LES CONCEPTEURS

FRANÇOIS GIRARD Auteur et metteur en scène « Que ce soit au cirque, au cinéma, au théâtre ou à l’opéra, je tiens pour acquis qu’au lever du rideau, le public est ouvert, disponible, prêt à tout. Et cette prémisse prend tout son sens au Cirque du Soleil. »— François Girard L’un des créateurs québécois les plus estimés, François Girard navigue aisément d’un medium à l’autre, acquérant au fil des ans une réputation internationale enviable. Mélomane averti, il s’illustre particulièrement dans des univers hybrides où la musique joue un rôle prépondérant, en façonnant des œuvres empreintes d’une grande musicalité.

François Girard débute sa carrière à Montréal au début des années 1980 dans le milieu de l'art vidéo et expérimental. Il se fait d’abord remarquer avec l’adaptation Le Dortoir de la troupe Carbone 14, récoltant une vingtaine de prix dont un Emmy. Pour la télévision, il signe le film du concert Secret World de Peter Gabriel (qui lui vaut un prix Grammy) ainsi que la réalisation de The Sound of the Carceri, l’un des six épisodes de la série Yo Yo Ma Inspired by Bach. François Girard assoit définitivement sa réputation de réalisateur au cinéma avec la sortie de Trente-deux films brefs sur Glenn Gould en 1993. Son troisième long métrage, Le violon rouge (1998), connaît un énorme succès et lui vaut huit prix Génie, neuf prix Jutra ainsi que l’Oscar de la meilleure trame sonore. En 2007, il réalise le film Soie d'après le roman d'Alessandro Baricco. François Girard fait ses débuts comme metteur en scène d’opéra à la Canadian Opera Company avec l’opéra Symphonie des Psaumes et Oedipus Rex d’Igor Stravinsky et Jean Cocteau. Cette création est aussi présentée au Festival international d’Édimbourg, en Écosse, et remporte huit prix Dora Mavor Moore au Canada. Il met aussi en scène la pièce Novecento d’Alessandro Baricco, Le procès de Franz Kafka, l’oratorio Lost Objects, l’opéra Siegfried ainsi que le programme double Le Vol de Lindbergh et Les Sept péchés capitaux, présenté à Lyon, à Édimbourg et à Wellington. En 2010, il a mis en scène Le Fusil de chasse, adaptation du roman de Yasushi Inoué présentée en première à Montréal, et a monté l’opéra Emilie du Chatelet à l’Opéra de Lyon. François a aussi signé la mise en scène de l’opéra Parsifal à l’Opéra de Lyon en 2012 et prévu à l’affiche du Metropolitan Opera en 2013. François Girard signe, avec Zarkana, sa deuxième collaboration avec le Cirque du Soleil après ZED, un spectacle qui était présenté au Tokyo Disney Resort, auJapon. François Girard est né à Saint-Félicien, au Québec.

LINE TREMBLAY Directrice de création « Mon rôle est un peu celui d'un chef d'orchestre. C'est en effet au directeur de création que revient la tâche de créer un sentiment d'unité au sein de l'équipe de création, de produire un effet de synergie. » —Line Tremblay

Line Tremblay côtoie l'univers du Cirque du Soleil depuis la création de l'entreprise en 1984. Avant de s'enrôler au Cirque du Soleil, elle cultive une passion pour l'univers du cinéma et de la télévision, notamment à titre d'assistante à la réalisation (aux autopromotions) à Radio-Canada, où elle travaille auprès de concepteurs et de créateurs. En 1992, elle se joint à Franco Dragone comme assistante à la mise en scène et participe à la création des spectacles Mystère, Alegría, Quidam, «O» et La Nouba. Ses talents sont également mis à contribution en tant que directrice artistique du spectacle Quidam. Son riche parcours avec Franco Dragone lui permet d'aiguiser son regard sur les rouages de la mise en scène et du spectacle et de faire ses armes. Écuyère novice, Line Tremblay se lance, en 2000, dans une nouvelle aventure aux côtés de Gilles Ste-Croix à titre d'assistante à la conception de Cheval Théâtre. Elle redevient le bras droit de Franco Dragone à la mise en scène du spectacle A New Day de Céline Dion avant de rentrer au Cirque du Soleil, en 2003, comme directrice de création du spectacle Corteo. Première femme à occuper ce poste clé, elle insuffle à l'équipe de concepteurs son énergie et sa sensibilité. En 2008, elle assume la direction de création du spectacle ZED auprès du metteur en scène François Girard. Dès 1984, Line Tremblay a été séduite par le côté saltimbanque du Cirque du Soleil et la liberté qui y règne toujours. « Plus jeune, confie-t-elle, le cirque ne m'attirait pas. J'ai découvert le côté bon enfant des arts du cirque en 1984. Pour moi, c’est la forme d'art la plus complète; elle interpelle le spectateur sur les plans visuel, émotif et physique à la fois. » « Avec Zarkana, nous avons voulu créer un spectacle résolument acrobatique où les arts du cirque sont à l’avant-plan, explique-t-elle. Le choix des disciplines, la mise en scène, la scénographie, les projections, la chorégraphie : tout concourt à transfigurer l’espace scénique d’une des plus vastes scènes au monde. » Line Tremblay est née à Hull, au Québec.

