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Lingua Castelá e Literatura. 1º BACHARELATO LITERATURA. BLOQUE I
2018-2019. IES de Rodeira. Departamento de Lingua Castelá e Literatura.
https://lenguadoslaureados.wordpress.com/ Laura Collazo Durán [email protected] [1]
BLOQUE I
LA LITERATURA POÉTICA
LA EDAD MEDIA __________________________________________________ 3
1. LA SOCIEDAD EN LA EDAD MEDIA _______________________________ 3
2. LA MENTALIDAD MEDIEVAL ____________________________________ 4
3. LA EDAD MEDIA PENINSULAR ___________________________________ 4
4. LA LENGUA EN LA PENÍNSULA DURANTE LA EDAD MEDIA ___________ 4
5. LA LITERATURA MEDIEVAL _____________________________________ 5
6. LA POESÍA MEDIEVAL __________________________________________ 5
7. LA LÍRICA PENINSULAR PRIMITIVA O POPULAR ____________________ 6
8. LA ÉPICA, CANTARES DE GESTA O MESTER DE JUGLARÍA ____________ 8
9. CANTAR O POEMA DE MIO CID ____________________________________ 8
10. EL MESTER DE CLERECÍA _____________________________________ 11
11. MILAGROS DE NUESTRA SEÑORA DE GONZALO DE BERCEO ___________ 12
12. LIBRO DE BUEN AMOR DE JUAN RUIZ, ARCIPRESTE DE HITA__________ 12
13. LOS ROMANCES ____________________________________________ 14
14. LA POESÍA CULTA, CORTESANA O DE CANCIONERO ______________ 15
15. JORGE MANRIQUE Y COPLAS A LA MUERTE DE SU PADRE ______________ 16
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EL RENACIMIENTO ______________________________________________ 19
1. LA SOCIEDAD EN EL SIGLO XVI _________________________________ 19
2. EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA _________________________________ 19
3. LA MENTALIDAD RENACENTISTA _______________________________ 20
4. EL PETRARQUISMO __________________________________________ 22
5. GARCILASO DE LA VEGA (1501 - 1536) ___________________________ 23
6. LA POESÍA EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XVI _________________ 24
7. FRAY LUIS DE LEÓN (1527 - 1591) _______________________________ 24
8. SAN JUAN DE LA CRUZ (1542 - 1591) _____________________________ 25
9. SANTA TERESA DE JESÚS (1515 - 1582)____________________________ 25
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LA EDAD MEDIA
1. LA SOCIEDAD EN LA EDAD MEDIA
Convencionalmente, se considera que la Edad Media se inicia en el año 476, con la caída
del Imperio Romano de Occidente, cuando Roma, su capital, es conquistada por los
hérulos, uno de los pueblos considerados bárbaros por los latinos.
Un milenio después, tres hitos históricos delimitan la frontera entre la Edad Media y el
Renacimiento: la caída de Constantinopla en manos del Imperio otomano (1453), la
invención de la imprenta por Johannes Gutenberg (h. 1400-1467) y el descubrimiento de
América (1492).
La Europa occidental de esta época se organiza socialmente según el modelo económico y
político denominado feudalismo. La sociedad medieval estaba organizada en tres estamentos,
con los que es posible vincular las distintas manifestaciones de la literatura de la época:
La plebe o estado llano. Sus miembros, dedicados mayoritariamente a la agricultura y
ganadería, cantaban y bailaban las composiciones de la lírica tradicional, y escuchaban,
declamados por los juglares, los poemas épicos y los romances.
Con el tiempo, el auge de la vida urbana favoreció el surgimiento de un nuevo grupo
dentro del estado llano: la burguesía. Formado por artesanos y mercaderes, este grupo
social provocó la lenta transformación del sistema estamental, basado en las relaciones de
vasallaje (el campesino recibía del noble protección a cambio de obediencia, servicios o
tributos), y preparó el cambio de mentalidad que dio lugar al Renacimiento.
El clero. Durante gran parte de la Edad Media, la Iglesia fue la depositaria única de la
cultura. Las órdenes monásticas (Cluni o el Císter) copiaban y guardaban los manuscritos
en los monasterios, donde surgirá el mester de clerecía.
A partir del siglo XIII aparecieron las primeras universidades españolas, vinculadas
inicialmente al clero: la de Palencia, entre 1204 y 1208; la de Salamanca, en 1218; y la
Complutense, en Alcalá de Henares, en 1293.
La nobleza. Desde finales del siglo XIII, las cortes reales o nobiliarias se convirtieron
también en centros de cultura.
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2. LA MENTALIDAD MEDIEVAL
La cosmovisión medieval está marcada por el teocentrismo: la importancia de la
religión como eje que vertebra la vida social y que da sentido a las existencias individuales, cuyo
fin último es la salvación del alma.
Así, buena parte del arte y de la cultura de la época (el arte románico y el arte gótico;
el canto gregoriano; las Cantigas de Santa María; el mester de clerecía…) llevarán la impronta
del cristianismo.
La religiosidad es, además, uno de los rasgos característicos de los personajes que, desde
la literatura, se proponen como modelos para la comunidad: es el caso del Cid.
3. LA EDAD MEDIA PENINSULAR
A nivel europeo, los primeros siglos de la Edad Media están marcados por dos amplios
movimientos migratorios: el desplazamiento de los pueblos germánicos hacia el oeste y
sur del continente, y la expansión del islam, con la invasión árabe de la península, por los
árabes y bereberes.
En la Península, los árabes llegan hasta los Pirineos, donde son detenidos por Carlos
Martel, abuelo del rey franco Carlomagno. Tras la ocupación árabe, en la franja cantábrica y
pirenaica o marca hispánica se configuran pequeños reinos y condados cristianos que
comienzan una lenta expansión hacia el sur. Este periodo recibe la denominación de
Reconquista, la cual culminará con la toma de Granada por los Reyes Católicos en 1492.
Debido a los factores interculturales, la Edad Media peninsular presenta las siguientes
características: pluralidad lingüística y coexistencia de las culturas cristiana, judía y
musulmana.
