PINTURA GÓTICA

Pintura gótica / Estilo de los RRCC

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PINTURA GÓTICA

Se desarrolla la pintura realizada sobre tabla de madera y la pintura mural pierde

importancia

Los temas predominantes eran los religiosos, pero comienzan a pintarse escenas de la vida

cotidiana y retratos de personas ilustres

Se desarrollan los retablos, que se situaban detrás de los altares de las iglesias

La pintura es más realista y expresiva que la románica

Los pintores se empiezan a preocupar por representar la profundidad, alejándose de la

pintura plana del arte románico

Se preocupan por representar el paisaje

Son importantes las miniatura y las vidrieras

Dentro de la pintura hay diferentes estilos: pintura del trecento italiano y la pintura

flamenca

PINTURA ITALIANA DEL TRECENTO: FLORENCIA Y SIENA

Características:

La herencia bizantina (hieratismo, simetría…) se mezcla con cierto naturalismo

Pintura de colores claros y empleo de la línea curva

Búsqueda de volumen en las figuras

Se hacen los primeros intentos de perspectiva y se combinan los fondos dorados, con

decoraciones arquitectónicas o paisajísticas

Se emplean fondos dorados

La Pintura gótica italiana estuvo dividida en dos centros artísticos:

Siena: Simone Martini

Florencia: Giotto


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SIMONE MARTINI (Escuela Sienesa)

Pintor nacido en Siena. Nada conocemos de sus orígenes familiares ni de quiénes pudo

aprender el arte de la pintura; aunque se le relaciona con el estilo de las obras de Duccio a

quien se considera el padre de la escuela sienesa de pintura. Trabajó en Siena y en Avignon

para la corte de los papas.

Anunciación Retrato ecuestre del condotiero da Fogliano

La tabla de la Anunciación, realizada para un altar presenta estructura gótica con arcos apuntados

polilobulados. Se divide en tres espacios: central enmarcado por delgadas columnas y cubierto por

tres arcos polilobulados y laterales con un arco. Cada arco contiene una moldura circular con

medallón con profetas: Jeremias, Ezequiel, Isaías, Daniel, menos en el arco central donde no existe

medallón.

En los arcos laterales se encuentran los santos protectores de la ciudad, San Ansano y Santa

Margarita.

En el centro se desarrolla la escena de la Anunciación en el eje de simetría un jarrón con lirios

blancos símbolo de pureza y virginidad, en la parte superior una paloma símbolo del Espíritu

Santo; a la izquierda el arcángel Gabriel cuyas vestiduras doradas se asemejan al fondo, el oro

como símbolo de la luz pura y divina , con amplias alas presenta una rama de olivo, símbolo de la

paz, mientras que a nuestra derecha María sentada en un trono gira sorprendida con gesto

humilde y recatado la cabeza mientras entrecierra la Biblia, con la mano en el pasaje de Isaías

que predice la venida del Mesías.


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GIOTTO (Escuela florentina)

Nacido en una provincia de Florencia. Hijo de un campesino, pasó su infancia como pastorcillo en

los campos. Vasari relata el modo en que el pequeño de 11 años demostró por primera vez su

talento artístico: cuenta que, estando el niño al cuidado de unas ovejas, mataba el tiempo dibujando

a una de ellas sobre una piedra plana con una tiza. Acertó a pasar por allí un pintor, quien,

impresionado por el talento natural de Giotto -que había dibujado una oveja tridimensional, tan

natural y perfecta que parecía viva-, lo acompañó hasta su cabaña y consiguió convencer al padre

de que le dejara hacer del muchacho su aprendiz. Era divertido y bromista, a tal punto que en una

oportunidad pintó una mosca en la nariz de un retrato.

