Improvisación. Revista de Artes Escénicas y Cultura. 2º Num.
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Improvisación. Revista Electrónica de Artes Escénicas y Cultura
V Festival de Intercambio Internacional Müuval
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Müuval Collective A.C.
DIRECCIÓN GENERAL Y ARTÍSTICA
Lic. Aura Tantadel López Contreras
DIRECCIÓN GENERAL
Lic. Carlos Alberto Cervantes Barrera
ASESOR y COLABORADOR
Mtro. Francisco de Jesús López Casillas
APOYO ADMINISTRATIVO
Mtra. Yessica Contreras
IMPROVISACIÓN.
Revista de artes escénicas y cultura
DIRECCIÓN GENERAL
Müuval Collective
CORDINACIÓN EDITORIAL
Mtra: Yessica Contreras
DISEÑO EDITORIAL
Lic. Aura Tantadel López Contreras
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CONTENIDOS
PATRIMONIO CULTURAL
LITERATURA Y COREOGRAFÍA
ARTES PLASTICAS Y DANZA
ENTREVISTA
REFLEXIÓN
ACERCA DEL FESTIVAL
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COLABORADORES DE ESTE SEGUNDO NÚMERO
Minerva Rodríguez Licea
Licenciada en arquitectura, por la UAM-X, con maestría en la UNAM
en arquitectura y Restauración de Monumentos , es supervisor de
obras de CONACULTA y estudia la licenciatura en Danza Folclórica
Mexicana en la Escuela de Bellas Artes de Chimalhuacán.
Teresa Sánchez Cruz
Desde la infancia empezó su formación dancística. En 2008 concluyo
la Lic. en Etnología en la ENAH, ha colaborado en investigaciones del
CENIDID- Danza “José Limón”. Actualmente cursa la Especialidad en
Coreografía en CICO y psicología en la Facultad de Psicología. UNAM.
Yessica Contreras
licenciada en Pedagogía Interesada en las diferentes
disciplinas artísticas y su comprensión histórica y teórica, entra a
la Maestría de Historia del Arte. UNAM.
Óscar Salas Gómez
Se ocupa periodísticamente del teatro y la danza contemporánea en
Querétaro a partir de 1983. Ha presentado varias exposiciones
fotográficas con los mismos temas.
Edmundo Figueroa Viruega
Arquitecto, desarrolla trabajos dentro del campo de
restauración de monumentos históricos, vive en la Ciudad de
México, le apasiona la fotografía, los viajes y el patrimonio
intangible
Bianca Monserrat Castillero Vela
Licenciada en artes visuales en la ENAP y ha tenido varias
exposiciones individuales y colectivas. Es alumna de la
maestría en Historia del Arte de la UNAM.
Aura López
LIc en Artes, con especialización en danza Contemporánea,
Directora de Müuval Collective A.C.. Interesada en la gestión y
promoción cultural.
Fotografía portada: Carlos Cervantes y Takeshi Tamashiro.
Edición Edith Mendoza
Fotografías seleccionadas: Diego Castañeda, Bianca
Castillero, Yessica Contreras, Francisco López
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En el segundo número de Improvisación recibimos
colaboraciones que ponen de manifiesto un interés por
continuar revisando las huellas que la modernidad y el
progreso han dejado sobre el patrimonio cultural tangible e
intangible que resultan en cuestionamientos acerca de como
fueron construidas las identidades que conforman México. La
literatura y la danza conforman otro texto donde se nos
presenta la importancia del acto comunicativo en la recepción
de estas expresiones artísticas, a partir de la enigmática
pregunta que Jorge Luis Borges lanza: ¿es innecesaria la obra
de arte?. El movimiento continúa con la reflexión acerca de la
reinvención de las mujeres y los hombres, necesidad constante
y permanente para transformar cualquier entorno que
habitemos.
Sin duda, la lectura de imágenes es una tarea no solamente
de la historia del arte sino del artista y el público, una cuestión
importante para conocer lo que dice una imagen en específico
es teniendo un acercamiento a su contexto y contenidos
formales (que tipo de obra es, los materiales o medios que
utilizaron para hacerla, si tiene símbolos o transmiten una idea,
etcétera), sin embargo, también habría que preguntarnos si lo que
estoy viendo en esa imagen es lo que alguien más quiere que vea o
hay algo que dice por sí misma. Todo esto es cuestión de un debate
permanente.
Una propuesta del artista plástico brasileño Hélio Oiticica
conjunta las experiencias que pueden darse cuando la danza y las
artes plásticas se integran en una misma vivencia donde el
participante descubre elementos como el color, algunos materiales,
el tiempo, el espacio en su propio cuerpo socializando
colectivamente estas experiencias.
