8

INTRODUÇÃO

Neste trabalho, foi proposto estudar alguns aspectos do nomadismo, e para

isto utilizou-se a escultura como linguagem artística. Esta escolha deve-se ao fato de

maior facilidade e gosto pelo tridimensional, proporcionado pela harmonia entre as

mãos, o olhar e o corpo. O contato direto das mãos com a matéria estabelece uma

relação de troca de energias fazendo com que o fazer artístico flua de maneira

satisfatória e prazerosa.

Considerei o que Derdyk (1990) ressaltou: o homem sendo o grande autor das

páginas da história criou objetos, imagens e instrumentos, através dos quais se

expressou, deixando seus vestígios para que o futuro percorra em busca da riqueza,

onde a presença corporal confirme o ser, o estar e o fazer do homem no mundo.

O tema abordado, bem como as formas representadas, está associado à

estética de povos nômades e à sua conduta de comportamento inconstante e móvel,

que de certa maneira engloba o homem contemporâneo, visto que se vive uma época

marcada pela transformação corporal, pela mobilidade e velocidade, onde a ênfase

está no presente. Através de uma linguagem poética busca-se a essência destes

povos ditos primitivos como maneira de transformar em arte essa forma peculiar de

vida, resumida na simplicidade, liberdade e conservação de costumes e cultura.

Na sua verticalidade o homem libertou as mãos, evoluiu habilitando-se para

tarefas que precisam de entendimento. Enxergou o horizonte e entendeu que existe

diferença entre o céu e a terra isto é, que ele poderia servir de ligação entre um ser

sobrenatural e a sua própria natureza, e assim ele luta em busca de seus ideais e de

sua essência procurando através do conhecimento e das técnicas um meio de

alcançar a perfeição.

O desafio de dar forma a um bloco de material verticalizado, com medidas

definidas dificulta, mas também oferece a possibilidade da busca de uma arte

estilizada definindo um estilo até então desconhecido em minha arte.

9

Este trabalho foi idealizado para ser desenvolvido através da técnica da

talha, onde as peças serão apresentadas em formas de cabeças abstraídas e

alongadas, que servirão de subsídio para estudar e entender melhor o processo

artístico já existente, isto é mostrar um pouco da técnica bem como quem a utilizou.

Procurei enfatizar a Arte Primitiva, pois esta serviu como uma alavanca na

criatividade e renovação dos artistas do início do século XX, e até nossos dias

continua a encantar e inspirar nossos artistas.

A apresentação do relatório está dividida em três capítulos, sendo o primeiro

capitulo voltado para a técnica escultórica da talha e seus caminhos, como se buscou

a cor, a forma, a expressão e abstração; a Arte Primitiva norteando artistas que

revolucionaram a arte do século XX. No segundo capítulo apresento as tribos

nômades e algumas de suas expressões e características milenares, e também,

busco um paralelo deste comportamento com algumas expressões e comportamento

atuais. No terceiro capítulo exponho as obras e comentários sobre as mesmas bem

como a metodologia utilizada.

Trata-se de um trabalho apresentado de forma simples, diferenciado pela

expressividade realçada através dos traços fortes e marcantes onde as peças

transformadas em ícones procuram colocar em evidência características de culturas

tradicionais.

10

CAPÍTULO I

O OBJETO ESCULTÓRICO

1 A ESCULTURA COMO TÉCNICA

A técnica de trabalhar a pedra foi aperfeiçoada através de processos

abrasivos que consistia em friccionar o utensílio com areia e, mais tarde com a

descoberta de materiais como o cobre, o bronze e o ferro foi possível dar forma à

pedra. A partir da descoberta desses instrumentos nasce a história da escultura.

Escultura é uma forma criada em três dimensões de material sólido.

Tradicionalmente, duas técnicas básicas têm sido usadas: o entalhe em um material

duro, e a modelação em material mole como argila, cera etc. (Janson, l996).

1.1 DESCOBRINDO A FORMA

A talha de pedra ou de mármore é um processo trabalhoso onde não há como

improvisar e necessita de um estudo prévio em outro material maleável (argila) para

evitar erros os quais danificariam o resultado da obra não possibilitando correção.

Através do uso de ferramentas especiais para desbastar, como: cinzel, buril e

gradin, trabalham-se todos os lados do bloco, a fim de descobrir a forma. O trabalho

em pedra é de uma antiguidade incalculável: usou-se na fabricação de objetos

tornando-se uma extensão da mão humana e datam dos primórdios da civilização.

