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Periodismo cultural e independiente

10,000 ejemplares

México USA MN $ 40 / USD $ 5

PortadaRosa María ROBLES Trienal Internacional del CaribeTania CANDIANIIván PUIGDaniela EDBURG

Ferias InternacionalesART SAN DIEGO FAIR

HomenajePhil KELLYReporte especialCuraduría ymercado II

Gestión en las artesTHE COLLABORATIVE espacio satélite del MOLAA

Galería FIZZ

Artistas emergentesMar y sol RANGEL Girasol BOTELLO

Crítica, opinión y ensayoPropuesta editorial UNIVERSIDADES

D. F. & Estados e InternacionalArte contemporáneoen MéxicoAño 8 · Nº 47 Septiembre - octubre DosmildiezMEXICO

La navaja, 2002Cuna y navaja de metal, colchón de hule,

velo de tul y alas de avestruz disecadas

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Álvaro Obregón 189·1 Col. Roma, México, D.F. (06700)

Tel.: (55) 2876.2854

Ciudad de México

Director / Fundador José Costa-Peuser josecostapeuser@artealdia.com

Editor asociado Iván Sanchezblasartealdiamexico@yahoo.com.mx

Comunicación y difusión María José Ballesteros

Relaciones públicas Sofía Llorente

Asistente editorial F. Alejandra González

REPRESENTANTES Monterrey · Nuevo LeónDomitila Castañeda Eguiaartealdiamty@gmail.comOaxaca · OaxacaGabriel Mendozaartealdiaoax@gmail.com

LOS INVITAMOS A SUMARSE A NUESTRA COMUNIDAD ENVIAR DATOS A:

artealdiamexico@yahoo.com.mx

DIRECTORIO

www.artealdia.comUn recorrido virtual al mercado de arte latinoamericano

Arte al día México publicación bimestral en formato periódico. Editor responsable: Iván Gregory Antony Sanchezblas Sánchez. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto nacional del Derecho de Autor: 04-2010-040710354000-101. Número de certificado de licitud: (en trámite). Número de certificado de licitud de contenido: (en trámite). Domicilio de la publicación: Álvaro Obregón 189, col. Roma norte, 06700, Ciudad de México.

Pág. 3 EDITORIAL La responsabilidad de promover la culturaPag. 4 Art San Diego Fair por María José Ballesteros

Pág. 6 Trienal Internacional de Sto. Domingo por Jorge Luis Gutierrez Pág. 8 IMPERDIBLES

Pág. 10 RESEÑAS

Pág. 12 SUGERENCIAS D.F.

Pág. 14 SUGERENCIAS Edos.

Pág. 16/17 Artista invitada / PortadaRosa María ROBLES por Luis Carlos Emerich

Pág. 18/19 Homenaje a trayectoriaPhil KELLY por Rafael Pérez Pérez

Pág. 20/22 Reporte especial Curaduría y visualización de mercado II por Sofía Llorente investigación: Alejandra González G.

Pág. 24 Espacios alternativos Curaduría y visualización del mercado IIMOLAA presenta: Descartes, en THE COLLABORATIVE su nuevo espacio satélite Por Idurre Alonso

Pág. 25 Espacios alternativos FIZZ, espacio de exhibición Por Iván Sanchezblas

Pág. 26 Bienal regional Vino y arte contemporáneo1ra BIENAL L.A. CETTO Por I. Sanchezblas / Marcela Quiróz

Pág. 27 Artista emergente Mar y sol RANGEL Por Teseo Fournier

N O T A S

Perfil editorial

Periodismo cultural e independiente

Pág. 28 Artista emergente Girasol BOTELLO Por Luis Felipe Ortega

Pág. 30 Sección Crítica, opinión y ensayo Propuesta editorial a UNIVERSIDADESPor I. Sanchezblas / Alejandra G. Guerrero

Pág. 31 Sección Crítica, opinión y ensayo Entrevista al Dr. Francisco LÓPEZDirector del Dpto. de Arte de la UNVERSIDAD IBEROAMERICANA Por Iván Sanchezblas

EDICIÓN 47

L a apreciación de un mercado de arte se construye a partir de la definición de un escenario. Nuestra

propuesta: un triángulo geógrafico que entendemos tiene una suma de factores que lo conforma.

La región que incluye Los Ángeles – Miami – Ciudad de México es un amplio territorio de desarrollo artístico dentro del cual corren rutas culturales incluso por fuera del mismo. Su espacio latente se construye a partir de múltiples núcleos, algunos de poder, otros que determinan directrices, una mayoría que se apega a éstas y otras que se cobijan en su sombra. Ciertas propuestas caminan y se desenvuelven en un territorio menos competitivo menos expuesto y más geográfico; pero todas ellas construyen una imagen, un espíritu e identidad que sin proponérselo determinan un mercado.

De ahí que la producción artística actual se construya a partir de una vivencia compartida, aunque con discursos propios e individualistas. El coleccionismo tradicional y emergente comparte el sentido de estas raíces respaldándose en proyectos regionales, nacionales o internacionales para forjar un atesoramiento de bienes orientados al sentido de su gusto el cual, con el asesoramiento profesional, construye discursos sobre las tendencias, movimientos o generaciones en el arte.

Desde luego que existen los centros de poder. Londres y Nueva York concentran hoy en día la hegemonía en las tendencias artísticas: el ideal y el reconocimiento del arte actual se posiciona en estas latitudes. Y aunque surgen nuevos mercados, nuevos centros de poder, por ejemplo, el asiático o el de medio oriente, la realidad es que nuestra región todavía está lejos de acceder a ellos. La distancia, la raíz cultural, la comunicación y el idioma son barreras difíciles de permear.

Queda entonces la posibilidad de hacer una introspección, de verse reflejado ante el espejo para comprender nuestra raíz y nuestro mercado. Entender las limitaciones de la globalización permite entender nuestra cultura, la identidad de nuestros artistas y construir un mercado acorde a nuestro legado histórico y a nuestra vivencia evolutiva como sociedad latinoamericana. La identidad contemporánea está en proceso inmediato de ser una identidad compartida.

En nuestra editorial pasada apuntamos que nuestra identidad actual consiste en una negociación entre la cultura española (lengua y fe), la anglosajona (consumo) y la francesa (filosofía). A mi entender cuando el continente americano se subordinó a la directriz europea o norteamericana, el poder económico impuso la superioridad del libre mercado

en el cual estamos inscritos. Lo que no se contaba en este contexto es la permeabilidad del pensamiento y el oficio latinoamericano para introducirse en esa misma esencia histórica.

El arte latinoamericano absorbe la evolución del pensamiento artístico europeo para crear su propia interpretación. Es así como los referentes o precursores del arte en nuestro continente se formaron dentro de los talleres bajo la influencia de los movimientos europeos contemporáneos de su época para luego, al regreso en su tierra, nutrirse de una identidad propia. Estas identidades ya se encuentran reflejadas en importantes colecciones, se estudian y clasifican, se comparten entre instituciones, se documentan y construyen una identidad sólida.

Existe por lo tanto un fundamento sustancial para promover nuevos mercados sobre la base de la producción artística, sobre su influencia en el entorno que la rodea. En este contexto esta edición de ARTE AL DÍA México pretende abrir un campo de reflexión con proyectos que tienen un poder de convocatoria regional. Al mostrar su intencionalidad o tendencia, creemos compartir los aspectos que forjan su identidad o misión en cuanto a un compromiso social más allá del beneficio económico que esta representa.

La sociedad actual exige una visión empresarial para que cualquier propuesta se traduzca en un éxito comercial: un compromiso con la sociedad. La manera de permear ese muro es ejerciendo la cultura y el intelecto, creando redes y relaciones de trabajo en las cuales quizás no se comparta el mismo pensamiento; pero si un respeto a discursionar.

Abrir un espacio de ejercicio comercial no alcanza, se debe estar conciente de la responsabilidad que abarca y dejar a un lado el protagonismo personal para tomar conciencia del beneficio que aporta a la sociedad o a un mercado. El diálogo entre las sociedades y sus culturas es una necesidad para el desarrollo del libre mercado. Somos parte de la estructura de un sistema que se nutre desde nuestras raíces e historia.

La construcción de identidades culturales y de mercados siempre estará reflejada por la voluntad de asumir la identidad propia. Como integrantes de un medio especializado, nuestra invitación es a usar este medio como un instrumento que se apega a las directrices comerciales y que a la vez es una herramienta de pensamiento que ejerce la libertad de pensar y compartir.

IMPRESIÓN: Servicios editoriales ESTAMPA Artes gráficas Privada de Doctor Márquez 53, Col Doctores. México, D.F.

Tel. 5530 9239 estrampa@prodigy.net.mxDISTRIBUCIÓN: Arte al día México A. Obregón 189, col. Roma, DF.

EDITORIAL

La responsabilidadde promover la cultura

EDITORIAL

Por / by José Costa-Peuser

EditorArte al Día México

¡GRACIAS DIOSITO POR DEJARNOS LLEGAR!

Certificado de circulación, cobertura y perfil del lector: Folio 00118-RHY emitido por y registrado en el Padrón

Nacional de Medios Impresos de la SEGOB

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Ferias internacionales INTERNACIONALViene de página 4

Art FairConversación con Ann BerchtoldDirectora de Art San Diego Fair San Diego, CA (EUA)

Por / byMaría José Ballesteros

Gestora Cultural

M uchas veces cuando pensamos en una feria de arte nos concentramos solamente en lo que la misma presenta, en lo que

vemos como espectadores o compradores y por lo mismo muchas veces no ponemos atención a la parte que se encuentra detrás. Ambas partes, la organización y la presentación, son igual de relevantes, pues una es el producto de la otra.

Una feria internacional es una ventana al mercado artístico y a las tendencias de los artistas y galerías del momento. Su naturaleza multicultural le obliga a gestarse exitosamente para proporcionar claridad así como nuevas propuestas y oportunidades en el arte. Cuando nos encontramos con una propuesta diferente a lo que anteriormente conocíamos, debemos hacernos preguntas más allá de lo evidente. Al hacer un proyecto de la magnitud de una feria de arte están en juego varios conceptos como la intención, la visión y los objetivos. Esto y no otra cosa es lo que logra el resultado final, y por lo mismo Arte al Día México presenta una conversación con Ann Bercthold, directora de la hoy llamada (Art San Diego Fair), que en su segunda edición nos comparte el camino hasta ahora recorrido y el éxito que está teniendo.

A un año de esta primera respuesta por parte del público y el mercado del arte en San Diego, la diferencia que hay entre el 2009 y esta edición es grande, creció gracias a la fuerte atención por este proyecto, Ann Berchtold nos comenta “Este año cambio de locación, estamos ahora en el Hilton San Diego Bayfront. Cambiamos también el nombre a Art San Diego y hemos expandido el número de galerías de 27 a 45 este año. Uno de los objetivos de esta edición era atraer a las más fuertes e interesantes galerías de arte a través de nuestro grupo de asesoría curatorial y nuestra nueva directora curatorial: Marcela Quiroz Luna.”

Art San Diego Fair este año presenta importantes y diversas actividades a la par de la feria. Conversaciones con coleccionistas, filmes, cenas, performance, laboratorios de arte y hasta el mes de las artes en la ciudad.

Algunas veces la buena gestión de una feria de arte puede contagiar al resto de los espacios para generar una propuesta más grande y conjuntar las miradas de muchos agentes en la red artística, además proporcionar más ventanas internacionales al mercado. “Líderes de muchas organizaciones de arte en San Diego se unieron para lanzar Arts Month San Diego / September 2010…” El mes de las artes se inaugurará justamente en la noche de apertura de la feria .

Art San Diego comenzó en el 2009 llamándose (Beyond the Border International Cotemporary Art Fair). Nació como un proyecto piloto en el cual Ann y su compañera Julie Schraeger querían determinar qué tanto poder de convocatoria se podía tener en San Diego y cuantas galerías y compradores se podían atraer.

Ann comenta “En el 2009 tuvimos una respuesta maravillosa por parte de las galerías (vendimos los espacios cuatro meses antes de la inauguración) y por parte de los coleccionistas locales (en la inauguración llenamos 70% de la capacidad del lugar y las galerías reportaron ventas importantes) por esto nos sentimos seguras de que había un apetito fuerte por este tipo de ferias en San Diego.”

Otra diferencia añadida este año es la fuerte participación de las galerías mexicanas en la feria, diferencia que tiene su intención y objetivo: A partir de este año habrá en cada edición un país invitado que recibirá una atención más fuerte, Ann Berchtold nos cuenta “Hemos escogido a México como el foco de atención este año. Panorama: México (que es el nombre de este espacio) mostrará a siete galerías junto con una mesa de discusión moderada por Marcela Quiróz que incluirá a personas del mercado de arte mexicano. El tema será la escena del arte contemporáneo en México durante los tres años pasados hasta hoy.”

Como ya se mencionó muchos factores engloban la realización de un proyecto como este, pero qué lo hace célebre y diferente a los demás.

Ann aclara: “locación, locación, locación. Somos muy afortunados de tener a San Diego como nuestro lienzo y a partir de esto armar un fuerte y estable espacio para galerías nacionales e internacionales, aunado a eventos dinámicos como conversaciones y proyecciones de filmes, así como también eventos que emocionan y nutren a coleccionistas nuevos y ya establecidos. Es una excelente receta para pasar un buen rato cultural.”

Art San Diego es una feria relativamente nueva que así presenta y proyecta mucho hacia adelante. De la misma manera proporciona un espacio idóneo e integral para el mercado y la producción artística. De este proyecto sólo nos queda esperar mucho y estar al tanto de sus nuevas propuestas. Ann concluye hablándonos de lo que viene para la feria en próximas ediciones: “Hemos comenzado varios programas para cultivar e invitar a coleccionistas del mejor nivel de México, California y más. Estamos anticipando una gran respuesta y un programa muy rico. Durante los próximos años estaremos creciendo nuestro espacio para stands y galerías hasta que lleguemos a un máximo entre 70 y 80 espacios. Añadido a esto estamos gestionando un fuerte programa VIP que conecte con nuestros coleccionistas antes, durante y después del evento.”

Daniela Edburg / “Bomba Verde” / 2010 / Aluminum, yarn / 125 x 150 x 150 cm. Courtesy of: YAUTEPEC

Héctor Falcón / “Cruz” / Intervened book / 2010 / 29 x 31.5 x 34 cm. Courtesy of: GALERÍA ENRIQUE GUERRERO

A. Laviada / “Formation of a Thought” / 2008 / Mixed media. Courtesy of: TOCA / GALERÍA

Hugo Lugo / “Protección” / 2006 / Oil and acrylic on canvas / 125 x 158 cm. Courtesy of: GINOCCHIO GALERÍA

Julio Orozco / “Casa Films I” / 2010 / 20 x 30”Cortesy of: LA CAJA GALERÍA

Art San Diego Fair, 2 a 5 de septiembreHilton San Diego Bayfront, San Diego CA

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Exposiciones / Espacios

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INTERNACIONALTrienal internacional

1ra Trienal de Por / by

Jorge Luis GutierrezCurador invitado

L a Ira. Trienal Internacional del Caribe surge como una alternativa interesante en una

región que guarda una extraordinaria complejidad histórica y cultural. Con sede en el Museo de Arte Moderno de Santo Domingo se exhibe hasta el mes de Octubre de 2010 convirtiéndose en un punto de convergencia y reflexión. El medio ambiente fue el tema escogido para ser trabajado por los artistas convocados a partir de regiones lingüístico-geográficas del Caribe. En este sentido, la curaduría del Gran Caribe que incluye a USA, México, Venezuela y Colombia asumió una visión sobre el tema ambiental mucho más genérico y despegado del carácter panfletario de denuncia que en ocasiones adquiere este tema. Algo tan complejo y delicado no debe manejarse con estereotipos sin consecuencias.