Finalmente, queremos compartir con ustedes un poco de la
historia de Müuval y del Festival de Intercambio Internacional que
realizamos año con año con la expectativa de que la danza
contemporánea continúe abriendo espacios de diálogo, reflexión y
experiencias de los realizadores y espectadores de la danza en
México y en otros países.
Yessica Contreras Trejo
31 de agosto 2010
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NOTA DE LA EDITORA
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PATRIMONIO CULTURAL
Nuestra Identidad cultural o ¿la globalización?
Minerva Rodríguez Licea
Nuestra nación ha tenido una gran diversidad de patrimonio
tangible e intangible; desde la época prehispánica existía una
cantidad considerable de patrimonio edificado y de misticismo
que caracterizó a las culturas mesoamericanas. A pesar de
haber sido devastadas por los conquistadores hoy en día
observamos innumerables joyas arquitectónicas que forman
parte de nuestra identidad. En las cuales se han tratado de
interpretar los ritos y tradiciones prehispánicas con la
intención de conocer nuestras raíces.
Los españoles implantaron otras ideologías, costumbres y
tradiciones con la finalidad de imponer la religión y tener el
dominio de los nativos a través de la evangelización, ello dio
como resultado la edificación de un sinnúmero de recintos
religiosos que se convirtieron en sitios adorados por los
indígenas, venerando los santos traídos por los
conquistadores, a los que se les rendía tributo a través de
danzas y celebraciones. La combinación de ambas culturas dio
como resultado una identidad cultural que hoy nos identifica
como nación, aunque algunos estilos arquitectónicos y
festividades no fueron propiamente de nuestro territorio se
acogieron con una interpretación propia que nos ha permitido
identificarnos como mexicanos, llenos de folclor y de edificios
ornamentales, colmados de cromática alusiva a la devoción.
Desde el inicio del siglo XX surgieron nuevas necesidades
en la población, comenzaron con la alteración y demolición de
nuestro patrimonio edificado, algunas zonas se fueron
destruyendo de manera parcial o total para dar auge a la
industrialización, al funcionalismo y al capitalismo; ello trajo como
consecuencia que la cultura en general diera un giro, cambiando
los hábitos y actividades cotidianas, fomentándose cada vez más
el empleo de la tecnología y la poca valoración de nuestro
patrimonio intangible. Actualmente se ha incrementado el
crepúsculo de nuestra identidad, esta parece estar en una
mutación constante ya que hemos adaptado las culturas de otros
sitios a la nuestra o simplemente adquirimos nuevos ideales.
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Hemos sido participes de la destrucción masiva de
nuestro patrimonio, en primer lugar, del natural, el cual
contaba con una gran variedad de especies y hoy se
encuentran desaparecidas o en riesgo de extinción. También
han sido devastadas algunas de nuestras reservas naturales
para fomentar el crecimiento de la mancha urbana, hemos
destruido nuestro patrimonio edificado y se han sustituido las
construcciones históricas por masivos edificios de concreto,
cristal y acero. De igual forma hemos transformado nuestro
patrimonio intangible al permitir la introducción de artículos
industrializados que han desplazado nuestras
artesanías, melodías vulgares y denigrantes, así como bailes
obscenos que han desplazado las danzas tradicionales y nada
tienen que ver con nuestra identidad cultural, ¿acaso nos
hemos dejado absorber al máximo por la globalización y no nos
hemos permitido razonar sobre nuestras raíces por estar
familiarizados con la tecnología y la mercadotecnia que día a
día nos imponen otras culturas? Al paso que vamos podremos
estar parados en algún punto de nuestro país y no sabremos
si nos situamos en México o en alguna otra nación.
Fotografía: Cortesía UNAM
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LITERATURA Y COREOGRAFIA
Componer: una empresa necesaria, razonable, acaso fatal.
Teresa Sánchez Cruz
Jorge Luís Borges, eminente escritor argentino del siglo XX, en
uno de sus cuentos, Pierre Menard, autor del Quijote, habla de
un hipotético literato simbolista que se embarca en la ardua y
estéril tarea de reescribir la obra magna de la literatura
española que Cervantes redactara allá por el siglo XVII. Este
escrito, hecho a modo de crítica literaria, invita a reflexionar
sobre la obra de arte en general en cuanto a temas
inquietantes para todo creador.
El autor del cuento impacta de sobremanera cuando afirma
que “[…]el Quijote es innecesario, es un libro contingente[…]”.