A história da escultura registrou vários métodos de transferência a partir de

um modelo prévio, como por exemplo, o tirado de pontos segundo Bozal (1996) que

foi usado por um longo período. Outros métodos como o definitor de Alberti, mais

científico, e, no século XIX, o método de transferência de pontos denominado

11

Cruzeta, onde o artista trabalhava a argila e retocava o mármore sendo o grosso do

processo elaborado por artesãos, resultando em um trabalho que mais parecia uma

cópia.

No tocante à cor, relata Bozal (1996), também foram utilizados processos

diferenciados de acabamento. Povos primitivos das civilizações antigas coloriam as

estátuas, às vezes recobrindo primeiro com uma camada de gesso deixando a peça

áspera para melhor absorver a tinta. Os gregos a partir do século V a.C. período que

mostra a passagem de um estilo geométrico para um naturalismo influenciado pela

arte egípcia, passaram a polir e lustrar a obra mesmo assim ainda usando a

policromia. Aos poucos o naturalismo conseguido só através do efeito da pedra

começa a se evidenciar e a partir do século IV a.C. a escultura se torna autônoma da

pintura.

Figura1: “Virgem de Quios (?)” c. 520 a.C. Museu de Acrópole, Atenas. Mármore Altura: 0,55 m

A partir do século XX os escultores passaram a utilizar várias espécies de

material plástico, não se limitando apenas aos materiais tradicionais. As novas

12

resinas sintéticas tomaram forma e ocuparam o espaço, oferecendo variedades de

misturas, bem como resultados que nos maravilham pela beleza que certas misturas

procedem em sua fusão.

A escultura moderna principalmente na técnica do entalhe, tem um de seus

grandes pilares em Brancusi que afirmava, “O entalhe direto é o verdadeiro caminho

para a escultura”. (apud Wittkower 1989:265).

1.2 CONFIGURANDO A FORMA

Ao olharmos para um objeto vemos forma e configuração. Segundo Arnheim

(1989), a forma pode ser representada não só pelas propriedades físicas do

material, mas também pela maneira própria e individual do artista. Em uma estátua

cubista de Liepchitz, um cubo pode representar uma cabeça, mas o mesmo cubo

seria um bloco de matéria inorgânica numa obra de Rodin. (p130). Para o artista, a

linguagem própria determina seu estilo e o meio em questão tem influência sobre

suas escolhas. Com esse conceito também concorda Derdyk (1990:40) que afirma:

A necessidade de normalizar e registrar o corpo, dentro de um código sócio-cultural de representação, acaba por transformá-lo no símbolo daquela época. Cada época estabeleceu um método construtivo que representasse as noções de belo, de equilíbrio, de harmonia, de valores como a coragem, o poder, a astúcia enfim, que expressasse os símbolos máximos que cada civilização escolheu.

A autora esclarece que cada época e cada cultura têm a sua simbologia. A

Renascença considerava o homem o centro do Universo, os gregos representavam

através da simetria, os egípcios buscavam uma realidade imutável. A arte primitiva

africana é voltada para o espírito e religiosidade.

13

Hoje nossa realidade muda a cada instante, somos instantâneos como as

informações que chegam instantaneamente até nós. Os materiais tornaram–se

descartáveis bem como certos valores, e a arte busca novas formas e linguagens

para registrar momentos deste século que se inicia.

Auguste Rodin afirmava que, a fim de indicar movimento em seus bustos, com

freqüência, dava-lhes “certa inclinação, certa obliqüidade, certa direção expressiva

que enfatizava o significado de fisionomia.” (apud Arnheim, 1989:417).

A verticalidade segundo Ostrower, (1998:275) conota altura, elevação e

transcendência, estando associada à postura ereta do ser humano, embora em

termos espaciais sejam consideradas estáticas pela falta de movimento.

Quando um corpo se apresenta com movimentos lentos, direção indefinida,

curvado e sem energia, percebemos que se trata uma criatura triste e com pouca

determinação. Segundo Arnheim (1989:444),

Vincent Van Gogh fez dois quadros, um chamado Tristeza representando uma moça nua sentada com a cabeça enterrada nos braços, o outro, um esboço de árvores retorcidas. Numa carta ao irmão Théo ele explicou que tentou por o mesmo sentimento em ambos, ”agarrados convulsiva e apaixonadamente a terra e, contudo quase dilacerados pela tormenta. Eu queria expressar algo da luta pela vida naquela figura de mulher pálida, magra da mesma forma como as raízes negras, ásperas e nodosas¨.

Concluindo, a figura humana é o veículo mais difícil para captar a expressão

visual.

14

1.3 ABSTRAÇÃO

A abstração significa alheamento do espírito, ato de abstrair, meditação.