Daniela EDBURG / “Protección” / 2006 / Oil and acrylic on canvas / 125 x 158 cm. Courtesy of: HAUS DER KUNST

Partiendo del principio de que somos, quizás, la única especie animal que modifica su ambiente para sobrevivir, con una conciencia de universo que nos trasciende y a la vez incluye, un mundo interno que constituye un territorio existencial; los artistas invitados argumentan el tema sobre criterios y metáforas que agrupan tres elementos esenciales cuando hablamos del binomio hombre-hábitat: 1) la trascendencia de tiempo y el espacio presente en la propuesta de Tania Candiani, 2) el nomadismo y la supervivencia expresados en la obra de Iván Puig . 3) la existencia y el exterminio reflejados en la propuesta de Daniela Edburg.

En su serie “Tales & other nightmares” Candiani transmuta información (tiempo, iconos y memorias) en experiencias a partir de la creación de situaciones y sobre todo, de un espacio narrativo. Su obra es un permanente riesgo con la exploración de materiales, la apropiación de espacios prestados con los cuales la artista experimenta y transforma. Casi no hay territorio habitado en el planeta que no sufra cambios producto de la acción humana. En este sentido es que la obra de esta artista trabaja. Las diversas rutinas de los habitantes, sus afectos y sus planes de vida modifican el ambiente, frente a este paradigma, ¿dónde está el umbral? Su obra como un recorrido en el tiempo da testimonio que el medio ambiente es supervivencia y el tiempo su mejor testigo. Sus obra parte del ritmo existencial marcado por un ambiente donde el tiempo va a su propia cadencia, ello es quizás una forma de encontrar el equilibrio en la fórmula hombre-hábitat.

Por su parte el trabajo de Iván Puig con su serie “Crecimientos artificiales”, está lleno de soluciones formales híbridas. Artista de extensa trayectoria, en este caso conecta su obra al tema multiplicador de los flujos humanos y por supuesto ese carácter inseparable entre movimientos humanos en el planeta y la ruptura del equilibrio ambiental.

El nomadismo y la re-invención del medio ambiente con base en sus necesidades es una constante. ¿Existe el equilibrio? No lo sabemos, lo buscamos. En esta serie el artista plantea la capacidad humana de superar la adversidad en la que el mismo medio ambiente nos coloca. ¿Controlamos el ambiente o éste nos controla? Las posibilidades del crecimiento exponencial de los objetos

en la obra la hacen fascinante por la sencillez de materiales y lo intenso de su metáfora. Los trabajos de Daniela Edburg en su propuesta “Killing Time” constituyen una ironía sobre la fatalidad del ser humano y su pérdida de la capacidad de asombro ante los cambios del entorno; situación donde el exterminio nuclear es la última expresión en el absurdo desarrollo de los más sofisticados medios para matar y exterminar seres humanos.

Edburg ironiza un mundo donde la capacidad para aniquilar, destruir y matar ambiente y especies es inabarcable. Los hábitos de ecuanimidad, serenidad, reflexión y contención, en cambio, parecieran ser mínimos. Sus imágenes integran el entrecruzamiento de la imaginación de las formas y las fuerzas.

Lo interesante de la participación de estos tres artistas en la Trienal es la espontaneidad con la cual sus propuestas artísticas se insertan en la reflexión sobre el entorno ambiental. No hay panfleto ni vestiduras rasgadas al fin de los tiempos, tampoco apropiación de discursos o tendencias dominantes. Son metáforas que recuerdan que la presencia del hombre en el planeta es circunstancial y que el mantener equilibrios al final de las cuentas es como la negociación, un asunto ético y de principios.

Sus propuestas son una epifanía sobre el tema del ambiente; el planeta no está esperando la evolución de nuestras acciones, sigue su curso. Una distopía similar de la obra cinematográfica de Richard Fleischer “Cuando el Destino Nos Alcance” (1973). Cómo sobrevivir más tiempo que otras especies en un universo en permanente mutación, pareciera ser la clave que asoman estos tres artistas mexicanos en sus propuestas para el Caribe.

La Ira trienal del Caribe Santo Domingo 2010 surgió como plataforma privilegiada de empoderamiento para el arte y los artistas contemporáneos del Caribe y Centroamérica,

Epígrafes:Izquierda: Daniela EDBURG De la serie: “Killing time”: Arriba: Tania CANDIANI, De la serie: “Tales & other nightmares”: Abajo: Ivan Puig De la serie; “Crecimientos artificiales”; Fotografías cortesía de: HAUS DER KUNST

abarcando la participación de manifestaciones creativas procedentes de todas las áreas geográfico-lingüísticas de la región: anglófona, francófona, hispana y holandesa.

“La ciencia humana consiste más en destruir errores que en descubrir verdades” Sócrates

Cuando el destino nos alcance

a través de los ojos de tres artistas mexicanos

1ra. Trienal de Santo DomingoHasta octubre

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Exposiciones NACIONAL

Centro Cultural Universitariowww.muac.unam.mx

I M P E R D I B L E SMuseo Universitario de Arte Contemporáneo MuACErgo, materia. Arte povera Hasta octubre

Tres Picos 29 Col. Polanco · www.saps-latallera.org www.siqueiros.inba.gob.mx

Museo Nacional de Arte Max Ernst Una semana de bondad Hasta 17 de octubreEl Instituto Nacional de Bellas Artes y la Fundación MAPFRE presentan la exposición “Una semana de bondad” de Max Ernst, en la sala de Exposiciones Temporales del Museo Nacional de Arte.La muestra reúne los 184 collages originales que componen la serie “Una semana de bondad”, realizados por el artista surrealista en 1933 y que se han convertido en un manifiesto de la corriente vanguardista del siglo pasado.

El pasado 28 de julio de 2010 abrió nuevamente sus puertas la Sala de Arte Público Siqueiros después de dos meses de remodelación. Para concretar este proyecto se firmó un convenio entre la Embajada de Suiza en México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura con el objetivo de restaurar el patrimonio muralístico que la Sala resguarda: “Mural para una Escuela del Estado de México” y “Trazos de composición espacial del mural la Marcha de la Humanidad” del reconocido muralista mexicano David Alfaro Siqueiros.

El Museo Universitario de Arte Contemporáneo presenta por primera vez en Latinoamérica una exposición que conjunta obra del periodo histórico más representativa del arte povera. Misma que pretende, a través de una revisión antológica, identificar raíces y posibles eslabones de ese movimiento en modelos constructivos del arte nacional recurrentes en las experiencias de artistas internacionalmente reconocidos.La muestra pone en discusión las razones por las que este movimiento se resistió a las prácticas tradicionales del ejercicio plástico optando por la experimentación y adopción de distintos materiales y soportes.En palabras del curador de la exposición, Guillermo Santamarina, “el povera no es un minimalismo ni una economía de recursos o materia prima, el arte

povera es un enunciado a favor del pensamiento diverso manifestado en las distintas opciones de sus representantes, comentario siempre crítico de la sociedad donde sucede”, reflexión que podemos observar en la muestra.La exposición está construida con piezas procedentes de colecciones privadas y públicas de Europa, Estados Unidos y México, donde además de las obras se cuenta con registro fotográfico y documentos que acreditan el paso de los artistas expuestos por este movimiento. Los exhibición incluye obra de: Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Gilberto Zorio, Alighiero Boetti, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Mario Merz, Giuseppe Penone, Micheangelo Pistoletto, Marisa Merz, Luca Patella y Pier Paolo Calzolari.

La Colección Deutsche Bank presenta la exposición “Beuys y más allá-el enseñar como arte” en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo, siendo la tercera muestra que la colección presente e itinere por museos de Latinoamérica.Esta muestra es la primera ocasión en que la Colección Deutsche Bank presenta la obra del artista alemán y de sus discípulos, mismas que muestran uno de los periodos más interesantes de la época de la posguerra alemana. En las obras podemos encontrar la influencia de Beuys como formador de jóvenes artistas. La frase “ser maestro es mi mayor obra de arte”, dicha por el artista, es la idea central de la exposición. En ella podemos encontrar la celebración por la individualidad y la continuidad artística, presentando una cierta diversidad de juegos e ideas en la práctica del arte contemporáneo en Latinoamérica.Conforman la exposición alrededor de 50 obras en papel del artista y sus más destacados alumnos de la Akademie de Dusseldorf, entre los que se encuentran Lothard Baumgarten, Jörg Immendorf, Imi Knoebel, Blinky Palermo, Katharina Sieverding y Norbert Tadeusz.

Beuys y más allá - el enseñar como arte Colectiva Coordenadas Mario Rangel Faz Hasta 31 de octubre

La exposición forma parte del ciclo curatorial “Hechos y delirios: Soporte, materia y trabajo”, a través del cual se busca retomar la figura platónica del artista y el poeta como alquimista, mostrando como a través del arte el maestro convierte el trabajo en ilusión.

Paralelelamente se presenta “Coordenadas, Mario Rangel Faz” exposición-homenaje a Mario Rangel Faz (México, D.F. 1956-2009) pintor y grabador cuya pulcritud y maestría en los procesos de impresión lo colocaron como uno de los grabadores más importantes de su generación. Curada por Vicente Rojo Cama y Mariana Elizondo, esta muestra reunirá un conjunto de obras significativas de su ejercicio asimismo integrará su intensa experiencia como miembro fundador de dos iniciativas colectivas: “Grupo SUMA” y el colectivo “Atte. La Dirección”, los cuales manejaron conceptos comunes y efectivos que se proyectaron en la esfera pública, integrando la experimentación de modelos para la educación artística de audiencias no necesariamente asociadas con el arte a la vez que esgrimieron dinámicas en función de un pulso pedagógico para su formación profesional. La exposición integra pintura, dibujo, collage, gráfica, instalación, arte-objeto y video documental.

Museo Nacional de Arte, (MUNAL)Tacuba 8, en el Centro Histórico

Mario Merz, Cono, 1967, Mimbre

Mario Merz, 610 Function of 15, 1971,

Periódicos, vidrio y neón

Max Ernst. Œdipe 3, Une semaine de bonté, 1933,Colección Daniel Filipacchi

Sala de Arte Público Siqueiros Pipilotti Rist LungenflügelHasta 24 de septiembre Kasper Sonne UtopiaHasta 14 de noviembre

actitud, se sirve de formas ya existentes para resignificarlas y construir nuevos soportes de experiencias que no pretenden tener un discurso lineal sino la presentación de circunstancias desarticuladas, imágenes caóticas, cartografías móviles que otorguen la posibilidad de itinerar por las escenas, entrelazarlas y generar una impresión personal.”Durante este periodo y hasta noviembre la SAPS albergará la obra el artista danés Kasper Sonne, UTOPIA, como parte de su Proyecto Fachada. Uno de los principales cuestionamientos planteados en la obra de este artista remite al hecho de si la cultura dictamina la construcción de sentido o si éste puede ser negociado. En base a esta problemática, Sonne se involucra en un diálogo abierto entre lo establecido y alternativo; dicotomías clásicas como bien / mal, amor / odio, verdad / mentira, generando frases que demandan una activa participación del público.

Gracias al apoyo recibido tanto de instituciones públicas y privadas fue posible la restauración del inmueble en sus partes afectadas por la humedad, además de permitir una intervención arquitectónica realizada por Arquitectura 911sc+Esrawe que brinda un nuevo acceso y un espacio que alberga hoy una librería-cafetería. De igual manera, en una colaboración entre el INBAL y la Fundación BBVA Bancomer se apoyó la digitalización de los archivos documental y fotográfico de la Sala.

Paralelo a la restauración de los murales y en un diálogo sumamente interesante se presenta la video-instalación Lungenflügel (Lóbulo del pulmón) de la artista suiza Pipilotti Rist. Desde su título, el video refiere a elementos orgánicos, e incluso está articulado en loop para acentuar la idea de un proceso circular y cíclico. Representada y simbolizada por Ewelina Guzik, quien aparece como un ser en estado natural, casi salvaje y estrechamente vinculado a lo paradisíaco. En palabras de Alma Cardoso y Karla Roalandini (curadoras): “Esta es una pieza representativa de las maneras de producir arte contemporáneo. Pipilotti Rist asume la cultura del uso como una

Pipilotti Rist, Lungenflügel (Lóbulo del pulmón), video-instalación

Pipilotti Rist, Lungenflügel (Lóbulo del pulmón), video-instalación

Kasper Sonne, UTOPIA, Proyecto Fachada

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R E S E Ñ A S MÉXICO D.F.

Plaza de la Ciudadela 2, Centro Histórico.www.conaculta.gob.mx/cimagen

Centro de la Imagen XIV Bienal de Fotografía 2 de septiembre al 7 de noviembre

SELECCIONADOS• Alejandro Cartagena• Alex Dorfsman• Arelí Vargas • Cannon Bernáldez• Eric Francois Stephane Vaudron Scibor-Rylski• Duilio Rodríguez• Fermín Guzmán • Fernando Montiel Klint• Guillermo Serrano• Juan Alberto Popota• Luis Fernando Mercado• Marianna Dellekamp• Omar Gámez• Ricardo Alzati• Ricardo Cerqueda• Ricardo Sierra • Rodrigo Cruz• Theda Acha

Los artistas de la lente Alejandra Laviada y Fernando Alonso Brito resultaron ganadores de la XIV Bienal de Fotografía por sus series ‘Foto Esculturas’ y ‘Tus

pasos se perdieron en el paisaje’, respectivamente.El director del Museum of Contemporary Photography, de la Universidad de Columbia, Rod Slemmons; la curadora del Departamento de Fotografía en la Art Gallery of Ontario, Maia Sutnik; la fotógrafa, Yvonne Venegas; el coordinador de la Fototeca del Centro de las Artes de Nuevo Léon, Domingo Valdivieso; y el director del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, Guillermo Fricke, reconocieron el trabajo ambos artistas.

escenarios en donde posan algunas quinceañeras, pasando por la muerte, la ciencia y los procesos de rehabilitación de un grupo de adictos.Con más de 467 participantes y un total de 25 portafolios seleccionados en su etapa final, la XIV Bienal de Fotografía ha logrado posicionarse como un importante escenario de difusión y promoción de la imagen actual.

PREMIOS DE ADQUISICIÓN• Alejandra Laviada por su serie Foto esculturas• Fernando Alonso Brito Lizárraga por su serie Tus pasos se perdieron con el paisaje MENCIÓN HONORÍFICA• Aldo Guerra por su serie Media Vida• Claudia Hans por su serie Morido• José Luis Cuevas García por su serie Terrenal• Juan Carlos López Morales por Memento Mori• Mauricio Palos Gutiérrez por Crónicas de Centroamérica.

Exposiciones

Los ganadores recibirán un premio por 75 mil pesos cada uno, así como una beca para participar en el ‘International Meeting Place del festival Fotofest 2012’, en Houston, Texas.En esta ocasión, la diversidad de los temas de la obra seleccionada va de las calles desiertas en la Ciudad de México amenazada por el virus de la influenza, hasta la celebración y la estética de los

PREMIOS DE ADQUISICIÓN: • Alejandra Laviada por su serie Foto esculturas

PREMIOS DE ADQUISICIÓN: • Fernando Alonso Brito Lizárraga por su serie Tus pasos se perdieron con el paisaje

Hidalgo 45. Centro Históricowww.franzmayer.org.mx

Este año, los 19 integrantes del jurado del Wolrd Press Photo recibieron 101 mil 960 imágenes realizadas por cinco mil 847 fotógrafos, tomadas en 2009. Entre sus 10 categorías, premiaron a 63 fotógrafos de 23 nacionalidades. La ganadora del año es “Mujer gritando desde una azotea de Teherán”, del italiano Pietro Masturzo.

Museo Franz Mayer World Press Photo 2010Hasta octubre

La muestra que se presenta en la Ciudad de México incluye 167 imágenes que se presentarán en 63 paneles, con la participación de 74 mexicanos, de los cuales Guillermo Arias obtuvo una mención honorífica en la categoría Temas Contemporáneos con la fotografía titulada “Cuerpo de un presunto traficante de drogas”.

La muestra tendrá diez categorías: Personajes de actualidad, Noticias de actualidad, Temas de actualidad, Vida cotidiana, Temas Contemporáneos, Naturaleza, Retratos, Artes y entretenimiento, Reportajes de deportes y Deportes y fotografías de acción, explica.