4. LA LENGUA EN LA PENÍNSULA DURANTE LA EDAD MEDIA
Durante este largo periodo, el latín se va fragmentando en las distintas lenguas románicas,
pero no es hasta finales del siglo X o principios del siglo XI cuando se documentan los primeros
textos escritos en romance peninsular: las llamadas Glosas emilianenses y Glosas silenses,
halladas, respectivamente, en los monasterios de San Millán de la Cogolla (La Rioja) y Santo
Domingo de Silos (Burgos). Se trata de un conjunto de anotaciones, situadas entre las líneas o
en los márgenes de textos latinos, que pretenden aclarar el significado de algunos pasajes o
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notablemente del latín.
5. LA LITERATURA MEDIEVAL
En el ámbito de la literatura española, los primeros testimonios que se conservan son las
jarchas, cancioncillas amorosas que pueden datarse a mediados del siglo XI. La literatura
medieval alcanza hasta La Celestina (1499-1502), obra que anuncia la nueva cosmovisión
característica del Renacimiento.
La literatura peninsular de este periodo está condicionada por tres importantes factores:
las particularidades de la sociedad medieval, la interculturalidad y la mentalidad
teocéntrica.
Las peculiaridades del mundo medieval determinan una serie de rasgos compartidos que
se aprecian en buena parte de la literatura de este periodo:
Oralidad. Algunas de las manifestaciones literarias más significativas de la Edad Media
fueron concebidas para ser difundidas oralmente por los juglares.
Anonimia. La oralidad va asociada, a menudo, con la anonimia. En los inicios de la
literatura, el concepto de autoría carece de importancia.
Didactismo. Hasta el siglo XV, la mayor parte de la literatura medieval pretende
transmitir valores o conocimientos al receptor.
Predominio del verso. Las obras literarias medievales no se destinan habitualmente a
la lectura individual, sino al canto o a la recitación. Como consecuencia de ello, se
preferirá, en general, el verso a la prosa. El verso, dotado de ritmo y rima, será el modo
de expresión no solo de la lírica, sino de distintos subgéneros narrativos (poemas
épicos, romances, poemas narrativos del mester de clerecía…). Ello no impedirá,
sin embargo, un lento desarrollo de la prosa, que tardará en alcanzar su madurez.
6. LA POESÍA MEDIEVAL
La aparición del verso suele preceder a la de la prosa en las diversas literaturas. Es algo
natural en una sociedad mayoritariamente iletrada y en la que las composiciones deben
transmitirse de memoria, memorización que es favorecida por el verso y el habitual
acompañamiento de la música.
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A lo largo de la Edad Media se cultivan dos tipos de poesía: la poesía popular o
tradicional y la poesía culta.
La poesía popular o tradicional se denomina de este modo porque es anónima,
colectiva y resultado de un continuo proceso de reelaboración, de recreación
colectiva, al ser transmitida en forma oral de generación en generación desde tiempos
muy remotos.
La poesía culta es individual, normalmente de autor conocido, por lo que resulta
más fácil establecer la época aproximada en que floreció. Asimismo, se trata de una poesía
escrita.
7. LA LÍRICA PENINSULAR PRIMITIVA O POPULAR
La lírica popular surge entre los siglos XI y XIII a partir de un sustrato folclórico
común y constituye la llamada canción de mujer, que se puede definir como la principal
manifestación de la lírica popular durante la Edad Media en Europa occidental.
Los rasgos que comparten las distintas expresiones de la canción de mujer son los
siguientes:
Poemas líricos anónimos.
Cantados por el pueblo.
Transmitidos oralmente de generación en generación.
Temática amorosa.
El yo poético es una joven enamorada.
7.1. JARCHAS
El primer vestigio conocido de la poesía lírica en una lengua románica son las jarchas,
cancioncillas compuestas en mozárabe, que los poetas cultos insertaban al final de las
moaxajas, composiciones escritas en hebreo o en árabe clásico.
El tema de las jarchas consiste en una queja amorosa, puesta en boca de una voz
femenina, que se dirige, a menudo, a un confidente –por lo general, la madre o las hermanas-
para expresar su sufrimiento por la ausencia, la enfermedad o la partida del amado, también
denominado habib (o habibi).
La forma predominante en las jarchas consta de cuatro versos hexasílabos u octosílabos,
con rima asonante en los versos pares.
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7.2. CANTIGAS DE AMIGO
Las cantigas de amigo constituyen el género característico de la lírica galaico-
portuguesa1 de tipo popular. Como las jarchas, se trata de composiciones amorosas en las que
una muchacha expresa su pesar por el alejamiento o el olvido del amado (el amigo).
Presentan, sin embargo, algunas particularidades:
Mayor extensión. Las cantigas están compuestas, normalmente, por varias estrofas.
Estructura marcada. Los poemas constan de una sucesión de estrofas rematadas por un
estribillo o refrán y construidas a partir de dos procedimientos retóricos: el
paralelismo y el leixa-pren2 (deja y toma) o encadenamiento, que consiste en la
repetición al principio de una estrofa del final de una anterior.
Presencia de elementos de la naturaleza. El yo poético interpela a las olas, a los pinos, a
los ciervos…, y proyecta simbólicamente sus sentimientos sobre ellos.
Las cantigas de amigo conservadas aparecen firmadas por trovadores como el rey Denis,
Martín Códax o Pero Meogo.
7.3. VILLANCICOS
Las composiciones características de la lírica tradicional castellana reciben el nombre de
villancicos (canción propia de villanos, habitantes de una villa o aldea). En, general, se trata de
poemas de tema amoroso; sin embargo, existen también villancicos de trabajo, de fiesta,
infantiles, humorísticos…, que acompañan los distintos momentos y actividades de la vida
medieval.
En los villancicos amorosos son frecuentes elementos o situaciones cargados de
connotaciones eróticas: la fuente como lugar de encuentro de los enamorados, el ciervo
que revuelve el agua del río, la muchacha que se peina o lava las prendas del amado, o que
recoge flores y frutos… Junto a estos elementos simbólicos, aparecen motivos recurrentes: la
romería, la llegada de la primavera o la noche de San Juan como circunstancias propicias para
el amor; la mujer mal casada que lamenta su suerte, o el alba como momento del encuentro o
de la despedida de los amantes.
