16. Pintura Impresionista y Postimpresionista

I.E-S FRANCISCO DE GOYA MOLINA DE SEGURA DPTO DE GEOGRAFÍA E HISTORIA

TEMA 16:PINTURA IMPRESIONISTA Y POST-IMPRESIONISTA

Obras a comentar(Selectividad)

109- Monet-Impresión: sol naciente

110- Manet-Desayuno sobre la hierba o Almuerzo campestre

111- Renoir-Moulin de la Galette

112- Sorolla-Niños en la playa

113- Cézanne-Bodegón: Manzanas y naranjas

114- Gauguin-¿Cuándo te vas a casar?

115- Van Gogh-Autorretrato

116- Van Gogh-Noche estrellada

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1.- El marco histórico del impresionismo y el post impresionismo:

Francia a finales del Siglo XIX

Dos serán los estilos artísticos más destacados del final del siglo

XIX (primero en Francia y desde allí en el resto de Europa):el

Impresionismo y el Postimpresionismo. Son dos estilos

fundamentalmente pictóricos , aunque en el caso del impresionismo se

incluye también a un escultor (Rodin) y se habla incluso de “músicos

impresionistas” (sería el caso de compositores como Ravel o Debussy)

¿Cuál fue el contexto histórico de esta casi revolución en la pintura, de

esta “salida absoluta del artista hacia la Naturaleza”?:

Tras la revolución obrera de 1848 el proletariado occidental empezará a

adquirir más relevancia social y política frente a la burguesía, pero serán

los hijos de los burgueses los que se convertirán en los defensores de las

masas obreras plasmando en sus escritos o en sus pinturas los

problemas y el vivir cotidiano del obrero.

En política y en arte Francia sigue siendo el referente del mundo,

especialmente la época del II Imperio, con Napoleón III. En estos

momentos el arte está dominado por los “academicistas” y las Academias

de Bellas Artes, aunque han aparecido un pléyade de brillantes pintores

que rompen con el arte oficial. Este choque va explotar en el Salón de

1863 cuando más de tres mil obras de jóvenes pintores son rechazadas

por los representantes del arte oficial, la Emperatriz de origen español

Eugenia de Montijo tiene que intervenir y se crea con esas obras una

magna exposición, será el “Salón de los Rechazados”. El público se

vuelca con los pintores marginales, si bien estos desean triunfar en el

Salón oficial, al que se presentarán en varias ocasiones. Será a partir de

1870 cuando algunos de ellos forman un grupo con unos objetivos

comunes: estudio de la luz y del color, nuevas técnicas pictóricas con

predominio de las manchas y desaparición de la línea y el contorno, y la Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 2


ruptura con el arte oficial y así el arte pictórico de la segunda mitad del

siglo XIX seguirá dos caminos: el impresionismo y el simbolismo que en

realidad suponen el fin del ciclo pictórico iniciado en el Renacimiento y

el origen del arte contemporáneo.

Algunos de los rasgos distintivos del movimiento impresionista

habían aparecido ya en algunas de las preocupaciones técnicas de los

maestros del pasado y así por ejemplo la reflexión sobre los problemas

de la luz y los efectos de la pincelada pastosa y suelta, se encuentran en

una tradición pictórica que va desde los maestros venecianos hasta

Rembrandt y Hals, desde Velázquez hasta Goya, además de los esfuerzos

para captar el ambiente atmosférico realizados por Turner y Constable.

No obstante, los impresionistas articulan todos estos caracteres aislados

en una formulación coherente preocupada fundamentalmente por su

manera de abordar el problema de la visión de la realidad

2.-Características de la pintura impresionista:

a) El tratamiento de la luz:

La tradición pictórica desde el Renacimiento hasta Courbet tiende a

representar los objetos y las personas un tanto artificialmente. Los

modelos se sitúan en el estudio siguiendo las indicaciones del artista. La

iluminación procede, por lo general, de las ventanas. El artista crea la

sensación de volumen mediante las diversas transiciones graduales de la

luz a la sombra. Esta forma de iluminar los cuerpos y los objetos es una

convención artificial a la que el ojo del hombre se había acostumbrado.

No obstante, cuando la fuente de luz cambia y se vuelve más potente, la

impresión que recibimos es totalmente diferente. Esto ocurre sobre todo

cuando los objetos iluminados lo son por el sol, al aire libre, como ocurre

en las obras impresionista pintadas “au plein soleil”

b) la técnica:

El impresionismo, por el hecho de realizar sus obras al aire libre y por la

necesidad de captar la inmediatez de los efectos luminosos y



atmosféricos, utiliza una técnica de ejecución rápida y en muchas

ocasiones sumaria. Las pinceladas suelen ser vigorosas y cargadas de

pasta. En unas ocasiones la pincelada es corta y en otras larga y sinuosa.

Otra técnica muy utilizada es diluir el óleo hasta alcanzar una fluidez

semejante a la acuarela.

c) La composición:

Sustituyen la representación geométrica del Renacimiento por una

concepción del espacio derivada del encuadre fotográfico, lo que supone

en muchas ocasiones la ausencia de un tema central e incluso la

representación de figuras incompletas al quedar cortadas por los bordes

del cuadro.