Frescos de la capilla Scrovegni. Frescos de la iglesia de

S. Francisco de Asís


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PINTURA FLAMENCA

A principios del S. XV, Flandes se convierte en uno de los principales centros pictóricos europeos

Características:

Minuciosidad, se preocupan por representar al mínimo los detalles. Son obras para ser

vistas de cerca

Naturalismo en las figuras

La técnica es la pintura sobre tabla (obra que utiliza la madera como soporte pictórico)

y el óleo (técnica pictórica consistente en mezclar los pigmentos con un aglutinante a

base de aceites, normalmente de origen vegetal, que permitió una mayor riqueza

cromática y detallismo. Dicha pintura suele aplicarse sobre tela aunque también se

puede pintar sobre otros materiales

Se preocupan por representar la luz natural

Se representan temas religiosos, temas cotidianos, retratos y paisajes.

Emplean una perspectiva lineal y menguante, en la que los objetos crecen o menguan

para crear la ilusión de profundidad.

JEAN-VAN EYCK

Se formó en el campo de la miniatura, de la cual aprendió el amor por los detalles diminutos

El duque de Borgoña, Felipe el Bueno, le nombró pintor de corte. La relación que mantenía con el

duque era tan buena que éste le encargó algunas misiones diplomáticas secretas, le hizo regalos por

el bautismo de uno de sus hijos e incluso intercedió por él al enterarse de que tenía problemas para

cobrar su sueldo. Trabajó sobre todo en Brujas

Políptico del Cordero místico El matrimonio Arnolfini


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En el famoso cuadro del matrimonio Arnolfini se cree que se capta el momento de la unión

matrimonial entre Giovanni Arnolfini y Giovanna Cenami, aunque algunas fuentes difieren de esto,

aludiendo a que no era usual que un acto tan importante se llevara a cabo en una estancia privada y

no en una iglesia.

En la estancia se encuentra en primer plano la pareja. Giovanni Arnolfini aparece retratado en

actitud seria, ricamente ataviado en color oscuro, con capa y amplio sombrero. Su mano derecha,

levantada, parece jurar o bendecir, mientras la izquierda sostiene la de su esposa Giovanna,

también ricamente vestida en color verde vivo, con velo blanco. Ella posa su mano libre en su

vientre, como señal inequívoca de embarazo.

Alrededor de la habitación se encuentran una serie de objetos pintados con gran realismo y detalle,

que casi todos podrían tener un sentido simbólico. La vela encendida, por ejemplo, simbolizaría a

Cristo que es aquí testigo inmaterial del compromiso. La figura de madera ubicada en la parte alta

del respaldo de la silla colocada al fondo, representa a Santa Margarita luchando contra el dragón,

que es la patrona de las parturientas. En realidad aquí, no significa que la mujer representada esté

embarazada, ni siquiera por el vientre aparentemente abultado, pero alude a la voluntad de tener

descendencia. El perro del primer plano simboliza la fidelidad de los esposos. Los dos pares de

zuecos (los de ella, junto a la cama; los de él, en primer plano, a la izquierda) relacionan a los

esposos con el hogar y el hecho de que los supongamos descalzos alude a una idea de fertilidad,

muy común en la época en la que el cuadro fue pintado. Por último, cabe destacar las ricas telas de

la pareja adornadas con piel de armiño y las naranjas situadas bajo la ventana, que hacen referencia

a la riqueza e importancia comercial de la ciudad de Brujas y que evidencian que los representados

son personas adineradas.

En la pared del fondo, el autor coloca su firma en una caligrafía gótica, se lee “Jan van Eyck estaba

presente”, dando a entender que el autor fue uno de los testigos de la unión. También aparece un

espejo con 10 medallones en los que se ven representadas 10 episodios de la pasión de Cristo. En el

reflejo del espejo, se encuentra la misma escena que se lleva a cabo en la habitación, vista desde la

parte de atrás y la presencia de otro personaje en la habitación, que se supone fue la persona que

llevó a cabo el matrimonio. Algunos expertos aseguran que el propio Velázquez se inspiró en esta

obra para pintar “Las Meninas”.