Entre los hechos noticiosos que se exhibirán se hallan la polémica elección presidencial de Irán, donde Mahmud Ahmadinejad fue elegido nuevamente mandatario en medio de protestas. “Además, la toma de posesión de Barak Obama en EE UU, primer presidente de raza negra en esa nación. Vimos la guerra de Afganistán, el ataque de Israel a la franja de Gaza y la guerra de la droga en Guinea-Bissau”, destaca el museógrafo de la exposición.

Las imágenes que se presentarán fueron escogidas por su calidad. Si la noticia fue importante, pero no hubo buena fotografía que no se incluyera en la exhibición. Jurre Janssen, curador de la exposición, reconoce:

“Esto no pasa a menudo, pues un hecho que tiene valor periodístico siempre convoca buenos fotógrafos. La reproducción necesita tener dos elementos para ganar un premio: valor estético y valor periodístico”.

1er. LUGAR World Press Photo: • Pietro Masturzo (Italia)“Mujer gritando desde una azotea de Teherán” MENCIÓN HONORÍFICA World Press Photo, Categoría: Temas contemporáneos • Guillermo Arias (México) “Cuerpo de un presunto traficante de drogas”

INTERNACIONAL

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Arte público

G iants in the City es un proyecto de arte público para la comunidad de

Miami. Es una exhibicion itinerante de esculturas a escala monumental producidas bajo la técnica de lo que conocemos como inflables. Este evento propone la produccion de una escultura diseñada por cada artista invitado como ejemplo de su propia obra.

El proyecto surge en la Ciudad de México y presenta su premier en Miami 2008 como un ejercicio de nuevas “peripecias” a nivel creativo con un grupo de artistas que por primera vez incursionan sobre las posibilidades y ventajas de esta técnica para la realización a gran escala de una de sus obras. El resultado y la composición fueron el gran motivo para empezar a construir un espectáculo colectivo de arte público.La nobleza propia de este ejercicio trajo consigo rápidamente el crecimiento de su estructura estética a favor del arte público. Una inquietud personal se dispuso a crecer para todo un colectivo y esta a su vez se multiplicó en beneficio público.

La decisión de presentar como grupo colectivo las esculturas inflables no fue predeterminado, fue algo totalmente eventual y espontáneo siendo hoy el “corazón” de toda la semántica que envuelve este evento. Crear y producir a gran escala es algo muy seductor para la mayoría de los artistas. Es una rara ocasión el tener la posibilidad de realizar una idea que, físicamente hablando, supere más de tres veces el tamaño de un ser humano. Grandes motivaciones sobre la naturaleza de este evento han sido las propias presentaciones que han surgido.

Más allá del factor emotivo, hoy día “Giants in the City” acumula un quehacer sin precedentes a favor del arte público, induciendo al artista a demostrar la gran nobleza del ejercicio de hacer arte a favor del público y desgarrando así su relación mercantil y/o galerística.

Por / by Alejandro Mendoza

Artista y curador

Giants in the city

“Giants in the City” acumula un quehacer sin

precedentes a favor del arte público

BREVE INTERNACIONALINTERNACIONAL

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SUGERENCIAS D.F.MÉXICO D.F.Exposiciones / Espacios

Horacio 1549, Col. Polancowww.galeriaenriqueguerrero.com

Galería Nina MenocalHumberto Díaz Cambio de escalaHasta 30 de octubre

Zacatecas 93, Col. Romawww.ninamenocal.com

La Galería Nina Menocal presenta la exposición individual “Cambio de escala” del artista cubano Humberto Díaz.La muestra forma parte del programa nm projects a través del cual la galería invita a curadores y artistas a presentar proyectos. La exposición está conformada por maquetas y fotografías mediante las cuales el artista externa su interés por mostrar la relación ambigua entre lo real y su propia deformación, misma que provoca una ilusión mental, visual o sensorial en el espectador. Con estas obras podemos comprobar el excelente manejo que tiene el artista de la escala y el uso del espacio público.

En este caso De la Macorra muestra parte de su proyecto 20 perlas que ha desarrollado en los últimos años. Las obras exhibidas muestran el interés de la artista por la naturaleza, sus procesos y configuraciones visuales. Además de ser un ejemplo de la exploración que ha tenido de medios materiales y conceptuales, a partir de la fotografía genera diversas interpretaciones tridimensionales que toman como elemento esencial el agua en diversos estados, como reflejo fiel o distorsión.

Galería Enrique GuerreroJésica López / Un día entraron mil personas a mi tienda de campaña...Hasta 24 de septiembre

Jésica López

Plaza Río de Janeiro 52, Col. Romahttp://new.galeriaomr.com/en/el52

el 52 presenta dos proyectos simultáneamente; “Restos” de Carlos Bonil, artista colombiano, y “Esperanza” del colectivo Viernes. La primera conjuga una serie de ensamblajes fabricados con objetos de uso cotidiano a los que, a través de su trabajo dota de una dimensión distinta. El colectivo mexicano Viernes, por su parte presenta un aviario habitado por 15 parejas de canarios japoneses en el que los artistas colocaron una serie de dibujos realizados por ellos mismos, los cuales serán intervenidos por el excremento de las aves. La instalación es una dislocación geográfica en un lugar concreto en la que se busca recrear un hábitat donde entidades de la misma especie generan patrones conductuales en un espacio contenido y controlado.

Ambos proyectos usan como referencia la idea de residuos o desechos para producir obras que indagan sobre las posibilidades de la materia y su transformación en objeto artístico.

el 52Carlos Bonil ViernesEsperanza Restos Hasta septiembre

María José De la Macorra 20 perlas

Ésta es la segunda propuesta dentro del ciclo d_space, la cual lleva a cabo una revisión de las prácticas actuales del dibujo, ciclo con el cual se invita a los artistas a presentar las diversas maneras en que esta disciplina es retomada en la contemporaneidad de la práctica artística.Cueto presenta una serie que parte de fotografías de su infancia para reconstruir y reinterpretar las historias de la familia usando dibujos detallados colocados a modo de instalación. Así es como los dibujos se vuelven una autobiografía ficcionada, pues mezcla la ya mencionada historia familiar con una nueva narrativa compuesta de personajes reales y ficticios que le dan un cierto matiz de perversión.La galería cuenta con el apoyo de Pentad Design Studio, Another Company y Moyo.

Óscar Cueto Había una vez...

La Galería Enrique Guerrero presenta la exposición “Un día entraron mil personas a mi tienda de campaña… entonces le prendí fuego con todas adentro” de la artista regiomontana Jésica López.La artista busca mostrar en esta exposición que el proceso es tan importante como el resultado.Disimulando las fronteras a través de la experimentación en los contenidos y en lo formal da valor a las pequeñas cosas de las que surge su trabajo como notas, apuntes, fotos, recortes y videos.La artista busca que el espectador sea partícipe de un mundo íntimo y privado aunque, por supuesto, no se pueda entender en su totalidad, busca acercarlo a su personalidad, sus deseos y su forma de experimentar el mundo.

Lic. Verdad 8, col. Centro Históricowww.exteresa.bellasartes.gob.mx

Domicilio conocidoJosé Antonio Sánchez Rull VegasHasta 24 de septiembre

En el marco del 4to. Corredor Cultural Roma Condesa la galería Domicilio Conocido presenta la exposición “Vegas” del fotógrafo Juan Antonio Sánchez Rull.

Las imágenes que Sánchez Rull captura nos cuentan de la promesa de lujo y la voluptuosidad en la seducción de la cultura porquería, de aquel teatro de ilusión en que se ha convertido. Pero no nos hablan de nostalgia, ni juzgan, ni proponen una crítica de nuestros tiempos, son una lectura, quizá una lectura superficial.Las sensaciones que nos evoca la exposición, pueden compararse con la sensación de recorrer con la yema de los dedos las rugosidades de una tabla de Braille.

Ex-Teresa arte actualJulián Carrillo y su sonido 13 13 SonoroHasta 24 de octubre

Jésica López

Atlixco 32, Condesawww.edsgaleria.com

Por primera vez en | EDS | GALERÍA, se presenta una exposición individual de la artista conceptual Teresa Serrano “Sin Llegar a Ser Palabra”. En ella podremos encontrarnos una selección de su obra más reciente.La idea central de la exposición es la exploración de la densidad del lenguaje, donde la artista busca enfatizar cómo el desgaste y control de las palabras es uno de los grandes bastiones del poder y la manipulación social contemporáneas. La artista ha logrado subvertir los significados fijos que solemos atribuir a cosas o situaciones, desvelando las connotaciones no vistas de los materiales, los objetos y las relaciones humanas, para esto utiliza una serie de estrategias intuitivas y sugerentes, llegando a ser ambiguas y seductoras, profundas y agudas.La exposición “Sin Llegar a Ser Palabra” de Teresa Serrano es la materialización de una perspectiva más sensible, cálida y humana para entrar en contacto con un pertinente tópico como el del lenguaje.

| EDS | GALERÍATeresa Serrano / Sin llegar a ser palabraHasta 13 de noviembre

Julián Carrillo fue reconocido como músico, matemático e inventor, su trabajo forma parte de las vanguardias del arte del siglo pasado. Por ello es que el exTeresa Arte Actual le rinde un homenaje con la exposición 13 Sonoro, misma que pretende retomar la aportación del Sonido 13 a la experimentación sonora, y como un referente en la música contemporánea de nuestro país. La museografía está pensada con piezas interactivas que apuestan por la experiencia sonora. La exhibición está conformada por cinco salas, donde nos encontramos con piezas interactivas, que registran las muy importantes aportaciones del autor a la música contemporánea mexicana. Por último, se exhiben piezas del Sonido 13 interpretadas o abordadas por diversos músicos y artistas.

Galería EthraLondres 54 col. Juárez · www.galeriaethra.comLa QuiñoneraSanta Cruz 111 col. Candelaria

La Galería Ethra y La Quiñonera presenta paralelamente la exposición “De Italia a México, Arte de la tierra” del artista mexicano Manolo Cacho. Primero, el 2 de septiembre, en la Galería Ethra y una par de días después en la Quiñonera.

El artista, pintor, escultor, grabador y hacedor de objetos; presenta una exposición (dividida en dos) en la que nos muestra su más reciente obra.

El proyecto fue posible gracias al respaldo del Salón dés Aztecas, que se ha caracterizado por apoyar proyectos que fomenten el arte y las nuevas propuestas en nuestro país.

Galería Ethra /La QuiñioneraManolo Cocho / De Italia a México, Arte de la tierraA partir 2 de septiembre

Amsterdam 206, col. Condesawww. galeriadomicilioconocido.blogspot.com/

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La Colección FEMSA presenta en el Centro Cultural de Chiapas Jaime Sabines la exposición “Trayectos: Paisaje y Memoria”. En ella se explora el uso de soportes y materiales, objetos encontrados o de uso cotidiano; que hablan sobre la realidad humana, los espacios donde conviven y los lugares con los que se identifica, imágenes que crea y aquello que el recuerdo construye simbólicamente. La muestra presenta un continuo diálogo entre el paisaje con referencia a lo natural o urbano, real o ficticio, así como el trabajo de los artistas en torno a una recuperación de la memoria. La muestra incluye obras de artistas mexicanos y latinoamericanos quienes presentan una reflexión sobre la construcción de la identidad a través de diversos caminos.Algunos de los artistas expuestos son: Betsabeé Romero, Eugenio Dittborn, Rafael Lozano-Hemmer, Damián Ortega, Patrick Pettersson, Amorales, Luis Cruz Azaceta, Guillermo Kuitca, Leda Catunda y Fernanda Brunet, entre otros.

www.myspace.com/r.a.t.Lerdo de Tejada 2418, Col. Laffayette Guadalajara, Jalisco · www.verticegaleria.com Av. del Mundo 56, San Francisco, Nayarit

Santa Fe 22-A, Col. Allende, San M. de Allende, Gto.www.kunsthaus.org.mx

Pasaje Revolución entre 58 y 60 CentroMérida, Yucatán · www.macay.org

Exposiciones / Espacios E S TA D O S

Dentro del festival “Expresión en Corto” Kunsthaus Santa Fe presenta la más reciente obra del artista argentino Ramiro Chaves con el título “Miramar”, una serie de fotografías y un video en los que se construye con imágenes y recuerdos una historia colectiva y personal.

[R.A.T] es un proyecto transdisciplinario de exploración estética en formato de investigación abierta, cuyo fin es generar espacios para el desarrollo de propuestas, la reflexión y el diálogo entre comunidades locales, artistas, curadores, gestores culturales, críticos, investigadores y teóricos del arte provenientes de México y del extranjero a través de un Programa de Residencias Artísticas que opera con base en una lógica de intercambio.

Las ramas de estudio convocadas trabajan de forma conjunta para vincular disciplinas que convergen en torno al trabajo artístico con comunidades urbanas de la costa sur y la Sierra Madre Occidental del estado de Oaxaca y del Estado de México, en su mayoría indígenas.

Las residencias podrán realizarse durante todo el año a excepción de los periodos vacacionales y los fines de semana largos marcados en el calendario lectivo oficial.

Los primeros pintores de la Historia fueron pintores de animales, que al mismo tiempo tenían algo de brujos y magos guardadores de secretos. Luis Moro es un pintor de éstos, sus ojos delatan que es conocedor de algunos saberes recónditos.Su pintura es una de las que, con más propiedad, pueden calificarse de orgánicas. En ella confluyen las formas blandas ajenas a cualquier disciplina geométrica, formas redondeadas y elásticas de moluscos, la volubilidad de las larvas, las formas inaprensibles de los líquidos desparramados y de las inestables y caprichosas nubes. Son las formas de la naturaleza viva, articuladas y mudables, sujetas a la continua transformación inherente a la vida y a su inexorable ciclo de germinación, nacimiento, crecimiento, madurez, degradación, muerte y podredumbre.

La Galería Haus der Kunst en su sede en Nayarit presenta una inicativa de inicación artística presentando “Consumere” muestra de las gemelas Miren y Emillene Beorlegui, exposición que trata del consumo consciente. Entre las obras hay una instalación en la que trabajaron cinco días seguidos en la Galería localidzada en San Francisco.

La Galería Vértice presenta su exposición “Colectiva de Verano 2010” en la que participan una gran cantidad de artistas. Con esta muestra se pretende hacer una revisión de los creadores que han participado con la galería durante cierta trayectoria. Las obras expuestas son de las más diversas disciplinas al igual que los artistas que participan; lo que se busca es un diálogo con aquellos que han trabajado directamente con el espacio.Los artistas participantes son: Alfredo Zalce, Enrique Guzmán, José Atanasio Monroy, Chucho Reyes, Juan Soriano, Javier Arévalo, Sergio Garval, David Sorensen, Javier Cruz, Jorge Alzaga, Ismael Vargas, Lupe Sierra Alejandro Colunga, Mario Martin del Campo, Rafols Casamada, Marlinde von Ruhs, Leticia Tarragó, Lewis Kant, Agustín Alfaro, José Luis Cuevas, Iran Lomelí, Ricardo Ramírez, Bruna Widmann, Paco Ochoa y Manuel Sandoval.

OAXACATrueque [ R.A.T ] Residencias artísticas por intercambio Convocatoria abierta

NAYARITMiren y Emillene Beorlegui Consumere / Galería Haus der KunstHasta 7 de octubre

MÉRIDALuis Moro Paraisos elementalesMACAYHasta 30 septiembre

SAN MIGUEL DE ALLENDERamiro Chaves MiramarKunsthaus Santa FeHasta 30 de septiembre

GUADALAJARAArtistas de la galería ColectivaGalería VérticeHasta 1 de octubre

CHIAPASTrajectos: Paisaje y memoria Centro Cultural Jaime SabinesHasta 24 de septiembre

Obra, Colección Fundación Pascual

www.conecultchiapas.gob.mxwww.coleccionfemsa.com

Éstas fueron realizadas a lo largo de cuatro años en Miramar, el único pueblo en la costa de la Laguna Chiquita, la laguna salina más grande de Latinoamérica ubicada en la Provincia de Córdoba, de donde es originario. El pueblo fue construido por inmigrantes alemanes de la posguerra, pero abandonado en los años 70 después de las inundaciones que el área sufrió, lo que llenó los paisajes de desolación y derrota. Chaves presenta las ruinas como celebración del pasado en un momento donde la memoria se ve amenazada por la sobrecarga de información. Exaltando el destrozo y la degradación alcanza momentos límites donde ocurren los cambios.