No así, dice, es la obra de Poe o el Bateau ivre o el Ancient
Mariner. ¿No será que la obra de arte es innecesaria toda
ella? Se puede discutir infinitamente y llegar a alguna
conclusión consensuada o no, se puede también optar por una
solución provisional y personal; tal vez lo importante sea
comunicar o expresar, para ello el interlocutor es
imprescindible.
Cita Borges de Don Quijote, primera parte, noveno capítulo:
“la verdad, cuya madre es la historia, émula del tiempo, depósito
de las acciones, testigo de lo pasado, ejemplo y aviso de lo
presente, advertencia de lo por venir”
Y comenta: “[…]opone a las ficciones caballerescas la pobre
realidad provinciana de su país[…]esa enumeración es un mero
elogio retórico de la historia[…]”. Cita después de Menard
exactamente el mismo fragmento, aparentemente idéntico en
todo, de este comenta que: “[…]elige como “realidad” la tierra de
Carmen durante el siglo de Lepanto y de Lope[…], Madame
Bachelier ha visto en ellas una admirable y típica subordinación
del autor a la psicología del héroe; otros (nada perspicaz) una
trascripción del Quijote; la baronesa de Bacourt, la influencia de
Nietzsche[…]”. El crítico que lleva la voz encuentra diferencia
incluso en el estilo. Recordemos que se trata del mismo texto,
visto con detenimiento no parece tan disparatado, todas las
opiniones pueden ser validas a la vez y el extracto citado ser todo
ello.
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Es irónico y anacrónico sin duda. Se pueden extraer de esta
obra, como de cualquiera de Borges, cascadas de reflexiones.
En este caso me interesa comentar sobre la recepción que
como acto comunicativo supone un código de signos que se
refieren a algo, este es compartido por el emisor y el receptor;
de modo que si alguno de estos elementos falla, la
comunicación no puede llevarse a cabo. Esto nos hace pensar
en la importancia del lector del producto artístico, quien es el
que finalmente le permite culminar al autor. Por eso puede
aplicarse a la cita de Cervantes o de Menard todas esas
interpretaciones y las que se nos ocurran o se le ocurran al
que lo lea, es como si cada que alguien “lee” la obra la re-crea,
la re-escribe, la re-interpreta, es una cosa diferente en cada
caso: cuando la escribe Cervantes, cuando la repite Menard,
cuando la comenta la baronesa y la halaga la condesa, cuando
la cita Borges, cuando la refiero yo y cuando la encuentre mi
lector.
En danza el lector es el público, que le permite ser a
nuestros trabajos, mediando en ocasiones entre ellos y
nosotros los interpretes, ante lo que podríamos preguntarnos
por el lugar en el mundo que debemos ocupar aquellos que
pretendemos expresarnos con movimiento corporal y
comunicarnos a nivel kinestésico. Las preguntas son ¿cómo
hacerlo? para que resulte efectivo, ¿qué elementos usar y
cómo?, si todos ellos actuaran como símbolos a interpretar.
Finalmente, la respuesta será una decisión personal como todo
en la vida.
Si aceptamos la idea de ciertas corrientes críticas que
presumen que la obra es inherentemente producto de su tiempo
y de su ideología, podríamos tal vez empezar a resolverlo, al
entender los códigos que compartimos más allá de los de la
danza, los cuales están definidos por el entorno social y cultural;
para saber qué elementos serian útiles para impactar al
espectador de la manera más cercana a lo que pretendemos,
dando un sentido preciso a nuestra labor.
Los imponderables de la percepción, que el creador jamás
podrá anticipar, son innegables. Toda situación de comunicación
es en algún grado polisemia, la coreografía lo es también, tal vez
esto suceda a partir del contenido de la personalidad del auditor,
su subjetividad o inconsciente, los estímulos previos a los que se
expuso por casualidad, sus intereses concretos, el contexto de la
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exposición, su historia de vida, su tendencia emotiva, e incluso
la reflexión racional que le detone, etcétera. Cervantes jamás
imaginó que tres siglos después existirían estas reflexiones en
torno al párrafo más mínimo de su novela. Si los públicos de
algún modo elijen que ver y como descifrarlo, sería una tarea
comparable a la de Pierre Menard tratar de aclararlo, y es
probable que si lo supiéramos, ya nadie desearía hacer
coreografía ni crear nada.