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ROGER VAN DER WEYDEN

Se instaló en Bruselas donde alcanzó el título de pintor oficial del municipio y estableció un taller en

el que colaboraron numerosos discípulos. Desde allí su prestigio se fue extendiendo

progresivamente, de manera que su fama alcanzó a países alejados como España e Italia, país al que

quizás viajó con motivo del jubileo del año

Sus obras se caracterizan por el dramatismo de sus personajes

El Descendimiento

Esta obra maestra se encuentra en el Prado porque Felipe II se encaprichó de ella (este rey era un

verdadero amante del arte). Por lo visto la pintura fue enviada en barco a España y éste naufragó,

aunque debido al buen embalaje que preservaba el cuadro la pintura apenas sufrió y pudo ser

recuperada tal y como la vemos hoy.

La obra es un tríptico de forma rectangular con saliente en el centro. Este formato irregular se debe

seguramente a la dificultad de meter a toda esa gente en tan poco espacio, que al final consiguió

magistralmente.

Lo primero que hizo el artista es un fondo dorado, para que las figuras pareciesen esculturas

policromadas (una de las características de su estilo). El fondo de oro es además simbólico: es la

eternidad y la divinidad.

Los personajes son extraordinarios, y cada uno es tratado con singular maestría:

María está desmayada. José de Arimatea envuelve a Cristo en una sábana. Nicodemo, muy

consternado, sostiene el cuerpo. María Magdalena y San Juan a los extremos de la obra ejercen

de paréntesis, aquejados de un gran dolor. Todo el mundo está llorando y van der Weydenno solo


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logra mostrar el sufrimiento en poses o rostros, sino que consigue pintar lágrimas que parecen

reales

EL BOSCO

Pintor holandés pero realizó sus obras en Flandes. Vivió en la época de máxima riqueza de los

Países Bajos. Fue el pintor preferido del rey Felipe II (parece que se relacionó con Tiziano en la

corte española). La compra de sus obras en España se inicia con los Reyes Católicos, pero fue

Felipe II quién reunió un mayor número de tablas

Su obra se caracteriza por representar imágenes oníricas e irracionales que están más cerca del

surrealismo del siglo XX que del renacimiento. Su pintura era una crítica de la realidad cruda de su

alrededor.

Una peculiaridad de su pintura es que utilizaba capas muy finas de su pintura, dejando ver en

ocasiones el fondo del lienzo. Esto, para algunos, era una forma de pintar que carecía de toda

técnica, en comparación del resto de artistas holandeses de la época. Para otros era una genialidad,

que le permitía trabajar más rápido, al secarse antes las capas de color, y con un coste mucho

menos elevado

El Bosco no fechó ninguno de sus cuadros y muy pocos llevan su firma.


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El Jardín de las Delicias

El Jardín de las delicias es la obra más emblemática y enigmática de El Bosco, pintor flamenco. Se

trata de un tríptico pintado al óleo sobre madera de roble, elaborado hacia 1490 o 1500. Cuando

permanece cerrado, contemplamos dos paneles en que se representa el tercer día de la creación. Al

abrirlo, los tres paneles interiores representan el paraíso, la vida terrenal (el jardín de las delicias)

y el infierno. En el panel de la izquierda aparece una escena bíblica, el paraíso terrenal con Adán y

Eva. Es el principio de la Creación, cuando aún no existía el pecado. En el panel del centro está el

Jardín de las Delicias, es el centro de la vida sumida en el pecado y el placer. En el panel de la

derecha aparece El Infierno Musical, es el final, la conclusión, lo que les espera a los hombres en un

Juicio Final que se ha de celebrar en la Tierra en ruinas.

Lo que convierte esta pintura en revolucionaria es esa nueva imaginería irreal, toda una simbología

que no tiene nada que ver con los símbolos convencionales de la pintura medieval.