STÉPHANE ROY Scénographe « Au théâtre, la scénographie consolide le discours de l'auteur et le regard du metteur en scène. » —Stéphane Roy

Influences familiales et amitiés de jeunesse : tout destinait Stéphane Roy à signer les décors de spectacles du Cirque du Soleil. Fils d’un père architecte et d'une femme de théâtre, il a acquis et développé ce regard à la fois social et artistique sur l'espace qui caractérise ses créations. Plus tard, il a côtoyé, à Baie-Saint-Paul, plusieurs des amuseurs publics qui allaient devenir les piliers du Cirque du Soleil. Depuis l'obtention de son diplôme en scénographie de l'École nationale de théâtre du Canada, en 1988, Stéphane Roy a participé, comme scénographe ou directeur artistique, à une centaine de productions présentées tant à Montréal qu’à l'étranger, notamment L’Odyssée du metteur en scène Dominic Champagne, au Théâtre du Nouveau Monde (2002) et Les Âmes mortes, dont Gilles Maheu a signé la mise en scène chez Carbone 14 (1996). Depuis 1990, il a aussi été le scénographe de plusieurs productions des compagnies de danse contemporaine de réputation internationale La La La Human Steps et O Vertigo. Actif principalement en théâtre et en danse, il a également travaillé en cinéma, en télévision, en publicité et dans le secteur des variétés. Le Cirque du Soleil compte également parmi les principaux lieux de création de Stéphane Roy. Cette collaboration, initiée lors de la création du spectacle Dralion, s'est consolidée avec Varekai, Zumanity, KOOZA et, maintenant, Zarkana. Depuis 2011, Stéphane est l’un de trois artistes en résidence mandatés par le regroupement des Muséums nature de Montréal pour créer des liens organiques entre les quatre musées des sciences naturelles de la ville et créer des lieux de solidarité immersifs. Il a également créé la scénographie de l’exposition Les Guerriers chinois, présentée au Musée des beaux-arts de Montréal au cours de l’hiver 2011. Les réalisations de Stéphane Roy lui ont valu plusieurs prix et distinctions. Il a ainsi reçu, en 1989, le Prix de la révélation de l'année, toutes catégories, décerné par l'Association québécoise des critiques de théâtre. En 1992, le même organisme l'honorait du Prix de la meilleure scénographie. Son talent a également été récompensé par le Conseil des arts de la Communauté urbaine de Montréal, l'Académie canadienne du cinéma et de la télévision et l'Académie québécoise du théâtre. « Dans l’univers lyrique et fantastique de Zarkana, le lieu – un vieux décor de théâtre en décrépitude – est un personnage en bonne et due forme : les murs respirent, bougent, chantent, explique Stéphane Roy. Sur le plan de l’esthétique, nous sommes au début du siècle dernier, entre les années 1910 et 1930, à mi-chemin entre Gaudi, Klimt et l’art nouveau. Les formes organiques font un clin d’œil au maître verrier et bijoutier français René Lalique. » Stéphane Roy vit à Montréal.

ALAN HRANITELJ Concepteur des costumes « Concevoir des costumes est un acte de création exaltant. Je ne sais pas toujours où vont me mener les consignes du metteur en scène, mon imagination, mon intuition, la texture des tissus et le bruit de l’étoffe. Ce qui est certain, c’est que j’ai toujours à l’esprit l’artiste qui devra porter son costume comme une seconde peau. » —Alan Hranitelj