3.- El desarrollo histórico del impresionismo

El primer pintor que, sin identificarse totalmente con el impresionismo,

revoluciona el panorama pictórico francés a mediados del siglo XIX es

Manet (considerado como el “padre del impresionismo”). Junto a él

destacan pintores como Monet, Renoir, Pisarro, y Degás.

a)Manet, Edouard

Pintor y grabador francés (1.832- 1.883). Su pintura destaca por la

trivialidad de los temas, los colores planos, los contrastes de negro y

blanco, los colores planos y la libertad de estilo. Obras como Le déjeuner

sur l'herbe (El almuerzo sobre la hierba(Select)), o El tocador de pífano

(en el museo Orsay de París), no fueron admitidas en el Salón de 1863 o

desataron escándalo como Olimpia , pero al mismo tiempo le valieron la

admiración de pintores como Degas, Pisarro, Monet, Renoir y Cézanne.

La luminosidad de su obra y la influencia de Velázquez y de Goya se

concretaron tras un viaje a España en 1.864)

Preocupado por la modernidad quiso ser testimonio de los

acontecimientos históricos ( La ejecución de Maximiliano de México) y

sociales de su tiempo ( El balcón).



Influido por Monet, practicó la pintura al aire libre sin abandonar su

fidelidad por el tema de la figura humana: El bar del Folies-Bergére es

un buen ejemplo. Una parálisis progresiva le llevó a dedicarse al pastel,

técnica con la que acabó de contribuir a forjar una revolución pictórica

basada en el cromatismo y en la soltura de la pincelada

b)Monet, Claude

Pintor impresionista francés. Nacido en París en 1840, muere en su

residencia de Giverny en 1926.

Desde un primer momento sus propuestas pictóricas se convirtieron en

una provocación al academicismo aún imperante en Francia. Monet

junto a otros autores como Renoir o Sisley, y apoyados por el fotógrafo

Nadar, prepararon una exposición colectiva en los talleres de éste que se

considera de hecho el inicio del movimiento impresionista.

Destacan en su obra los estudios de la luz y el color, sus

compatibilidades y de sus interacciones, de cómo la luz es la variación de

los colores y de cómo el color cambia según los estados de luz. Su

luminosidad es difusa y cambiante, llegando a hacer tintinear las formas.

Monet estudió los principios físicos de la refracción de la luz sobre los

cuerpos. Sus cuadros son verdaderos estudios cromáticos, de

combinaciones y correspondencias que, a veces, llegan a condicionar la

libertad del tema elegido.

De esta pasión le surgió la necesidad de pintar a "plain air" o al aire

libre, desarrollando luego la obra global en el estudio. Monet alternó

escenas de la vida parisina - " La estación de Saint-Lazaire"- con

pasisajes campestres –“ El puente del ferrocarril en

Argenteuil",”Amapolas en Argenteuil” "almuerzo campestre", "La mujer

de la sombrilla"-, o marinos - "Impression, soleil levant (1874), obra

clave del estilo, o La Terraza junto al mar en Sainte-Adresse". Su afán de

estudiar la luz y sus efectos sobre la forma y el color le llevó a realizar



series de la que la más conocidas son La Catedral de Rouen. y la ya

señalada“La estación de Saint Lazare”

Con la desintegración del grupo de los impresionistas, Monet marcha de

París y se refugia en Giverny. Aquí va desplazándose poco a poco hacia

la abstracción de formas, destacando su serie de los Nenúfares (Les

nymphéas). También llega a obsesionarse con la ruptura de las formas

tradicionales y entra en una búsqueda de nuevos lenguajes que le llevan

a investigar el arte japonés y oriental, en general. Su colección de telas y

grabados sobre estos temas que se conserva en su casa-museo es

impresionante.

Hombre de gran trascendencia pública, la Tercera República le convirtió

en un icono de la modernidad de Francia. Amigo personal de

Clemenceau, apoyó a las nuevas generaciones de pintores como Cézanne

o Picasso y su obra fue ampliamente valorada en vida.

c) Pisarro

Jacob Abraham Pissarro, llamado Camille Pizarro. Pintor francés (Saint

Thomas, Antillas, 1830-París 1903).

El encuentro con Corot en París, a donde llegó en 1855, fue decisivo

para su orientación. Podemos encontrar en su biografía pictórica dos

grandes etapas: junto a Monet, Cézanne y Guillaumin compartió un

fuerte interés por las investigaciones sobre la luz y el color con

composiciones y obras claramente impresionistas, aunque quizás

desprovistas de la fuerza de otros autores por su excesiva rigidez formal.

En un segundo momento, se sintió atraído por el divisionismo o

puntillismo de Seurat aunque en su última etapa regresó a un

impresionismo más estricto.

Entre sus obras vamos a citar las siguientes:

La calle Saint-Honoré después del mediodía (Museo Thyssen-Bornemisza

de Madrid). El jardín de Pontoise, Camino en Pontoise , Los tejados



rojos” y” La siega en Montfoucault” ( Musée d´Orsay, Paris) o Boulevard

Montmartre

d)Degas, Edgar

Edgar Degas nació el 19 de julio de 1834 en París. Hijo de un

aristocrático banquero, su madre provenía de una familia de rancia

tradición de Nueva Orleans en Estados Unidos. Fue el primogénito de la

familia y desde pequeño su padre lo puso en contacto con el arte. En

1845 inicia su bachillerato en el Liceo Louis-le-Grand y lo culmina en

1853. Abandonó la facultad de derecho para pintar. En 1854 se convierte

en alumno de Louis Lamothe, discípulo de Ingres, y asiste en 1855 a la

Escuela de Bellas Artes en París. Desde 1865, influido por el movimiento

impresionista, abandona los temas académicos para dedicarse a una

temática contemporánea.