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ESTILO DE LOS REYES CATÓLICOS O GÓTICO ISABELINO

Este estilo (finales del siglo XV y en el siglo XVI) se desarrolla en Castilla con el reinado de los Reyes

Católicos. Muchos son los artistas que trabajan para los reyes

ARQUITECTURA

Las características son:

Mayor complejidad de las bóvedas. Nos encontramos con bóvedas estrelladas, nervadas con o sin

coincidir en el centro, etc

Van apareciendo nuevos tipos de arcos, como el conopial, el escarzano, el mixtilíneo, etc.

Hay un importante desarrollo de las cabeceras en la arquitectura religiosa, en iglesias y

catedrales. Estas cabeceras están ocupadas por muchas capillas y mausoleos.

Abunda la decoración de todo tipo, especialmente la heráldica (sobre todo los símbolos del

yugo y las flechas y la granada, que hacen referencia a los monarcas), pero también la

vegetal, la epigrafía de influencia islámica.

JUAN GUAS

Arquitecto y escultor español. Nació en Francia, pero trabajó en Castilla durante el reinado de los

Reyes Católicos, fue uno de los grandes exponentes del estilo Isabelino.

Fue hijo del cantero francés Pedro Guas. El primer testimonio que se tiene de su trabajo en el que

colabora con su padre (posiblemente como escultor) es en las obras realizadas en la Puerta de los

Leones de la Catedral de Toledo. A lo largo de su trayectoria fue maestro mayor de las catedrales de

Ávila, Segovia y Toledo y el artífice de una de las obras clave de la arquitectura española: el Palacio

del Infantado, en Guadalajara. Su estilo se enmarca dentro del llamado estilo gótico hispano-

flamenco, o gótico isabelino, una evolución del gótico flamígero con elementos derivados del arte

mudéjar. Murió en Toledo


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Otra de sus obras maestras fue el “Monasterio de San Juan de los Reyes”, Este convento fue

construido bajo el patrocinio de la Isabel I de Castilla con la intención de convertirlo en mausoleo

real, en conmemoración de la batalla de Toro y del nacimiento del príncipe Juan, pero finalmente se

enterraron en Granada

Exterior y Claustro de Monasterio de San Juan de los Reyes (Toledo)

Palacio del Infantado (Guadalajara) Colegio de San Gregorio (Valladolid)

Juan Guas y Simón de Colonia


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ENRIQUE EGAS

Su padre, le inicia en el mundo de las artes. Sus primeros trabajos se documentan en Toledo, donde

parece ser que realizó algunas obras por encargo de los Reyes Católicos. En sus primeras obras

colabora con Juan Guas, concretamente en el Palacio del Infantado de Guadalajara y en San Juan de

los Reyes de Toledo. Su trabajo con este artista le convirtió en su sucesor.

Es importante destacar entre sus proyectos el Hospital de Santiago de Compostela o el Santa Cruz

de Toledo por sus novedosos diseños. En este sentido, se inspira en la tipología creada por Filarete,

cuyas obras prestaban mayor atención a las necesidades que plantean este tipo de edificios. Su

trayectoria coincide con el desarrollo del gótico y la llegada de las primeras tendencias

Renacentistas.

La construcción de este hospital, se remonta a principios del siglo XVI, en 1494 el cardenal don

Pedro González de Mendoza recibió una bula papal para construir un hospital para niños

huérfanos y desamparados, bajo la advocación de la Santa Cruz de Jerusalén. La temprana muerte

del Cardenal, no impidió su construcción, posible gracias a su testamento por el que dejaba una

cuantiosa cantidad para la fundación y nombraba herederos a los niños. La reina Isabel la

Católica y su sucesor en el cargo, el cardenal Cisneros, fueron designados albaceas.