1 La lírica gallego-portuguesa abarca desde el siglo XII hasta el siglo XIV. 2 El leixa-pren aparece en las cantigas con estrofas formadas por dos versos y refrán, en las que el
segundo verso de la primera estrofa se repite en el primero de la tercera, el segundo verso de la segunda en el primero de la cuarta y así sucesivamente; es decir, se encadenan, por una parte, las estrofas impares y, por otro, las pares, repitiendo versos (el segundo de una en el primero de la otra).
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Los villancicos están compuestos por versos octosílabos o hexasílabos y presentan, en
general, la siguiente estructura:
Un estribillo o cabeza de dos, tres o cuatro versos, en los que se enuncia el tema.
La mudanza, constituida por una estrofa (o varias), que frecuentemente es una
redondilla (cuatro versos octosílabos con rima consonante: abba).
La vuelta, formada por un verso de enlace (que rima con la mudanza) y uno o dos
versos que repiten total o parcialmente la cabeza del poema o estribillo3.
8. LA ÉPICA, CANTARES DE GESTA O MESTER DE JUGLARÍA
Un poema épico o epopeya es un texto literario que narra en verso las hazañas de
un héroe.
La mayoría de las grandes civilizaciones han desarrollado en sus inicios una poesía épica.
Algunos títulos fundamentales son los siguientes: Poema de Gilgamesh, Mahabarata, la Iliada
y la Odisea.
Las distintas manifestaciones de la épica a lo largo de la historia presentan algunos rasgos
comunes:
Oralidad.
Exaltación del héroe.
Recreación de un mundo violento.
Carácter legendario. Los poemas épicos presentan, con frecuencia, un remoto
trasfondo histórico al que se añaden elementos fantásticos o maravillosos.
Dentro de la épica castellana, solo una mínima parte de los cantares de gesta ha llegado
hasta nosotros. El más famoso y que se conserva casi íntegro es el Cantar de Mio Cid.
9. CANTAR O POEMA DE MIO CID
El Cantar o Poema de Mio Cid se conserva en un manuscrito de la Biblioteca Nacional
copiado en el siglo XIV. Consta de un total de 3.730 versos, pero desconocemos el comienzo del
poema, pues falta el primer folio del manuscrito.
3 Entre la jarcha y el villancico, existe otra composición estrófica, denominada zéjel, de origen árabe,
formada por versos generalmente octosílabos, distribuidos según el siguiente esquema: un estribillo de uno o dos versos y la mudanza, compuesta por tres versos y uno de vuelta, que rima con el estribillo. La diferencia fundamental se encuentra en que el zéjel presenta una mudanza de tres versos y el villancico, de cuatro versos.
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El protagonista del Cantar o Poema de Mio Cid, Rodrigo Díaz de Vivar, es un personaje
histórico que vivió en la segunda mitad del siglo XI (h. 1044-1099). Casado con Jimena Díaz,
tuvo tres hijos (María, Cristina y Diego), fue desterrado dos veces por Alfonso VI y conquistó
Valencia a los musulmanes. Sobre esta base histórica, el autor recrea algunos sucesos e inventa
otros (por ejemplo, todo el tercer cantar).
A diferencia de otros poemas épicos europeos, el cantar castellano se caracteriza por su
verosimilitud, basada en la inexistencia de sucesos sobrenaturales y en las referencias concretas
a una geografía real.
9.1. AUTORÍA Y DIFUSIÓN
El Cantar de Mio Cid fue compuesto a finales del siglo XII o comienzos del XIII por
un autor culto, con conocimientos jurídicos y notariales, que pudo inspirarse en versiones
anteriores orales o escritas4.
La obra fue concebida para ser difundida oralmente por los juglares, artistas
profesionales que combinaban en sus espectáculos danza, música, mimo y declamación de textos
poéticos. Ha llegado hasta nosotros en un manuscrito copiado a mediados del siglo XIV que, o
bien fue transcrito por un escriba al dictado de un juglar, o bien fue empleado por un juglar para
memorizar el texto.
9.2. ARGUMENTO Y ESTRUCTURA
El Poema de Mio Cid está organizado en tres cantares, cada uno de los cuales se recitaba
probablemente en una sesión o representación juglaresca.
Cantar del destierro. Debido a las intrigas de sus enemigos, el Cid es víctima de la ira
regia o pérdida del favor real, que conllevaba el destierro, la ruptura de la relación de
vasallaje y la consiguiente pérdida de la honra. Forzado a abandonar Castilla, intenta
reconciliarse con Alfonso VI luchando contra los musulmanes y ofreciendo sus
victorias al monarca, a quien entrega siempre una parte del botín.
Cantar de las bodas. Tras conquistar Valencia, Rodrigo consigue el perdón del
rey y, por tanto, la recuperación de la honra. Este propone las bodas de las hijas del
Cid (doña Elvira y doña Sol) con los infantes de Carrión (Fernando y Diego González),
pertenecientes a un estrato social superior.
4 Algunos investigadores atribuyen la autoría del manuscrito a un tal Per Abbat. Para la mayoría, este Per
Abbat sería solo un copista, aunque algunos lo proponen como el verdadero autor.
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Cantar de la afrenta de Corpes. A causa de su cobardía, los infantes son objeto de
las burlas de los vasallos del Cid. Para vengarse, golpean despiadadamente a sus esposas
en el robledal de Corpes; en este punto se produce de nuevo la pérdida de la honra. El
Cid pide justicia al rey, quien convoca un riepto 5en el que los infantes son
derrotados. La obra termina con las nuevas bodas de las hijas del Cid con los futuros
reyes de Navarra y de Aragón y con la restitución definitiva de la honra.
9.3. TEMAS
En el Cantar de Mio Cid se reconocen dos líneas temáticas fundamentales: la honra y el
ascenso social.
La honra. Se entiende a la vez como rango social, hacienda y reputación. El eje
del poema sería, en concreto, la pérdida y recuperación de la honra del héroe, en una
doble vertiente: pública (la caída en desgracia ante el rey a causa de falsas acusaciones) y
privada o familiar (tras la afrenta de Corpes). En el primer caso, el protagonista
recupera la honra gracias a sus victorias militares; en el segundo, por medio del riepto
presidido por Alfonso VI.
El enfrentamiento entre la baja y alta nobleza. Rodrigo Díaz de Vivar fue un
infanzón castellano cuya posición dependía de los botines y conquistas conseguidos en
batalla. En cambio, los infantes de Carrión eran hijos de unos condes leoneses, cuya
preeminencia social estaba garantizada por su pertenencia a un linaje y por sus feudos o
posesiones hereditarias.