Sin embargo estas consideraciones son interesantes: por
ejemplo, indagar sobre el papel del espectador en el proceso
creativo ¿Quiénes nos espectarán? ¿Qué es lo que queremos
llevarles? Suponiendo que el creador sabe que está en la obra
y que tiene una idea clara de su propuesta -ambos
planteamientos implican ya complejidades-, se puede lograr
que el producto coreográfico concreto y objetivo, tenga en sí
mismo, lo que requiera para ejercer una comunicación
efectiva con el receptor.
Estas cavilaciones sobre la aprehensión de la obra artística de
cualesquier género, se suman a la particularidad del hecho
escénico que lo hace efímero y brevísimo, perece pronto y para
siempre; al igual que el momento ínfimo en que sucede la
comunicación/percepción.
Imagen tomada de:
http://elenabisso.blogspot.com/2009/07/jorge-luis-borges-y-el-quijote.html
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ARTES PLASTICAS Y DANZA
Los parangolés de Hélio Oiticica
Yessica Contreras Trejo
Vestir la danza con el color, hacer que un objeto de tela y
colores brillantes proponga al participante una experiencia
que le despierte hacer una danza colectiva esto es lo que
quería Hélio Oiticica (1937 - 1980 ) a través de sus
parangolés.
Hélio Oiticica de abuelo y padre libertario, fue un artista
brasileño que promovió un arte social y colectivo, la
trayectoria de sus propuestas artísticas van desde un trabajo
plástico en donde la búsqueda principal era la pureza del
color (en su etapa de artista concreto), después salió del
territorio de la pintura hacia experiencias más vivenciales y
multisensoriales, alejándose de la concepción de un arte que
se contempla hacia un arte que se vive (etapa neoconcreta).
La idea del parangolé surge con sus experiencias del
contacto con la favela Mangueira de Rio de Janeiro, a donde
llegó por primera vez para decorar los carros alegóricos con
los que participaban las escuelas de samba y bandas en el
carnaval carioca.
La Estación Primeira de Mangueira fue una de las escuelas más
importantes; la conformación de la favela de Mangueira data
desde 1889 cuando Brasil es proclamada una República, pero se
pobló hasta 1916 cuando llegan a establecerse ahí familias de ex
esclavos. Las favelas son asentamientos urbanos marginados
que se fueron poblando con personas pobres que migraban del
campo a las ciudades para conseguir empleo y otras condiciones
de vida, en éstas hay un sentido comunitario aunque también es
compleja la red social debido a las adversidades que enfrentan
los pobladores para conseguir los servicios necesarios para
mejorar las condiciones de vida en las favelas.
Las visitas y la convivencia con las personas que habitan esta
favela llevaron a Oiticica a hacer algunos descubrimientos acerca
del color, el espacio, el ritmo, de la arquitectura orgánica e
improvisada de las favelas, y de la danza. Aquí el cuerpo adquiere
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una significación especial, no es el soporte del color ni del
material de la tela o de las formas con las que fueron
confeccionadas los parangolés, sino el motor del movimiento
que le da sentido y rol del participante es modificado ya que al
entrar en contacto, al vestir los parangolés hace su propia
creación .
Así, estas capas o estandartes que son llamados
parangolés por Oiticica, estimulan una danza personal para
accionar el movimiento de estos objetos, sus colores
intensos, sus formas y los materiales de las telas. Todos
estos elementos (por supuesto el cuerpo del espectador),
también son la parte coreográfica de la danza, ocurre una
acción en un tiempo, un espacio y con diferentes significados
que son socializados.
Fotografía: cortesía de Yessica Contreras
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ENTREVISTA
Vivir para mostrar
Óscar Salas Gómez
Un libro no debe nacer de cualquier provocación, sino solo de
aquellas que nos acompañan durante años y que llegan a
adherirse a nosotros hasta configurar lo que somos. Pablo
D’Ors.
Esta conclusión acerca de la auto entrevista de Imre Kertész
para descalificar “Dossier K” (Ed. Acantilado, Barcelona) del
laureado húngaro --Premio Nóbel de Literatura 2002—me
viene muy al dedillo para lo contrario, apreciar –ponerle precio
alto-- Un respiro, del bailarín y coreógrafo José Juan López
Palacios.
El estreno lo conocí un mes de marzo, entonces vi por
momentos cierto abigarramiento de recursos y en otros falta
de hilvanación y reiteraciones de anteriores actuaciones. Ocho
meses después advertí un equilibrio del ritmo pero como
resultado de otro más profundo: del individuo consigo mismo,
con la vida, y con su espacio, el escenario. Lo vi dueño de todo
el suceder en el foro, pero sobre todo, sabedor y utilizador de tal
posesión con la grandeza y fragilidad que el trabajo unipersonal
impone y recompensa. Llamaba la atención la proyección de esta
solvencia sin la trasgresión de la cuarta pared, con tal
acumulación de energía reforzaba la interpretación mediante la
contención, el no desbordamiento, ni siquiera al final.