Viajará a Italia, lo que será muy importante para su formación, donde

conocerá la pintura veneciana y florentina de Massaccio, Piero Della

Francesca... Al contrario de los impresionistas, prefiere el taller y no le

atrae el estudio de la luz natural. Dedicó mucho tiempo a pintar aunque

sus obras parecieran espontáneas o hasta casuales. Si es necesario

repetir una obra cien veces, hay que hacerla ciento veinte, ese no es

problema , solía decir en su tiempo. Su temas predilectos son: el teatro,

los cafés, las carreras de caballos y las mujeres, en las que se centra

gran parte de su obra intentando atrapar las posturas más naturales y

espontáneas de sus modelos. En su afán por capturar el movimiento en

una obra acudía a diario y permanecía horas observando los ensayos de

las bailarinas, incluso, contrató algunas para que le sirvieran de modelo

mientras pintaba. Su estudio de los grabados japoneses le llevó a

experimentar con ángulos de enfoque inusitados y composiciones

asimétricas.

Sus obras suelen presentar los bordes cortados, como en Los bebedores

de absenta ,Ensayo de ballet y Mujer con crisantemos- En la década de



1880, empieza a perder visión, y trabaja con dos medios nuevos: la

escultura y el pastel. En su escultura, al igual que en su pintura, intentó

atrapar la acción del momento. Trabajó con moldes de cera o terracota

ya que en vida no fundió ninguna escultura en bronce. No obstante, en

sus últimos años deseó hacerlo e, inclusive, llegó a convenios con

reconocidos fundidores de su país. Sin embargo, sus obras no se

realizaron hasta después de su muerte. Sus pasteles suelen ser

composiciones simples con muy pocas figuras. Se vio forzado a recurrir a

los colores brillantes y a los gestos de gran expresividad, prescindiendo

de la línea precisa. No gozó de gran reputación entre sus

contemporáneos y su auténtica dimensión artística no habría de

valorarse hasta después de su muerte el 27 de septiembre de 1917 en

París.

e) Renoir, Pier Auguste

Pierre Auguste Renoir nació el 25 de febrero de 1841 en Limoges. Hijo

de un sastre que trasladó a su familia a París. Durante su infancia

trabajó como decorador en una fábrica de porcelanas. Con 17 años

copiaba pinturas sobre abanicos, pantallas de lámparas y persianas. Fue

admitido en la Academia de Bellas Artes y en 1862 se matriculó en la

academia del pintor suizo Charles Gabriel Gleyre, donde se encontraría

con Fridéric Bazille, Claude Monet y Alfred Sisley.

En su obra más temprana se puede observar la influencia de pintores

como Monet en su tratamiento de la luz, y de Delacroix en su

tratamiento del color.

En 1864 tuvo lugar su primera exposición en París, pero no fue

verdaderamente reconocido hasta 1874, en la primera exposición de

pintores de la nueva escuela impresionista. Su Baile del Moulin de la

Galette (1876)(Select) es una de las obras más famosas del

impresionismo. Habría destacar como otros ejemplos de retrato:

Madame Charpentier y sus niños (1878) y Jeanne Samary (1879). Otras



pinturas destacadas son: El palco (1874 ), El Columpio (1875), El

almuerzo de los remeros (1881) , Los paraguas (1883) y Jarrón de

crisantemos (1895).

Consiguió una gran reputación con la exposición individual celebrada

en la galería Durand-Ruel de París en 1883. Entre 1884 y 1887 realizó

unas series de estudios de grupo de figuras desnudas conocidas como

Las grandes bañistas. En sus últimos 20 años sufrió artritis y continuó

trabajando con un pincel atado al brazo. Falleció el 3 de diciembre de

1919.

4.- El post impresionismo

a) Contexto histórico y aspectos generales

Este movimiento está formado por una serie de pintores en su mayoría

formados en el impresionismo, del cual parten, pero al cual superan. Los

más destacados son de origen francés, salvo Vicent van Gogh que nació

en Holanda, aunque decidió vivir y morir en Francia.

Para estos pìntores el impresionismo queda obsoleto y cada uno tiene su

propia visión de lo que es la pintura, de la técnica a utilizar, de los temas

a tratar y de la distribución de la composición. Unos prefieren un pintura

basada en el simbolismo, y otros optan por la fantasía. Unos creen en el

primitivismo y otros plasman el presente, por lo tanto no podemos hablar

de un movimiento homogéneo.

b) Desarrollo histórico. Principales pintores post

impresionistas

Los pintores más importantes del Postimpresionismo o

Neoimpresionismo como también se denomina a este movimiento son

Paul Gauguin, Paul Cezanne, Henri Toulouse Lautrec, Georges Seurat y

Vicent van Gogh.