Para a filosofia, abstração é o processo pelo qual o espírito considera as

qualidades independentemente dos objetos a que pertence. Para a psicologia, é

como uma separação feita pelo espírito e não pela natureza.

Janson (1996) considera que o objeto é abstraído quando ele não se

relaciona com sua forma natural. O século XX adotou estilos, em que a arte fugia do

figurativo.

2 A ARTE “PRIMITIVA” E SUA INFLUÊNCIA NA ARTE

OCIDENTAL

Um dos fatores para a mudança na arte do início do século XX foi o contato

dos artistas europeus com a arte africana exposta em Paris em 1905.

A arte africana não foi feita com o propósito de ser cubista Salum (2005), ou

realista. Apesar disso, ela norteou alguns artistas como Picasso, quando revolucionou

a arte ocidental.

A estética africana busca a síntese do objeto, ou do tema a ser construído,

enquanto o cubismo procura a representação do objeto através de diversos pontos de

vista e da forma (Salum, idem ).

A arte dita primitiva não se preocupa com o mundo visível, mas sim com o

mundo invisível dos espíritos. Na concepção primitiva tudo é animado pelos espíritos,

15

tanto o homem como os animais, plantas, terra, rios, sol, chuva, lua enfim, tudo que

se refere à natureza. No entanto, o artista não copia a natureza, mas a imagina para

construir sua arte.

Figura 2: “CHOKWE” Angola, D. R Congo Madeira, pigmento,corda, patina de uso, 18 x 10 cm

As máscaras e estátuas da arte africana possuem um lado sagrado ligado às

forças do Universo, e suas funções são de servir de suporte material para a alma dos

mortos, dando força e poder aos espíritos dos antepassados, e acreditam que, estes

possam aconselhar os vivos através dos sonhos. As máscaras são produzidas em

formas geométricas, enquanto que as estátuas apresentam mais realismo, talvez por

representarem à figura humana de algum antepassado. Janson (1996) idem.

Tirada de seu contexto e exposta em Paris, a arte africana foi percebida pelos

artistas como uma fonte de novas idéias estéticas, onde a forma podia ser estilizada,

distorcida e com isso causar um grande impacto visual.

16

O ano de 1907 foi marcado para Picasso pela interpretação desta arte. Ele se

liberou de toda convenção que vigorava na arte ocidental – renunciou aos conceitos

tradicionais de harmonia, proporção, beleza e construção.

Figura 3: Lês Demoiselles d’Avignon – 1907.

Pablo Picasso

The Museum of Modern Art, Nova York.

Nas suas obras, deixou de imitar uma realidade preestabelecida, passando por

obedecer a seus impulsos e instintos mais originais, embora sua arte não leve em

conta o elemento mágico e ritual.

Outro artista, Modigliani, irreverente para os temas e padrões abordados na

época, Martins (2000) vivia uma fase de questionamentos e transições. Dizia que as

personagens de Cézanne, “como as belas estátuas antigas, não têm olhar”. Revelou

com seu traço a singeleza que buscou ao delinear seus retratos, e na significação do

olhar a essencialidade do corpo. Faure (1991:438) assim o descreve:

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... poeta febril das mãos, dos corpos, dos rostos de mulheres captadas entre fluxos ardentes, torções, deformações, carnes, olhares alucinatórios, enérgica graça italiana ressurgindo, transformada pelo fermento semita, após dois séculos de existência.

Figura 4: Ana Zoborovska. 1917, óleo sobre tela,130,2x81,3 cm

Museu de Arte Moderna de Nova York. EUA Coleção: Lillie P. Bliss

Modigliani, segundo Martins (2000) despia as pessoas de suas máscaras

sociais ao pintar suas figuras nuas. Ao captar o ulterior, não revelava a sensualidade

do corpo, mas o desnudamento da alma.

18

Inspirado pela arte africana e grega, buscava a simplicidade das formas

depuradas de expressão melancólica e atemporal, também alongava a figura como

forma de expressão.

Figura: 5 Head – 1911-12

Amedeo Modigliani, 63,5x12,5x35 cm

Tate Galery, London. UK

Figura: 6 Head c. 1911

Limestone. Heigt 58 cm

Musées Nationaux, Paris France

19

CAPÍTULO II

SOCIEDADES TRIBAIS

1 O ESPÍRITO QUE MOVE O NÔMADE

A palavra nomadismo deriva do grego nomas, que significa pastagem e está

ligado ao pastoreio. Barsa (1994:340). Nomadismo é um sistema de vida peculiar

àquele que é nômade: cigano, vagabundo, errante que não tem habitação fixa.