Alan Hranitelf a fait des études à l’école des arts visuels de Zagreb, sa ville natale, en Croatie. Il vit en Slovénie depuis 1985, année où il s’est rendu à Ljubjana pour concevoir les maquillages de la pièce Le Baptême selon Triglav. Bien qu’Alan ait dessiné des collections haute couture à Milan durant les années 1990, il est vite revenu au milieu du théâtre en Slovénie où ses concepts de maquillages et de costumes ont été vus tant sur la scène qu’au grand écran. Celui qui se voit comme un simple concepteur de costumes considère ses créations – qui sont des sculptures et des œuvres d’art à part entière – comme étant l’exacte antithèse de la mode. De 1987 à 2010, Alan Hranitelj a signé les costumes d’environ 200 projets dont des expositions individuelles et collectives présentées au Musée d’art moderne de Ljubjana (1991), à la Galerie municipale de Ljubjana (1991 à 1995) ainsi que dans le cadre de l’événement Capitale culturelle de la culture 1996, à Copenhague. En 2000, ses créations ont été mises en vedette lors d’un événement au Dôme du millénaire de Londres combinant le théâtre du mouvement et la mode. Sa griffe est aussi associée à de nombreuses productions de théâtre classique et moderne ainsi qu’à des opéras créés par des metteurs en scène slovènes reconnus tels que Vito Taufer, Mateja Koležnik, Diego de Brea, Matjaž Berger et Meta Hočevar. Dans sa démarche, Alan Hranitelj privilégie une interaction étroite avec les acteurs, les chanteurs et les artistes. Loin de leur imposer un costume, il apprend d’abord à mieux les connaître; il explore leurs goûts et leurs préférences en matière de confort et sonde leur personnalité. Les fruits de cette analyse minutieuse se retrouvent dans le costume final. L’un des grands défis auxquels Alan a été confronté avec Zarkana – sa première collaboration avec le Cirque du Soleil – consistait à intégrer la palette de couleurs de certains costumes dominée par le blanc aux tons plus sombres du spectacle. « C’est assurément un paradoxe, explique-t-il, mais la recherche d’une solution qui réconcilie les deux réalités en apparence contradictoires a été stimulante et enrichissante. » « Ce sont les détails qui donnent vie au costume et lui donnent de la profondeur, poursuit Alan. La richesse des détails peut s’avérer très importante aux yeux de l’artiste; elle peut même rehausser sa performance. Un détail qui peut sembler si anodin au premier coup d’œil peut mener l’artiste à poser toute une série de petits gestes qui l’aident à mieux définir son personnage, même si le public ne s’en rend jamais compte. » Alan Hranitelj est né à Zagreb, en Croatie. Il vit et travaille à Ljubjana, en Slovénie.

NICK LITTLEMORE Composer and Musical Director « La musique, pour moi, c’est comme de la couleur. J’ai toujours vu la musique de cette manière. Ce ne sont pas des notes que je vois sur une portée; ce sont des paysages, des nuages, des sirènes dans le ciel. » —Nick Littlemore

Nick Littlemore est un musicien, auteur-compositeur et producteur australien prolifique, mieux connu comme le chanteur principal de PNAU, le célèbre groupe de musique « électro » de Sydney. Il fait aussi partie du duo « electro-pop » Empire of the Sun. Il est également un membre de la formation « art-rock » Teenager. Nick Littlemore a fait ses études au College of Fine Arts de l’université de New South Wales et a obtenu son diplôme en médias électroniques. En collaboration avec Peter Mayes, son partenaire de PNAU, il produit et signe les arrangements des nouvelles versions de classiques de Sir Elton John en vue d’un album qui sortira en 2012. Laurie Andersen, John Cage, Lindsay Buckingham, Harry Nilsson, Leonard Cohen et Elvis Presley comptent parmi les influences musicales très diversifiées qu’il revendique. De nombreux artistes reconnus ont fait appel aux talents de producteur de Nick Littlemore dont Sir Elton John, Groove Armada, Ellie Goulding, Robbie Williams et Flora Purim. Nick a aussi composé des chansons pour le nouvel album de Sir Elton John. Le groupe PNAU a remporté son premier prix de l’Australian Record Industry Association en 1999 dans la catégorie meilleur album « dance » . Dix années plus tard, il remporte quatre nouveaux prix ARIAS pour l’album Walking on a Dream de la formation Empire of the Sun. Au moment où le Cirque du Soleil a invité Nick Littlemore à collaborer pour la première fois à un de ses spectacles, le musicien aurait pu continuer de sillonner la planète avec sa formation à l’assaut de salles de concerts de plus en plus grandes, mais le défi – et l’idée même – de composer la musique de Zarkana étaient tout simplement irrésistibles. Nick Littlemore qualifie sa démarche d’auteur-compositeur de « chaos maîtrisé ». « C’est quelque chose qui arrive tout seul, explique-t-il. Je tâche de me laisser envahir par cette énergie, d’y injecter un peu d’harmonie et de beauté, d’installer différentes atmosphères. Lorsque je compose une chanson, je crée souvent l’ambiance en premier lieu – l’atmosphère et les contours extérieurs, en quelque sorte. C’est comme peindre un ciel. Une fois le paysage bien planté, vous pouvez permettre à une tempête ou à tout autre événement naturel de s’y glisser. » « J’ai voulu que la musique de Zarkana reflète l’extase de l’existence, la joie de vivre pure et simple, et l’exquise mécanique des frissons », dit-il. Nick Littlemore est né à Sydney, en Australie.