Gauguin, Paul

Pintor francés (1.848-1.903). Comenzó a pintar como aficionado dentro

de la estética impresionista, pero evolucionó hacia formas más Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 9


simplificadas y contundentes y en colores encerrados entre líneas

nítidas, a la manera del emplomado de las vidrieras. En 1.886, antes de

iniciar su viaje a Tahití, pintó su Cristo amarillo. Ya en los mares del Sur

realizó su obra de tema exótico (El caballo blanco, Los senos de las

flores rojas ¿Cuándo te vas a casar?). Su obra presenta un gran vigor

colorístico en las que expresó una preocupación metafísica y una intensa

sensualidad. Su influencia fue decisiva para los pintores del fauvismo.

Cezanne, Paul

Pintor francés (1.839-1.906). En su juventud conoció a Pissarro, lo que le

motivó a pintar, aunque con un estilo propio, desvinculado de toda

escuela y de toda regla y basado en la fuerza constructiva del color, no

sólo como elemento de contraste sino sobre todo de transparencia, de

fusión y de vibración.

En 1.872 pintó una serie de paisajes al aire libre y, al año siguiente,

realizó La casa del ahorcado , con la que participó en la primera

exposición impresionista , tomando una nueva y definitiva orientación

pictórica. En 1.886 se instala en Aix-en Provence, donde pintó hasta el

final de sus días sus obras más conocidas: Jugadores de cartas, El

muchacho del chaleco rojo, Las grandes bañistas, La montaña Santa

Victoria y Bodegón con manzanas y naranjas

La rotunda afirmación de los elementos estructurales de la naturaleza

que Cézanne llevó a cabo en estas obras despertó enseguida el interés

de los cubistas y de los fauvistas , quienes empezaron a considerarse sus

continuadores.

Toulouse-Lautrec, Henry

Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec nació el 24 de noviembre de

1864 en Albi, en el seno de una de las familias aristocráticas más

importantes de Francia. Sus padres, Alphonse de Toulouse-Lautrec-

Monfa y la Condesa Adèle Tapié de Celeyran, eran primos en primer

grado. Su familia se instaló en París en 1873. Cuando sus padres se Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 10


separan en 1868, Henri quedó al cuidado de su madre. Como

consecuencia de la consanguinidad de sus padres, padeció una

enfermedad que afectaba al desarrollo de los huesos llamada

picnodisostosis y que se le empezó a manifestar en 1874. En el año 1878

sufrió la rotura de su fémur izquierdo, al año siguiente la del derecho,

razón por la que sus piernas sufrieron un desarrollo anormal a causa de

una enfermedad congénita que le provocaba falta de calcio, conservó un

torso normal pero las piernas no le crecieron.

Sus habilidades para el dibujo fueron estimuladas por su tío, el conde

Charles de Toulouse-Lautrec. Comenzó a pintar en 1878 en el taller de

René Princeteau, pintor de temas militares y ecuestres. Más adelante

estudió pintura con Joseph Florentin Leon Bonnat y Fernand Cormon.

Frecuentó los cabarets del distrito parisiense de Montmartre, como el

Moulin Rouge, y atrajo con su ingenio a un grupo de artistas e

intelectuales entre los que se encontraban el escritor irlandés Oscar

Wilde, el pintor holandés Vincent van Gogh y el cantante francés Yvette

Guilbert. Visitante asiduo del teatro, el circo y los burdeles. Los

recuerdos e impresiones de los lugares y de sus personajes los plasmó en

retratos y bocetos. Ejemplos son La Goulue entrando en el Moulin Rouge

(1892), Jane Avril entrando en el Moulin Rouge (1892) y En el salón de

la calle des Moulins (1894).

En 1890 ya había madurado su estilo, se apartó del Impresionismo y se

acercó decididamente a Degas, tal como revelan el rico cromatismo, la

importancia dada a la línea en la formación de la figura, y el lugar

preeminente ocupado por las dinámicas figuras tomadas de la sociedad

contemporánea y plasmadas en posturas características y naturales. El

artista pretende dar a sus trabajos el aspecto sencillo y espontáneo del

esbozo y, en realidad, a menudo sus formas se reducen a lo esencial

hasta tal punto que parecen casi estilizadas. Realizadas con amplias

pinceladas, sus pinturas y grabados son, en esencia, dibujos lineales. En Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 11


las figuras, la cabeza aparece más acabada que el resto del cuerpo como

si el ojo del pintor fuese el de una máquina fotográfica enfocada hacia un

punto concreto de tal modo que el resto quedase desenfocado.

Rechazando el claroscuro y el sentido plástico de la forma, se sirvió de

una perspectiva descendente, cortante que recuerda tanto las estampas

japonesas como el arte fotográfico de su tiempo. Su cromatismo es

teatral y fantasioso, hecho de rojos oscuros y verdes. No fue un artista

del plein-air: la luz, en sus escenas al aire libre, es cambiante y poco

natural. Destacó, sin embargo, en la representación de la vistosa

atmósfera de la vida nocturna, artificial, sórdida y densa. A diferencia de

los impresionistas, Toulouse-Lautrec, insistió mucho en las expresiones

de las caras para revelar un carácter o un estado emotivo, y exageró los

rasgos hasta caricaturizar los rostros, fascinado por temas muy

peculiares como prostitutas o criaturas marginadas por la sociedad,

grotescas y, al mismo tiempo, profundamente humana.