Otro acierto era hacernos fluir por la trama de la obra con
su fluir y que fluyéramos por las propias, aunque parcialmente
para no extraviar la suya; además, en esta intensidad
comunicativa el intérprete echaba mano, paradójicamente, de
una minimalismo gestual.
Desde la percepción expresada entrevisté a José Juan hora
y media antes de una función.
¿De dónde sale Un respiro?
Es un trabajo personal que había venido pensando años atrás,
ahora que cuento con una experiencia acumulada más seria.
Proyecto elementos trabajados con coreógrafos como Lidia
Romero, Víctor Ruiz, Juan Caudillo, Federico Castro, Martin
Chaput, Agnieska Laska,
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Kun Yan Lin. De ellos he tomado las herramientas
necesarias para mostrarme. Un respiro es la historia de
varias coreografías mías donde han aparecido un muñeco, un
maletín, una novia, sueños infantiles con transformaciones
imaginarias en diferentes animales.
No se trata de un serial cinematográfico, se trata de un
encuentro conmigo mismo desde que dejas la casa paterna
para trazar el propio camino, después de éste, trazo la
formación de la propia familia, la problemática para ser parte
de la sociedad, la lucha como artista para sacar el pan de
cada día.
¿Cómo has ido guardando pedacitos hasta tener una danza
de 45 minutos?
Son casi 55 con el video; no estoy copiando coreografías
que me aprendí con otros autores. Martin Chaput –Miradas
cruzadas—trabajó mucho sobre la vida urbana de México. Se
experimentó coreográficamente la interpretación, la música, lo
dramático, incluso lo antropológico con Marcial Chazallon; la
imaginación loquísima de Víctor Ruiz; el interiorismo enfocado en
la energía del chino Yan Lin. Al final, todos los autores, de danza,
teatro, música, buscamos el instinto y la fuerza interior con la que
vamos a lograr la proyección con el público. Con las experiencias
que he tenido con esos autores empecé a trabajar cada etapa
de Un respiro: la resucitación de un muerto desde no querer
pasar esa línea, pasarla y regresar para ocuparte de tus
recuerdos, los que te han traído hasta este momento.
Con Una tonelada de luz Antonio Salinas transgrede la
cuarta pared como un claro elemento de su composición. Tú
pareces muy cuidadoso por no hacerlo, aún en momentos donde
uno esperaría que lo hicieras.
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¿Es tu intención no coincidir con Salinas?
Mi forma de crear danza es diferente a la de Antonio en
cuestión de personajes, de dramaturgia, de movimiento.
Fuimos compañeros de danza en un proyecto México-Francia
que duró dos años; tenemos escuelas diferentes, la mía
incluye artes marciales, baile callejero, hip-hop; nunca cuido el
incurrir o no en algún parecido, si comparara me bloquearía.
Cuando coreografío todo empieza a salir junto, o lo que va
saliendo se empieza a juntar: danza, música, el paisaje en el
que me quiero ver en ese momento y el sentimiento que
quiero darle. Estoy en un etapa de olvidar al José Juan
egocentrista. Un intérprete con años de creación de mi
mismo, mis esperanzas y no-esperanzas de vida.
Fotografía tomada de
http://iec.tabasco.gob.mx/festival_danza08/resp
iro.htm
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REFLEXION
La reinvención, una constante inconsciente del ser.
Edmundo Arturo Figueroa Viruega
Día a día las acciones que realizamos repercuten en nuestras
vidas y en la de los seres que nos rodean; es por ello, que uno
debe concientizarse de que cada acto es un modificador
espacial-vivencial y que las transformaciones que generemos
a nuestro entorno se convertirán en el legado que
heredaremos a futuras generaciones.
Recordemos que las costumbres y tradiciones que nos
han legado son la preservación de los elementos cotidianos
de un pueblo, que adquirieron un valor particular en el tiempo
y que en muchas ocasiones a pesar de haber sido variados
conservan la esencia que los vio nacer. No obstante, otros
han sido enriquecidos en demasía, lo que ha conllevado a
tergiversar la idea base y el tema, por ende adquiere una
connotación nueva, teniendo como resultado el inicio de una
historia distinta, dejando en el olvido la idea progenitora. Tal y
como le ha sucedido a las diversas lenguas que en un
principio fueron ricas en ideas y expresiones, pero que con el
transcurrir del tiempo éstas han tendido a sincoparse,
absorbiendo en un fonema una serie de ideas incluso
hondamente disímiles entre si. Eso ha sucedido en el mejor de los
casos, ya que al menos la lengua subsiste.