La recuperación de la honra queda sancionada, en las dos ocasiones, por unos
casamientos promovidos por el rey, que suponen el ascenso social del protagonista. Al final
del poema, la consideración social del Cid se halla en su punto más alto y ha superado, por sus
propios méritos, la posición de sus antagonistas, demostrando que las obras son más
importantes que el origen.
5 Riepto: desafío judicial o «juicio de Dios» donde el vencido era considerado culpable.
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9.4. LA FIGURA DEL HÉROE
El Cid presenta virtudes propias de los héroes épicos: valentía, fuerza, astucia,
religiosidad, fidelidad al rey… Sin embargo, es un personaje profundamente humanizado, con
rasgos poco habituales en la épica:
Mesura. Don Rodrigo se conduce con prudencia y serenidad.
Sentido del humor. En ciertos combates el Cid reta a sus adversarios con tono alegre.
Ternura. En la despedida de su esposa e hijas, por ejemplo, el Cid se muestra tierno y
cariñoso.
9.5. RASGOS FORMALES
El Poema de Mio Cid está compuesto por versos de medida irregular –con predominio de
los versos de 14, 15 o 16 sílabas- divididos por una pausa o cesura muy marcada, la cual
fragmenta a cada verso en dos mitades o hemistiquios.
Los versos se agrupan en series de longitud variable con una misma rima asonante
denominadas tiradas o series.
Los rasgos de estilo del Cantar de Mio Cid son acordes con las características del subgénero
narrativo al que pertenece la obra:
Empleo de fórmulas o expresiones fijas que servían al juglar como comodines para
completar los versos. Destaca, en particular, el epíteto épico para enaltecer al héroe
(«el que en buen ora nació», «el de la barba vellida»…).
Uso, por parte del narrador, de apelaciones al receptor, exclamaciones y verbos en
segunda persona del plural (señores, sabed) que evidencian la difusión oral del texto.
Abundancia de diálogos, a menudo sin verbo introductor.
Presencia destacada de verba dicendi, verbos de habla o de comunicación. Este tipo de
verbos designan acciones comunicativas y sirven para introducir un parlamento.
Ejemplos: decir, exclamar, revelar, preguntar, opinar, etc.
10. EL MESTER DE CLERECÍA
El mester de clerecía está formado por un conjunto de obras narrativas escritas por
clérigos en Castilla durante los siglos XII y XIV.
Los textos de esta escuela poética se definen por los siguientes rasgos:
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Uso de la cuaderna vía. Esta estrofa, también denominada tetrástrofo monorrimo, está
formada por cuatro versos alejandrinos con rima consonante (14A 14A 14A 14A).
Su regularidad silábica se convierte en marca de dignidad artística frente a la métrica
irregular de la lírica popular y de los cantares de gesta.
Importancia de las fuentes escritas. Los poetas de clerecía, vinculados al estamento
eclesiástico, aspiraban a fundar una literatura de prestigio en lengua vernácula
(nativa, propia del país). Por ello, se sirvieron de fuentes escritas, generalmente latinas,
a las que solo tenían acceso autores cultos, ligados a monasterios o universidades, y
destinaron sus obras a la conservación manuscrita.
Afán didáctico y moralizador. A pesar de la variedad de temas, las obras de clerecía
presentan unos propósitos comunes: divulgar la cultura, promover la devoción
religiosa y ofrecer modelos de comportamiento. Por ello, se cree que muchos de
estos textos se difundieron en lecturas públicas, ante un auditorio de fieles o
peregrinos.
11. MILAGROS DE NUESTRA SEÑORA DE GONZALO DE BERCEO
Gonzalo de Berceo (h. 1197-1264) es el primer poeta castellano de nombre
conocido. Como clérigo, estaba vinculado al monasterio de San Millán de la Cogolla (La Rioja).
Su obra responde a un propósito propagandístico, pues con ella trató de fomentar la
peregrinación al monasterio de San Millán.
La obra más destacada de Berceo recibe el título de Milagros de Nuestra Señora. En ella
se exalta el papel de la Virgen como mediadora entre el hombre y la divinidad. A nivel
estructural, Milagros de Nuestra Señora presenta una introducción alegórica y veinticinco
narraciones o milagros en los que se cuentan hechos milagrosos atribuidos a la Virgen. Los
milagros están protagonizados por personajes en peligro o pecadores que salvan la vida o el
alma gracias a su devoción mariana.
12. LIBRO DE BUEN AMOR DE JUAN RUIZ, ARCIPRESTE DE HITA
El Libro de buen amor es la obra más significativa del mester de clerecía en el siglo
XIV. Compuesta hacia 1330, su autor fue, según figura en el propio texto, Juan Ruiz, arcipreste
de Hita, del que no conocemos con certeza ningún dato biográfico.
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12.1. ESTRUCTURA
El Libro de buen amor presenta una estructura compleja:
Historia principal. Consiste en una autobiografía erótica ficticia: un arcipreste
relata en primera persona sus aventuras amorosas, por medio de una estructura
episódica o en sarta. En su intento de seducir a mujeres de diversa condición (nobles,
serranas, viudas, una monja…), cuenta con la ayuda de terceras personas; en particular,
de la vieja Trotaconventos, antecedente directo de Celestina.
Conjunto de materiales heterogéneos. Al hilo de la narración de las andanzas del
arcipreste se insertan textos de distinto tipo:
Prólogo en prosa donde se declara la intención de la obra.
Textos poéticos.
La obra incluye loores a la Virgen, serranillas, cantares de ciego… Frente
al uso exclusivo de la cuaderna vía de las obras de clerecía, incorpora otras formas
métricas, entre ellas, la sextilla de pie quebrado (8a 8b 8c 8a 8b 8c), que
empleará más adelante Jorge Manrique.
Ejemplos o exempla.
Conjunto de cuentos y fábulas que sirven para ilustrar consejos o
enseñanzas.
Historia de don Melón y doña Endrina.
Narrada en primera persona por don Melón, se trata de una adaptación de
Pánfilo o el arte de amar, comedia latina anónima del siglo XIII que había
alcanzado gran difusión. En ella se cuenta la seducción de la joven Galatea
(Endrina en el Libro de buen amor) por Pánfilo (don Melón) con la ayuda de la
medianera Venus (Trotaconventos).