DEBRA BROWN Chorégraphe « Lorsque je travaille avec les artistes, je me laisse guider par mon intuition. L’intuition est clé pour moi. Pour grandir, il faut s’ouvrir à ce qui se passe autour de soi, mais il faut surtout savoir puiser dans ses ressources intérieures. » —Debra Brown Véritable gymnaste de l’émotion, la danseuse et chorégraphe Debra Brown est reconnue mondialement pour ses créations uniques qui allient l’acrobatie et la danse.

Mue dès la tendre enfance par son penchant pour l’acrobatie, elle entame ses études en gymnastique à l’âge de neuf ans et se tourne ensuite vers la danse. Avec un diplôme en éducation physique de l’université Western Ontario et un diplôme en beaux-arts de l’Université York à Toronto, elle déménage à Vancouver en 1978, où elle crée des chorégraphies pour de prestigieuses compagnies de danse ainsi que pour l’équipe canadienne de gymnastique. En 1986, à la suggestion d’un ami, Debra Brown se glisse sous la toile du grand chapiteau du Cirque du Soleil à l’entracte pour assister à la représentation. Subjuguée par le travail des artistes, elle découvre des parallèles entre la démarche artistique du Cirque du Soleil et la sienne. Dès l’année suivante, elle se joint à la troupe à titre de chorégraphe pour le spectacle Le Cirque réinventé. Elle signera par la suite les chorégraphies des spectacles Nouvelle Expérience, Saltimbanco, Alegría, Mystère, Quidam, «O», La Nouba, Corteo et la chorégraphie d’un numéro de Zumanity. Entre 2004 et 2007, elle crée Line 1, une jeune troupe de musiciens et de chanteurs « physiques » sous la direction du talentueux Wesley Louissaint accompagnés de danseurs et d’acrobates. Elle travaille également auprès de François Girard à la création du spectacle ZED. Debra Brown a œuvré auprès de nombreuses compagnies de danse torontoises dont le York University Dance Ensemble et a créé un spectacle intitulé Yes avec René Bazinet, un vétéran du Cirque du Soleil. Elle a également modifié les chorégraphies pour la remise en piste de Quidam en arénas. Au Festival mondial du cirque de demain à Paris en 1990, son travail avec un groupe de contorsionnistes lui a valu le prix d’excellence en chorégraphie décerné par la presse soviétique. Elle conçoit également la chorégraphie de la première mondiale de l’opéra de John Corigliano, The Ghosts of Versailles, présentée au Metropolitan Opera de New York, et celle du Cycle de l’anneau de Wagner pour le Lyric Opera of Chicago. En 1995, elle travaille auprès de Luciano Pavarotti à la production de La Fille du régiment, présentée également au Metropolitan Opera de New York. Debra Brown crée Apogée en 1994, un ballet de 50 minutes qui explore la surface du trampoline comme piste de danse. Des extraits de ce spectacle, dont la première a eu lieu à Toronto, sont présentés lors d’événements très en vue, dont une soirée-bénéfice au profit du SIDA animée par feue Elizabeth Taylor et Magic Johnson à Los Angeles. En plus de participer à de prestigieux galas en Amérique du Nord et en Europe, la troupe Apogée a offert une prestation lors de la fête du Super Bowl de la NFL, en 1998, avec George Clinto et le P-Funk Band, en Nouvelle-Orléans. Forte d’une renommée internationale, Debra Brown s’immisce dans le monde du rock, signant en 2001 la chorégraphie du spectacle et du vidéo-clip Jaded d’Aerosmith et, l’année suivante, celle de la tournée mondiale Drowned de Madonna. Elle collaborera aussi à d’importants spectacles de musique, dont ceux de Shakira, de Wyclef Jean, de Céline Dion et de Madonna. Au cinéma, elle chorégraphie certaines

séquences des films Catwoman de Pitof, Van Helsing de Stephen Sommers ainsi que Barney’s Great Adventure. En cours de route, Debra Brown accumule les honneurs et les prix. Au 14e gala des prix Bob Fosse à Los Angeles en 1997, elle reçoit notamment le Prix de l’innovation en reconnaissance de sa contribution exceptionnelle à la chorégraphie et à la danse. En 2002, elle remporte un prix Emmy pour sa chorégraphie du numéro présenté par le Cirque du Soleil à la cérémonie de remise des Oscars. Elle signe, avec Zarkana, sa onzième création pour le Cirque du Soleil. « Travailler à la création d’un spectacle du Cirque du Soleil est un jeu d’équilibre, dit-elle. Il faut arrimer les demandes du metteur en scène, le talent des artistes selon leur spécialité respective et les éléments qui nourrissent notre inspiration en tant que chorégraphe. Chaque spectacle est comme une petite ville d’une riche diversité. » Debra Brown est née à Brantford, en Ontario.

