MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI

 Uno de los mayores

creadores de toda la

historia del arte y, junto

con Leonardo da Vinci, la figura más

destacada del renacimiento

italiano.

En su condición de arquitecto,

escultor, pintor y poeta

ejerció una enorme

influencia tanto en sus

contemporáneos como en todo el arte occidental

posterior a su época. 

1475 -1564

INTRODUCCIÓN

El renacimiento , sin duda alguna, es una época fundamental en la historia de la humanidad. En este trabajo, intento seguir descubriendo las riquezas artísticas de los grandes de la época.

En el trabajo anterior contextualicé la época del renacimiento para luego centrar la atención en uno de los más grandes artistas que a tenido la humanidad: Leonardo da Vinci. En esta presentación, de manera concreta, profundizando aun más en las sublimes expresiones artísticas del Renacimiento, centraré mi atención en la persona de Miguel Ángel.

Para ello, divido esta presentación en tres partes : En un primermomento, destaco aspectos muy generales y de gran relevancia en la vida de éste autor. En segundo momento resalto los aspectos generales de la Capilla Sixtina, dado que es un sitio fundamental en la obra pintoresca de Miguel Ángel. En un tercer momento, hago la presentación de una de las obras más famosas de éste autor: El Juicio Final. Todo esto tiene como finalidad hacer un análisis de la importancia de este autor en la historia como de sus obras, de modo especial, la que aquí analizaré.

MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI

1475 -1564

Es sin duda alguna uno de los mayores creadores de toda la historia del arte y, junto con Leonardo da Vinci, la figura más destacada del renacimiento italiano.

Nació el 6 de marzo de 1475 en el pequeño pueblo de Caprese, cerca de Arezzo, aunque, en esencia, fue un florentino que mantuvo a lo largo de toda su vida unos profundos lazos con Florencia, su arte y su cultura.

Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos. Fue arquitecto, pintor, escultor y poeta.

Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.

El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Ludovico Buonarroti, su padre, oficial florentino al servicio de la familia Médicis, colocó a su hijo, con tan sólo 13 años de edad, en el taller del pintor Domenico Ghirlandaio. Dos años después se sintió atraído por la escultura en el jardín de San Marcos, lugar al que acudía con frecuencia para estudiar las estatuas antiguas de la colección de los Médicis.

A tan solo 16 años de edad, ya había realizado al menos dos esculturas en relieve, el Combate de los lapitas y los centauros y la Virgen de la Escalera (1489-1492).

Miguel Ángel en sus años juveniles muestra su profunda admiración hacia la anatomía, no satisfaciéndose con aprender las leyes de aquella, únicamente por la escultura antigua, decide investigar por si mismo la anatomía humana por lo que acudiría casi todas las noches al depósito municipal de cadáveres para practicar disecciones que le permitirán conocer mejor la estructura interna del ser humano y dibujaba tomando modelos de la figura humana que ya no le guardaba ningún secreto.

Los últimos años de Miguel Ángel: en 1534 deja Florencia para no regresar. Dada la situación política florentina, dominada por el duque Alessandro que aborrecía profundamente al artista , quien había servido antes de la última restitución medicea a la república.

En Roma, realizaría el "JUICIO FINAL, el primer encargo del Juicio se remonta a 1533 por el Papa Clemente VII pero dos años después Pablo III , quien lo nombra pintor, escultor y arquitecto del Vaticano, hacia 1536, le ratifica el encargo y Miguel Ángel ya en Roma lo realiza en la Capilla Sixtina.

En sus últimos años Miguel Ángel Buonarroti continúa dedicándose a la escultura, y se propondría después de concluir la Tumba de Julio II, idear la propia. El artista realizaría la "PIEDAD BANDINI", de composición piramidal, donde Nicodemo, la Magdalena y la Virgen sostienen el cuerpo de Cristo, utiliza el principio de lo inacabado como parte primordial de su creación artística y la "PIEDAD RONDANINI" que sería su última obra ocupándose de ella en varias oportunidades a partir de 1547, esta quedaría también inacabada a su muerte.

Miguel Ángel también compuso poesías donde presentaba sus ansiedades, pensamientos , frustraciones, ideas estéticas y su relación con la filosofía neoplatónica. El artista falleció en Roma el 18 de Febrero de 1564 a la edad de 89 años.

Algunos aspectos que caracterizan sus obras de arte

No podemos entender a Miguel Ángel como la suma de una serie de obras pictóricas, escultóricas o arquitectónicas sin más, sino como una unificadora articulación de un proceso elaborativo.

En el concepto creativo de Miguel Ángel existe una clara vinculación con el pensamiento neoplatónico.