Povos pastores que vagueiam sem residência estável. O espírito do nômade não

tem apego a um lugar especial, não se preocupa em possuir bens a não ser o

necessário para seu conforto. Moram em tendas de tecido ou feltro e possuem

poucos pertences.

No nomadismo de coleta as populações se deslocam em busca de lugares

onde são propícias as frutas, plantas e a caça. As condições climáticas também

interferem na escolha. O nomadismo pastoril é dedicado à criação de animais como:

ovelhas, cabras, bovinos etc. Isto faz com que estes grupos vivam exclusivamente

em função de seus animais, que representam riqueza e alimento. Quem decide a

hora da partida são os animais, porque acabando o alimento é necessário procurar

melhores pastagens. Barsa (1994). Esses povos devido as constantes mudanças

não produzem objetos cerâmicos.

São considerados por alguns como primitivos, devido, ao fato de levarem o

mesmo estilo de vida de seus antepassados e em alguns casos mantendo hábitos

pré-históricos. Todos estes povos sofreram à influência dos colonizadores nas

tentativas de invasões de seus territórios. As sociedades tribais são fraternas entre si

e hospitaleiras com os visitantes.

Os Tuaregues vivem em uma sociedade tribal conforme Vigo (1994), dividida

em castas onde a mulher tem destaque como artista e poetisa e tem o papel de

repassar aos filhos os costumes culturais através da oralidade. Sustentam-se do

20

comércio da retirada de sal no deserto transportados por camelos, às vezes a uma

distância de meses de caminhada. Usam amuletos para se proteger contra maus

espíritos.

Ainda sob a ótica de Vigo (1994), outros povos como os Aborígines da

Austrália conseguiram conservar a arte e os rituais. O misticismo sobrevive nos

cantos e na dança, nos símbolos sagrados que são pintados nas armas, nas pedras

e nos corpos. Viveram dois séculos de perseguições por parte dos colonizadores, e

os que sobreviveram habitam as áreas desérticas ou em partes mais pobres nas

cidades.

Os Ciganos espalharam-se pelo mundo e procuram conservar seus costumes,

são alegres, festivos e gostam da dança e da magia. Representam a liberdade e não

pertencem a nenhuma nação. Nesta sociedade o homem representa a autoridade, a

decisão, enquanto a mulher é sempre a cigana senhora das magias, mistérios e

submissa ao homem. A cor vermelha significa alegria, virgindade, fertilidade, sorte.

As famílias costumam usar nas cerimônias de noivado e casamento um lenço (a

broska) que será o primeiro lenço a ser usado depois do casamento pela mulher.

Acreditam no amor e na força do destino contra a qual não adianta lutar segundo

eles. Borges (2006: On-line).

Canto (1994) explora os aspectos mais interessantes de vida, nos arredores

de Mãe Hong Son. A Mulher-do-pescoço-comprido é a ramificação de uma tribo

maior chamada Karen. Elas não se consideram pertencentes a nenhuma Nação e

costumam cruzar fronteiras sem preocupação, pois consideram como fronteiras a

cultura e a língua. Quando adultas, carregam como ornamentos, aproximadamente

uns vinte quilos em braceletes e argolas nos braços, pernas e pescoço. Não são

nômades, mas vivem em constante migração de seu país de origem para a

Tailândia.

No nordeste do Quênia vivem os Pokot, um povo dividido entre nômades e

sedentários. Os nômades vivem nas planícies e são pastores. Levam um ritmo de

vida tranqüila, desde que não sejam perturbados por ladrões de rebanho. Dividem-

se em clãs. Para eles o cuspe é sinal de benção, sendo utilizado em suas

cerimônias. Do sol vem a luz e a vida. Professam o totemismo. Julgam-se

21

descendentes de animais como a rã, o lagarto e o leão e acreditam que estes têm a

missão de defendê-los. (Sem Fronteiras:Online).

Os pastores das Estepes, conforme Setboun (1993) são tribos constituídas

pelo povo mongol e vivem em um mundo alheio ao que ocorre a sua volta. Mudam

seus acampamentos duas vezes ao ano, na primavera e inverno e isto é milenar.

Levam vida muito difícil, enfrentam invernos de quarenta graus abaixo de zero, e

suas tendas são verdadeiros ninhos de proteção e aconchego, onde almofadas e

tapetes coloridos cobrem o chão e as paredes. Os bebês não recebem nome logo

ao nascer para não atrair espíritos. Vivem exclusivamente da economia gerada pelos

animais. Cavalgam em pé no estribo segundo um costume milenar mongol. São

pacíficos e possuem excepcional resistência nas pistas do deserto. O ano novo

mongol é o evento mais interessante desta cultura quando realizam a corrida, e

todos os grupos participam diferenciando-se pela cores que cada família escolhe.