Miren y Emillene Beorlegui son gemelas artistas de 13 años muy dinámicas. Han tenido 4 expos con Haus der Kunst desde los 7, 9 y 11 años de edad. Las infantes dieron un curso de “Introducción al arte contemporáneo“ a 15 niños en la organización Entreamigos.org por una semana. El resultado fue una aproximación necesaria del arte contemporáneo a las nuevas generaciones a través de espacios que asumen a las manifestaciones artísticas como un vehículo de enseñanza.Curador: Omar Guerra

Lápiz RojoCredito fotográfico

© Miho Hagino.

Verde situación (detalle)Credito fotográfico © Miho Hagino.

Planta en coladera

Vista de la galería

Árboles, Inyección de tinta s. papel fotográfico /inkjet print on photographic paper ed. 5 + 1 PA, 100 x 100 cm, 2007

Sin título, Inyección de tinta s. papel fotográfico / inkjet print on photographic paper ed. 5 + 1 PA, 100 x 100 cm, 2007

Luis Moro

SUGERENCIAS Edos.

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SOMOS AHORA UNA HISTORIA ROTA, 2005

Cama, cascarón de huevo, cuellos y patas de avestruz disecados y

falo tallado en piedra. 90 X 190 X 150 cm.Seleccionada en la VII Bienal Monterrey FEMSA,

Centro de las Artes, Fundidora, Monterrey, Nuevo León. Noviembre de 2005.

Colección del Museo de Arte de Sinaloa.

WC, 2007, WC de cerámica, cristal transparente, papel sanitario y feto humano en formol.

NACIONAL

Robles

L a obra de Rosa María Robles no representa realmente un viraje en el discurso sostenido por su escultura en los años noventa del siglo

XX, sino una acentuación y una redirección específica de sus capacidades simbólicas hasta entonces sólo latentes. Esto ha conllevado una diversificación de medios –de lo propiamente escultórico al objeto encontrado y resignificado, al ensamblaje y a las instalaciones objetuales y fotográficas– que alcanzan planos de proyección más amplios y complejos.

Proyecto NAVAJAS

“Proyecto Navajas” aborda directamente el tema de la deshumanización, la violencia, el poder que le hemos otorgado al dinero y el papel que el arte actual juega en esta cruda realidad. Navajas plantea una reflexión profunda ante la creciente narcocultura que ha ido ganando terreno por encima de todo lo demás, estableciendo códigos de poder en todos los ámbitos de nuestra muy jodida sociedad.

Las piezas e instalaciones que conforman este proyecto están realizadas con diversos elementos, en su mayoría reciclables, de desecho y de uso cotidiano, planteando con ello una distancia entre los materiales “formales” para dar paso a una obra libre de la rigidez y frialdad de la estética modernista. Éste un reflejo inevitable y latente del tiempo convulsionado y violento que me ha tocado vivir, donde los senderos nos conducen vorazmente a territorios invadidos por signos decadentes.

Culiacán, mayo de 2007. Rosa María Robles

“Siempre cuando el mundo insistentemente me asedia con sus venenos,

afilo mis navajas...”

Sus esculturas de los años noventa, a base de troncos de árboles fosilizados y bloques de basalto como elementos penetrantes, aunadas con puntiagudas piezas metálicas oxidadas, aprovechaban ya lo idóneo de los materiales naturales para figurar al hombre como un animal portentoso y tan feroz como la acción de los fenómenos naturales sobre los materiales que lo constituyen. Sus metáforas del -hombremonstruo - del - hombre (y de la mujer) alcanzarían su mejor definición en la colosal obra “La resurrección de la bestia” (1994), un ensamble de troncos de árbol y varillas de acero erguido como un tótem que ostenta su poder mediante su pene erecto toscamente tallado. Una derivación congruente de ello –o mejor dicho, su tránsito de la figuración y la abstracción

su especificidad genérica. Este no es un memento mori objetual, sino un reclamo tan airado como patética es la condena de la inocencia. Todo indica que la cuna aquí propuesta es el patíbulo de una niña que como todas, cometió el pecado de serlo y de haber nacido en el seno de una madre punitiva llamada Iglesia. La escala física descomunal de lo masculino como poder absolutista en las esculturas de Robles equivale aquí a la profundidad de la penetración del catolicismo en el seno de lo femenino; mientras que las alas que adornan la cuna podrían aligerar la analogía del patíbulo, también recuerdan que el vuelo dejó de ser una capacidad de la naturaleza del avestruz. Aunque paralelo a su tratamiento escultórico e instalacionista del falocentrismo Robles ha realizado obras

simbólicas hacia la reversión connotativa del objeto utilitario desechado– es su resignificación de artefactos encontrados, para establecer analogías del uso y abuso de los órganos de reproducción humana esgrimidos como instrumentos de poder. Así, muebles sanitarios que replican las funciones de las partes humanas con las que entran en contacto cotidianamente, convierten al ano, pene y vagina en generadores a la vez que receptáculos de heces fecales, mientras que el drenaje analoga los sistemas evacuatorios y los de la gestación de la vida. La instalación de ellos en el espacio expositivo recalca el patetismo de la reversión de sus funciones (el lavabo como excusado y viceversa; el mingitorio como campana secadora de pelo) aún cuando sus excesos expresivos trasciendan al campo del humor negro. Frente a la complejidad del discurso de Rosa María Robles, sus obras de la década de los noventa parecerían sublimaciones de lo monstruoso si no buscaran un equilibrio estético entre forma y contenido. El punto de partida de este proyecto es “La navaja”, una cuchilla de guillotina rematada por una cruz suspendida sobre una cuna vacía, el discurso se afila por

pictóricas y fotográficas con un contenido antirreligioso, ésta es la primera vez que conjuga en una instalación la aberrante equivalencia de ambos poderes.

La brutalidad, el enorme peso físico y la conformación grotesca natural de materiales que han representado la animalidad del hombre en la obra de Robles, en Navajas han sido sustituidos por partes disecadas de un animal real: patas, cabezas, cuellos, alas y huevos de avestruz han venido a dar otra vuelta de tuerca a sus metáforas haciéndolas más provocativas. Ésto no sólo se debe a la implicación del sacrificio de estos hieráticos y sorprendentes animales; sino a la conversión de sus miembros en objetos utilitarios. Si en las esculturas de Robles la piedra, madera y metal analogaban la agresividad y la impenetrabilidad del poder, ahora en sus instalaciones son los miembros del avestruz los que hacen las veces de objetos industriales. La interpretación literal de la expresión figurada le permite a esta artista sustituir las patas de una mesa por piernas de avestruz, así como suplantar las canicas o “chinas” del juego de damas ídem con sus huevos, animalizando un mueble y

Sobre NavajasPor / by Luis Carlos EmerichMéxico, junio de 2005, Publicado en el catálogo “Navajas”, para la exposición realizada en el MASIN, 2007

De arriba hacia bajo:ALFOMBRA ROJA (detalle), 2006-2007, Cobijas. INTERIOR DEL MUSEO DE ARTE DE SINALOA (MASIN)ALFOMBRA ROJA (detalle), 2006-2007, Cobijas.Las últimas cobijas de esta instalación son auténticas de personas asesinadas y encobijadas recientemente en Sinaloa. Medidas variables.

OJOS HUMANOS, 2007

ANTIFAZ, 2007Lencería intervenida con conchas nacaradas,

mandíbulas de tiburón y cocodrilo.

Artista invitada

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NACIONAL

Las piezas que conforman la exposición Navajas

no son un documento de la violencia social actual,

son una interpretación de esa violencia...

Exposición en Centro de Arte Contemporáneo Wilfredo Lam, Cuba.Inauguración 10 de septiembre hasta octubrewww.cnap.cult.cu

adulterando su escala dimensional. Estas son transgresiones dadaístas autoconscientes que en su instalación titulada “Toilet” actualizan y refuerzan su combatividad.Por su conformación faliforme las cabezas de avestruces con sus picos abiertos y sus cuellos fungiendo como grifos de lavabos no sólo sugieren lo que regurgitarían si se accionaran como llaves de agua; su dualidad inquietantees la de ser accesorios orgánicos imposibles y penetrantes mirones de sus potenciales usuarios.

Un huevo de avestruz “puesto” en una bacinica reafirma la analogía entre heces fecales y feto, entre ano y útero y por tanto, entre principio y final, entre vida y muerte. Si para cada inflexión de un mismo discurso Robles aborda un distinto lenguaje es que explora diferentes campos connotativos. Entre los años 2000 y 2003 alternó la realización de los objetos titulados “Erizos”, las esculturas “Capullos” y las instalaciones “Toilet” y “La navaja”. Esto necesariamente implicó un prolongado diálogo entre las diversas

“...y pretendo que sean consideradassimples piezas de arte, las cuales no alcanzan

a reproducir el sentido de podredumbre y decadencia que caracteriza a nuestra realidad”

Rosa María Robles

converge maliciosamente a lo sagrado. Por otra parte, los atados de varillas de acero curvadas y afiladas como puntas de flagelos, titulados “Erizos”, pueden referir a la autoinmolación magnificada, al “convento interior” en el que ha sido recluida histórica y genéricamente la

mujer, antes que a estos animales como espinosas bromas metafóricas de la concupiscencia atribuida a la mujer, por rancia y aberrante tradición machista que devino “cultural” en el mundo occidental. Sin embargo, las instalaciones fotográficas incluidas en “Navajas” dan un súbito y atinado giro a la crítica de las relaciones de poder entre el hombre y la mujer, y entre la religión convertida en tradición represiva. Su enfoque hacia la violencia social en México repercute necesariamente en todo el conjunto y reenfila su discurso hacia un fenómeno

de las imágenes de culto religioso, expresan su urgencia de asumir en su persona las señales de la violencia imperante en nuestro país. El manto que en las vírgenes apocalípticas metaforiza al firmamento, ahora sobre los hombros de la propia Rosa María Robles desnuda, es la cobija auténtica de un hombre asesinado recientemente en Culiacán, Sinaloa. Acuciada por la violencia reinante en su tierra natal, la artista agrega a los significantes de su obra las pertenencias de uno, entre los centenares de asesinados a diario en este país, como reliquias que consagran verdades más contundentes que la fe. Tal como las imágenes de los ojos y cuellos disecados de avestruces utilizados en sus instalaciones. Robles erige la cobija como un símbolo que integra, sardónicamente, la cruda realidad inmediata, la crudeza como tema del trabajo artístico y las insignias del dolor popular más profundo. Con esto, el discurso de la obra de Robles se extiende al infinito, como la oscuridad de la que su imagen emerge en esta fotografía. Si una cobija pudiera individualizar la criminalidad y sobre todo, interpretarse como insignia de un país en que las ejecuciones mañosas sistemáticas son lo único seguro, la fotografía de un “niño de la calle” portando un frasco que contiene un feto que fue acuchillado en el seno de su madre. Así las cobijas auténticas de personas asesinadas recientemente (instaladas como banderas)proyectan la violencia como único y verdadero símbolo de unidad nacional y por añadidura, entre naciones. Lo que pudiera verse como sublimaciones de vivencias personales proyectadas genéricamente a lo masculino y lo femenino en la obra de Rosa María Robles son en realidad trasposiciones de la violencia circundante a la intimidad, y de éstas a los fundamentos del mito y el rito como poderes represivos. La conjugación de evidencias físicas de la violencia y de subjetivaciones de las mismas en la imagen fotográfica, establece el plano afilado desde el cual hay que apreciar y asimilar el concepto de “Navajas” de Rosa María Robles.

identidades objetuales de un mismo sujeto e, incluso, una correspondencia entre los diversos estratos de significación de cada uno de sus lenguajes.La consagración del falo en “Capullos”, que implica una decantación simbólica extrema que prescinde de la figuración y de la narración, hace del nicho una jaula y, por tanto, de la pieza colgante de basalto un animal poderoso en tanto que objeto ritual, mientras que como crisálida alude a la metamorfosis de la oruga en mariposa que, obviamente, desplegará sus alas. De allí que la solemnidad de estas piezas podría ser paródica por aludir referentes tan opuestos como un santo, un pene y un animal horrible que devendrá bello, es decir, todo aquello que podría

sociopolítico y económico tan complejo como devastador. Estas instalaciones fotográficas-objetuales cobran su mejor significación al integrarse a la arquitectura de un recinto que fue conventual y al adquirir un carácter icónico al ocupar los nichos que una vez fueron destinados a imágenes sacras. De allí que el componente combativo de la obra de Robles, una vez dirigido contra el falocentrismo y contra el catolicismo como su sustentador ideológico, ahora especifique su tema a ultranza: El dolor y más allá de la estética, la piedad (en este caso, acentuada por el ámbito de su exposición), que unifican su obra. A pesar de su apariencia sacrílega, estas fotografías para las que la artista posó cargada de atributos a la manera

SOMOS AHORA UNA HISTORIA ROTA, 2005

Cama, cascarón de huevo, cuellos y patas de avestruz disecados y

falo tallado en piedra. 90 X 190 X 150 cm.Seleccionada en la VII Bienal Monterrey FEMSA,

Centro de las Artes, Fundidora, Monterrey, Nuevo León. Noviembre de 2005.

Colección del Museo de Arte de Sinaloa.

WC, 2007, WC de cerámica, cristal transparente, papel sanitario y feto humano en formol.

Registro de la acción de cobija con sangre de la autora

MESA PUESTA PARA COME-VERGAS, 2007, Mesa y sillas de madera, platos de cerámica, cascarones de huevos deavestruz, consoladores de hule, tenedores y cuchillos de acero inoxidable.

Registro de la acción de cobija con sangre de la autora.

Artista invitada

OJOS, 2006, Ojos de avestruz disecados, plato de peltre, tenedor y cuchillo de acero inoxidable.

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KellyPor / by

Rafael Pérez PérezCrítico y curador

C uando hablamos de la Ciudad de México hablamos de una superficie en la cual habitamos millones de personas que transitan en miles de vehículos. Durante esas mañanas en que los cristales de los edificios

reflejan el sol que inunda a las aceras filtradas por la ramas de los árboles, el “Ángel” se incendia de luz parado en su vertical columna. Ello sucede sin que la mayoría nos demos cuenta. Ahí estubo Phil Kelly, un observador y amante de esta cotidianidad.

La vida cultural de un museo se nutre de las diversas relaciones que se establecen con el público y los artistas; estos últimos, algunos son a la vez expositores y espectadores, creando una vinculación con el espacio en términos afectivos y apoyando a la institución en su quehacer con su grata asistencia. Phil Kelly fue uno de estos casos de

Posdata Homenaje a

“ trato de evitar el color gris si puedo. Es demasiado abrigante,

es una luz natural, pero no es natural, o tal vez no es luz”

Phil Kelly

cercanía con el Museo de Arte de la SHCP, una relación se fomentó tanto con proyectos expositivos como mediante esa generosa donación de obra que hiciera el artista en los años 2006 y 2009.

Trayectoria

Circuito mochado, 1999, Óleo sobre tela, 190 x 140 cm, Colección Pago en Especie Vista de coche-Ejercito Nacional y Gutenberg, 1997, Óleo sobre tela, 150 x 120 cm, Colección Pago en Especie

Noche-vista del taller, 2000, Óleo sobre tela, 100 x 120 cm, Colección Pago en Especie

Phil Kelly trabajando in situ en el Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público.

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NACIONALEn el año 2006, recién inaugurada la Sala Vestibular del museo, se planteó la posibilidad de armar una propuesta expositiva: “Visión Urbana”. Ante el proyecto Phil decidió hacer algo novedoso y pintar in situ; la gestualidad e impronta sobre la tela que lo caracterizaron dieron como resultado el gran tríptico denominado “Zócalo”, un extraordinario cuadro que refleja la vida urbana en este punto de la ciudad bajo el sol cálido de una mañana de agosto, en una imagen atrapada a su paso para trabajar la propuesta expositiva. El proceso se registró fotográficamente, la sala de exposición se fue convirtiendo en una extensión de su estudio.