En 1891 dibujó su primer cartel por encargo del Moulin Rouge para

anunciar a los bailarines La Goulue y Valentín le Désosse. Abandonó su

estudio para refugiarse con su madre en el castillo de Malromé,

propiedad de la familia, donde el 9 de septiembre de 1901 falleció.

Seurat, Georges

Georges Seurat. Pintor francés (París 1859-París 1891).

Seurat, considerado como un neoimpresionista, avanza en los estudios

de la luz y de óptica como elemento de superación de sus

contemporáneos. Habilidoso fotógrafo, se decantó por la técnica del

puntillismo : siguiendo los estudios de física y óptica, los colores se

extendían uniformemente en numerosos y pequeños puntos, que el ojo

humano en la distancia componía. Para lograr el efecto completo sus

obras tendían al estatismo y en general conllevaban un largo y complejo

estudio de taller, totalmente alejado de la naturaleza. Rompe así con la

tradición iniciada por Monet, abriendo nuevos cauces a las futuras



vanguardias: las soluciones aportadas por la obra de Seurat incidieron

en la formación del cubismo, el futurismo y en diversas formas del

constructivismo. Sus cuadros más elaborados son: El baño en Asnières

(1884), Un domingo de verano en la Grande Jatte (1884-1886), Las

modelos (1888).

Van Gogh, Vincent

Vincent van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 en Groot-Zunder, hijo de

un pastor protestante holandés. Con 27 años ya había trabajado en una

galería de arte, había dado clases de francés, había sido estudiante de

teología y evangelizador entre los mineros de Wasmes, en Bélgica. Sus

experiencias como predicador se pueden observar en sus primeras

composiciones sobre campesinos, de las cuales la más conocida es la

tosca y directa Los comedores de patatas (1885) uno de los diez únicos

grabados que el pintor hizo a lo largo de su carrera. Oscuras y sombrías,

a veces descarnadas, sus primeras composiciones ponen en evidencia el

intenso deseo de expresar la miseria y los sufrimientos de la humanidad

tal y como él los vivió entre los mineros de Bélgica.

En 1886 partió a la ciudad francesa de París a vivir con su hermano Théo

van Gogh, que era marchante de arte, y allí se familiarizó con los nuevos

movimientos artísticos que estaban en pleno desarrollo. Recibió gran

influencia por la obra de los impresionistas y por la de los grabadores

japoneses como Hiroshige y Hokusai, comenzó a experimentar con las

técnicas de la época. Más adelante adoptó los brillantes matices

pictóricos de artistas franceses como Pissarro y Seurat. En 1888

abandono la capital francesa para trasladarse al sur de Francia con la

esperanza de atraer allí a algunos de sus amigos y fundar con ellos un

Taller del Mediodía. Bajo el sol ardiente de la Provenza , pintó escenas

rurales, cipreses, campesinos y otras características de la vida de la

región. Durante ese periodo en el que vivió en Arles, empezó a utilizar

las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 13


relacionados con obras tan conocidas como Dormitorio en Arles (1888) y

Noche estrellada (1889). Son también de esta época Descargadores en

Arles (1888) y Les Vessenots en Auvers (1890).

Para él todos los fenómenos visibles, los pintara o los dibujara, parecían

estar dotados de una vitalidad física y espiritual. Logró contagiar su

entusiasmo al pintor Paul Gauguin, al que había conocido en París, para

que fuera a verle a Arlés. Tan sólo le duró dos meses la paz y la armonía

ya que después empezaron a tener violentos enfrentamientos que

culminaron en una pelea en la que Van Gogh, fuera de sí, amenazó a

Gauguin con una navaja; esa misma noche, sumido en un profundo

remordimiento, Van Gogh se cortó parte de la oreja(autorretrato). Pasó

algún tiempo internado en un hospital de Arlés y un año en el manicomio

de Saint-Rémy, situado en esa misma región. Durante ese periodo siguió

trabajando entre los varios ataques de locura que sufrió. Más tarde pasó

tres meses en Auvers bajo atendido por un médico cordial cuyo retrato

pintó (El doctor Paul Gachet, 1890). Vincent van Gogh padeció de

muchos problemas físicos debido, en parte, a la pobreza y que a veces

estaba desnutrido. Fue adicto a la caña de ajenjo, peligrosa bebida

narcótica popular a finales del siglo XIX. Parece ser que padeció sífilis,

tinnitus, envenenamiento por plomo, sindrome de Meniere y de

epilepsia. Sus dos hermanos murieron jóvenes y su hermana,

Wilhelmina, pasó la mayor parte de su vida en un asilo mental.

Inmediatamente después de acabar su inquietante Cuervos sobre el

trigal (1890), se disparó un tiro en el estómago el 27 de julio de 1890.

Aún a pesar de su herida se arrastró de vuelta a la casa donde murió dos

días después en brazos de su hermano Theo. “Yo arriesgué mi vida por

mi trabajo, y mi razón siempre fue menoscabada” : estas son las palabras

de Vincent en su última carta encontrada en su bolsillo el 29 de Julio,

1890.