No Brasil, encontramos os Txucaramães, segundo Martins (1983), que os

denomina os guerreiros do Xingu, uma das centenas de tribos que ainda sobrevivem

graças a este perfil de homens guerreiros e bravios em constante luta pela

sobrevivência. São altos, fortes, e usam longos cabelos. As mulheres raspam os

cabelos e pintam o corpo artisticamente. Este povo dá muita importância à saliva, e,

se passarem esta no rosto de alguém é sinal de que este é bem-vindo.

2 A VOLTA AO TRIBAL

A modernidade teve a razão como valor absoluto buscando através do

trabalho sua maior finalidade – o progresso. O mundo está entrando em uma fase

tribal, uma volta aos valores que a modernidade julgava enterrados. Para Maffesoli

(2001), este fim de século teve como característica essa volta à formação de tribos.

A sociedade volta a procurar seu grupo, seu espaço em algum grupo, algo parecido

com seus anseios e desejos. Ele considera o nomadismo como símbolo de nossa

22

época, em que o indivíduo escolhe e adota uma vida errante com um único objetivo:

ser feliz.

Ainda sob a ótica de Maffesoli, a modernidade foi regida pelo trabalho, nos

dias atuais vive-se a emoção, a fraternidade, o culto ao corpo, a festa, a

solidariedade entre os jovens, a religiosidade, principalmente no Brasil é forte a

crença no Candomblé e Espiritismo. O trabalho tem seu lugar e é necessário, mas

ao lado do prazer, da estética, e da criação.

A arte reabilita o feio, às vezes resgata-o e conforme Ribon (1991:97) sempre o

transforma. Pinturas faciais, tatuagens escarificações, incrustações, e deformações

anatômicas, maquilagens e máscaras: porque o homem se submete às experiências

de transformação plásticas em seu corpo? E o que significam essas marcas? Para

Hegel, o homem não se reconhece em sua aparência natural e procura recriar sua

aparência a fim de ser contemplado. Hegel, apud Ribon (1991).

As artes primitivas do corpo testemunham as atrocidades exercidas em busca

da beleza. Alongar, aumentar, engordar, cada povo e cada cultura tem seu conceito

de belo. Tudo é válido, e em nome do prazer estético, verdadeiros rituais acontecem,

onde o próprio corpo humano é o material esculpido, como maneira de buscar

perpetuar o desejo de eternidade e fuga do tempo. Como exemplo, temos a mulher

Girafa, que ao longo do tempo, desde a infância, começa colocar argolas, a fim de

alongar o pescoço. O índio Txucarramãe insere uma rodela de madeira (o botoque)

no lábio inferior, alargando-o ao extremo. São expressões e conceitos próprios que

em outra cultura se chamaria de excentricidade.

Atualmente o corpo adquiriu um valor em si mesmo: é possível ver este

aspecto estampado nos jovens tatuados, ostentando piercings, os implantes, o

silicone recuperando a jovialidade na mulher e várias outras opções e restaurações

plásticas. Queremos permanecer jovens.

23

CAPITULO III

POVOS DE CULTURAS TRADICIONAIS

As tribos nômades e libertárias emprestam suas características fisionômicas

para trazer a este contexto, um pouco da magia e mistério próprios de sua realidade.

Ao fazer surgir uma fisionomia que temporaliza a forma no espaço, os traços

constituídos por linhas que ora se abrem ou se fecham transformam em abstração a

natureza que lhes dá origem e busca algo além das aparências. Migrantes, retirantes,

vítimas de colonizadores, de guerras e tragédias, enfim, toda sorte de enfrentamentos

já experimentaram estes povos no decorrer da história e da existência humana.

Meu olhar sensível desperta por eles o interesse de interpretá-los tentando

captar um pouco desta determinação e ideal de liberdade. As peças produzidas para

este trabalho estão alongadas no sentido vertical, dando às figuras um aspecto

elegante e ao mesmo tempo exteriorizando um sentimento de elevação.

As obras destacam-se em seus aspectos formais alongados e expressivos, e

também pelos olhos diferenciados por incisões profundas, que procuram mostrar a

interioridade de cada criatura representada, como janelas que se abrem e deixam

escapar as emoções contidas.

Este aspecto exterior de máscara foi uma das constantes nos retratos e nus de

Modigliani que procurava captar a alma através do olhar. Modigliani, inspirado pela

arte africana e grega, buscava a simplicidade das formas depuradas de expressão

melancólica e atemporal, também alongava a imagem como forma de expressão.