Hospital de Santa Cruz (Toledo)


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En 1505 el solar del desaparecido convento de San Pedro de Dueñas fue el designado por la

Reina, para comenzar a levantar los cimientos del hospital. Sus primeros arquitectos

fueron Enrique y Antón Egas, ellos se inspirarían en el Hospital Mayor de Milán, cuya

construcción rompía con la idea de hospital medieval de pequeñas salas hacinadas, creando un

edificio de planta de cruz griega con cuatro patios que le darían luminosidad y ventilación. Sin

embargo sólo se hicieron tres de los patios, uno de ellos de pequeñas dimensiones. A su etapa

constructiva corresponden los cuatro brazos de la cruz, de doble planta; y la capilla ubicada en el

crucero; en toda su obra se entremezclan los motivos góticos, los mudéjares locales y el

renacimiento italiano. Los pasillos se cubren con artesonados de madera y la capilla con una bóveda

de crucería cuyos nervios no se unen en el centro, influencia de los templos mudéjares.

En la dirección de las obras les siguió Alonso de Covarrubias, que realizó el Patio Noble y la

escalera que en él se encuentra y la portada.

Fue hospital hasta mediados del siglo XIX,

ESCULTURA

GIL DE SILOE

También llamado Gil de Amberes, parece ser que era natural de esta ciudad, aunque su actividad se

desarrolló principalmente en Castilla. A su pasión por el detalle, se sumaba su gusto por las formas

góticas germanas y flamencas que combinaba con elementos mudéjares. Estos fueron los dos rasgos

que marcaron su estilo y por los que se convirtió en uno de los escultores más representativos de la

última etapa del gótico.

Estableció su taller en Burgos, donde recibió importantes y numerosos encargos. Para la Cartuja

de Miraflores realizaría uno de los monumentos escultóricos más significativos de su carrera el

Sepulcro de Juan II e Isabel de Portugal y el del Infante Alonso


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Sepulcro de Juan II e Isabel de Portugal (Cartuja de Miraflores, Burgos)

FELIPE BIGARNY

Escultor borgoñón pero afincado en España. Fue maestro de la Catedral de Toledo

Camino del Calvario (Trasaltar de la catedral de Burgos)

DAMIAN FORMENT

Escultor español, nacido en Valencia. Fue la gran figura de la escultura renacentista en Aragón.

Parece que aprendió el oficio en Valencia con su padre, también escultor. Estuvo en Italia

ampliando su formación. Uno de sus encargos más importantes fue para la basílica del Pilar.


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Retablo del altar mayor de la Basílica del Pilar

PINTURA

PEDRO BERRUGUETE

Pintor español, situado en la transición del estilo Gótico a la pintura renacentista. Fue uno de los

pintores que introdujo el arte renacentista en Castilla. Su obra es una mezcla del arte italiano, el

flamenco y sobre todo el puramente castellano.

Nació en Paredes de Nava (Palencia) hacia 1450. No existen datos sobre sus inicios como pintor, ni

sobre quién pudo ser su maestro, ni del lugar de su aprendizaje, pero parece que se formó en el

estilo hispano-flamenco que predominaba en su juventud en el ámbito artístico de Castilla.

Se sabe que estuvo en Italia, concretamente en la corte de Urbino, donde era conocido como “Pietro

Spagnolo”. Aquí estuvo trabajando para el gran duque Federico de Montefeltro.

Después regresó a España, instalándose primero en Toledo, y después en tierras de Palencia,

Burgos y Segovia.

Federico de Montefeltro y su hijo Autorretrato


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ALEJO FERNÁNDEZ

Pintor español de origen alemán. Se casó con María Fernández, hija de Pedro Fernández, uno de los

principales pintores de Córdoba. Tuvo cinco hijos, tres de ellos varones, de los cuales Sebastián

Alejo es pintor también y, sin duda, uno de sus principales colaboradores. Trabajó primero en

Córdoba y después fue llamado por el Cabildo de la catedral sevillana para ocuparse del retablo

mayor. En Sevilla realizó sus principales obras

Anunciación (Museo de BBAA, Sevilla)

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