Realizó cerca de 750 cuadros y 1600 dibujos. En 1973 fue inaugurado en

Amsterdam el Museo Vincent van Gogh

PINTURA IMPRESIONISTA Y POST IMPRESIONITA: OBRAS COMENTADAS (SELECTIVIDAD)

110- Manet-Desayuno sobre la hierba o Almuerzo campestre

Identificación:

Título: Almuerzo sobre la hierba (en francés, Le Déjeuner sur l'herbe) Al

principio se llamó a este cuadro Le Bain, y luego La Partie carrée. En

español, también se ha traducido como La merienda campestre o,

también, Almuerzo campestre.

Autor: Eduard Manet (1832-1883)

Cronología: 1863

Estilo: Impresionismo

Técnica y materiales: Óleo sobre lienzo.

Dimensiones: 2.08 x 2,64 ms

Localización original:

Localización actual: Museo de Orsay de París, Francia

Tema: escena de un paisaje con figuras

Análisis:Almuerzo sobre la hierba (en francés, Le Déjeuner sur l'herbe) es un

cuadro realizado por el famoso pintor francés Édouard Manet en 1863. Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 15


Mide 208 cm de altura y 264,5 de largo. Es un cuadro al óleo. Se exhibe

en el Museo de Orsay de París, Francia. La yuxtaposición de un desnudo

femenino con caballeros completamente vestidos suscitaron controversia

cuando la obra se mostró por vez primera en el Salon des Refusés (Salón

de los Rechazados) en 1863, después de ser rechazado por el Salón

oficial. Fue el lienzo «más irritante y controvertido» de esa exposición de

obras rechazadas. Aparte de considerar vulgar el que una mujer

estuviera desnuda junto a jóvenes vestidos, numerosos críticos

rechazaron la modernidad del estilo, desde el punto de vista cromático y

compositivo.

Los críticos fueron muy tajantes con la escena de Manet, mientras que

los jóvenes artistas - quienes, más tarde, conformarán el grupo

impresionista - consideraron la obra como una muestra de

vanguardismo, animando a Manet a crear imágenes de esas

características y agrupándose en torno a él. Por lo tanto, El Baño(título

inicial) se considera el punto de ruptura con el arte académico y

tradicional. El título de Desayuno en la hierba sustituyó al original cuatro

años después. Manet pareció inspirarse en una jornada de baño en el

Sena para realizar un desnudo en un paisaje, el sueño de todo pintor.

Para ello empleó a su modelo favorita, Victorine Meurent, junto al

escultor holandés Ferdinand Leenhoof - hermano de Suzanne, su futura

esposa - y a su propio hermano, Gustave. Los tres se sitúan entre los

árboles, apreciándose el Sena al fondo y a otra joven que sale del baño;

la mujer desnuda ha colocado sus vestidos a su izquierda, junto a una

cesta de fruta. Por supuesto resulta chocante el contraste entre la

desnudez de la joven y los dos hombres que la acompañan, siendo ésta la

gran novedad de la imagen. Y es que Manet buscó su inspiración en las

"fiestas galantes" del último Barroco francés - en las que también

aparecían mujeres desnudas junto a hombres vestidos - empleando como

modelos el Concierto campestre de Tiziano. En estas fuentes clásicas



aparecen asimismo las figuras femeninas desnudas pero no habían

supuesto ningún escándalo. ¿Y por qué esta escena, aparentemente

continuadora de la tradición clásica, sí motivó un fuerte escándalo en el

Salón? Porque suponía una muestra de la modernidad, al ser una joven

burguesa cualquiera la que posaba desnuda ante dos hombres. Manet ya

había recurrido a emplear imágenes modernas junto a elementos

clásicos en otras obras - Ninfa sorprendida o Muchacho con espada -

pero nunca con tanta fuerza como en el Desayuno en la hierba. Por lo

tanto, sería rechazada por un jurado que, admitiendo desnudos en el

Salón, no podía permitir que este canto a la vida moderna se exhibiera

en las paredes del recinto oficial. En referencia a los tonos empleados,

resulta sorprendente el contraste entre los negros trajes masculinos y la

clara desnudez de la modelo, que elimina las tonalidades intermedias

para marcar aún más ese contraste. El empleo del negro puro no era

muy académico, por lo que las obras de Manet siempre eran censuradas

por críticos y jurados oficiales. Al fondo recurre al abocetado que

caracteriza sus primeras escenas, quizá para marcar la sensación de

profundidad y de aire, como hizo Velázquez, uno de sus pintores

favoritos. Un fuerte foco de luz incide directamente sobre el grupo, sin

apenas crear sombras, apreciándose aquí la influencia de la estampa

japonesa. Resulta interesante mencionar el excelente dibujo del que

siempre hará gala el artista, aprendido en las largas sesiones del Louvre

copiando a los clásicos, que sirvieron siempre de referencia al pintor.

109- Monet-Impresión: sol nacienteIdentificación:

Título: “Impresión: sol naciente”

Autor: Claude Monet

Cronología: 1872,

Estilo: impresionismo


http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/3652.htm


Técnica y materiales: : Oleo sobre lienzo Dimensiones: 47 x 64 cm.

Localización actual: Museo Marmottan de París

Tema: paisaje marino

AnálisisImpresión, sol naciente (en francés Impression, soleil levant) es el

cuadro del pintor francés Claude Monet, que dio su nombre al

movimiento impresionista.