A escolha pela cor natural da pedra, valoriza os aspectos de luz e sombra

proporcionando uma visualização e percepção mais interessante da forma. A

24

natureza do material confere ainda uma textura rendada às figuras convidando ao

toque e desejo de acarinhar.

As formas nascem de um eixo central, na parte frontal do rosto e caminham em

direção às laterais, para cima e para baixo, definindo a face e ao mesmo tempo

distribuindo as tensões, para que a parte superior fique mais leve proporcionando

elegância e sensibilidade à obra.

25

1 Tuaregue

Figura 7: Tuaregue

Um provérbio árabe adverte contra dois inimigos mortais no deserto: os

escorpiões e os tuaregues.

Apesar de aparente repouso na forma, esta peça reproduz a figura do homem

indomável do deserto. Criatura nômade e desafiadora por natureza, necessita de

liberdade para sentir-se completo. Em destaque mostra parte do rosto, e tem nos

olhos apertados uma expressão melancólica e distante, de um rosto jovem que se

esconde naquilo que confere sua identidade.

O turbante, que cinge todo o alto da cabeça em movimento circular, fecha as

laterais, cobrindo parte do nariz e a boca, como proteção da ação dos ventos e do sol.

A cor natural da areia enfatiza a idéia do próprio deserto, conferindo plenitude e

harmonia entre a figura e o material empregado visto que, um parece fazer parte da

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essência do outro, como se a figura representasse uma grande duna e o humano

emergisse de dentro dela.

2 Txucaramãe

Figura 8: Txucarramãe

Esta peça é representada por um dos mais valentes guerreiros do vale do rio

Xingu. Guerreiros desprovidos de arco e flecha como eram chamados por seus

inimigos.

Embora tão bravios, seus olhos denunciam um choro contido, expressado por

um relevo que contorna e conferem aos olhos um aspecto de inchaço. Seus traços

são harmoniosos e formam linhas suaves e curvas que nascem no alto das

sobrancelhas e descem contínuas até o queixo.

Ostenta com orgulho e vaidade o batoque no lábio inferior que atribui a esta

peça um gosto estético próprio e diferenciado. Na cabeça se eleva um cocar que faz

parte de sua arte de ornamentação tribal.

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3 Pokot

Figura 9: Pokot

Esta peça está representada por um velho chefe Pokot, que tem a meiguice e

docilidade dos olhos cansados pelos percalços da vida, carregados de sabedoria

sendo por isso tratado pela tribo com especial respeito.

Traz um medalhão na testa, que pode representar um adereço ou mesmo ter

um significado especial dentro do clã, como também poderia trazê-lo em uma

ligação contemporânea aos maratonistas olímpicos. A cabeça mostra-se afinada,

característica deste povo do Quênia, lábios grossos, nariz recurvado na ponta e

longas marcas naso-labiais adquiridas pelo tempo.

28

4 Mongol

Figura 10: Mongol

Esta peça mostra o movimento dos olhos que se fecham como se a figura

estivesse voltada para seu interior, centrada em seus pensamentos. Talvez uma

atitude de recolhimento espiritual.

A linha acima dos olhos, na diagonal, dinamiza e dá energia a este rosto

demonstrando a eficácia e coragem do guerreiro mongol, que embora hoje sejam

pacíficos pastores, no passado fizeram tremer a Europa. A parte superior da cabeça é

coberta por uma espécie de chapéu em relevo demonstrando ser objeto pesado ou

quente que desce em abas longas, delineando o rosto e parte posterior da cabeça.

Apresenta um rosto fino e bem desenhado, nariz alongado e fino, queixo proeminente

mostrando um maxilar alargado e vigoroso.

29

5 Mulher Girafa

Figura 11: Mulher Girafa

Esta peça mostra a necessidade transformada em vaidade.

As argolas em torno de um pescoço esguio transformam em lentidão os

movimentos do corpo como se estivesse em câmera lenta. O que outrora serviu de

proteção, hoje simboliza o aprisionamento da mulher por sua própria vaidade.

A figura mostra uma cabeça que parece suspensa em um pedestal. O rosto

tem um aspecto achatado por não apresentar a ponte que normalmente tem o nariz.

Os cabelos estão presos em uma espécie de adereço, que cai em pontas nas laterais

da face. Uma franja em movimentos circulares proporciona mais feminilidade e graça

tornando o rosto mais jovial. Um leve sorriso manifestado pela boca e pelos olhos

demonstra os sentimentos comuns nesta mulher, a alegria e o orgulho por seu

pescoço alongado. Este aspecto diferenciado e excêntrico de alongar o pescoço faz

com que ela se torne atração turística.