JEAN-JACQUES PILLET Chorégraphe « Je suis un inconditionnel de l’humain. C’est dans la rencontre avec l’artiste que je puise ma créativité. » — Jean-Jacques Pillet Jean-Jacques Pillet débute sa carrière en danse à l’âge de 15 ans à l’Académie bordelaise de danse classique, en France, et déménage à Montréal à l’âge de 21 ans. En 1992, il reçoit le prix du Meilleur danseur décerné dans le cadre de la Compétition internationale Susan Dellal, à Tel Aviv, en Israël.

Jean-Jacques se consacre également à la chorégraphie et à l'enseignement, œuvrant au sein de nombreuses compagnies de danse prestigieuses telles que l'Opéra national de Paris, La Scala de Milan, le Ballet de Stuttgart, le Ballet de l’opéra de Munich, le Ballet national du Canada, les Grands ballets canadiens de Montréal, la compagnie québécoise La La La Human Steps ainsi que le Ballet de l’opéra Den Norske, en Norvège. De 2003 à 2005, Jean-Jacques occupe le poste de coordonnateur artistique pour le spectacle Varekai du Cirque du Soleil, mis en scène par Dominic Champagne. En 2007, il collabore aux cérémonies d’ouverture des Outgames de Montréal et travaille auprès de la chanteuse québécoise Diane Dufresne. Il chorégraphie également le spectacle Tablò, mis en scène par Serge Denoncourt. Jean-Jacques Pillet renoue ensuite avec le Cirque du Soleil pour signer la chorégraphie et la mise en scène d’événements majeurs dont Eurovision 2009 ainsi que le spectacle créé à l’occasion du 400e anniversaire de la ville de Québec. En 2007, le metteur en scène François Girard l’invite à chorégraphier Zed, le premier spectacle permanent du Cirque du Soleil au Japon, présenté au Tokyo Disney Resort. Deux ans plus tard, il signe la chorégraphie du spectacle extérieur très couru, Les Chemins invisibles, à Québec. En 2010, c’est à titre de metteur en scène et de chorégraphe qu’il participe au deuxième chapitre de ce spectacle intitulé Le Sillon des Rêves. Au cinéma, Jean-Jacques a également signé la chorégraphie des longs métrages québécois Un capitalisme sentimental du réalisateur Olivier Asselin, Macadam Tango de Lyne Charlebois et Laura Cadieux, la suite de Denise Filiatrault. « Je me préoccupe davantage des émotions de l’artiste que du mouvement, explique Jean-Jacques Pillet. Dans Zarkana, les chorégraphies s’inspirent de l’univers surréel qui côtoie la réalité. Mon travail chorégraphique se concentre sur l’énergie émanant du numéro et du tableau plutôt que des personnages. » Jean-Jacques Pillet est né à Bordeaux, en France.

ALAIN LORTIE Concepteur des éclairages « Je dis souvent que ce qui n’est pas éclairé est mal éclairé. J’aime créer de grandes images pour soustraire ensuite jusqu’à l’effet voulu : je peins des tableaux de lumière en camaïeu par soustraction. » — Alain Lortie Alain Lortie a toujours produit des spectacles. Autodidacte en constante évolution sur les plans technique et artistique, il a exercé à peu près tous les métiers du show-business, de gérant à directeur technique en passant par la direction des opérations, de tournée, et de production.