Fechado en 1872, aunque pintado más probablemente en 1873, su

motivo es el puerto de Le Havre en Francia, usando muy pocos toques de

pincel que sugieren en vez de delinear. Monet explicó posteriormente el

título:

"El paisaje no es otra cosa que una impresión, una impresión instantánea

, de ahí el título , una impresión que me dio. He reproducido una

impresión en le Havre, desde mi ventana, sol en la niebla y unas pocas

siluetas de botes destacándose en el fondo... me preguntaron por un

título para el catálogo, no podía realmente ser una vista de Le Havre y

dije "pongan impresión"

La pintura se exhibió en 1874 durante la primera exposición

independiente de los impresionistas, todavía no conocidos por ese

nombre. El crítico Louis Leroy, inspirado por el título del cuadro, tituló

su hostil crítica en el periódico Le Charivari, "Exhibición de los

impresionistas" , dando nombre inadvertidamente al movimiento. Leroy

escribió allí:

"Impresión..no me cabe duda. Me decía a mí mismo que, como estaba

impresionado, debía haber alguna impresión allí..y qué libertad, que fácil

artesanía ! El empapelado en su estado mas embrionario tiene más

terminación que este paisaje marino.”

Monet pintó el sol casi con la misma luminosidad del cielo, una condición

que sugiere humedad alta y atenuación atmosférica de la luz. Este


http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/materiales/1.htm


detalle descansa sobre el uso de colores complementarios y variedad de

temperaturas de color, en lugar de cambios de intensidad o valores

contrastantes, para diferenciar el sol del cielo circundante. La sensación

atmosférica domina una escena en donde las formas desaparecen casi

por completo. Los colores han sido aplicados con pinceladas rápidas y

empastadas, apreciándose la dirección del pincel a simple vista,

resultando una imagen de enorme atractivo tanto por su significado

como por su estética

111- Renoir-Moulin de la Galette

Identificación:

Título: Baile en el Moulin de la Galette (Bal au moulin de la Galette)

Autor: Renoir, August

Cronología: 1876

Estilo: Impresionismo

Técnica y materiales: óleo sobre lienzo

Dimensiones: 131 cm × 175 cm

Localización actual: Museo de Orsay

Tema: Escena de género

Análisis:Baile en el Moulin de la Galette (en francés: Bal au moulin de la

Galette) es una de las obras más célebres del pintor impresionista

francés Pierre-Auguste Renoir, que se conserva en el Museo de Orsay en

Paris, siendo uno de los cuadros más emblemáticos del museo

Renoir era maestro en representar los eventos comunes cotidianos. En

esta obra maestra del impresionismo fija un momento de la vida parisina

en una atmósfera de feliz abandono. Presenta a la gente sencilla y

popular que se divierte un soleado día de verano en el Moulin de la

Galette. Este establecimiento era un antiguo molino, reconvertido en

café, al que se acudía los domingos, porque allí se celebraba un baile

muy concurrido



La composición se desarrolla en torno a un esquema curvilíneo, del

primer plano hacia el fondo, siguiendo las diagonales del cuadro. La

pincelada es borrosa. Consigue un gran colorido y efectos de luz, como

filtrada a través de las hojas

En el primer plano aparece Georges Rivière, amigo de Renoir. Era un

escritor y crítico que defendía a los impresionistas

112- Sorolla-Niños en la playa

Identificación:

Título: Niños en la playa

Autor: Joaquín Sorolla

Cronología: 1910

Estilo: impresionismo

Técnica y materiales: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: Medidas: 118 x 185 cm.

Localización actual: Museo del Prado

Tema:

Análisis:Niños en la playa es una obra del pintor español Joaquín Sorolla. La obra

es de estilo impresionista (s. XIX), aunque la obra es del año 1910.

En la pintura se pueden ver a tres niños desnudos tumbados en la arena

de una playa, concretamente en la orilla del mar.

La obra está pintada con grandes pinceladas continuadas, que forman

los cuerpos de una manera rápida y poco minuciosa, característica

principal de la pintura impresionista. Los cuerpos de los niños se funden

con las olas del mar, y todo ello forma un conjunto sereno y tranquilo. La

pintura plasma una escena al aire libre; la pintura en plein air es típica

de los impresionistas.

Aunque Sorolla no pertenece al grupo de impresionistas franceses

famosos (Manet, Monet, Renoir, Degas, Sisley y Pissarro), es un pintor

de tanta calidad como los nombrados.



Si hay un pintor que ha sabido captar la luz del Mediterráneo es, sin

lugar a dudas, Joaquín Sorolla. Fue un especialista en reflejar en sus

obras la luminosidad y la alegría del Levante español. Valencia, su

ciudad natal, será su lugar preferido de inspiración y donde encontrará

su temática favorita: pescadores, niños bañándose, jóvenes en barco, etc.

Por eso los retiros del artista a Valencia van a ser cruciales para su

producción. Era habitual encontrarle por las playas captando en sus

lienzos a sus gentes y su luz, esa luz dorada y brillante que tan bien ha

sabido mostrar Sorolla en sus cuadros.

Niños en la playa es una de las obras cumbres del pintor. Tres niños

aparecen tumbados en la playa, en el lugar donde el agua de las olas se

mezcla con la arena, muy cerca de la orilla. Los niños desnudos, como se

bañaban en los primeros años de siglo los muchachos del pueblo,

demuestran el perfecto dominio del pintor sobre la anatomía infantil.