La muestra creció en la atención del público hasta ser una de las más visitadas en el museo, fue pequeña pero en el entendido que una gran muestra no debe ser espectacular. La exposición se conformó con nueve piezas pertenecientes tanto a la Colección Pago en Especie como de la propiedad del artista. Hoy, afligidos por su partida, el museo rinde un sentido homenaje a este creador y amigo exhibiendo aquellas obras de la Colección que integraron aquella muestra, así como otras que pertenecen al mismo acervo.

Al igual que otros artistas, Kelly llegó desde Dublín, Irlanda, a la ciudad de México para hallar en esta urbe un motivo de creación en el año de 1983; sin embargo y a diferencia de los otros hizo del “DF” su espacio apropiándose de sus imágenes y su sentido de vida, la prisa del tránsito y sus viandantes convirtiéndose en un verdadero “chilango” (denominación propia de todos aquellos que venimos de fuera para establecernos en la Ciudad de México).

En la selección de obra quecompone “Posdata” será posible apreciar el interés de este artista por nuestra ciudad y la cultura urbana; el movimiento continuo de los vehículos por las arterias que mantiene viva a la ciudad, mediante recursos estrictamente pictóricos, en los que la velocidad y la luz se convierten en fuertes pinceladas.

El “Ángel” de la Columna de la independencia cuya síntesis es parte hoy de la memoria colectiva, es tal vez el mejor expresado en términos de pintura contemporánea en una extensa serie que denota la productiva actividad de este artista y su compromiso con el arte.

Posdata: La presente muestra, tras su reciente partida, es apenas una pequeña forma de retribuir al recuerdo de este extraordinario artista y gran ser humano, tanto por su trabajo como por su calidez, dos rubros a los que la memoria está anclada en su imagen.

Museo de SHCP, Moneda 4, Centrowww.hacienda.gob.mx/museo

Trayectoria

Vista del coche-Gutenberg, 1997, Óleo sobre tela, 150 x 120 cm, Colección Pago en Especie

Palmeras reforma desfile 3, s/f, Óleo sobre tela, 100 x 120 cm, Colección Pago en Especie

Zócalo, 2006 (Tríptico), Óleo sobre tela, 210 x 450 cm, Donación a la Colección Acervo Patrimonial

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Diagnóstico consultivo

dos funciones básicas: la relación con la producción artística y la construcción de discursos.

Como señala José Luis Barrios, dentro del primer marco de acción uno de sus objetivos primarios es el de insertar a los artistas en el circuito de exhibición y distribución del arte: “En primer lugar, el objetivo de la curaduría es producir visibilidad de artistas porque ésta es un dispositivo de producción de visibilidad; no sólo en sentido literal, sino sobre todo respecto a las condiciones de experiencia social, estética y política que acompaña a la producción artística.”

El curador construye y se alimenta de un escenario de actualidad artística que repercute en su trabajo y éste a su vez, contribuye al movimiento del mundo del arte contemporáneo. En palabras de Víctor Zamudio: “La curaduría es un barómetro de relevancia cultural y sus intereses artísticos”. De ahí que para lograr este cometido mantenga un constante contacto con la producción artística. “El curador es un promotor que permite conocer la

actualidad de la producción artística y cultural, es un cronista que registra las transformaciones del lenguaje artístico, sus procesos de legitimación y las nuevas articulaciones de las que hace provecho para establecer nuevas comunicaciones”, en palabras de Ery Camara.

A unque la pregunta parezca redundante, el concepto de “curaduría” es una actividad

que suele darse por sentada sin por ello haber una opinión concluyente respecto al papel de quien la ejerce. Cada uno de los personajes que con quienes conversamos tiene una manera distinta de definir su labor y verse a si mismo como curador. Por supuesto existen puntos en común, pero las divergencias son las que nos parecen más enriquecedoras para esta investigación.

Originalmente la palabra significa “alguien que cuida a alguien o a algo“. Actualmente un curador de arte es quien diseña una exposición, selecciona su obra, establece una línea temática, e investiga la producción artística. No se trata únicamente de un investigador, a veces es también un gestor, un promotor, un crítico y un teórico.

La figura del curador ha sido controversial por su posición en el mundo del arte actual. Existen una serie de prejuicios y de ideas prefabricadas alrededor de él que lo encasillan en un ejercicio de funciones o acciones que, en realidad, varían de acuerdo a las especificidades de cada trayectoria. Al respecto, Cuahutémoc Medina comenta: “Es curioso […] el nivel de imaginación persecutoria que ciertos sectores del mundo del arte o de los públicos tienen de los curadores, donde les atribuyen condiciones y funciones que no es posible localizar en nadie en particular; donde los hacen parecer como un fenómeno no solamente ilegítimo, sino extremadamente tipificable en sus funciones, lo cual resulta reductivo. [...]La curaduría tiene una condición muy peculiar en relación con la noción de ‘profesión’, es decir, no hay un campo de técnicas y saberes específicos que produzcan una profesión curatorial. El tipo de prácticas que llamamos curaduría hoy en día implican una regresión y una puesta en cuestión de esta lógica. Hay, dentro de la condición específica de tareas que se involucran en lo que llamamos

perspectivas y trayectorias para mostrar así la relación de la práctica curatorial con el mundo del arte, el mercado y la cultura. Las preguntas realizadas fueron:

1) ¿Qué implica ejercer una labor curatorial en México? 2) ¿Cuáles son los elementos que constituyen un proyecto curatorial? 3) ¿Es relevante la labor curatorial en la construcción de discursos culturales?4) ¿Cuál es la importancia en la diversidad de espacios de exhibición? 5) ¿Cuál es la incidencia que tiene la labor curatorial en el mercado del arte en México?

Ante la variedad de matices en las respuestas sistematizamos tres ejes de reflexión que construimos con las opiniones de nuestros entrevistados.

I. Labor curatorial y producción artísticaTodos coinciden en que la curaduría es una labor de investigación que involucra una serie de conocimientos y criterios; sin embargo, dentro de la práctica curatorial pueden distinguirse

“La figura del curador ha sido controversial por su posición

en el mundo del arte actual. Existen una serie de prejuicios y de ideas

prefabricadas alrededor de él...” Cuauhtémoc Medina

NACIONALReporte especial

Parte II

Por / by Sofia Llorente

Investigación Alejandra

González Guerrero

Este formato no tuvo el éxito esperado obteniendo menos de un 5% de respuestas. En reacción a este silencio en Arte Al Día México escribimos un artículo haciendo una llamada de atención a los curadores y críticos de arte del país señalando lo que entonces consideramos una indiferencia por la reflexión en torno a la labor curatorial y la promoción del arte. Uno de los argumentos en aquella ocasión fue que la modalidad de encuesta estadística no permitía fundamentar las

Antecedentes

E n nuestra edición No. 45 publicamos la 1ra. parte de un reportaje acerca de la

labor curatorial en México. La intención fue realizar un diagnóstico consultivo que permitera un mapeo del arte contemporáneo y sus actores. Para ello diseñamos un cuestionario en modalidad de encuesta con la que pretendíamos obtener resultados estadísticos acerca de la producción artística local, el mercado del arte y la infraestructura cultural en México.

respuestas y juicios emitidos. Sintieron que preguntas tan puntuales generarían respuestas arbitrarias sin lugar para la argumentación. Llegamos entonces a la conclusión de que la labor curatorial no puede traducirse estadísticamente ya que se trata de un campo de conocimiento y de una problemática considerablemente más compleja. Es así que en esta ocasión diseñamos un nuevo formato conformado por cinco preguntas acerca de la curaduría que permitieran al entrevistado desarrollar

ideas y argumentos respecto a esta labor. Asimismo, redujimos la selección de curadores a 15 personajes del mundo del arte contemporáneo en el país pensando en diferentes perfiles que nos permitieran vislumbrar la vastedad y complejidad de esta actividad en México.Nos complace anunciar que este segundo intento resultó una experiencia enriquecedora. Obtuvimos el 100% de respuestas y fuimos recibidos con entusiasmo por los curadores. Recibimos respuestas elaboradas, interesantes y muy diferentes. Antes de presentar estas respuestas, creemos pertinente introducir de manera breve el tema de nuestra investigación, la curaduría, a través de la figura del curador.

curaduría, una mezcla de elementos que hace 20 años uno hubiera esperado que fueran profesiones diferenciadas.”

Este artículo no pretende establecer una definición ni ceñir la labor curatorial a una única visión; sino ofrecer un acercamiento al personaje del curador para ofrecer un panorama de su labor, de cómo ésta se ejerce desde diferentes

Según Olga Margarita Dávila este contacto implica una auténtica conexión con el artista, pero sobretodo, con la obra. “La curaduría implica un diálogo permanente de capacidades, saberes e intereses entre artista y curador. El curador no impone una visión ni un discurso, sino que desarrolla una agudeza de consciencia en el artista que lo ayuda a concentrar o expresar su discurso. El curador es espejo y réplica de la enunciación del artista; depura la obra y resalta sus características.”

El curador si bien es el “barómetro”, no es ni juez ni un legitimador, sino un vínculo que facilita la transmisión del discurso artístico. Es importante aclarar que no se limita simplemente a traducir las ideas de otros, ya que su trabajo implica también la construcción de discursos propios a través del estudio y la relación con el arte. En la opinión de Sol Henaro: “Se trata de ofrecer diferentes lecturas para revisar, problematizar y aproximarse a la producción artística. Hay que cuestionar la construcción de los relatos y entender que nunca habrá, por fortuna, lectura única ni verdadera.

Olga Margarita Dávila

“¿Qué es un curador?

José Luis Barrios

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Reporte especial

Nuestra labor implica entre otras cosas generar y compartir una reflexión, ya sea de confrontación, comunicación, diálogo, respuesta o crítica. La curaduría implica un poder de construcción.”

La curaduría crea las condiciones en el tiempo y en el espacio para que se genere una reflexión crítica acerca de un tema contextualmente pertinente. Al respecto Cuahutémoc Medina cree que la práctica curatorial debería “contribuir a que haya una comunidad artística local que sea suficientemente política, parcial y crítica”. Por su parte Marcela Quiróz agrega: “Es una práctica de crítica, reflexión y aportación intelectual al conocimiento de una sociedad que supone una responsabilidad estética pensada para influir en distintos radios de acción, desde el más externo -es decir la apropiación de la propuesta por el público- avanzando hacia el radio más cercano, al origen, el estrato más íntimo, ese que tiene que responder en condiciones de sinceridad e integridad a una apuesta sensible, crítica y propositiva.”

NACIONAL

“Es importante considerar la identidad de cada espacio ya que esto influye en la concepción y en la recepción de la exposición y por lo tanto de la producción artística” menciona Víctor Zamudio Taylor. Cada espacio, por su naturaleza, cumple una función específica en el medio artístico; pero si algo tienen en común, es la promoción del arte.

Por lo general las galerías y los espacios “alternativos”

reciente? ¿Qué tanto este ‘boom’ se ha traducido en compromiso serio de crear colecciones públicas?”

Lo cierto es que curar para una institución pública puede resultar una limitante en cuanto a discursos, selección de obra, museografía y políticas de adquisición se refiere. Ery Cámara habla al respecto: “Al ejercer como curador en una institución pública uno se enfrenta al problema de los intereses de la institución y a las prioridades de la misma. El curador debe ser suficientemente ágil para trascender esos límites.” Y es justamente en este punto que la diversidad se vuelve fundamental. La diversidad de espacios permite la experimentación como

receptor pasivo, sino como un lector que da sentido al discurso y lo transforma en cultura.

II. Curaduría y culturaLa curaduría según Ery Cámara, es una labor de comunicación más que de información. “La misión del curador es intepelar al público, no sólo proveer información. Debe existir una retroalimentación. El público debe ser un interlocutor.” Con este fin, el discurso curatorial requiere de un conocimiento del público para poder lograr una claridad de enunciación. “Es muy importante conocer a su público. Si no conoces a quién le hablas, entonces no sabes cómo hablarle, ni qué idioma debes usar para dirigirte a él.”

En la misma línea discursiva José Luis Barrios considera que su trabajo funciona como un dispositivo que permite al público asimilar el discurso artístico a través de la experiencia sensible que provee la obra de arte. Comenta: “La curaduría tiene que tomar en cuenta al público que la consume, hay que ser capaz de darle las herramientas para que reconfigure experiencias sensibles y produzca sentido”.

En efecto, es a través del público que la curaduría incide realmente en la cultura, en la construcción de discursos culturales. “La curaduría es repercusión y reverberación en la sociedad, la cultura y el arte para conformar una red de pensamiento”, apunta Sol Henaro.

Pero el discurso curatorial necesita una plataforma para llegar al público y esta plataforma son los espacios que conforman el circuito de exhibición. Museos, galerías, centros culturales, instituciones privadas y hasta la vía pública son útiles para tal fin. “La curaduría está necesariamente asociada a un espacio de exhibición” apunta Taiyana Pimentel, aspecto que no sólo representa una variedad de posibilidades discursivas, también una responsabilidad con su interlocutor: el público en palabras de Marcela Quiróz. Hablar de espacios de exhibición y su relación con la curaduría es algo complejo ya que cada profesional se inserta en este circuito de manera diferente. Ya sea que se trate de un curador institucional o de uno independiente, su labor debe considerar el espacio que la enmarca, pues si bien es él quién define el “qué”, el contexto juega un gran papel en el “cómo”.

La función cultural de cada espacio contribuye específicamente a la labor curatorial, ya que inscribe a ésta en un contexto particular relacionado con cierto tipo de exhibición, público, actividades, artistas y discursos.

parte de la curaduría, romper el esquema de la presentación y del consumo del arte. “Permite desalojar al arte del espacio convencional enriqueciendo el vocabulario de la percepción de lo artístico. El arte no se ve limitado por la institución ni por el espacio, sólo por la imaginación. Tan diversos son los artistas y los curadores que tiene que haber una diversidad de espacios”.

Es por esto que al considerar el contexto como un soporte para su reflexión, el curador está necesariamente considerando a su público, no como un

Ery Cámara señala además de la importancia, el impacto que tiene la práctica curatorial en la cultura, pues finalmente, el público es el último eslabón que cierra la cadena de la producción-consumo del arte. “Es importante considerar en un proyecto curatorial el impacto a nivel social y a nivel de avance, la aportación que se está haciendo a nivel de conocimiento. [...] El curador debería tener la oportunidad de dirigirse al público, no sólo a sus colegas. Romper

son considerados como los promotores de la vanguardia artística, de un “día a día” ajeno al Estado del que Zamudio Taylor habla: “[…] colecciones privadas como La Colección Jumex y espacios alternativos e independientes rompen con las reglas del establishment, de la burocracia cultural para buscar públicos con reglas diferentes. Son espacios más dinámicos y versátiles.” Sin embargo es notable la participación que algunos museos y fundaciones han tenido últimamente en la promoción del arte contemporáneo. Además, la cantidad de espacios especializados en arte que se insertan en un marco institucional de gobierno ha aumentado considerablemente, en particular con el arte contemporáneo; lo cual genera una interesante problemática planteada por Medina: “No debe haber una división de vocaciones entre espacios sino un efecto crítico. Si esta división no se produce por directivos con objetivos claros acompañados por una demanda de los públicos por cierta producción cultural, si no se acompaña de cierto efecto social, entonces esto es una fantasía administrativa. Habría que preguntarse ¿Qué esfuerzo están haciendo los museos por generar una cultura histórica acerca del arte

el hermetismo. A mayor público educado en materia de arte, mayor el desarrollo del arte y la cultura.”

Marcela Quiróz

Taiyana Pimentel

Ery Cámara

(Sigue en página 22 )

Sol Henaro

Cuauhtémoc Medina

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Es a partir del momento en que el discurso artístico sale del reducido mundo del arte que se convierte en un discurso cultural. O como Marcela Quiróz lo apunta: “Una buena curaduría debiera saber conjurar entre las obras convocadas en otros tiempos y formas de inserción entre las urgencias tópicas culturales; surcando y acentuando relaciones no necesariamente evidentes a la mirada común sobre las apuestas artísticas en un contexto espacio-temporal social determinado.”