Consejos de don Amor.
En sueños, el protagonista mantiene una disputa con don Amor. Tras acusarlo
de ser el origen de los siete pecados capitales, este y doña Venus le aconsejan
sobre cómo tener éxito en sus conquistas, en un ejemplo de arte de
seducción inspirado en el Ars amandi del poeta latino Ovidio.
Lucha de don Carnal y doña Cuaresma.
Se trata de una parodia de la poesía épica. La victoria final de don Carnal es
saludada con entusiasmo por todo el pueblo y, en particular, por el clero.
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Un conjunto de digresiones morales o satíricas, como la del poder del
dinero o la censura del clero libertino.
12.2. INTERPRETACIÓN
El Libro de buen amor aparece como una obra intencionadamente ambigua, que admite
diversas lecturas:
En el prólogo en prosa que encabeza el libro, el autor opone el buen amor –el amor a
Dios- al loco amor –identificado con el amor carnal-. Así, el libro podría interpretarse
como una diatriba contra la lujuria.
En el mismo texto, el autor admite, sin embargo, que quienes quieran usar «el loco
amor, aquí hallarán algunas maneras para ello». El desenfado y la alegría vital que
rebosa el relato permiten entenderlo como una celebración de la vida y los placeres
terrenales.
Junto a esta ambigüedad entre didactismo y vitalismo, otros propósitos parecen
indudables. El autor pretende, por una parte, demostrar su talento como versificador y su
conocimiento de las fuentes más diversas; y, por otra, satirizar los vicios del clero, como
evidencia la reflexión de don Amor sobre el poder del dinero (en la que critica la codicia y la
corrupción eclesiástica); o la «Cantiga de los clérigos de Talavera», en la que censura jocosamente
la lujuria de estos.
13. LOS ROMANCES
Un romance es un texto breve de carácter narrativo compuesto en versos
octosílabos con rima asonante en los versos pares.
Los primeros romances nacieron, probablemente, de la fragmentación de los poemas
épicos a principios del siglo XIV. Los pasajes más atractivos o emocionantes eran entonados por
juglares o transmitidos de generación en generación, permaneciendo así en la memoria colectiva.
Recibe el nombre de Romancero viejo el conjunto de romances tradicionales de autor
anónimo. Hasta finales del siglo XV no será cuando se recojan por escrito y se recopilen en
colecciones denominadas romanceros.
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14. LA POESÍA CULTA, CORTESANA O DE CANCIONERO
La primera manifestación en lengua romance de la lírica culta es la poesía provenzal,
cultivada por los trovadores del sur de Francia en los siglos XII y XIII.
Los trovadores eran profesionales que actuaban en las cortes, bajo el mecenazgo de
nobles o reyes. Componían tanto el texto –en provenzal o langue d’oc, con métrica regular y alta
exigencia formal- como la música de sus composiciones.
Estos poetas cultivaron distintos subgéneros líricos: la cansó, de temática amorosa; el
planh, o lamento por la muerte de un personaje relevante; o el sirventés, utilizado para criticar
a los enemigos o satirizar conductas sociales.
En la cansó se desarrolla una doctrina o concepción del amor, denominada amor cortés,
cuya presencia será recurrente en la literatura medieval europea. Sus rasgos son los siguientes:
El amor cortés es el resultado de la proyección de los códigos del vasallaje feudal a la
relación entre hombre y mujer. Así, el yo poético manifiesta su absoluta sumisión a la
dama (la domna, señora o senhor), a la que debe servir, guardándole obediencia y
fidelidad.
En la relación entre el yo poético y su amada se interpone siempre un obstáculo: los
rivales o la propia actitud de la dama, que ignora a su enamorado (tópico de la belle
dame sans merci –mujer bella y cruel-) o que lo rechaza debido a su condición de mujer
casada.
Se trata, pues, de un amor imposible, prohibido o secreto, que exige discreción por
parte del caballero. Por ello, el enamorado oculta el nombre de su amada bajo una senhal
o seudónimo.
14.1. LA POESÍA CANCIONERIL
Los textos poéticos castellanos del siglo XV se recopilaron y difundieron en colecciones
colectivas denominadas cancioneros.
Entre los cancioneros conservados, manuscritos o impresos, destacan los siguientes:
Cancionero de Baena (1430).
Cancionero de Stúñiga (1460-1463).
Cancionero general (1511) y Cancionero musical de palacio (1505-1520).
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Entre los más de ochocientos poetas cancioneriles conocidos, destacan tres autores: el
marqués de Santillana, Juan de Mena y, sobre todo, Jorge Manrique.
Esta poesía presenta dos grandes subgéneros: la canción y el decir.
14.2. LA CANCIÓN
La canción es una composición breve, destinada al canto y de temática amorosa, dentro
de las convenciones del amor cortés.
En las canciones castellanas se acentúan algunos aspectos de la poesía trovadoresca, lo
que les confiere una personalidad singular:
El uso de un léxico cargado de connotaciones eróticas. El yo poético aspira al
encuentro carnal con la amada; este se expresa con términos como merced, galardón o
muerte, que se interpretan como eufemismos del acto sexual.
El carácter paradójico, contradictorio del sentimiento amoroso. Debido al desdén o la
indiferencia de la dama, el galán se considera un muerto en vida, pero solo la posibilidad
de servirla o contemplarla le permiten sentirse vivo. El amor es, pues, una pasión
ennoblecedora y, a la vez, una fuente de sufrimiento.
La religión del amor. Con frecuencia, la sumisión del enamorado a la dama se expresa
por medio de la llamada hipérbole sacroprofana: la consideración de la mujer como
un dios al que se debe veneración y, como consecuencia, el empleo de un lenguaje
religioso para expresar el amor profano.
14.3. EL DECIR
El decir es un poema extenso, concebido para ser leído, que sirve, en general, como
cauce para reflexiones morales, políticas o filosóficas sobre cuestiones diversas: el paso del
tiempo, la variabilidad de la fortuna, la muerte…
15. JORGE MANRIQUE Y COPLAS A LA MUERTE DE SU PADRE
La obra más importante de Jorge Manrique –considerada una de las cimas de la poesía
española- es la elegía Coplas a la muerte de su padre, compuesta entre 1476 y 1479.