Esta misma metamorfosis lingüística la sufrimos en cada
actividad que realizamos; indudablemente la aleación de
características nuevas crean un enriquecimiento cultural, esto en
ocasiones se da bajo el raciocinio donde se analiza lo existente y
el modo en el que se le pueden anexar elementos que lo nutran
sin romper el eje rector que desde su origen ha tenido. Sin
embargo este tipo de acciones es atípico y limitado, la mayoría
acontece como un suceso cotidiano al que se le añaden valores
dispares que paulatinamente lo corrompen, alterándolo
seriamente.
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Los cambios son indicadores de movimiento que manifiestan
la evolución, factor que está implícito en la naturaleza
inherente del ser que busca desarrollarse, progresando en
base a sus aptitudes y con ello establecer su permanencia
como especie; los ritmos vitales a final de cuenta son el
reflejo de la humanidad.
El hombre tiene en su naturaleza inconsciente el reinventarse
en base a la suma de experiencias que a diario asimila; por
ello el aprendizaje es de capital importancia en los individuos
sea voluntario o involuntario. La posibilidad que tenemos de
cada día regenerarnos, tomando como base el cúmulo de
experiencias es única y debe ser explorada sin miedo,
tomando en cuenta que la asimilación del conocimiento es
innato en uno como especie, a pesar de ello se debe estar
consciente de las experiencias adquiridas y aprender a
utilizarlas para el engrandecimiento mediante la exploración
creativa, la cual es ilimitada.
Fotografía tomada de
http://www.guije.com/libros/psicologia/colecti
vo/index.htm
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REFLEXIÓN
Pero, ¿qué quiere decir?
Como leer las imágenes sin perder el juicio.
Bianca Monserrat Castillero Vela
En los últimos dos meses me he encontrado con un tema
recurrente dentro de la Historia del arte : la lectura de imágenes.
¿Cómo leer una imagen? , ¿a partir de qué? , ¿tomando en cuenta
qué? y, ¿haciendo caso a quién?.
Con mi background de artista visual quiero aclarar que mi
acercamiento a las imágenes siempre ha sido desde quien las
crea y produce, lo cual ha cambiado a partir de mis nuevos ojos de
historiadora (que me costaron re –caros).
¿Cómo decir algo coherente sobre una imagen? Cuando lo
único que tienes es la imagen misma y un cúmulo -a veces
insignificante y en otras enorme- de información o del contexto en
el que se creó.
Alguien me dijo hace poco: “ Es cuestión de método”. Por un
lado, puedes conocer datos biográficos del que produjo la imagen,
la fecha de creación, o el contexto histórico y social. Pero…¿es eso
suficiente? ¿ la lectura de esa imagen vendrá solamente a partir de
relacionar estos datos? Por otro lado, ¿la lectura de la imagen es sólo
una lectura formal ? es decir, ¿una imagen desde su propio idioma y
sistema? Parece que ahora esto es lo de hoy. Una lectura semántica
de la obra desde esa semántica que deja a un lado el referente
externo. Pero de verdad, ¿a nadie se le había ocurrido? ¿ Cómo es
posible que el punto de vista del que estudia arte haya pasado por alto
que la imagen también habla?
Encuentro importante que el referente externo te lleva al
conocimiento de muchas características que podrían servir para
entender la obra, pero, quizá -según lo que se dice- también podrían
hacer que olvides que la imagen tiene su propio idioma y que te dice
algo que sólo ella te puede contar.
Aprender a mirar la imagen para que te diga exactamente o
cercanamente qué quería decir, está en chino, árabe , húngaro y
español antiguo. Por esta razón es tan difícil simplemente observar. La
polisemia de las imágenes ( tema tan requetehablado) nos confunde y
nos asusta. Y , ¿si decimos una tontería? como pasa en muchas
ocasiones cuando las interpretaciones de las obras resultan de las
relaciones más arbitrarias pero eso sí siempre basadas en Freud.
(¡jajá!)
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La nueva modalidad es la lectura semántica sin contexto histórico.