No se limita tan solo a un propósito sino que establece un intento de demostración de todas las posibles opciones y soluciones, y ello no deja de ser una respuesta a la crisis planteada en torno al sistema figurativo clásico y a su constante preocupación teoricista.

No asume la proporción como un elemento eterno e inmutable y sus criticadas deformaciones — no ya sólo en el esquema sino también en la aplicación del color — responden al desarrollo de un elemento artístico que surge de una concepción interior y subjetiva del artista.

Sus obras son numerosas, tanto en la escultura, la pintura y la arquitectura. Algunas de ellas son:

Esculturas:

-Cabeza de fauno (1489-1492)-Virgen de la escalera c. 1491-La batalla de los centauro c. 1492-Crucifijo del Santo Spirito 1492-Hércules c.1492-San Petronio del Arca de Santo Domingo 1494-

1495-San Procolo del Arca de Santo Domingo 1494-

1495-Ángel del Arca de Santo Domingo 1494-1495

-Bacus (Miguel Ángel) 1496-1497-Crucifijo de Montserrat7 1497-1498?-Piedad del Vaticano 1499-1500-David de Miguel Ángel 1501-1504-Madonna de Brujas 1501-1504-Tumba del papa Julio II 15038-Moisés c. 1513-1515-Cristo de la Minerva 1519-1520-Piedad florentina c. 1550-Piedad Palestrina c. 1550

Pinturas:

-El tormento de San Antonio c. 1487-1489-La batalla de Cascina 1504-Madonna de Manchester c. 1497-Tondo Doni c. 1503-1506-Santo Entierro c. 1505-Bóveda de la Capilla Sixtina 1508-1512-El Juicio Final (Capilla Sixtina) 1534-1541-Crucifixión de San Pedro 1542-1550-La conversión de San Pablo 1542-1550-Crucifixión c. 1540

Arquitectura:

-Proyecto para la fachada de la Basílica de San Lorenzo de Florencia 1515–1520, no se llegó a construir.

-La nueva Capilla de los Médici y la Sacristía Nueva de la basílica de -San Lorenzo de Florencia 1520-1534

-Escalinata y vestíbulo de la Biblioteca Laurenziana, en la basílica de San Lorenzo de Florencia 1523–1559-Basílica de San Pedro 1546-1564

Quiero concluir la presentación de esta breve biografía de Miguel Angel, citando a Walter Pater:

“Es indispensable que nos emocionen y sorprendan. Pero también es indispensable que nos complazcan y conmuevan con su encanto; y esta extrañeza también debe ser dulce, una extrañeza amable. Y para los verdaderos admiradores de Miguel Ángel, ese el verdadero prototipo de lo miguelangelesco: la dulzura y la fuerza, el placer de la sorpresa, la energía de una concepción que parece estar constantemente al borde de romper todas las condiciones de la forma adecuada, recuperando, toque a toque, un encanto que habitualmente sólo se encuentra en las cosas naturales más sencillas, ex forti dulcedo”.

http://digicampus.upb.edu.co/moodle/file.php/2237/material_complementario_modulo_3/Miguel_Angel/La_poesia_de_Miguel_Angel_por_Walter_Pater.pdf

LA CAPILLA SIXTINA

Fue construida entre 1477 y 1480, por orden del papa Sixto IV, de quien toma su nombre. Fue erigida en el lugar que se levantaba la "Capilla Magna" del palacio construido por Nicolás III.

Desde la época de Sixto IV, la capilla ha servido como lugar de diversas actividades papales. Hoy es la sede del cónclave, la reunión en la que los cardenales eligen a un nuevo Papa.

Tenía dos funciones: religiosa como Capilla Palatina y defensiva como puesto avanzado fortificado del conjunto de edificios colocados alrededor del patio del Papagayo que constituían el núcleo más antiguo de los palacios apostólicos.

Arquitectura

La Capilla es un edificio alto y rectangular de ladrillo, y su exterior no tiene adornos arquitectónicos ni escultóricos, como es común en muchas iglesias medievales y renacentistas de Italia. No tiene fachada exterior ni entradas exteriores; sólo se puede acceder a través del interior del Palacio Apostólico, y el exterior sólo es visible desde las ventanas de alrededor y desde patios interiores del palacio.