Coplas a la muerte de su padre constituye un planto dedicado a don Rodrigo
Manrique, padre del autor y maestre de la Orden de Santiago.
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15.1. MÉTRICA
La obra está formada por cuarenta coplas de pie quebrado (o coplas
manriqueñas), cada una de las cuales consta de dos sextillas6 de pie quebrado; es decir,
doce versos de arte menor. En ellas se combinan versos octosílabos y tetrasílabos (o
pentasílabos) con rima consonante, según el siguiente esquema:
8a 8b 4c 8a 8b 4c 8d 8e 4f 8d 8e 4f.
15.2. ESTRUCTURA Y TEMAS
Las Coplas a la muerte de su padre presentan un diseño estructural que se organiza de lo
general a lo particular. Pueden dividirse en dos partes, cada una de las cuales se estructura a su vez
en dos bloques temáticos claramente diferenciados, tal como se explica a continuación:
Primera parte. Coplas I – XXIV.
Conjunto de reflexiones filosóficas sobre el paso del tiempo y la muerte, y su triunfo
sobre la belleza, la riqueza, el placer o el poder.
Coplas I – XV.
La voz poética exhorta al lector a que tome conciencia de su condición mortal
y de la vanidad del mundo terrenal. Para ello, se sirve de dos instrumentos:
Verbos con valor imperativo y primera persona del plural (en
verbos, pronombres y posesivos).
Diversos tópicos literarios:
Memento mori (Recuerda que has de morir). Recordatorio de la
inevitabilidad de la muerte.
Tempus fugit (El tiempo huye). Advertencia de la fugacidad de
la existencia humana.
Contemptus mundi (Desprecio del mundo). Menosprecio del
mundo terrenal, considerado un lugar de dolor y sufrimiento.
Vita flumen (La vida como un río). Consideración de la vida
como un río que desemboca en el mar, su muerte.
Vita somnium (La vida como sueño). Identificación de la vida
con un sueño, para subraya lo ilusorio de la existencia humana.
6 Sextilla: estrofa de seis versos de arte menor, generalmente octosílabos, con rima consonante.
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Fortuna mutabile (Fortuna cambiante). Tópico sobre la
variabilidad de la fortuna, que unas veces resulta favorable y
otras adversa.
Omnia mors aequat (La muerte iguala a todos). Carácter
igualitario de la muerte que, en su poder, no discrimina a sus
víctimas ni respeta jerarquías.
Coplas XVI – XXIV.
El autor desarrolla el tópico del ubi sunt? («dónde están»), a partir del que evoca
a siete figuras del pasado reciente de Castilla con el fin de acercarse al lector
y conmover su ánimo.
Segunda parte. Coplas XXV – XL.
Se centra en la figura y virtudes de Rodrigo Manrique, noble que participó en las
principales luchas dinásticas del periodo.
Coplas XXV – XXXII.
Presentan el elogio del difunto (o epicedio), cuyas virtudes se encarecen: su
valentía y heroísmo en la lucha contra los musulmanes, su lealtad al rey o la
capacidad para sobreponerse a los reveses de la fortuna.
Coplas XXIII – XL.
Contiene el diálogo entre la Muerte y don Rodrigo en el momento del tránsito de
este. Se incorporan dos nuevos temas:
La doctrina de las tres vidas: la vida terrenal, transitoria y engañosa; la
vida de la fama, que permite perdurar por medio de las obras en la
memoria de los vivos; y la vida eterna.
La aceptación de la muerte, que don Rodrigo afronta
ejemplarmente, con dignidad y entereza de ánimo.
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EL RENACIMIENTO
1. LA SOCIEDAD EN EL SIGLO XVI
Durante el siglo XVI las relaciones de producción eran ya abiertamente capitalistas en
muchos lugares de Europa. Se había dado el paso de una sociedad cerrada y estamental, como la
medieval, a otra abierta y competitiva. El mercado local ha sido sustituido por la economía
monetaria y el campesino medieval, por el trabajador o asalariado. El dinero se convierte,
por tanto, en fuerza omnipotente. Como consecuencia, las ciudades se desarrollan funcionando
como centros de producción, intercambio y comercio. Relacionado con este auge, la burguesía
se convierte en la clase social ascendente, se enriquece con sus actividades y atesora bienes.
Adquiere, pues, los rasgos de una clase dominante, celosa de su poder y de sus propiedades.
2. EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA
Los inicios del Renacimiento español se sitúan bajo la monarquía de los Reyes
Católicos, que gobernaron juntos en los tronos de Castilla y Aragón desde 1479 hasta la muerte
de Isabel en 1504. El movimiento se desarrolla durante los reinados de Carlos I (1516-1556) y
Felipe II (1556-1598), y presenta rasgos singulares:
En España no se produce un auge de la burguesía similar al de otros países europeos.
El objetivo de los españoles que acumulan riqueza (campesinos con tierras, mercaderes,
conquistadores…) es su integración en la nobleza, con el consiguiente aumento de
hidalgos y criados, y el desprestigio del trabajo manual y las actividades productivas.
El Lazarillo de Tormes, obra maestra de la narrativa renacentista, es un claro reflejo de esta
mentalidad.
La expulsión de los judíos en 1492 y la actividad de la Inquisición –tribunal
fundado en 1478 por los Reyes Católicos para garantizar la unidad religiosa, que persiguió
a los judeoconversos o cristianos nuevos– dibujan, por otra parte, una sociedad
obsesionada por la limpieza de sangre, que margina a aquellos con antepasados judíos
o musulmanes.
El triunfo de la Contrarreforma tras el Concilio de Trento (1545-1563) creó en los
países católicos un clima de espiritualidad que influyó en el arte y la literatura. Así se
aprecia en la poesía ascética y mística de fray Luis de León, san Juan de la Cruz y
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santa Teresa de Jesús; en la pintura del Greco; o en el Monasterio de El Escorial, de Juan
de Herrera.
Con todo, la pujanza del humanismo español –con las figuras insignes de Antonio de
Nebrija o Juan de Valdés-, la difusión del erasmismo –que influirá en el anónimo autor del
Lazarillo o en Cervantes- y del neoplatonismo –presente en Garcilaso y los poetas petrarquistas
españoles- permiten afirmar la plena integración de España en el Renacimiento europeo.