Pero en realidad, ¿eso sucede? Al final, los mejores historiadores -
como una que conocí últimamente- a pesar de decir que la imagen
decía más y que la lectura de Didi 1aclararía el método, dijo que
veía una cara donde (perdón por la crítica) evidentemente no
había una cara sino un conjunto de formas pictóricas. Lo decimos
pero no lo cumplimos porque a pesar de nuestras mejores
intenciones. ¡Es dificilísimo!2
¿Hablar de una imagen de la que no sabemos nada y olvidar su
contexto, pero, sin olvidarlo totalmente? ¡Qué alguien me explique
cómo demonios lo hago! ( Y perdonen lo de la explicada).
Por eso yo creo que la lectura está subordinada al contexto social,
a la lectura formal y, evidentemente a la inteligencia, así como, al
contexto y en ocasiones hasta ideología del que lo lee. Si alguien te
dice que es una cara y tú dices que es una torre de telegrafía, a
pesar de que te hayas leído toda la información posible sobre el
tema, al final es una palabra contra la otra. Parece que todo es
cuestión de debate y nunca de respuestas. Por último, lo que me
parece más importante es exactamente esa apertura al debate,
las imágenes en sí mismas son un debate. ¿Qué quiere decir?
¡Pues quien sabe! Pero cómo nos divertiremos intentando saberlo.
1 George Didi- Huberman. Historiador del arte y ensayista francés- mega en onda- propone una lectura de las imágenes con una nueva perspectiva de la historia del arte, quien por cierto, también en algún momento utiliza el psicoanálisis. 2 Expresión utilizada por Silvia Pinal en “ El inocente”, donde también aparece Pedro
Infante.
Ilustración: Bianca Castillero
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ACERCA DEL FESTIVAL
¿Dónde inició todo?
Aura Tantadel López Contreras
Exactamente no lo recuerdo, es como aquel proverbio, ‘no
se si fue primero la gallina o el huevo’. En el 2004 supongo
que la semilla se plantó, me mudé a Nueva York y luego a la
ciudad de Londres, a estudiar danza a un lugar llamado The
Place, al llegar todo era nuevo, singular y muy diferente a lo
que acostumbraba llamar casa. Creo que lo que más me
llamó la atención fue la posibilidad de conocer a otras
personas de diversas nacionalidades, siempre creí que en el
extranjero mi vida se solucionaría, el estar en otro país y
lejos de casa, con mayores ‘posibilidades’. Después de 4
años lejos de casa, viajando por diversas partes, observando
la danza, vida y cultura de otros países decidí volver a casa y
concretar éste proyecto de vida llamado Müuval.
Supongo que muchos se han preguntado que significa
Müuval, de dónde surgió el nombre. Es éste el espacio
dónde contaré a detalle esta historia.
En 2006, después de aplicar a distintas becas del FONCA y
desear regresar a casa para compartir lo aprendido, junto con
Ángela Muñoz (España) y Cristina Gómez (España), decidimos ir a
México, hacer un taller y presentar coreografías, a este proyecto
se unió Paula Rechtman (México), Georgia Minissini (Italia), Karina
Orellana (Chile) y Carlos Rojas (México), así fue como inició este
proyecto.
Junto con Cristina Gómez y Carlos Princz (diseñador)
realizamos la página de Internet y me apoyaron a poner todas las
ideas por escrito, un buen día llegamos al punto de poner nombre
al proyecto: Müuval es una conjunción de palabras con un poco
de estilo (¨) que conforman en inglés ‘move all’ todos se mueven.
Cristina es la responsable de tan creativo nombre. Tiempo
después descubrí que Mü – uval significa volar en zapoteco. Fue
entonces cuando todo esto se convirtió en acerca de volar.
La gestión de nuestra estancia en México, así como los
lugares de ensayo, taller y presentaciones estuvieron a cargo de
Francisco López quien es actual miembro de ésta asociación civil.
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Así fue como nació este festival, bajo la idea de compartir,
colaborar y regresar a casa. Por momentos se pensó en ir
a los países de cada uno, pero cada quien tiene su propio
camino, si algo he aprendido en estos años es que Müuval
es y será lo que cada uno quiera que sea para cada uno,
aquí hay lugar, pero cada uno construye su espacio.
Müuval va creciendo, el festival se continúa realizando
cada vez con un matiz más de intercambio de ideas y de
desarrollo de la danza en México. Müuval ha tenido un
carácter que a veces parece extranjero, desde el nombre.
En 2008 llega a Müuval Carlos Cervantes quien vuelve a
Müuval un poco más nacional, también promueve y colabora
en el intercambio entre disciplinas, actualmente es miembro
de la asociación civil. Este festival no hubiera sido posible sin
quienes lo iniciaron y quienes lo han continuado.