En 1992, il décide d’axer sa carrière exclusivement sur la conception d’éclairages. « Le concepteur des éclairages intervient en fin de course, au moment du sprint final, explique-t-il. Ce sentiment d’urgence me stimule énormément. » Depuis plus de 25 ans, Alain Lortie poursuit une carrière internationale féconde. D'abord associé aux artistes multidisciplinaires québécois Michel Lemieux, Marie Chouinard et Édouard Lock, il collabore à plusieurs spectacles de danse, de variétés, d’opéra et de comédies musicales au Québec et en Europe. Ses couleurs et sa sensibilité lui valent de fructueuses collaborations avec plusieurs grands noms de la chanson, de la musique, de la danse et du théâtre. Alain Lortie a signé les éclairages de plusieurs spectacles en Asie avec le Shanghai Circus World ainsi que de la comédie musicale Love U Teresa. Il a travaillé avec un grand nombre de metteurs en scène du Québec tels que Robert Lepage et François Girard. Son nom est également associé aux comédies musicales Starmania symphonique du duo Michel Lemieux et Victor Pilon (2008-2009), Notre-Dame de Paris de Gilles Maheu (1998-2006) et Starmania de Lewis Furey (1993-1999), entre autres. Au théâtre, Alain a laissé sa marque sur de nombreuses créations telles que La belle et la bête (2011) et La tempête de Shakespeare (2005), toutes deux mises en scène par Michel Lemieux et Victor Pilon au Théâtre du Nouveau Monde, à Montréal. Alain n’en est pas à ses premières armes au Cirque du Soleil. Il a participé à la création des spectacles Soleil de Minuit et DELIRIUM. « La musique de Zarkana est une source d’inspiration merveilleuse, dit Alain Lortie, c’est un des moteurs du spectacle. Les ambiances que je crée et les changements de tableaux de lumière s’en inspirent et s’y fondent. » Alain Lortie est né à Montréal (Québec).

RAYMOND ST-JEAN Concepteur des images « Comme concepteur des images, je dois souvent adopter une approche proprement cinématographique. Je suis appelé à créer des contenus qui s’intègrent au décor – l’amplifient même – afin de transposer dans une réalité virtuelle crédible de pures constructions de l’imagination. » – Raymond Saint-Jean

Réalisateur, concepteur vidéo, scénariste et monteur, Raymond Saint-Jean a fait des études en communication à l’université du Québec à Montréal avant d’entamer une carrière en réalisation de vidéo-clips et de courts métrages. Depuis, Raymond a tourné des fictions dont Out of Mind: The Stories of H.P. Lovecraft (1998), une œuvre inspirée des écrits du maître de la littérature fantastique. Il a tourné des documentaires tels que L’oiseau de nuit (2006) et Ville fantôme (2005) de même que des films sur les arts de la scène, notamment Cabaret neiges noires (1997) du metteur en scène Dominic Champagne. Il a également su mettre ses compétences en design multimédia au service de nombreux artistes et compagnies du milieu culturel partout en Amérique du Nord. En 2003, Raymond Saint-Jean a récolté le prix Rockie du Festival de la télévision de Banff pour son documentaire Le Mozart noir. En 2006, son documentaire Ville fantôme a raflé trois prix au festival de Yorkton, dont le prestigieux Golden Sheaf Award of Excellence. Au Festival international des films sur l’art de Montréal, Peepshow a remporté le prix Tremplin pour le monde 2009 décerné par ARTV. Raymond Saint-Jean participe à la création d’un spectacle du Cirque du Soleil pour la deuxième fois après ZAIA, présenté à Macao. Zarkana fait appel à des contenus vidéo d’une grande complexité, leur rôle étant de prendre part au processus de narration. « Dans Zarkana, les projections ont une valeur scénographique, explique-t-il. Plusieurs images projetées sur l’une des trois arches surplombant la scène sont interactives et réagissent avec ce qui se passe sur scène. Mon but est d’insuffler une crédibilité encore plus grande à cet étrange monde parallèle éveillé par le magicien Zark. » Raymond Saint-Jean est né à Shawinigan.

STEVEN DUBUC Sound Designer « Pour que le spectateur se sente immergé dans l’univers du spectacle, la musique doit faire son œuvre, mais le système de sonorisation tout autant. Le concepteur sonore fait appel à des équipements électroniques sophistiqués pour concevoir des paysages sonores au moyen de couleurs, d’émotions, de souvenirs et d’ambiances. » —Steven Dubuc