30

6 Aborígine

Figura 12: Aborigine

A espiritualidade é a principal característica presente nesta peça. Olhos na

diagonal incisivos e recolhidos. Nariz largo e chato característico, testa saliente com

aspecto de preocupação. Cabelos presos em uma espécie de coque, e uma longa

barba dão forma a este aborígine que poderia representar um belo troféu, pois outrora

eram caçados como cangurus, massacrados moral e psicologicamente. Este rosto

exprime o sofrimento contido pelos atos de racismo, preconceito e violação contra

seus filhos bem como de seus locais sagrados.

31

7 Cigana

Figura 13: Cigana

Esta peça mostra a mulher cigana sensual e feminina. Sua cabeça está

coberta por uma mantilha rendada e um leque fecha parte do seu rosto. Seus olhos

e seu rosto mostram uma expressão de suavidade como se estivesse envolvida por

um momento romântico.

Ao dançar a cigana expressa seus sentimentos mais profundos através do

corpo e usa objetos simbólicos como, o leque que simboliza a conquista, o poder da

feminilidade e a força sutil da sedução, e o lenço que simboliza a amizade, a união e

a expressão de amor da mulher apaixonada.

Buscar através da arte uma forma de representar estes povos enriquece não

só a parte formal e plástica deste trabalho, mas procura chamar a atenção para o

drama de culturas que agonizam. As peças colocadas lado a lado, fazem refletir a

presença de cada uma, como verdadeiros ícones da natureza que defendem.

32

METODOLOGIA

1 PROCEDIMENTOS METODOLÓGICOS

Como métodos na elaboração de trabalho, foram coletadas imagens que

serviram de inspiração. Em seguida estas imagens foram transformadas em

desenhos esboçados a lápis sem muita preocupação em estudar todas as soluções.

No estudo de criação das formas tridimensionais foram modeladas em argila as peças

em miniatura que serviram como base para as peças finais. Após selecionar os

objetos, já idealizados na forma e expressão passou-se ao processo final de esculpir

cuidando para que todos os processos pudessem apresentar etapas novas na

criação, e assim o trabalho não se tornou monótono.

As figuras selecionadas de acordo com o estudo feito destacaram as mais

expressivas como: o índio Txucarramãe, a Mulher-do-pescoço-comprido, O Mongol

das estepes, a Cigana, o Aborígine australiano, um Queniano e o Tuaregue.

As peças foram esculpidas com tamanho aproximado a (60) sessenta cm de

altura, posicionados na vertical e saem diretamente da base excluindo qualquer forma

de suporte.

As esculturas foram talhadas em concreto celular que tem como característica

principal a leveza. É um material contemporâneo e industrializado desenvolvido nos

anos 20 na Suécia, chegando ao Brasil no final dos anos 50. Consiste em uma

mistura (cal, cimento, areia e água, materiais silicosos e alumínio em pó), o qual

funciona como fermento que produz bolhas de ar fazendo com que a argamassa

cresça. Trata-se de um material versátil que não apodrece, não amolece com água e

não se desintegra facilmente.

Os blocos apresentam medidas de 60x30x20cm. E para inicio do trabalho é

preciso serrá-los na medida 60x20x20cm, para que a obra apresente-se em uma

33

forma alongada e fina. Para facilitar o trabalho, bem como evitar a formação de

poeira, estes são imersos em água antes de iniciar o desbaste.

Como instrumentos no trabalho foram utilizados as seguintes ferramentas:

serrote, formão e um batedor para as partes maiores. Como acabamento final, após

lixar e lavar bem a peça para desobstruir os poros, foi aplicado uma camada de

silicone líquido que a impermeabiliza sem mudar seu aspecto original.

Em relação à parte teórica, buscaram-se informações através de livros,

revistas, internet utilizando os meios gráficos e visuais.

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CONCLUSÃO

Meu projeto de bacharelado através do processo escultórico, nasceu de um

olhar pelas pessoas que vagueiam pelas estradas sem rumo ou destino - os

andarilhos do asfalto.

A partir do momento em que a idéia se cristalizou, surgiu o nomadismo como

opção de uma temática mais concreta e os povos considerados como últimos

primitivos emprestam suas características físicas e estéticas para este fazer artístico.

Com uma poética rica de subsídios, pôde-se fazer uma ponte entre o

primitivo e o contemporâneo, buscando o encantamento pela arte e beleza que na

transformação corporal está presente principalmente nestes povos tribais.

Esse interesse pela estética usada por esses povos decorre da originalidade

que os mesmos expressam tanto através da arte considerada primitiva, como no

caso das máscaras africanas, bem como pelo elemento humano que apresenta uma

estética de certa maneira extravagante para as pessoas de gosto comum. Sendo

compreensível entender porque artistas como Picasso, Brancusi e Modigliani se

interessaram tanto pela arte africana.