3. LA MENTALIDAD RENACENTISTA
El Renacimiento es un movimiento cultural que se origina en Italia en el siglo XV y se
extiende por Europa occidental hasta alcanzar su plenitud en el siglo XVI.
La literatura y el arte renacentistas están marcados por el influjo del humanismo (un
movimiento intelectual), del antropocentrismo (una nueva mentalidad) y del
neoplatonismo (una doctrina filosófica).
3.1. EL HUMANISMO
El humanismo renacentista fue un movimiento intelectual que se definió a partir de dos
principios fundamentales:
La consideración de la educación y del conocimiento como instrumentos de
perfeccionamiento del ser humano.
El estudio y la asimilación de la herencia cultural grecolatina, que constituye un
modelo de imitación artístico y moral.
El interés humanista por la Antigüedad clásica presenta diversas facetas: la recuperación,
el comentario y la traducción de los textos originales; la revitalización de subgéneros literarios
propios de las letras grecolatinas (égloga, oda, epístola, diálogo) o el aprovechamiento de la
mitología clásica en la literatura y las artes plásticas.
El humanismo (cuyos primeros representantes son las grandes figuras del Trecento
literario: Dante Alighieri, Giovanni Boccaccio y Francesco Petrarca) se vio favorecido por
factores como la invención de la imprenta por Johannes Gutenberg a mediados del siglo XV o la
llegada a Europa occidental de eruditos griegos desde Constantinopla, tras la caída de la ciudad
en manos del Imperio otomano en 1453.
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3.2. EL ANTROPOCENTRISMO
El Renacimiento trajo consigo una nueva mentalidad basada en la reivindicación de la
dignidad del ser humano y del lugar central que este ocupa en el cosmos. En obras de la
época se afirma la autonomía del ser humano, dueño de su propio destino, y su capacidad para
conocer y dominar el mundo. Esta mentalidad antropocéntrica es indisociable de algunos
fenómenos característicos del periodo:
El desarrollo de la ciencia.
El interés por la naturaleza y la confianza en el ser humano se tradujeron en un
importante impulso de la ciencia. Las disciplinas en las que se observan avances más
notables fueron la astronomía, la medicina o la cartografía. En este ámbito destaca
la figura multifacética del florentino Leonardo da Vinci (1452-1519).
La nueva concepción que el ser humano tiene de sí mismo, de la vida y de su
relación con Dios.
El yo se considera como protagonista de una vida propia, que se caracteriza por un
mundo interior y una visión de la realidad singulares.
En oposición al teocentrismo medieval, el antropocentrismo aún reconoce al ser
humano como creación de la divinidad, pero ha comenzado ya un proceso de
secularización en las costumbres, la política o el arte. El mundo ya no es un mero lugar
de tránsito, sino un espacio en el que la felicidad es posible y deseable. Paralelamente a
esta actitud vitalista, se desarrolla una tentativa de renovación espiritual
caracterizada por la crítica a la corrupción eclesiástica, el retorno a las fuentes y a los
textos originales del cristianismo, y la búsqueda de una comunicación directa, interior,
con la divinidad. En este contexto surgen la Reforma de Lutero, la
Contrarreforma católica, el erasmismo (Erasmo de Rotterdam) o la poesía mística.
Las transformaciones sociales –crisis de la sociedad estamental y desarrollo de la
burguesía– que tuvieron lugar en el tránsito de la Edad Media al Renacimiento.
Los miembros de la burguesía son personas libres (no sujetas a servidumbre), dedicadas
al comercio, a la banca o al ejercicio de una profesión. El florecimiento de una rica
burguesía en las ciudades italianas fue, de hecho, un factor decisivo en el impulso del
Renacimiento. Florencia, la capital de la Toscana, estuvo bajo el predominio de los
Medici, cuyo mecenazgo fue determinante en el desarrollo de la cultura y las artes del
periodo.
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3.3. EL NEOPLATONISMO
La concepción filosófica dominante en el Renacimiento fue el neoplatonismo. Esta
doctrina se resume en los siguientes puntos:
Para el filósofo griego Platón, el mundo sensible es un reflejo del mundo de las ideas,
lo que explica la tendencia a la idealización propia del arte y la literatura renacentistas:
los autores reflejan el mundo ideal (mediante los tópicos del locus amoenus o la
descriptio puellae) y no el material, que solo constituye una copia imperfecta de aquel.
La belleza terrenal se considera una proyección de la belleza divina. Así, el amor a la
belleza de la mujer se convierte en vía de acercamiento a la divinidad. Se trata
del tópico de la donna angelicata, presente ya en la Divina comedia de Dante. El amor se
entiende, pues, no como un impulso pecaminoso, sino como un sentimiento
ennoblecedor.
4. EL PETRARQUISMO
Se conoce como petrarquismo el movimiento poético desarrollado durante el siglo
XVI en las principales tradiciones literarias europeas. En él se inscribe una amplia constelación de
poetas que tomaron como modelo el Cancionero de Petrarca. El eje temático de este poemario
es la pasión amorosa no correspondida del yo poético hacia su amada Laura.
Los poetas petrarquistas no pretendieron ser originales. Para ellos, la poesía debía basarse
en la imitación, es decir, en la recreación de modelos prestigiosos.
El tema fundamental de la lírica petrarquista es la experiencia amorosa. Se trata, sin
embargo, de una nueva concepción del amor, marcada por el neoplatonismo: la belleza de la
amada –descrita en los poemas de forma idealizada mediante el tópico de la descriptio puellae o
donna angelicata–, es para los neoplatónicos, reflejo o proyección de la belleza divina.
La temática amorosa aparece a menudo asociada a dos motivos característicos: la
mitología grecolatina (en particular, la identificación del emisor con un personaje mitológico,
como vehículo para la expresión de sentimientos) y la descripción de una naturaleza
idealizada (tópico del locus amoenus) como marco de expresión de esos sentimientos.
Formalmente, la poesía petrarquista incorporó nuevos metros (endecasílabo y
heptasílabo), estrofas (lira, octava real, estancia, tercetos encadenados) y poemas estróficos
(soneto). La característica por la que destaca esta poesía es la naturalidad en la expresión, así
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como por la voluntad de provocar en el lector la sensación de que el poema transmitía una
emoción auténtica.