Steven Dubuc était encore au collège lorsqu’il a commencé à travailler, en 1980, comme ingénieur du son dans une entreprise de sonorisation à Montréal. Deux ans plus tard, il entreprend sa première tournée à titre d’ingénieur du son avec le groupe Powder Blues Band, parcourant le Canada d’un océan à l’autre et s’arrêtant dans 57 villes en 60 jours. Autodidacte et aventureux, Steven Dubuc se rend à New York en 1987 où il travaille au Cirque de Moscou en tant que chef sonorisation. En 1990, il assume le rôle de technicien du son pour la tournée canadienne de la comédie musicale Les Misérables. De retour à Montréal en 1992, il occupe le poste de responsable de la sonorisation au Forum de Montréal. Steven se joint au Cirque du Soleil pour la première fois en 1994. Il sera tour à tour directeur technique d’Alegría et directeur technique de la tournée nord-américaine du spectacle Quidam. Steven Dubuc quitte le Cirque en 1997 pour devenir directeur de projet (audio) du Disneyfest Asia, en tournée à Singapour et à Taipei, ainsi que de la Coupe du monde du soccer, en France. Ces mandats le mènent au centre de diffusion internationale des Jeux olympiques 2000 de Sydney, où il sera directeur de projet. En 1999, il assumera la responsabilité du système électrique de la tournée mondiale de Céline Dion et apportera son support et son expertise technique aux Championnats mondiaux de Formule 1, en Europe. Steven Dubuc revient au Cirque du Soleil comme directeur technique de Zumanity en 2002, puis comme superviseur de projet (audio) l’année suivante. Il rentre à Montréal pour assumer le rôle de directeur technique pour divers projets et retourne à Las Vegas en 2005 comme directeur technique associé du spectacle LOVE. En 2006, Steven est nommé concepteur sonore du spectacle ZAIA, qui tient l’affiche à Macao, en Chine, depuis 2008. Il participe en même temps aux premiers balbutiements de Zarkana. En 2009, il devient conseiller principal du théâtre du spectacle Viva ELVIS, à Las Vegas, et signe, l’année suivante, la conception sonore de la programmation extérieure du Festival Juste pour rire, à Montréal. Il met aussi au point le système de sonorisation servant à la remise en piste de Quidam en arénas. Steven Dubuc décrit Zarkana comme un spectacle « aux riches textures ». Dans un théâtre qui pose de nombreux défis sur le plan technique, son rôle est d’intégrer le son aux éclairages, aux effets vidéo, aux costumes et à la musique. Il doit également tenir compte des signaux à l’intention des musiciens, déclenchés par les mouvements des artistes. « Lorsque nous présentons un spectacle dans un théâtre existant, il n’est pas toujours possible d’abattre des murs ou de suspendre des haut-parleurs n’importe où, dit Steven Dubuc. En revanche, nous avons accès au système de sonorisation déjà en place, ce qui est fort utile dans une grande salle où on retrouve plusieurs niveaux de sièges. » Steve Dubuc est né à Belœil, au Québec.

FLORENCE POT Acrobatic Performance Designer « Je ne fais pas de distinction entre les aspects acrobatiques et artistiques de la performance. L’acrobatie est un art, au même titre que les arts visuels. » —Florence Pot Gymnaste dès l’âge de six ans, Florence Pot a fait des études universitaires en France en éducation physique et sportive (EPS) et s’est ensuite spécialisée en psychologie du sport. Elle décide de s’installer à Montréal en 1991 principalement pour y poursuivre ses études.

Florence Pot entreprend alors une maîtrise en psychologie du sport à l’Université de Montréal tout en agissant comme entraîneur au club Gymnix de Montréal. Elle retournera travailler en France deux années plus tard à titre de chorégraphe pour la Fédération française de gymnastique, mais l’absence de défis professionnels et le souhait de travailler au Cirque du Soleil la convainquent de revenir au Canada. Dès son retour à Montréal en 1997, Florence Pot assume divers mandats dans le milieu de la gymnastique – elle chorégraphie notamment les prestations de gymnastes canadiennes tout en élargissant son réseau de contacts au Cirque du Soleil. En 2001, le Cirque lui confie le poste de dépisteur acrobatique à la Direction du casting, rôle qu’elle tiendra jusqu’en 2003, année où elle est promue dépisteur en chef. En 2006, désireuse de se rapprocher de la création et « d’aller au bout de la création d'un spectacle », elle accepte l’offre de participer à la création du spectacle ZED à titre de conceptrice de la performance acrobatique, rôle qu’elle assume à nouveau dans TOTEM et Zarkana. « Ce qui m’intéresse, c’est l’émotion qui se dégage de la performance d’un artiste sur scène. Le squelette acrobatique de Zarkana prend naissance dans un monde résolument circassien, où la virtuosité côtoie le délire, explique Florence Pot. Nous nous sommes inspirés des phénomènes de foire pour mettre en relief le côté déjanté et décadent du monde de Zark. » Florence Pot est née à Rouen (France).

DANNY ZEN Acrobatic Equipment and Rigging Designer « Le gréeur est celui qui est le plus près de l’artiste. Il tient sa vie entre ses mains. » —Danny Zen

En 1990, Danny Zen s'enrôle au Cirque du Soleil comme soudeur et assembleur aux ateliers de Longueuil. Au cours de la même année, il participe à la toute première tournée européenne avec Le Cirque Réinventé, puis avec Nouvelle Expérience où il cumule les fonctions de soudeur, assembleur, mécanicien et chef placier. Il participe à la tournée de Saltimbanco, en 1992, comme technicien de tente.