Como en la mayoría de los edificios medidos interiormente, la medida exacta es difícil de determinar. El techo de la capilla es una bóveda de cañón rebajada que surge de una serie de lunetas que rodean las paredes donde surgen los arcos de las ventanas. La bóveda está cortada en sentido transversal por pequeñas bóvedas formadas sobre cada ventana, que la dividen en su nivel más bajo en una serie de grandes pechinas elevadas sobre pilastras poco profundas entre las ventanas

La bóveda de cañón fue pintada originalmente de color azul brillante con estrellas doradas, según el diseño de Piermatteo d'Amelia.3 El pavimento es de cosmatesco, un estilo decorativo que usa mármol y piedra coloreada en un diseño que refleja la proporción previa en la división del interior y también marca el camino procesional desde la puerta principal.

La mampara o transenna de mármol, obra de Mino da Fiesole, Andrea Bregno y Giovanni Dalmata divide la capilla en dos partes.10 Originalmente había el mismo espacio para los miembros de la Capilla Pontificia, en el lado del altar, y para los peregrinos y los ciudadanos al otro lado. Sin embargo, al crecer el número de asistentes del Papa, la mampara fue movida reduciendo la zona de los fieles.

El edificio actual comprende un sótano, un entresuelo y la capilla, encima de la cual se extiende una espaciosa buhardilla. La capilla tiene planta rectangular, sin ábside, midiendo 40´94 m. de largo por 13´41 m. de ancho siendo su altura de 20´70 m.; está cubierta por una bóveda de cañón truncada con bovedillas laterales que corresponden a las ventanas que iluminan la estancia. 

En un principio estuvo dedicado a la celebración de ceremonias solemnes y cónclaves que tuvieron relevancia, aunque su mayor importancia y fama viene dada por la magnitud de los frescos que posee. La mayoría de las pinturas son de Miguel Ángel aunque existe la participación de otros grandes artistas que se encuentran en escenas de los laterales de la nave.

Decoración

La decoración del s. XV de las paredes incluye: las falsas cortinas, las Historias de Moisés (paredes sur - entrada) y de Cristo (paredes norte - entrada) y los retratos de los Pontífices (paredes norte - sur - entrada). Fue realizada por un equipo de pintores formado originariamente por Pietro Perugino, Sandro Botticelli, Domenico Ghirlandaio, Cosimo Rosselli, coadyuvados por sus respectivos talleres y por algunos de sus colaboradores más estrechos entre los que destacan Biagio di Antonio, Bartolomeo della Gatta y Lucas Signorelli. Sobre la bóveda, Pier Matteo d'Amelia pintó un cielo estrellado. La realización de los frescos tuvo comienzo en 1481 y se concluyó en 1482.

Cuando Julio II accedió al trono papal en 1503 decidió enriquecer la decoración de la bóveda, encargando seis años más tarde los trabajos a Miguel Ángel quien empleó tres años en la realización.

Buonarroti elaboró en tres periodos sus frescos; el primero entre enero y septiembre de 1509; el segundo entre septiembre de 1509 y septiembre de 1510; y el tercero y último entre enero y agosto de 1511.

Trabajaba sólo, sin ninguna colaboración y sin permitir ningún acceso a la capilla durante su labor. Parece ser que Julio II había pensado en una serie de doce Apóstoles como temática de la bóveda pero fue cambiada para representar diversos asuntos del Antiguo Testamento junto a una serie de sibilas y profetas que hablaron de la llegada de Cristo.

La bóveda fue dividida en nueve compartimentos que narrando una escena bíblica cada uno, alternando grandes espacios con otros más menudos que se acompañan de ignudis, jóvenes desnudos en sintonía con la estatuaria clásica. La Creación de la Luz, la Creación de las plantas y los astros, la Creación del mundo, la Creación de Adán, la Creación de Eva, el Pecado Original y la Expulsión del Paraíso, el Sacrificio de Noé, el Diluvio Universal y la Embriaguez de Noé son las diferentes escenas que van de pared a pared de la bóveda.

Miguel Ángel siguió de esta manera las bóvedas de los monumentos romanos, cubriendo con su pintura todo el espacio, tratando de engañar al espectador.

Los trabajos se iniciaron desde el muro situado frente al altar mayor que más tarde sería decorado con el Juicio, apreciándose en el sentido inverso al que aparecen en el Génesis.

El programa iconográfico que observamos en la decoración es probable que haya sido consensuado con el pontífice y asesorado por alguna autoridad teológica, sometiéndose de nuevo a la aprobación definitiva del Papa.

Sin embrago, el resultado es una de las obras maestras de la pintura, recientemente restaurada y limpiada para ofrecer a los espectadores la maravilla y la fuerza del color en la obra del renacimiento.