En España, los divulgadores del petrarquismo fueron Juan Boscán y, sobre todo,
Garcilaso de la Vega, que se convertirá en modelo para los poetas de la segunda mitad del siglo
XVI.
5. GARCILASO DE LA VEGA (1501 - 1536)
Garcilaso de la Vega es considerado como la encarnación del ideal de caballero
renacentista, que debía conjugar el ejercicio de las armas y el de las letras.
Los poemas de Garcilaso de la Vega fueron publicados póstumamente, en 1543, como
apéndice de los de Juan Boscán. Su obra supone una importante revolución poética de la
historia de la literatura española, a pesar de su brevedad. El tipo de composiciones compuestas por
Garcilaso son las siguientes:
Treinta y ocho sonetos, más otros dos de atribución dudosa, y cuatro canciones.
En algunos sonetos, el yo poético se identifica con personajes mitológicos. En la
mayor parte de estos poemas se exploran los distintos matices de la experiencia
amorosa: el dolor que produce la ausencia de la amada; la voluntad de reencontrarse
con ella, venciendo todos los obstáculos, el sufrimiento al recordar la felicidad perdida;
los celos; o el alivio al sentirse liberado del yugo de la pasión. En algunas
composiciones, Garcilaso explica el proceso de enamoramiento y la naturaleza del
amor. Este se concibe como una comunicación entre las almas. El amor se identifica
también con un hábito, en su doble sentido de costumbre y prenda que porta aquel que
profesa una fe, del que ya no podrá desembarazarse. Siguiendo el modelo de Petrarca,
algunos sonetos presentan el dolor por la muerte de la amada y el deseo de
reencontrarse con ella en el más allá. Por último, ciertos sonetos están dedicados a
amigos como Juan Boscán, los cuales funcionan como confidentes de sus amores.
Entre sus sonetos más conocidos se citan los siguientes:
“En tanto que de rosa y de azucena”
“A Dafne ya los brazos le crecían”
“Hermosas ninfas, que en el río metidas”
“Escrito está en mi alma vuestro gesto”
“¡Oh dulces prendas por mi mal halladas,”
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“A la entrada de un valle, en un desierto”
“Estoy contino en lágrimas bañado”
La oda «Ad florem Gnidi» («A la flor de Gnido»), escrita a imitación del poeta latino
Horacio, en la que Garcilaso introduce la lira en la poesía castellana.
Dos elegías y una epístola.
Tres églogas de ambientación pastoril.
Una égloga es una composición protagonizada por pastores que dialogan en el marco
de una naturaleza idealizada, donde expresan sus quejas por un amor no
correspondido o por la muerte de la amada.
6. LA POESÍA EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XVI
En la segunda mitad del siglo XVI, conviven en España diversas tendencias poéticas:
el petrarquismo, la poesía espiritual y la épica. A partir de aquí nos centraremos en la
tendencia espiritual, ya que la épica se desarrolla de manera más amplia en Europa que en España
y la poesía petrarquista ya la hemos analizado en el apartado anterior.
La poesía espiritual o ascético7-mística8 se orienta bien a una reflexión moral o
existencial, bien al anhelo o la vivencia de la unión con la divinidad. El clima de espiritualidad
promovido, primero, por los distintos movimientos de renovación religiosa (erasmismo,
luteranismo, calvinismo…) y, más tarde, por la Contrarreforma constituye el caldo de cultivo
adecuado para el florecimiento de este tipo de lírica. Sus principales representantes serán fray
Luis de León, san Juan de la Cruz y santa Teresa de Jesús.
7. FRAY LUIS DE LEÓN (1527 - 1591)
Fray Luis de León constituye el perfecto ejemplo del humanista cristiano, que trata de
conciliar la admiración por los clásicos grecolatinos con la religiosidad y un profundo
conocimiento de los textos bíblicos.
Lo más destacado de la poesía original de fray Luis de León son sus veintitrés odas. En
ellas se sirve de las innovaciones métricas incorporadas por Garcilaso, si bien renuncia a la
temática amorosa petrarquista. El tema central de las odas es un deseo de huida del mundo –el
suelo-, que se percibe como un lugar sombrío y hostil, donde imperan la turbación y el
7 Ascética: proceso por el cual el alma se purifica, liberándose del apego por los placeres y los bienes terrenales. 8 Mística: estado de plenitud, en el que el alma se encuentra en contacto con la divinidad.
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desasosiego, para alcanzar, mediante un movimiento ascendente que lo conduzca al cielo, la
armonía y la paz espiritual. El estilo de fray Luis se caracteriza por el empleo de escasas,
pero significativas metáforas –la cárcel o el mar tempestuoso para representar el mundo-, así como
por un uso marcado del encabalgamiento y del hipérbaton.
Sus composiciones más famosas son las siguientes:
«¡Qué descansada vida…!».
«Noche serena».
8. SAN JUAN DE LA CRUZ (1542 - 1591)
La obra de san Juan de la Cruz constituye la máxima expresión de la poesía mística y
está considerada una de las cimas de la lírica española.
El tema central de su producción es la expresión de la cercanía o unión del alma con
la divinidad. Para ello, recurre al encuentro entre los enamorados como símbolo de la
fusión del alma con Dios. Los poemas de san Juan son, pues, poemas amorosos que reclaman –o
admiten- una interpretación en clave espiritual.
Los títulos más destacados de la obra poética de san Juan son los siguientes:
Noche oscura del alma.
Cántico espiritual.
Llama de amor viva.
Los recursos literarios característicos de la poesía de san Juan son consecuencia de la
necesidad de encontrar palabras para una experiencia difícilmente expresable. Dos de ellos cobran
singular relevancia: los símbolos y el oxímoron9.
9. SANTA TERESA DE JESÚS (1515 - 1582)
Santa Teresa de Jesús fue la fundadora de la Orden de los Carmelitas Descalzos. Junto
con san Juan de la Cruz, se enmarca en la cumbre de la literatura mística. En sus obras destaca el
carácter didáctico, pero las más famosas pertenecen al género narrativo. Su estilo se caracteriza
por la sencillez y la naturalidad propia del siglo XVI.
9 Oxímoron: consiste en atribuir, mediante un adjetivo, una cualidad a un sustantivo que, por definición, no tiene (música callada, soledad sonora).