Pero el tema no deja de ser una excusa para realizar un estudio de luz,

una luz intensa que resbala por los cuerpos desnudos de los pequeños.

Las sombras para Sorolla no son de color negro tal y como dictaba la

tradición, sino que tienen un color especial según consideraba el

Impresionismo. Por eso aquí emplea el malva, el blanco y el marrón para

conseguir los tonos de las sombras. Una de las preocupaciones del pintor

eran las expresiones de los rostros, que ha sabido captar perfectamente

en el niño que nos mira aunque su cara no esté claramente definida.

Observando este cuadro, el espectador puede respirar la atmósfera del

Mediterráneo, que Sorolla tan bien conocía.

113- Cézanne-Bodegón: Manzanas y naranjas

Identificación:

Título: Bodegón con manzanas y naranjas

Autor: :Paul Cézanne

Cronología: 1895-1900Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 21



Estilo: post impresionismo

Técnica y materiales: Oleo sobre lienzo

Dimensiones: 74 x 93 cm. Localización actual: Museo de Orsay

Análisis:Debido a la meticulosa manera de trabajar de Cézanne, se especializará

en paisajes y bodegones. Aquí encontramos desarrollado el nuevo

concepto de la pintura que crea el maestro de Provenza; el pintor debe

buscar la esfera, el cono y el cilindro en la naturaleza, formas con las

que pretende recuperar el volumen perdido por los maestros

impresionistas, anticipándose así al cubismo. Aplicando el color como

sistema de modelado -"la forma alcanza sólo su plenitud cuando el color

posee su mayor riqueza"- conseguirá conjuntos de altísima calidad como

este magnífico bodegón. Las esferas de manzanas y naranjas se

distribuyen por el conjunto rodeadas de diferentes telas en las que se

aplican las tonalidades. En la iluminación empleada aún existe un punto

de conexión con el Impresionismo. Sin duda, Cézanne ha recuperado la

forma, que se estaba perdiendo en los últimos cuadros de Monet y que

llegaba casi a la abstracción en los años finales del siglo XIX.

115- Van Gogh-Autorretrato

Identificación:

Título: Autorretrato

Autor: Van Gogh, Vincent

Cronología: 1889.



Dimensiones: 65 x 45 cm

Localización actual: Museo de Orsay. París. Francia

Tema: Retrato

Análisis:



http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/museos/19.htm


A lo largo de su vida artística Vincent pintó un gran número de

autorretratos, su continuo recurso a sí mismo como modelo obedecía

muchas veces a una razón práctica: la falta de personas dispuestas a

posar para él, circunstancia que lo afligía y que a menudo lamentaba,

dado que tenía el retrato por el género principal de la pintura.

En este lienzo, el artista se representa de tres cuartos, vestido de una

manera cuidada y elegante, con el cabello peinado hacia atrás, dejando

al descubierto la frente. La expresión del rostro es tensa, casi agresiva, y

la mirada infunde un cierto temor. Las cejas están contraídas y la boca

se pliega ligeramente hacia abajo.

Toda la obra está dominada por el color azul, que se refleja en la piel del

rostro, los labios y el cabello. Tanto la chaqueta como el fondo están

pintados con trazos ondulantes transmitiendo la idea de permanente

cólera y angustia, haciendo de este lienzo una de las imágenes que el

artista ha producido de manera más dramática.

116- Van Gogh-Noche estrellada

Identificación:

Título: Noche estrellada

Autor: Van Gogh, Vincent

Cronología: 1889



Dimensiones: 73,7 x 92,1 cm

Localización actual: Museo de Arte Moderno. New York. USA

Tema: paisaje nocturno

Análisis:A diferencia de sus amigo Gauguin que estaba elaborando una

pintura de contenido simbolista, fruto de su imaginación y no inspirada

en modelos reales, Vincent se decanta por el contacto directo con la

realidad, pero esto le supone un problema ya que le resultaba difícil



representar el cielo nocturno, para ello ideó un sistema tan extravagante

como ingenioso: colocó velas encendidas en su sombrero y pudo así

realizar la primera obra nocturna al aire libre de la historia.

Sin embargo, y a pesar de haber trabajado al natural, el resultado es

cualquier cosa menos realista, la poderosa imaginación del autor

transforma la vista nocturna en una especie de acontecimiento cósmico

donde el cielo parece iluminado por multitud de cometas que giran

vertiginosamente, creando una serie de remolinos de luz, haciendo que

el pueblo parezca sumergido en una atmósfera sobrenatural.

La composición del cuadro es magistral, la línea diagonal de las

montañas, las ondulaciones amarillas de los astros, las pinceladas

espirales que forman los árboles diseminados entre las casas, mientras

que el largo tejado en punta del campanario rima con la forma del

solitario ciprés, cuya silueta cierra la escena en primer plano.

OBRAS PARA COMENTAR (SELECTIVIDAD)

Manet-Desayuno sobre la hierba o Almuerzo campestre

Monet-Impresión: sol naciente :¡¡¡



Renoir-Moulin de la Galette

Sorolla-Niños en la playa

Cézanne-Bodegón: Manzanas y naranjas



Gauguin-¿Cuándo te vas a casar?

Van Gogh-Autorretrato



Van Gogh-Noche estrellada


16. Pintura Impresionista y Postimpresionista

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