Algunos respondieron que, a su parecer, el mercado ha influido de manera negativa en la producción artística.“No creo que la mercantilización del arte en sí misma sea benéfica para la creación.” (Helmut Kohl); “el mercado se ha encargado de crear marcas y vender nombres, no obras de arte” (Luis Carlos Emerich); “el problema resultante es que el boom

Helmut Kohl habla de la construcción de dichos discursos como una tarea de la sociedad: “Desde mi punto de vista, el curador es una figura que sin duda influye en el terreno cultural, aunque los discursos culturales son construcciones necesariamente colectivas”. De ahí que podamos hablar de la curaduría como una práctica cultural, porque no se mantiene al margen de la comunidad sino que forma parte de ella. “La labor curatorial está generando y a la vez reflejando aspectos de la cultura” precisa Zamudio Taylor. Por su parte Cuauhtémoc Medina y José Luis Barrios comentan: “Aunque la labor curatorial de arte contemporáneo es una labor que está necesariamente vinculada a la cultura con los procesos culturales, sería un error reducir la curaduría a la producción de cultura. La función específica del arte en la cultura, y por lo tanto de la curaduría, es producir el momento crítico a la cultura. El curador de arte contemporáneo produce el momento que permite a la cultura guardar una distancia respecto de sí misma. Ése es el aporte que hace el arte a la cultura.” (JLB) “Cuando la curaduría logra tener un efecto es porque adquiere significación cultural.” (CM)

III. Curaduría y Mercado

La mayoría de los encuestados asumieron que por decisión propia no se involucran directamente con el mercado de arte, sin embargo todos están de acuerdo en que es poco realista pensar que su trabajo se mantiene al margen de los intereses del mercado. Víctor Zamudio señala: “Es una ficción pensar que la labor curatorial no tiene impacto en el mercado ya que ésta detecta temas de actualidad en el arte sobre los cuales reflexiona. El curador marca pautas que necesariamente influyen en el mercado. La labor curatorial no es meramente intelectual y

no se puede abstraer del engranaje del mundo del arte.” Xavier Moyssen hace una interesante observación al señalar la relación recíproca que existe entre mercado y labor curatorial, un ámbito que activa al otro y lo complementa en sus quehaceres. “La labor curatorial muchas veces trabaja en función del mercado del arte y viceversa, ya que frecuentemente lo más vendido es también lo más presentado. Es como preguntarse ‘¿Qué fue primero la gallina o el huevo?’ Están tan cerca que se contaminan uno al otro.”

Otros creen en cambio que el mercado debería mantenerse al margen de la labor curatorial y que la función de ésta, si es que tiene una, debiera ser la de ofrecer una lectura de las obras en venta que haga enfásis en la carga discursiva y el valor artístico de las piezas por encima de su valor monetario. “En el mercado es importante ejercer curaduría, no sólo exhibir la obra. Plantear un discurso, no sólo presentar la obra como objeto, sino como objeto con una carga discursiva.” (Ery Cámara)

de las galerías ha llevado a creer que si el artista forma parte de una de ellas su trabajo ya es importante y centra su producción en las necesidades del espacio y no en formar un discurso que le aporte a la sociedad.” dice Mariana Gruener.

Algunos asumen que pueden insertarse en el mercado como asesores sin por ello comprometer su labor o su visión crítica. “El curador no se mueve directamente en la compra-venta de

obra. Pero puede fungir como asesor para colecciones privadas y públicas, por ejemplo influir en las políticas de adquisición de ciertas instituciones. En el mercado la figura del galerista es más importante que la del curador, pero el discurso del curador vende conocimiento” (Taiyana Pimentel). “Hay algunos [curadores] que tienen que jugar un rol por la constitución de colecciones públicas, movilizar recursos y crear el poder de la colección y de la institución pública que necesariamente repercuta en las estructuras de mercado y permite utilizar las estrategias de mercado para un efecto público” (Cuauhtémoc Medina).

Victor Zamudio aludió al texto de Tony Benett, The Exhibitionary Complex, en el que se plantea que el mundo del arte se constituye de diferentes agentes para sostenerse (artistas, coleccionistas, espacios de exhibición, curadores, críticos, galerías, subastas, mercado, público, etc.) apoyando la idea de que el

Conclusiones:Curar una exposición no es lo mismo que ser un curador. La labor curatorial es más bien un modus operandi, casi un modus vivendi que se construye a través de la experiencia y de la trayectoria. Se constituye como un nodo que media entre prácticas, discursos, instituciones y agentes del mundo del arte. La curaduría tiene una función crítica que interpela a la cultura y cuyo fin es poner en jaque no sólo el presente sino también el pasado para repercutir en el futuro. La curaduría tiene la ventaja de tener incidencia en casi todos los núcleos que conforman el mundo del arte, ya que acompaña al arte desde su producción hasta su recepción y su trascendencia en la cultura de la que forma parte, así que tiene en sus manos la posibilidad de modificar y expandir la situación no sólo artística de una comunidad, sino también la situación social, histórica, e incluso política. Una sociedad que tiene acceso a las producciones artísticas y culturales tiene la voluntad y las herramientas para permitir el desarrollo de las mismas a través de políticas culturales que decanten en un bienestar social, una comunidad crítica con iniciativa y voz propia.

Curadores invitados:Los curadores entrevistados en esta ocasión fueron José Luís Barrios, curador independiente y asesor de instituciones como el MUAC; Ery Cámara, curador institucional y coordinador de exposiciones del Museo de San Ildefonso; Olga Margarita Dávila, curadora independiente radicada en Oaxaca; Luis Carlos Emerich, curador independiente, precursor de la crítica y la curaduría de arte en México; Mariana Gruener, curadora y artista independiente, docente en la Escuela Nacional de Pintura y Grabado La Esmeralda; Sol Henaro, curadora independiente de proyectos como la Celda Contemporánea en la UCSJ; Helmut Kohl, curador de la galería Haus der Kunst en Nayarit y Puerto Vallarta; Xavier Moyssen, curador e investigador en la Universidad de Monterrey; Cuauhtémoc Medina, curador y crítico de arte en el Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM; Marcela Quiróz, curadora de la Feria de Arte de San Diego; Taiyana Pimentel, curadora y directora de la Sala de Arte Público Siqueiros y Victor Zamudio-Taylor, curador independiente y asesor de la Colección Fundación JUMEX.

mercado no puede ser considerado ni enemigo, ni un ámbito ajeno ya que se dedica a la misma área que el curador: el arte. Es simplemente otro aspecto de este mundo. El mercado es necesario para sostener la producción artística y curatorial. Asimilarlo y ser consciente de qué tanto influye en la curaduría y qué tanto, a su vez, puede incidir el curador en el mercado, permite un desarrollo más fluido del ámbito artístico.

En el arte actual “es mejor tener una relación cordial y de cooperación con las galerías y con el mercado que pueden facilitar el contacto con artistas y obras”. (Victor Zamudio-Taylor)

“En el mercado es importante ejercer curaduría, no sólo exhibir la obra.

Plantear un discurso, no sólo presentar la obra como objeto,

sino como objeto con una carga discursiva.” Ery Cámara

Xavier Moyssen

Victor Zamudio - Taylor

Luis Carlos Emerich

Reporte especial

Helmut Kohl

( Viene de página 21 )

Mariana Gruener

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Espacios alternativos INTERNACIONAL

presenta Descartes

Esta galería, que será dirigida conjuntamente por el Museum of Latin American Art (MOLAA) y el Arts Council de Long Beach, estará dedicada a la presentación de exposiciones de corte experimental e instalaciones de nueva creación. Cada una de las instituciones presentará dos muestras anualmente. Mientras el Arts Council planea una convocatoria abierta para artistas y curadores para su programa de exposiciones, en el caso de MOLAA su programación se enfocará principalmente en realizar proyectos con artistas emergentes latinoamericanos locales y curadores jóvenes incluyendo aquellos que viven en las áreas de Los Angeles, San Diego y Baja California en México. MOLAA se plantea de esta forma dar apoyo y convertirse en una plataforma artística

pretende ser una exposición sobre arte de la frontera sino una mirada a un arte emergente que experimenta

en The Collaborative, su nuevo espacio satélite

Por / byIdurre Alonso

Curadora

o alternativas, la inmigración y el valor de los objetos. Las lavadoras y los colchones de segunda mano de su última serie titulada “Deportables”, son adquiridos a través de anuncios o páginas de internet. Los objetos en mal estado son después reparados por inmigrantes ilegales en Los Angeles. Las cuerdas con las que el

para los artistas de las zonas adyacentes. Con el fin de seguir expandiendo la misión del museo, dentro del futuro programa de exposiciones se plantea también la posibilidad de realizar colaboraciones e intercambios entre artistas de Los Angeles y México. Igualmente, a través de este espacio satélite MOLAA tiene como objetivo expandir su área geográfica hacia el centro de la ciudad dando a conocer parte de su programa de exposiciones a nuevos tipos de público.

The Collaborative abrirá sus puertas con una exposición colectiva de artistas mexicanos emergentes titulada “Descartes”. La muestra, se compone de instalaciones y obras de carácter objetual de cinco artistas mexicanos: Gabriel Boils, Dream Addictive (Leslie García y Carmen González), Jaime Ruiz Otis y Camilo Ontiveros. Permanecerá abierta del 18 de septiembre del 2010 al 23 de enero del 2011.

El significado de la palabra “descartes” alude a la eliminación o exclusión. De esta forma el nexo de unión entre los artistas que integran la muestra es que trabajan con elementos descartados o eliminados incluyendo desechos de las maquiladoras, rompecabezas de segunda mano, energía solar, colchones, lavadoras y componentes electrónicos usados. Siguiendo la tradición de otras corrientes artísticas como la del arte povera o las obras de algunos artistas pop como el estadounidense Robert Rauschenberg, los artistas de “Descartes” muestran un interés por el uso de los ready-mades creando piezas que ponen de manifiesto cuestiones sociales y que en este caso están especialmente circunscritas al valor social de los objetos, los problemas de la sociedad de consumo, la inmigración, la construcción y deconstrucción y la preocupación por el medio ambiente y las energías renovables. Algunos de los que han participado en la muestra, debido a la cercanía existente con la frontera entre México y EE UU, han desarrollado temas específicamente relacionados con situaciones socio-económicas que suelen acontecer en ciudades fronterizas como Tijuana, lugar de residencia de cuatro de los cinco artistas. Sin embargo ésta no

sólo se pone de manifiesto las posibilidades estéticas de materiales industriales a través de un reciclaje artístico, sino que además plantea preguntas sobre el medio ambiente, el valor de los objetos de consumo y las precarias situaciones laborales de las personas que manipulan los objetos que vemos en sus instalaciones. Otis intervendrá para “Descartes” con calcomanías y otros elementos la cristalera principal de la galería.

Por otro lado Camilo Ontiveros, nacido en Rosario, Sinaloa en 1978, muestra a través de su obra una preocupación por las economías sumergidas, informales

artista ata los objetos aluden a la forma en que éstos son transportados de los EE UU hacia México en donde después de haber sido desechados se vuelven a vender a un mayor precio, poniendo de manifiesto las diferencias económicas y sociales de ambos países. Las obras de Ontiveros señalan de forma irónica una realidad desigual con la que se convive diariamente en las zonas fronterizas.

Otros de los artistas que integran la muestra mantienen un interés por la creación de obras relacionadas con la ciencia y el mundo de la geometría y las matemáticas. En el caso de Gabriel Boils, nacido en Ciudad Victoria, Tamaulipas en 1976, su interés radica en usar rompecabezas comprados en mercados de segunda mano para crear instalaciones en los

que emplea conceptos de repetición y diferencia. Boils comenta acerca de sus obras: “mi trabajo investiga la producción y consumo de imágenes, así como la relación entre arte, mercado y espectador”. Las estéticamente sorpresivas instalaciones de Gabriel Boils juegan con conceptos geométricos para construir piezas minimalistas que hablan sobre la alienación, el desecho, la fragmentación social y el medio ambiente.

Siguiendo la línea científica pero desde un punto de vista diferente, Dream Addictive, un grupo creado en Tijuana en el 2003 e integrado por Leslie García y Carmen González,

surge con la idea de explorar el arte y su fusión con la tecnología y la ciencia. Las piezas escultóricas presentadas forman parte del proyecto “Jardín Solar” el cual explora el campo de la interacción sonora utilizando la energía renovable de la luz solar como fuente de alimentación. Las obras de Dream Addictive son realizadas manejando ideas de open source ya que la forma de creación y los derechos de autor de las piezas están disponibles para que otras personas las puedan recrear. La información de cómo reproducir las piezas se distribuye a través de volantes durante la exposición o en internet, en la página web de las artistas.

A través de The Collaborative MOLAA abre un nuevo capítulo en su trayectoria, no sólo sacando el arte de su perímetro, sino dando además una oportunidad a los artistas y curadores

más cercanos, geográficamente hablando, posibilitando así nuevas miradas a temas que tocan más de cerca a nuestro público general. Comienza esta nueva andadura con la exposición inaugural, “Descartes” en donde las piezas se transforman de desecho a arte-objeto o instalación y señalan cuestiones tan comunes a nuestra vida diaria como la inmigración, las diferencias sociales, las energias renovables o el reciclaje.

E n septiembre se inaugura en el centro de la ciudad de Long Beach en California, un nuevo espacio artístico: The Collaborative.

con materiales de deshecho para concretar obras que son estética y conceptualmente atrayentes.

De esta forma, Jaime Ruiz Otis, nacido en Mexicali en 1976, crea instalaciones a partir de desechos industriales de las maquiladoras, fábricas ensambladoras que son muy comunes en las ciudades fronterizas de México con los EE UU debido a la mano de obra barata existente. Otis, quien trabajó en una maquiladora durante 1999, usa elementos como calcomanías, hoja de oro, pantallas de televisiones de plasma, plástico de monitores etc. para crear espacios y esculturas minimalistas en donde no

Camilo Ontiveros, Sin título, de la serie deportables, 2008

A partir del 18 de septienbre www.molaa.org

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AC.- Las galerías tradicionales tienen una responsabilidad y una opinión sólida para con sus coleccionistas así como la responsabilidad de ser modelos para galerías jóvenes. Entiendo que deben considerarse como la entrada del arte contemporáneo mexicano en el mundo y debieran mantener esta posición para que nosotros podamos entrar. Son modelos de su época que funcionan bien.H istoriadora del arte,

directora de galería y curadora, Alexia Camil

conversa con Arte al día México sobre su más reciente proyecto, FIZZ, un espacio emergente en el mercado del arte contemporáneo en México que plantea interesantes reflexiones respecto a los espacios de exhibición y comercialización de obra.

AC.- […] Tengo que reconocer que mi entrada al arte contemporáneo estuvo impregnada de una juventud idealista que aún cree en el talento que hay en México. En aquel momento pensé que todo mundo debía ser impulsado; aunque tal intención derivó en un modelo de espacio que desplazó a la venta de arte. Galería 13 se convirtió en un lugar donde los artistas podían entrar en conversación con otros artistas; llegaron muchos proyectos con la idea que podían hacerse ahí y después de dos años de olvidar la parte comercial, reconocí que no estaba funcionando; porque me di cuenta que la parte comercial y la venta es lo que posiciona a los artistas. El modelo de espacio alternativo funciona para ciertas cosas pero te puedo decir que sus problemas no son iguales a los de una galería; para trabajar el mercado se necesita otra intención, hay que responder de otro modo. Para que esto suceda es necesaria una logística en la que un equipo es fundamental. En el caso de FIZZ me encargo sólo de que todo vaya según el plan.