Se destaca Rafael y Miguel Ángel, y en toda la decoración esta presente la caracterización principal del renacimiento: la admiración por el cuerpo y la expresión humana en su más alto significado. Definitivamente es una joya de un valor invaluable para la pintura del Renacimiento. Tambien podríamos decir con Juan Pablo II:

"Los frescos que aquí contemplamos nos introducen en el mundo de los contenidos de la Revelación. Las verdades de nuestra fe nos hablan desde cada lugar. De ellas, el genio

humano ha sacado la inspiración empeñándose en revestirlas de formas de una belleza inigualable"

Conclusión

EL JUICIO FINAL

El Juicio Final o El Juicio Universal es el mural realizado al fresco por Miguel Ángel para decorar el ábside de la Capilla Sixtina .

El fresco es de enormes dimensiones -13,70 x 12,20 metros- e incluye casi 400 figuras de las que se han identificado mas de 50.  

Contexto

Desde la construcción de la Capilla Sixtina hasta 1536, la pared del altar donde ahora está el Juicio Final contenía otros murales de la serie de las historias de Moisés y de Jesús. Estaban la Asunción, la Natividad de Cristo y el Descubrimiento de Moisés.

Miguel Ángel tuvo que sacrificar estos frescos de Perugino de la zona del altar para pintar su obra, lo que le valió numerosas críticas.

Anteriormente, Clemente VII le había pedido que pintara La caída de los ángeles rebeldes, pero, tras su muerte, su sucesor Pablo III le encargó que pintara la escena del Juicio Final.

El 16 de abril de 1535 se empezó a levantar el andamiaje y en enero de 1537 se iniciaba la decoración pictórica, siendo descubierta de manera oficial el 31 de octubre de 1541.

Aspectos generales sobre la obraSu temática, como indica su nombre, constituye la última etapa de

la Humanidad, y hace un planteo claramente apocalíptico y escatológico.

En esta obra, Miguel Ángel no utiliza ninguna estructuración explícita sino semántica, es decir, organiza la obra de acuerdo con los signos, los contenidos y los lugares que ocupan las figuras dentro de un fondo plano, en cuanto no tiene perspectiva geométrica sino aérea, visual.

De una simple mirada se infiere que los frescos de la bóveda y del Juicio Final de la Capilla Sixtina - creaciones del mismo autor - difieren totalmente.

Esta obra va a suponer la culminación del estilo pictórico del genial artista, quien tardó en realizarla cinco años.

La composición de las figuras, liberadas de cualquier enmarcamiento arquitectónico — a diferencia de lo que ocurre con la bóveda de la misma Capilla Sixtina — y elaborando una recreación rítmica en torno a la atlética figura de Cristo, a semejanza de un sistema cosmogónico.

 Cristo aparece como centro y orden del universo según un esquema compositivo que Miguel Ángel aplicará también en otras obras de arquitectura, como con la estatua de Marco Aurelio en la remodelación de la Plaza del Capitolio, situada en el centro y desarrollando simbólicamente el concepto de eje nuclear del mundo.

En este fresco, Miguel Ángel dispone la figuración en diversos planos, sin sometimiento a la perspectiva “oficial”, y para ello se sirve de módulos decrecientes para los personajes, de arriba a abajo, para alterar el carácter estático de los grupos y exaltar cada actitud de movimiento.

Los modelos clásicos dejan de ser un objeto al que imitar para convertirse ahora en el instrumento de comprobación de su propio concepto plástico.

Lleva hasta las últimas consecuencias la integración del paganismo en el tema religioso, desnudando sin rubor todas las figuras del conjunto.

En cuanto al colorido, que la presumible y a menudo criticada escasa variedad cromática se ve ponderada por un abrumador dominio del dibujo, imprescindible para trabajar el fresco, que dota a las figuras de un sorprendente carácter volumétrico y permite delatar, con la exaltación de los desnudos, el talante escultor del artista.

La utilización de verdes, rosas, azules y amarillos alteran la función clásica del color y, en relación a ello, la luz sirve para valorar la materialidad escultórica de las figuras, dotando a las mismas de una determinante inestabilidad.

Es una obra cuya contemplación altera el ánimo de los más descreídos y supone, además, el ideal pictórico del artista florentino, siempre en relación con otros vehículos plásticos de expresión.

Las figuras principales

El majestuoso fresco del Juicio Final, que cubre casi doscientos metros cuadrados, es una realización que sintetiza la tragedia griega y la dramaticidad dantesca.

Para facilitar el análisis de su composición es necesario buscar una sistematización de sus personajes, ya sean individuales como así también agrupados, los que giran en una atmósfera de infinitud, de atemportalidad, impulsados por un punto de mira, una centralidad dada por la figura de un Cristo en actitud de juez supremo.

