnicas bastan-te originales. Toda la película en sí es súper conceptual y debe ser vista con la mente muy abierta. Dependerá de ti si la amas o la odias.

Dicen que las ideas más creativas fluyen cuando uno está deprimido. Tal vez este sea el caso, ya que Hideaki Anno escribió esta serie cuando el suicidio rondaba por su cabeza. Neon Genesis Evangelion es todo un clásico del anime japonés, aunque su último capítulo dejó a muchos fanáticos disgustados. Esta película presenta un final alternativo que termina por definir la personalidad de los protagonistas y muchas cosas más. No tienes que ser un fanático de Evangelion, porque los gráficos, el guión y el cierre de la historia son geniales. Un 10/10.

Si existe un clásico en el cine de ficción, es éste. A pesar de haber sido realizada en 1968 y tener sólo 40 minutos de diálogo en sus más de 2 horas y media de duración, Kubrick se encarga de mostrarnos unos efectos especiales innovadores, con imágenes surrealistas y un sonido exquisito. Ninguna película hasta el momento ha podido plas-mar de una manera tan conceptual el origen del hombre y su destino en el universo. Es la mismísima evolución desde que fuimos monos hasta el fin del ser humano.

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Nos cuenta las andanzas de un joven que sólo quiere una chica rubia y ser estrella de rock. Un tipo regular que en sus sueños se encuentra con Bowie, Lennon y Lou Reed, y que mantiene viva esa llama de rebeldía adolescente que inspira al rock como un movimiento liberador. Este libro consagra a su autor, no por lo que significa, ni por el mensaje, menos por la moraleja… nada de eso; lo hace porque el texto es toda una revolución. La frase: “¿En tus sueños la chica rubia te la chupa? En mis sueños, Dios me la chupa.”

El libro recoge los recuerdos de la salsa desde África a Nueva York, incluso pasando por el barrio de Surquillo. Del “salsobar” hasta las actuales “descargas” en Breña, Jáuregui describe cómo un género musical llega a distintas generaciones, a través de una serie de crónicas escritas desde 1990. Destaca el estilo ágil y único de Jáuregui con el que cuenta la historia de los principales protagonistas de la salsa, mezclando además los momentos más históricos de este género en el Perú. En palabras del autor: “este libro no es para leer, es para bailar”.

libro

s

Rayuela es uno de esos libros que son imposibles de olvidar. Es una novela diferente, diver-tida, audaz y, sobre todo, innovadora. En un solo párrafo de “Rayuela” pueden encontrarse múltiples referencias al jazz. Los miembros del Club escuchan discos; se comenta la música, se especula sobre la vida de los “jazzmen”, y se citan líricas de canciones de jazz. El jazz no sirve meramente de fondo de la acción y tópico de conversación, sino que llega a afectar la acción y el sentido de la novela. Pasa de ser objeto de contemplación, para volverse una presencia universal y casi concreta. Hará tu viaje en combi más placentero.

Es un libro donde Truman cuenta historias, unas reales y otras no, mostrándolas tal cual, ligeras, fáciles para quien la lee. Estos relatos son lo suficientemente intrigantes, como para que te enganches hasta el final. Comienza con un breve resumen de su vida; de cómo ha ido evolucionando su estilo con el paso de los años, hasta llegar a la creación de este libro. El jazz, la elite, las drogas y el sexo se desenfrenan de una manera armoniosa, encerrándolo en una sola frase “Soy alcohólico. Soy drogadicto. Soy homosexual. Soy un genio”.

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AGENDAMAYO

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