Espacio de exhibición y coleccionismo emergente Por / by

Iván SanchezblasEditor y crítico de arte

Séneca 61, Col. Polanco · www.galeriafizz.com

ó 40 años. Tal vez no es rechazo, pero sí una sensación de querer legitimarte sin lograrlo después de haber tratado mucho. Un día con esta frustración me replanteé las cosas y preferí apostar por lo nuevo: ir al núcleo, no buscar que lleguen estos grandes coleccionistas sino formar a los que serán; y no porque no me interese este mercado, sino porque ellos ya trabajan con ciertas galerías desde hace años. La propuesta de FIZZ no está dirigida a ellos. Me atrevo a decir que esta propuesta está un poco cerrada porque lo que buscamos son a los nuevos coleccionistas, un público joven que casi nadie atiende o considera. De ahí que FIZZ sea una galería generacional. Una galería y un espacio que no busca caber dentro del modelo anterior y que ha empezado a ejecutar estrategias con eventos a los que se invita a “coleccionistas en potencia”, entendidos así porque se nos han acercado o porque sabemos que tienen la curiosidad pero no tienen los medios para entrar en contacto con el arte. Preguntas tan sencillas como qué te gusta o qué piensas del arte contemporáneo son parte de una dinámica increíble para la gente que quiere conocer. A nuestro alrededor se está creando una comunidad. Por ejemplo, en ZONA MACO mucha gente que no había ido a este tipo de evento fue por nuestra invitación. Su experiencia a través de nuestro espacio incluyó un recorrido de toda la feria incluidas las grandes galerías.

Para evitar ésto vamos a dar cursos en un formato “uno a uno” (one to one), una forma de acercarte sin necesidad de saber algo de arte contemporáneo para después empezar tu colección. FIZZ además proporciona un servicio de curaduría y asesoría a colecciones privadas.

IS.- Entonces no es nada más vender la obra; sino una serie de servicios que dan a la galería otra identidad.AC.- Podemos armar la colección de tu casa, pero es algo más complejo. Los coleccionistas en potencia que ya compraron una pieza o aquellos que apenas empiezan, lo único que necesitan es un gancho, algo que los involucre, una seducción en el gusto que inicia con una pieza y transforma el espacio de las personas.

IS.- Una relación entre ambas partes que construye una sensibilidad del espacio. No sólo es la pieza de arte sino el espacio de la persona. La opción de verlo de otra manera tal vez sea lo que te da el proceso “uno a uno”, un llevar de la mano en el proceso de cada coleccionista. AC.- La intención es vivir con el arte, no verlo como algo extraño.

IS.- ¿Qué es vivir con el arte?AC.- Es decir “esa pieza soy yo, es lo que construye mi espacio, mi santuario”. Vivir con el arte te cambia la vida. Estos coleccionistas en potencia no han tenido la oportunidad, viven con el regalo que les dieron de boda y ponen un cuadro porque decora. Eso es sólo llenar espacio, pero cuando la gente empieza a ver que el arte puede ser parte de su vida y que de hecho se puede expresar a través de los artistas; eso es crear una galería emergente con vida. Por otra parte creo que la palabra galería ya es obsoleta porque los espacios ya no son solo galerías, somos mucho más, es decir, es una generación o comunidad que concentra diversas inquietudes.

IS.- ¿Qué decisiones has tomado para la galería, a qué riesgos estás apostando? AC.- Me considero joven en este ámbito, llevo tres años y siempre tuve la frustración de pensar por qué no llegaban los grandes coleccionistas mexicanos, por qué llegaban tan pocos y / o a veces este rechazo de las galerías que han sido modelos a seguir, que llevan 20, 30

IS.- Entender la relación entre oferta y mercado permite visualizar los diferentes espacios que conforman el escenario expositivo en el arte contemporáneo. Galerías tradicionales o establecidas, espacios alternativos y espacios emergentes son categorías que desde nuestra experiencia editorial reconocemos. ¿Cómo entiendes que trabajan estos espacios?

IS.- Coleccionistas jóvenes. ¿Cuál es su perfil, quienes son, qué sienten?AC.- Es gente que obviamente tiene una apreciación por el arte, tiene la inquietud pero nunca la oportunidad de explorarla. Su perfil va de los 28 a los 35 años y aún habiendo tenido la mayoría la posibilidad de viajar y ver otras culturas, muchos de ellos se sienten tontos al entrar en contacto con el circuito del arte contemporáneo.

Los espacios alternativos funcionan bajo una dinámica de “ven y expresa”; son muy propositivos pero no necesariamente son proyectos que van a evolucionar o que van a tener trascendencia, porque presentan proyectos específicos de un artista sin la intención de vender o exponer fuera; son el primer paso a que una galería se de cuenta de una propuesta.Después de un espacio alternativo el artista entra en contacto con la galería quien se encarga de comercializar la obra. Obviamente la relación talento, arte, discurso, etc. está orientado aquí a vender.Por su parte, los espacios o galerías emergentes entiendo tenemos igual responsabilidad que una galería tradicional porque somos los encargados de que el coleccionismo y el arte contemporáneo mexicano siga y no se pierda cuando estos espacios o coleccionistas dejen de figurar. Lo que buscamos, no sólo yo sino mucha más gente, es dejar a un lado el “déjame pasar, voltéame a ver”. No. Sé quien soy y sé quien es la galería, ¿por qué buscar eventos de gente que ya tiene un escenario? Es mejor crear eventos propios e invitar a la gente que te interesa. En Guadalajara hay quien quiere hacer esto, hablar con esa gente fue encontrar alguien con las mismas intenciones. Si en algún momento para los grandes coleccionistas la única oferta que tenían eran las 3 o 4 galerías que existían, ahora ya no, ahora la competencia es mucho más grande.

Directora de galería y curadora, Alexia Camil

NACIONAL Espacios alternativos

Arriba: Vista interior de la galería.Izquierda: Vista del exterior de FIZZ en Séneca 61, Col. Polanco.

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NACIONALBienal regional

Vino y arte contemporáneo

Cómo funciona el valor de una iniciativa cultural privada dentro del mercado contemporáneo de arte? ¿Desde su interpretación simbólica o desde su consumo

cultural? En Arte al día México entendemos que ambos enfoques están intrínsicamente relacionados: el valor estético o simbólico de una iniciativa cultural siempre reflejará un valor de consumo per se que puede o no, traducirse en un valor económico y referencial dentro del mercado contemporáneo de arte en México.En este contexto las iniciativas privadas (instituciones y marcas) dan soporte y promueven el valor estético, simbólico y comercial de las propuestas culturales al otorgarles un valor social que inmediatamente las constituye como bienes de consumo abiertos a la oferta y demanda del mercado. La identidad particular de cada iniciativa será entonces el elemento con el que

el público espectador se relacione, paralelo al hecho de identificar en las instituciones y marcas que la promueven, un referente dentro de sus gustos de consumo. En este sentido, dicha relación arroja interesantes ejemplos: La Bienal FEMSA Monterrey respaldada por FEMSA Coca-Cola, La Colección Fundación JUMEX respaldada por Jumex, Concurso de fotografía erótica respaldada por Bayer Schering Pharma, el Premio Cuervo otorgado durante la feria de arte ZONA MACO, las marcas Comex, Converse, Absolut vodka, Telmex, Banamex, BBVA Bancomer, entre tantas otras iniciativas; son en la actualidad modelos de participación privada en el sistema cultural mexicano. Los anteriores ejemplos permiten visualizar la relación entre propuesta artística y marcas. A partir de este reconocimiento asumimos que una identidad social (artística y de marca) se crea a partir de elementos

comunes que suscitan en el espectador un vínculo emocional y discursivo el cual, desde las manifestaciones artísticas, explora los elementos que componen y definen a una sociedad contemporánea.Arte al día México tiene el interés de compartir con sus lectores la “Primera Bienal L.A. CETTO Arte Contemporáneo”, un evento que consideramos de total injerencia en la conformación del mercado contemporáneo de arte en en nuestro país al consolidar un escenario en la región de Baja California. La bienal se une a las iniciativas de empresas privadas que deciden establecer un diálogo con los artistas reconociendo así la importancia del trabajo creativo que realizan. En el transcurso de ediciones futuras y conforme aumente su convocatoria estamos seguros que esta propuesta asentará un referente entre las bienales similares a nivel nacional. Marcela Quiróz, curadora independiente e involucrada en este proyecto comenta: “[Este es] un loable esfuerzo por incentivar la producción artística en la región que se suma a los esfuerzos de otras iniciativas locales por fomentar no sólo el arte contemporáneo sino el joven coleccionismo en la región. La propuesta sigue siendo (como ha sucedido en concursos y exposiciones de pintura creados anteriormente por la casa vinícola) abordar el tema del vino a través del arte“.

Iniciativa cultural privada dentro del mercado contemporáneo de arte.

Por / byPor Iván SanchezblasEditor y crítico de arte

Galería de la Cava L.A. CETTO Av. Cañón Johnson 2108, Zona Centro, Tijuana

E n su primera edición esta bienal reunió 150 obras de 100 artistas residentes en el Estado de

Baja California. Entre ellos el Comité de Selección eligió a veinte (la mayoría con más de una obra participante) de entre los cuales se entregaron tres premios de adquisición de 30 mil pesos cada uno.

Los jurados invitados en esta primera edición fueron Geovanna Ibarra, académica de Historia y Teoría de la Arquitectura en el ITESO en Guadalajara, también asesora y curadora de colecciones como la de Patrick Charpenel y la Colección López Rocha; y Lothar Müller, reconocido pintor de origen

Por / byMarcela Quiróz

Curadora

Sobre la 1ra Bienal de Arte Contemporáneo L. A. Cetto

Isaac Contreras “La pausa (La Gran Reserva)”Premio de adquisición

Isaac Contreras, talentoso fotógrafo emergente que muestra el interior de la parte trasera de un automóvil. En las vestiduras color vino anida la seductora cadencia de la luz de tarde y sobre ellas, una pequeña moneda olvidada. El juego de significados entre la temática vinícola y el sentido monetario se reúne en la imagen sobre la denominación ‘Gran Reserva’, sin duda una de las mejores apropiaciones esquivas de un tema que —en la conciencia de su literalidad— podría representar un peligro enclavado para cualquier propuesta artística.

Pablo Castañeda “Diurnos”.Premio de adquisición

Tríptico en acrílico sobre lienzo en gama de grises que convoca la literalidad de una botella de vino, elemento de intriga y secuencia entre las tres escenas representadas que abiertamente se muestra cinematográfica. De buena factura y participando de un ‘look’ angelino de los años 1950, sus pinturas refieren la tradición del realismo cotidiano pop de artistas estadounidenses como Dennis Hopper.

Karina Vega“Cierro los ojos

y aún te recuerdo” Premio de adquisición

Obra en pintura que retrata una de tintes anónimos e intimistas.

Maik Jiménez “No hay textura

como tu textura” Mención Honorífica que

confirma a su autor como un joven y talentoso

dibujante cuyas confecciones perforadas convocan

pequeños e interesantes mundos gráficos.

alemán radicado en México hace más de 20 años y actual director de la galería Kunsthaus Santa Fe en San Miguel de Allende, Guanajuato y Miami, Florida. Las obras seleccionadas y expuestas la Galería de la Cava L.A. CETTO incluyen obra de algunos de los más destacados fotógrafos, pintores y escultores de la región: Daniel Amora, Mely Avila, Gabriel Boils, Pablo Castañeda, Isaac Contreras, Ahmida Gómez, Mely Gozález Sapien, Laura Jiménez, Miguel Jiménez, Alfonso Lorenzana, Franco Mendez Calvillo, Marco Miranda, Jonathan Ruiz de la Peña, Jonathan Ruiz, Gilberto Terrazas, Alicia Tsuchiya, Liz Vaillard, Karina Vega, Luzma Vega, Yvonne Venegas.

Ahimada Gómez“Efectos secundarios”

¿

Ciertamente no toda la obra recibida habla en un mismo lenguaje o nivel de madurez en su propuesta y/o técnica, así que frente a artistas muy jóvenes, a veces muy talentosos, se entrelazan nombres de reconocida trayectoria en la región como Franco Méndez Calvillo e Yvonne Venegas.

Salvando ciertas disparidades que esta condición permite y en varios casos sorprende, lo que resulta interesante en una convocatoria como ésta es encontrar espacios de discursividad que demuestran un proceso de reflexión creativa más allá de los lineamientos impuestos por el tema de la bienal. Entre las apuestas que la componen se descubren y comprueban variaciones inteligentes y decididas que buscan no sólo hacerse acreedor a uno de los premios; sino de germinar dentro de la producción personal una propuesta de crecimiento y compromiso creativo.

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Rangel Por / by Teseo Fournier

Escritor

Artista emergente NACIONAL

E n las faldas del Popocatepetl crece una niña rodeada de mundos fantásticos, un lugar donde piedras y ciénagas son altas montañas

y peligrosos ríos que cruzar, un lugar donde las mañanas son frías, donde los amigos de la escuela casi no visitan, donde la libertad del espacio visual se hace necesaria para la introspección.

Corazones al aire tomados por la mano femenina de una mujer sin cabellera. Manos largas estiradas buscando algo en algo, corazones en la cabeza con el pecho vacío. Largas telas pintadas por manos adolescentes, ahí donde está un abuelo y risas en eco, paredes de bugambilia y neblina matutina.

Origen Salimos por la puerta de vidrio y bajamos el camino empedrado hasta la carretera. Así nos encontramos en un estudio con más de cien ojos viéndonos, sonrisas, cabello. Lejos ya de la búsqueda interna del corazón, ahora buscamos en los demás, ahora congelamos momentos, fiestas y caminatas, amigos de alguien que quedan plasmados en una tela trabajada por mano hábil y pequeña. Lejos estamos ya de las faldas del Popocatepetl, lejos estamos ya de ser niñas libres y salvajes de un pueblo innombrable a la memoria inmediata. Entramos en un espacio de columnas blancas, al fondo un caballete y frente a éste, una mujer con un perro acostado a su lado.

Delante a ella un joven se burla viendo por entre su mano hecha un cucurucho, riendo feliz e inmortal. Compañero, amigo y desconocido de los demás que ya cuelgan en las paredes, aquí no hay drama ni profundidad intelectual; no hay amor ni odio, sólo sonrisas y algunos que duermen sin darse cuenta que están colgados y pintados, hechos inmortales. La mayoría podrían estar borrachos o estar vestidos de fiesta. La mayoría la quieren y quieren estar ahí con ella, nunca terminando su cerveza, nunca terminando de bajar la mano, congelando la sonrisa y la vista. Ellos nunca la dejaran de ver.

En medio de este callado público la mujer que pinta con un perro acostado a su lado, pequeña junto a los cuadros a gran formato, escucha el suspiro del animal que una vez más la voltea a ver y de nuevo baja la cabeza para seguir durmiendo. Ella toma dos, tres, cuatro pasos y mira la gran mueca de burla que está en la tela. Ve su cuadro y toma un sorbo de café, se limpia la mano sobre los pantalones manchados con todos los colores de quienes están ahí colgados. Cada café, negro, azul, amarillo, rojo, blanco están en los jeans de una mujer en brassier pintando con el cabello recogido y un solo mechón que le baja hasta los labios.

Ahora se quita el mechón de cabello sobre el rostro y se mancha la comisura de los labios de blanco con un poco de verde, el verde del hombro que está trabajando ahora. No hay nada en su mente, es un ejercicio casi hipnótico, meditativo. Son tres años ya que está en este departamento de columnas blancas, tres años de colgar a sus amigos en las paredes y tres desde que comenzó “Origen”, una serie que sabe está por acabar, aunque el primer cuadro ya no le guste: sabe que ha cambiado, evolucionado.

Estamos lejos de las faldas del volcán, de las frías mañanas y de la niña que pintaba sola en un salón de su antigua casa. Pronto estaremos lejos de este departamento de columnas blancas. Lo único eterno es el perro y sus pinturas, su piel morena manchada de óleo, sus uñas perfectas y su vista perdida en algún detalle que sólo importa por hoy.

marysolrangel@gmail.com

Todas las imágenes pertenecen a (A traves sel otro. Serie autoretrato), óleo sobre tela, medidas variables

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NACIONAL Artista emergente

BotelloPor / by

Luis Felipe OrtegaArtista y curador

F ade in. Situar: poner en un lugar. Quizá trabajo de ubicación: desplazamiento de un cuerpo o un objeto. También, la posibilidad de distribuir

en varios sitios lo que ha quedado –como evidencia- del resultado de una acción. Situación y acción son dos términos obligatorios que vienen al referirme a la obra que ha realizado Girasol Botello en los últimos años.