Centro

Como protagonista de la escena está Cristo, en actitud desafiante y enfadada, con un brazo en alto para dividir a los pecadores de los salvados. A su lado, la Virgen se esconde detrás de su hijo. Es un Cristo Juez, presentado totalmente desnudo, con un brazo en alto, rodeado por una serie de gigantescas figuras que parecen aterrorizadas en su presencia.

Junto a Cristo está María. Temerosa, se esconde junto a su hijo asustada por el movimiento violento que hace. Detrás de ellos hay un destello de luz así que reciben todo el enfoque además porque se encuentran en el centro.

Apóstoles y santos

San Pedro. Tiene en sus manos las llaves del Paraíso.San Pablo. Se le reconoce por su barba gris y su aspecto ceñudo.San Andrés. Sostiene una cruz en forma de "X", símbolo de su martirio.San Sebastián. Tiene sostenidas las flechas de su martirio.

Hay una representación de los ángeles del Juicio Final, que llevaban las trompetas para anunciar la llegada de Cristo. En las Escrituras aparecen ocho ángeles, sin embargo aquí se representan siete. Dos ángeles llevan el libro de la vida y el de la muerte.

Ángeles

Otro grupo de ángeles, llevan los instrumentos de la pasión: la cruz, la corona de espinas y los clavos.

En el luneto derecho, unos ángeles llevan la columna donde flagelaron a Cristo.

Santos

Alrededor de Cristo encontramos varios santos: San Pedro con las llaves y su barbga característica, San Lorenzo con la parrilla de su martirio en las manos.

Santa Catalina con su rueda de púas, símbolo de su martirio.

Otro de los santos es San Bartolomé, (Parte inferior de la imagen) que lleva su pellejo en la mano. El rostro del pellejo es un autorretrato de Miguel Ángel.

Multitud

La multitud se agolpa alrededor de Cristo, algunos son los salvados y otros los pecadores. Muchos están en un ambiente de relativo pánico, no saben que hacer. Entre el tumulto, muchos están encontrando a sus familiares y amigos, y están realmente felices, algunos llegan a conmoverse, reflejado en sus lágrimas.

Almas salvadas, que suben al Cielo.

En el lado derecho, en la parte inferior, están los caídos, los pecadores, que llegan al infierno donde los demonios los recogen.

El juez del infierno, Minos, mira a los caídos. A su lado, está la boca de Leviatán, del Infierno.

En el lado del Infierno está Caronte con su barca, aludiendo a la mitología griega. Caronte era el barquero llevaba las almas de los caídos al otro lado de la laguna Estigia.

Minos

Caronte

En el Juicio Final se recoge toda la fuerza de la "terribilità" típicamente miguelangelesca al mostrar la intensidad de un momento de manera excepcional, produciendo en el espectador cierto "temor religioso" alejado de la delicadeza de las imágenes de Rafael. Las figuras se retuercen sobre sí mismas, en acentuados escorzos que anticipan el Manierismo y el Barroco, creándose una increíble sensación de movimiento unificado a pesar de la ausencia de perspectiva tradicional y disponiendo las figuras en diferentes planos pero sin crear el efecto de fuga.

El colorido brillante sintoniza con la bóveda a pesar de que abundan las carnaciones de los cuerpos desnudos que permiten contemplar sus músculos en tensión, sin olvidar hacer alusión a la expresividad de los rostros recogiendo en sus gestos el destino que les ha tocado tras el último Juicio.

La composición es un remolino caótico que acentúa la angustia y la fatalidad de la escena. Las figuras se amontonan en un torbellino, todas en primer plano, sin perspectivas ni paisajes, y todas ellas retorcidas y desequilibradas, buscan posturas inestables y forzadas, enriqueciendo el contrapposto clásico.

En síntesis…

Sus colores se oponen drásticamente a la armonía cromática del clasicismo renacentista, son muy vivos y contrastados (ácidos) y el acabado busca intensos contrastes de luz y sombra.

Cuando el espectador penetra en la Sixtina y contempla esta obra maestra siente ante sus ojos la intensidad emocional del momento como sólo Miguel Ángel podría interpretarlo.

La influencia del Juicio Final en otros artistas europeos posteriores fue enorme; era visita obligada para los que podían costearse el viaje a Roma, y se difundió mediante grabados debidos a artistas como Giorgio Ghisi y Martino Rota.

En conclusión Todos los sectores de la magnífica obra constituyen partes

de la gran escena imaginada por Miguel Ángel: las expresiones de los rostros, los gestos, las torsiones de

los cuerpos, las posiciones en vilo de los personajes, los símbolos, los

lugares que ocupan con relación al Centro identificado por Cristo, los escorzos, conforman un lenguaje

claramente manierista y actualizan en una sola visión lo que será para

el artista el Juicio Final.