À partir de 1993, Danny Zen travaille au développement du Studio de création du Cirque du Soleil tel qu’on le connaît aujourd'hui. À titre de chef gréeur et de responsable technique, c'est en grande partie grâce à son travail innovateur qu'ont été créées et établies les normes existantes du Cirque du Soleil en matière de formation des gréeurs et de sécurité des artistes et des techniciens. Au fil des ans, Danny Zen a participé à la conception de la plupart des éléments acrobatiques aériens de l'univers du Cirque du Soleil, en plus d’avoir travaillé à l'École nationale de cirque de Montréal. Ainsi, il a mis ses connaissances techniques à contribution lors de la création des spectacles Alegría, Mystère, Quidam, Dralion, Varekai, «O», La Nouba et KÀ. Il a également été chef gréeur pour Quidam en 1996. En 2008, il signe les gréements et les équipements acrobatiques du spectacle du 400e anniversaire de la ville de Québec. Après Corteo et KOOZA, Zarkana marque la troisième collaboration de Danny Zen à un spectacle du Cirque du Soleil comme concepteur des gréements et des équipements acrobatiques. « Les appareils acrobatiques de Zarkana ont été conçus pour se fondre aux décors inspirés des années trente, explique Danny Zen. Cette époque m’inspire énormément, et je suis fasciné par les courbes et les formes organiques. Je me suis inspiré des œuvres du maître verrier et bijoutier de l’art nouveau français René Lalique et de celles de l’architecte et ingénieur espagnol Santiago Calatrava. » Danny Zen est né à Saint-Luc, en Montérégie (Québec).

ELENI URANIS Makeup Designer « Les maquillages offrent une grande liberté d'expression. Nous travaillons essentiellement avec deux matières premières : un visage... et notre imagination. » — Eleni Uranis

Après avoir complété des études en design de mode au Seneca College of Applied Arts de Toronto et en scénographie à l’École nationale de théâtre du Canada, Eleni Uranis s’est jointe au Cirque du Soleil en 1989 comme assistante auprès de la conceptrice des costumes (et ancienne camarade de classe) Dominique Lemieux. Elle faisait de la recherche de concepts sur le spectacle Nouvelle Expérience et assurait la coordination entre l’équipe des concepteurs et l’atelier de costumes. Ce mandat conduit Eleni Uranis à une collaboration aux spectacles Saltimbanco, Mystère, Alegría, Quidam, «O» et La Nouba en tant que responsable de la recherche de matières, des essayages et du contrôle de la qualité artistique. Elle travaillera par la suite auprès de Gilles Ste-Croix, à la conception des costumes du spectacle Pomp Duck and Circumstance, qui a tenu l’affiche à Hambourg (Allemagne), de 1997 à 1999. En 2002, elle participera à la création des costumes du spectacle Zumanity auprès du designer de renommée mondiale Thierry Mugler. En 2004, la carrière d’Eleni Uranis prend un autre tournant lorsqu’elle se joint à l’atelier de maquillages du Cirque du Soleil, où ses concepts seront incarnés par les artistes de la tournée de Dralion. Elle apprécie le lien étroit qui s’établit entre elle et les artistes : un travail à deux en vue de définir un personnage. « Les maquillages cachent et révèlent à la fois, mais aussi, ils transforment, explique-t-elle. Avec un peu de couleur, tout se métamorphose et, soudain, un personnage surgit dans toute son ampleur. » Entre 2004 et 2006, Eleni Uranis a secondé la conceptrice des maquillages Nathalie Gagné à la création des spectacles KÀ, Corteo, DELIRIUM et LOVE et signe, en 2005, les maquillages de Réflexions de bleu, le spectacle présenté dans le cadre des cérémonies d’ouverture des XIes championnats du monde de sports aquatiques FINA. Avec Zarkana, elle signe les maquillages de son cinquième spectacle du Cirque du Soleil, après Dralion, Wintuk, ZED et Banana Shpeel. « Pour créer les maquillages de plusieurs des personnages de Zarkana, je me suis inspirée du monde du cirque et de la magie du début du XXe siècle, explique Eleni. Compte tenu de l’immensité de la scène, j’ai voulu illuminer les traits du visage des artistes pour accentuer les contrastes et permettre aux spectateurs de lire leurs expressions faciales. » Eleni Uranis est née à Oradea, en Roumanie.