Mi papel aquí ha sido acompañarlos, compartir y
continuar picando piedra para que Müuval crezca y yo junto
con él.
Durante la V emisión del festival y los 3 años de la
compañía de danza se han incorporado diversas personas y
finalmente nos vamos completando, cada día se acercan
personas afines que buscan investigar, compartir y sentir la
danza junto a otros.
Desde el 2006, el Festival de Intercambio Internacional
MÜUVAL ha posibilitado un espacio para el intercambio de
propuestas sobre la danza contemporánea joven emergente,
facilitando los lazos de cooperación entre la comunidad dancística
nacional e internacional, ofreciendo la perspectiva de un México
contemporáneo ante los ojos nacionales y extranjeros. Los
organizadores de este festival han determinado destinar la V
emisión al trabajo interdisciplinario a través de la Danza, Artes
Visuales y Música.
El festival tiene las siguientes actividades:
Convocatorias a Colaboradores y coreógrafos nacionales
Taller Intensivo de danza Contemporánea
Audición a Bailarines
Laboratorio Coreográfico
Temporada de Müuval Compañía de Danza
Funciones de Clausura
Este año las funciones de clausura, producto del laboratorio
Coreográfico Interdisciplinario se llevaron a cabo en el salón de
ensayos de la Dirección de Danza de la UNAM, espacio
alternativo que enriqueció la propuesta artística y la integración
con la audiencia
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‘Interacciones’
Funciones de Clausura V Festival de Intercambio Internacional
Müuval. Este programa es el resultado de la investigación de un
equipo creativo que trabajó de manera colectiva dentro del
laboratorio coreográfico del V Festival Internacional Müuval.
Está integrado por dos obras de nueva creación y una
estructura de improvisación. ‘Interacciones’ completa el
proceso de intercambio de éste festival, todas las obras que se
presentan son de carácter escénico e interdisciplinario en
base a un análisis del movimiento en relación con el espacio y
ritmo escénico. Desde las relaciones humanas en un espacio no
narrativo hasta un concepto narrativo dentro de un espacio
cotidiano.
‘… Y os vais’ una de las obras realizadas durante la V
emisión del Festival de Intercambio Internacional Müuval
será presentada en el mes de Noviembre en el Instituto
Italiano de Cultura, Oficina Cultural de la Embajada de Italia,
en la exposición Fotográfica Yo creo / I believe del
fotógrafo italiano Cristiano Bendinelli.
ARTISTAS SELECCIONADOS
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Segolene Marchand (Coreógrafa, Francia)
Alicia Rodríguez Campi (Coreógrafa, España)
Nicolletta Martinez (Coreógrafa, México)
Gea Hernández (Coreógrafa, México)
Carlos Cervantes (Arquitecto, México)
Aoztoc Enriquez (Artista visual, México)
Josué Collado (Músico. México)
Ignacio Quitarte (Músico, México)
Sandra Casale (Intérprete, México)
Gina Fierro (Intérprete, México)
Jhonny Leandro (Intérprete, Venezuela)
Aura López (Intérprete, México)
Erendira López (Intérprete, México)
Israel Martinez (intérprete, México)
Yacanna Martinez (Intérprete, Venezuela)
Edith Mendoza (Intérprete, México)
Gustavo Palacios (Intérprete, México)
Ahzareel A. Sierra (Intérprete, México)
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‘Silencio a Voces’
Dentro del V Festival de Intercambio Internacional Müuval,
la compañía de danza contemporánea de Múuval Collective
A.C. presentará su nueva producción interdisciplinaria:
Obra escénica de danza contemporánea que
representa el recuerdo adulto, ante la experiencia de un
abuso sexual incestuoso. Se escenifican las sensaciones de
la víctima que, en aumento y repetición, van matizando su
experiencia interior.
No se narra el suceso del abuso sexual incestuoso, se
representará el recuerdo del adulto, como secreto y
silencio que le ha acompañado desde su niñez. Se trabaja a
partir de testimonios para la realización de cuatro
personajes que plasman su historia en fragmentos a lo
largo de la obra. SE TENDRÁ TEMPORADA EN EL
CENTRO NACIONAL DE LAS ARTES EN EL FORO
EXPERIMENTAL LOS DÍAS 18, 19, 20 y 21 DE
NOVIEMBRE 2010
Fotografía: Francisco López
Coreografía: Silencio a Voces
Invitamos a Todos nuestros lectores a que continúen participando
con sus textos, favor de revisar la convocatoria dentro del este
número.
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