Muchas de sus piezas tienen algo de “aquello que ha quedado de…”, como si extender los pedazos de un objeto nos permitieran recuperarlo en su totalidad. Acción que nace como algo que quiere ser síntesis y que se expande como evidencia: comprobación quizá de que algo ha sido, de que algo ha existido, de que alguna vez estuvo integrado en su conjunto. Como si el acto de dispersar y volver a reunir indicara un hueco en el evento escultórico: una acción nuevamente. La paradoja sucede cuando se recupera esa necesidad de levantar, de modelar, de poner delante una forma y un volumen

A veces para poder ser observados nos reproducimos en imagen. Los cuerpos que produce Girasol están dispuestos a una mirada de reojo que los reconstruya, una mirada que entre en las fisuras, que las llene –resane- con su paneo.

Si en principio el artista exige una mirada que se vuelva cómplice (o su enemiga, da igual), en algunas de las piezas que Girasol presenta en Fade Out, ha decido acudir a su propia mirada. En sus autorretratos decide mirar a la cámara, no hay ningún pudor y la vista confronta al

obturador, lo provoca para generar un punto de anclaje (si no, ¿hacia dónde se podría posicionar la mirada? ¿Hacer como que no se está mirando?). Y ese punto de anclaje se vuelve eje de la pieza-imagen, de la pieza- secuencia, de la pieza-tiempo en que la artista va desapareciendo del cuadro negro o del cuadro blanco. En este caso la pieza se fragmenta por el mínimo –imperceptible-

espacio entre cuadro y cuadro (regularmente olvidamos eso en las secuencias y sus fotogramas). La imagen se va perdiendo hacia atrás y entra la mirada del espectador a plano nomocromático.

En “Piel de barro” Girasol recurre a unir dos materiales y someterlos a las implicaciones del tiempo: su cuerpo como soporte y el barro como una capa más de la piel. Una capa que al perder el líqudo se fisura inmediatamente. La acción es un intento por alterar

Huecos, ecos y tiempo en Fade Out

el primer momento de la escultura tradicional, el momento de modelar. En esta pieza trabaja nuevamente con su cuerpo y nuevamente la escultura es tiempo que se registra en fotogramas. Sucede el tiempo y sucede la posibilidad de convertirse en una acción escultórica que, como toda obra con implicaciones de largo aliento, dejará que sea la memoria y no la cosa aquello que nos taladre la cabeza, aquello que nos deje salir de la galería cargando con esa cosa que llevamos a todas partes conocida como cuerpo. Comienza Fade Out.

cuya implicación figurativa nos remite al cuerpo, no a cualquier cuerpo sino al nuestro, al que se asemeja al del otro. Ahí el giro se torna relevante. Es un retorno a la representación y al desglose de numerosos intentos por responder a lo que todo cuerpo exige: una mirada que lo atraviese, una mirada que aporte a cerrar el ciclo de su presencia, como si el cuerpo existiera –más allá de su masa, volumen y peso- por la mirada que lo reconcilia con su presencia (eres porque has sido observado y quien te mira da cuenta de su necesidad de mirar).

girasolbotello@gmail.com

“Cabezas con mensaje”. Instalación de cabezas con hielo pigmentado, dimensiones variables, 2009

“ Variación VI”, escultura de yeso y alambre, 50 cm. de diámetro, 2010

“Las palabras y las cosas”, escultura en yeso negro, 2010

“Silencio”, escultura en yeso blanco, 2010

“Variaciones V”, escultura de yeso, 80 cm. de diámetro, 2009 y “Yo soy ellos”, esculturas de yeso, 2010

“Piel de barro”, fotografía digital (foto-secuencia), 120 x 90 cm., 2009

Panorámica de la exposición “Fade out” presentada en agosto del 2010 en Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, Ciudad de México.

Todas las imágenes son cortesía de la artista

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NACIONALSección

Crítica, opinión y ensayo

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Arte contemporáneo en MéxicoAño 8 · Nº 47 Septiembre - octubre Dosmildiez

Periodismo cultural e independienteEditor asociado: Iván Sanchezblas

A l profundizar en este tema nos hemos dado cuenta de que cada institución

educativa juega un papel específico en el escenario del actual mercado de arte. Desde este horizonte hemos reconocido en distintos ámbitos académicos características que las orientan hacia tres planteamientos educativos:

Creación: oferta educativa dirigida a artistasLos productores de arte pueden existir en casi cualquier ámbito y con cualquier tipo de formación académica; sin embargo, la especialización en la oferta educativa ha permitido la formación artística desde temprana edad hasta culminar con especialidades en niveles de maestría y doctorado. Las escuelas de arte orientadas a la formación de artistas profesionales, en todo caso, cumplen con la función de transmitir un conocimiento de la práctica artística sin por ello definir la calidad de la obra producida.

Difusión y promoción: arte y públicoUna vez que la obra de arte ha sido producida da inicio a su exhibición, un proceso (más que un evento expositivo) que engloba, principalmente, tres opciones de especialización profesional:

La primera dirigida a formar gestores culturales, profesionales en la difusión de la producción artística que fungen de enlace entre ésta y el público espectador con la producción y ejecución de proyectos específicos. A pesar de que es una actividad común en nuestro país, la realidad es que son pocos los gestores culturales que tienen una formación académica en la materia. Su mentalidad crítica y su análisis del arte y la cultura son resultado más de una experiencia de trabajo que de una sistematización de conocimiento aplicada en esta área humanista.

La segunda orientada a brindar las herramientas necesarias para la administración de instituciones culturales, sean públicas o privadas, las cuales funcionan de vehículo o anfitrión de proyectos específicos generados desde la gestión. Con la oferta académica actual se visualiza la importancia de estos profesionales pues en su responsabilidad está el permitir que el proceso de exhibición suceda.

El tercer perfil dentro de este apartado se refiere a la museografía y los servicios educativos, punto neurálgico de la recepción del arte pues aquí se transforma la experiencia sensible en una reflexión personal. Los profesionales en este campo instruyen y acompañan al espectador en su manera de acercarse al arte mediante muestras que consideran su perfil psico-social.

Estas tres opciones de especialización trabajan en conjunto y sus funciones son fácilmente confundibles pues todas participan en el punto final del proceso de exhibición de la obra artística: su visivilidad pública y comercialización.

Investigación: arte y AcademiaComo parte integral de la historia del arte contemporáneo, su reflexión crítica ha recaído en disciplinas humanistas (estética, filosofía,

Propuesta editorial a Universidades

Patrocinado por

Sin duda las universidades juegan un papel central en el desarrollo del mundo del arte en nuestro país. Desde hace décadas la formación de profesionales en arte ha definido la forma de crearlo, exhibirlo, percibirlo y pensarlo.

ciencias sociales, antropología, etc) que completan el circuito de pensamiento iniciado con la producción artística.

Los profesionales formados con esta intención integran un planteamiento educativo cuya participación en el mercado del arte se refleja en la legitimación de un artista o cierta obra a través de estudios críticos e incluso proyectos curatoriales.

A partir de estas consideraciones nos proponemos visualizar el modo en que estos planes de estudio se relacionan entre si. Para ello damos inicio a un acercamiento paulatino con distintas universidades de México y Estados Unidos (California y Miami); una regionalidad específica que en el escenario global del mercado de arte otorga la posibilidad de constituir un núcleo de permanente intercambio cultural, social, político y económico.

El objetivo: Abrir un canal de comunicación que incluya tanto a las instituciones académicas como a artistas, gestores y comercializadores del arte contemporáneo en un diálogo que visualice el contexto en el que se desarrolla cada uno para así reconocer cuáles son las problemáticas geográficas, políticas, sociales de la producción artística y del mercado al que se integran.

La complejidad en que se ha sumido desde las vanguardias del siglo pasado confronta al espectador actual no sólo con una experiencia estética, sino con todo un sistema de valores que desde el arte contemporáneo le exigen mucho más de si; de ahí la necesidad de reflexionar respecto a este entorno, pues tal situación ha hecho que la oferta educativa humanista se haya incrementado en México y exista una mayor apertura de enfoques y especialidades.

Por / by I. Sanchezblas / A. González Guerrero

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“Para nosotros es importante tener una discusión

profunda y un acercamiento intenso entre

artistas, teóricos e historiadores”

Crítica, opinión y ensayoNACIONAL

IS.- ¿Cuál es la oferta académica de la UIA en relación con el arte contemporáneo y cómo se vincula ésta con el mercado de arte en el país?

FL.- La Universidad Iberoamericana tiene dos programas, uno de licenciatura en historia del arte (un programa que va a cumplir 60 años en 2010, el más antiguo en México) y otro, con la maestría en estudios de arte, un posgrado interdisciplinario.Los dos programas tienen una relación muy fuerte con el arte contemporáneo. En la licenciatura algunos de nuestros egresados trabajan en museografía o crítica o se dedican al estudio de los fenómenos artísticos de nuestros tiempos; mientras que en la maestría, la mayor parte de los proyectos de investigación se relacionan no tanto con los periodos históricos sino con propuestas de muchos artistas actuales. Sucede que en el posgrado hay artistas plásticos que desarrollan trabajo de análisis y no solamente de creación. Para ambos programas es importante el trabajo de divulgación, de la educación con relación al arte y también de la gestión cultural. Dentro del plan de estudios se generan exposiciones que cuentan con un presupuesto de la universidad, las cuales se presentan en un espacio propio; lo que ayuda a que nuestros estudiantes estén más en contacto con las propuestas contemporáneas.

IS.- ¿A qué se refiere esta “interdiciplina” en el ámbito de posgrado?

FL.- Un número considerable de artistas vienen a nuestro posgrado a encontrar respuestas; es decir, están formados como artistas plásticos, como creadores, pero desean tener un sustento teórico e histórico distinto al que pudieron desarrollar en su formación plástica. Eso le da una gran riqueza a nuestro posgrado y nos permite una serie de colaboraciones o ejercicios, por ejemplo, cuando en el espacio de una de las galerías de la universidad se presenta una exposición, ésta suele ser curada por uno de nuestros estudiantes; ahí hay un ejercicio muy interesante donde la creación está muy de cerca con la parte teórica y hay una alimentación mutua de esos procesos que desembocan en una exposición de arte contemporáneo.

IS.- Desde esta interdiciplina, ¿cuáles son los ejes reflexivos en torno al arte que le interesan a la UIA? FL.- Son tres.El primero muestra lo más importante de la investigación de docentes y algunos estudiantes de posgrado, cada uno con su eje de investigación, a través de diferentes publicaciones.El segundo tiene que ver con el aspecto museográfico y todos los elementos que se relacionan con una exposición; desde la investigación que pone en contexto una serie de valores plásticos hasta la

procuración de fondos, la difusión cultural, la relación con otras instituciones. Este eje es muy importante dentro de la maestría.La tercera línea tiene que ver con el aspecto del arte latinoamericano. Aunque en la UIA se estudian los fenómenos contemporáneos en un ámbito internacional, a nuestros maestros, investigadores y estudiantes les interesa mucho saber que pasa en América Latina con relación a sus expresiones artísticas, contemporáneas o no.

El campo profesional no está saturado, mas bien hacen falta profesionales capacitados para las necesidades del ámbito cultural en México. Aunque lo oferta educativa en el país es diversa, historia del arte y estudios del arte son campos que pocas instituciones abordan, casi todas en el centro del país.

IS - ¿La UIA tiene colaboraciones con otras instituciones?

FL.- Tenemos convenios con distintas universidades del mundo. Los estudiantes de licenciatura casi todos pasan un semestre o a veces un año en un país que no es México, muchas veces con un idioma diferente y con un sistema educativo distinto, lo que enriquece su visión acerca del arte contemporáneo y de lo que es la educación en general. Un segundo aspecto es que pertenecemos a la National Association of Art and Science Schools, aspecto que nos permite tener un nivel de paridad con alrededor de 400 universidades de EUA y Canadá, lugares con los que hay posibilidades de convenios y colaboraciones.A nivel nacional tenemos un congreso internacional de museos, un tema en el que también participan galerías de arte contemporáneo. Este año, en junio, fuimos a Oaxaca y colaboramos con la galería Quetzalli. Ahí fue importante reconocer que los museos y las galerías tienen distintos enfoques e intereses, uno de los más importantes, el arte contemporáneo.Una cuarta y última colaboración a nivel nacional sería todo el contacto que tenemos con galerías y museos de arte contemporáneo. Por ejemplo tuvimos una investigación relacionada con la galería de Hilario Galguera y la presencia de Demian Hirst en México, lo que dio como resultado un libro. Hay también muchas prácticas profesionales. Con la galería Kurimanzutto actualmente tenemos un proyecto en el cual las estudiantes de noveno semestre van a la galería y es el responsable de ésta quien decide la calificación, planea el trabajo y supervisa a la estudiante. Lo que se busca es que nuestro alumno tenga una experiencia profesional real, que salga del aula sabiendo cómo son las cosas en la realidad.

IS – Por último, ¿cuál es la relación de la UIA con otras universidades en el país?

FL.- No tenemos tanto contacto con otras universidades como quisiéramos. La UNAM tiene una licenciatura en historia pero no en historia del arte (todavía esperamos que en algún momento suceda) y eso plantea un desnivel entre nuestra licenciatura y los planes de posgrado en esta institución. Tenemos un contacto más fuerte con su maestría de estudios e historia del arte a través de un posgrado en museografía; pero eso apenas se está planteando y quizá en enero del año que viene tengamos la primera colaboración específica; además de varios proyectos, sobre todo con el MUAC con Graciela de la Torre, que es con quien trabajamos con más frecuencia; y cursos paralelos con alguno de nuestros maestros en el museo, una modalidad que valida estudios para ambos lugares.Con otras universidades está la UDLA en Puebla, otro referente que tiene historia del arte; después no hay muchas otras opciones para estudiar esta carrera. Sentimos que no tenemos muchos homólogos. Intentamos acercarnos a la UIA de Puebla, que aunque tiene un departamento de arte y diseño, no tiene la licenciatura en historia de arte.Nuestras colaboraciones no son tan amplias ni tan continuas como quisiéramos, sobre todo porque la diferencia de los planes de estudio y de sus intereses, plantean otras dinámicas que tienen que ver más con arquitectura y diseño.

Entrevista al

Dr. Francisco López Director del Departamento de Arte en la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de México.

Para gestar un diálogo entre instituciones académicas y otros profesionales del arte contemporáneo creemos necesario desarrollar un lenguaje en común que permita reconocerse a si mismo a través del otro:

IS.- ¿Cómo visualiza la UIA su participación como institución académica en la formación del escenario del arte contemporáneo en México?

FL.- Para nosotros es importante tener una discusión profunda y un acercamiento intenso entre artistas, teóricos e historiadores. Entre más armónico y contiguo sea ese intercambio, mayor será la serie de posibilidades para interactuar y relacionarse. Desde el punto de vista de nuestra universidad es muy importante toda el área de humanidades (filosofía, letras, arte) porque en su conjunto aportan una visión del ser humano descuidada por inclinaciones más tecnológicas o encuadradas en el aspecto puramente económico. Lo que queremos hacer en la UIA es tener contacto con otras formaciones dentro de la misma universidad para que esta dimensión de lo humano esté siempre presente; y el arte contemporáneo es uno de los vehículos más importantes de esta educación.

IS.- ¿Qué número de personas ingresan y egresan y cuál es su colocación profesional?

FL.- Tenemos alrededor de 115 estudiantes de historia del arte, la mayoría mujeres: Hoy en día tenemos una población mayormente femenina. El posgrado es más equilibrado aunque siguen dominando las mujeres, tenemos alrededor de 17 ó 18 estudiantes. Algo que es importante destacar es que en ambos casos, pero más en la licenciatura, las egresadas logran encontrar un trabajo con bastante velocidad. Generalmente se relacionan con intereses desarrollados durante la licenciatura; muchas trabajan en museos y diría que alrededor del 60 o 70% de nuestras egresadas terminan colocándose en plazas que tienen que ver con el arte contemporáneo en museos, galerías o en proyectos culturales que parten del arte contemporáneo para proponer proyectos y discutirlos.

Por / by Iván Sanchezblas

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