Brancusi, sendo o inspirador da escultura contemporânea e um grande

entalhador não poderia deixar de ser citado, visto que suas obras encantam a todos.

Picasso considerado o maior artista do século XX – buscou também na arte africana

sua inspiração e renovação artística mostrando o verdadeiro caminho onde a arte

poderia nascer livre de convenções. Modigliani sempre irreverente e apaixonado

pelas mulheres, inspirado e incentivado por Brancusi, empresta sua inspiração para

este trabalho onde o olhar do nômade representa a poética em destaque.

Foi procurado realçar através dos olhos, o diferencial que faço do meu

trabalho – explorando as linhas, cortes, saliências e relevos nos quais exploro a

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expressividade do olhar aprofundado por incisões como se procurasse o interior da

figura.

A rusticidade do material (concreto celular) formado por uma espécie de

tecido esponjoso, acaba por proporcionar um aspecto de renda, que combinado com

o estilo alongado das figuras, oferece à obra certo requinte.

Se o Nomadismo pode ser considerado como símbolo de nossa época, onde

se busca o prazer, e a felicidade: também busquei através deste trabalho, uma arte

desenvolvida com este gosto de se fazer por prazer, com liberdade não me

prendendo a moldes buscando momentos de total contemplação e realização

pessoal.

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ANEXOS

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ANEXO 1 – Procedimentos utilizados para a criação das formas preliminares das esculturas. ANEXO 1.1 – Tuaregue Michael Friedel

1. fotografia 2. Esboço preliminar para estudo da escultura

Tuaregue.

3 . Estudo tridimensional em argila.

41

ANEXO 1. 2- Txucarramãe

Michel Friedel

1. fotografia 2.Esboço preliminar para estudo da escultura

Txucarramãe.

3. Estudo no tridimensional em

argila.

42

ANEXO - 1.3 Pokot Michael Friedel

1. Fotografia 2.Esboço preliminar para estudo da escultura Pokot.

3. Estudo tridimensional

em argila.

43

ANEXO – 1.4 Mongol Michel Setboun - Sygma

1. Fotografia

2. Fotografia

3. Esboço preliminar para estudo da escultura Mongol.

4. Estudo no tridimensional em argila.

44

ANEXO – 1.5 Mulher-Girafa

Michael Friedel

1. Fotografia 2. Esboço preliminar para estudo da escultura Mulher Girafa.

3. Estudo no tridimensional

em argila.

45

ANEXO – 1.6 Aborígine

1. fotografia 2. Esboço preliminar para estudo da escultura Aborígine.

3. Estudo no tridimensional em

argila.

46

ANEXO – 1.7 Cigana

Otto Mondadori

3. Estudo no tridimensional em argila.

1. Fotografia 2. Esboço preliminar para estudo da escultura Cigana.

47

ANEXO 2: Fotografias de algumas etapas do processo escultórico.

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GLOSSÁRIO

BOTOQUE. Rodela grande, de uso entre os botocudos e outros indígenas brasileiros, para ser introduzida em furos artificiais feitos nos lóbulos da orelha, narinas e beiço inferior. (batoque, tembetá). CRUZETA. Instrumento de metal ou madeira muito utilizado durante o século XIX por escultores. Consta de três pontas de ferro que se situam sobre três pontos sobressalentes escolhidos; leva fixo um braço articulado com uma quarta ponta que pode deslizar sobre ele mediante três parafusos. Com esta quarta ponta se obtêm novos pontos. Uma vez transportados os pontos do modelo ao bloco de pedra, o escultor começava a eliminar o excesso do material. “DEFINITOR” DE ALBERTI. Trata-se de um utensílio utilizado para a tomada de pontos. Consistia em círculo graduado de cujo centro partia um braço giratório também graduado ao qual pendurava um prumo que podia se deslocar ao longo do mesmo. Para se obter um ponto determinado o circulo era situado no centro superior do modelo, a seguir se girava o braço com o prumo até situá-lo sobre a vertical do ponto desejado. ESCARIFICAÇÕES. Produção de incisões simultâneas e superficiais na pele, um tipo de tatuagem. TIRADO DE PONTOS. Esta técnica foi usada ao longo da história da escultura. Com um prumo eram situados os pontos mais salientes do modelo, depois as distâncias entre os fios e a superfície eram marcadas no bloco de pedra através de orifícios perpendiculares, de acordo com a profundidade assinalada pelo prumo. Estes pontos serviam de guia para o trabalho de desgaste do bloco, até deixar descoberta a superfície desejada.